El director Gonzalo Herralde es uno de los exponentes de un cambio de imágen que renovaría con aire fresco la concepción del cine español y catalán gracias a su compromiso con la realidad del momento desde su debut con “La muerte del escorpión” (1976), pasando por ese tremendo documental “El asesino de Pedralbes” (1978) o la adaptación de la novela de Miquel Llor “Laura a la ciutat dels Sants” (1987). Su filmografía ha tenido más o menos una aceptación tibia pero hay que aceptar de que no se puede olvidar de un director que no rueda largometrajes desde principios de los años noventa..

En 1983 adaptó la novela de Juan Marsé “Últimas tardes con Teresa” que refleja claramente la lucha de clases entre una burguesía catalana con la recién llegada emigración, asentada, entre otros lugares, en el barrio del Carmel. Lugar donde reside y malvive entre trapicheos y hurtos, Manolo el "Pijoaparte"
(Ángel Alcázar). Su intento de aparentar ser y contactar con la alta sociedad da su frutos cuando conoce a Maruja (Patricia Adriani) la criada de la familia de Teresa (Maribel Martín), rebelde estudiante universitaria que, poco a poco, sentirá algo más que admiración para ese chico de clase baja y que para ella puede representar un símbolo de su lucha por las libertades.

Intachable retrato de una época ya lejana y que se rodó en lugares idóneos de la capital de Catalunya como la sala de fiestas de La Paloma (hoy desaparecida) o la playa de Begur, en la Costa Brava.

Planteada como una historia de vidas cruzadas a lo “amigos de Peter” y sin dejar de reformular su buena combinación de comedia y drama que tan bien funciona en los films sobre reencuentros, la película del malogrado director Ted Demme (Blow) se conjura como una válida afirmación de principios basados en que realmente las amistades en la juventud no se pierden cuando se llega ya a una edad como a los treinta y tantos (edad bastante avanzada para algunos de sus protagonistas como Timothy Hutton) y después de mucho tiempo sin verse.

La película discurre como una comedia dramática coral en que cada uno de los personajes tiene una función en el nexo de la historia que les une después de tanto tiempo. El título del film se le atribuye a las mujeres aunque sus protagonistas son masculinos. De hecho el pianista en ciernes Willie Conway que interpreta Timothy Hutton es el hilo conductor de la historia: desde Nueva York regresa a su pueblo natal para reunirse de nuevo con sus antiguos compañeros de clase, entre ellos Paul (Michael Rapaport), Tommy (Matt Dillon) y Michael (Noah Emmerich). Cada uno con sus problemas sentimentales o domésticos. Y Willie, estando en una posición intermedia, las cosas no parecen estar mucho a su favor.

Una buena historia de viejas amistades con sus antiguos y nuevos problemas en una película que redondea con un reparto femenino encabezado por Mira Sorvino, Uma Thurman y una sensacional Natalie Portman que interpreta a la joven vecina que se enamora del protagonista. Un buen film producido en la gloriosa época de los hermanos Weinstein y que cosecharon éxitos con la productora Miramax.

Aprovechando el filón de moda que representaba la incursión de Leonardo DiCaprio a raíz del éxito de "Titanic" (1997) de James Cameron, el realizador británico Danny Boyle, todavía resacoso de su aclamada cinta "Trainspotting" (1996), adaptó una novela de Alex Garland, escritor y guionista que posteriormente destacó en su labor en otros films de Boyle como "28 días después" (28 days later, 2002) y "Sunshine" (2007) así como su sorprendente debut como director en la película de ciencia-ficción "Ex-Machina" (2015)). Su primera novela "The Beach" era fácil de trasladar al cine teniendo en cuenta en que su mezcla de aventura, romanticismo y thriller dotado de cierto exotismo oriental brindaba a la aventura de su mochilero protagonista, Richard un joven norteamericano en busca de aventuras y nuevas emociones en la Tailandia barata, nocturna y motelera, a reunirse precipitadamente gracias a un mapa con una peculiar comunidad de chicos y chicas como él en una paradisíaca isla con su hermosa playa de ensueño. Richard irá acompañado de una pareja de franceses (interpretados por Virginie Ledoyen y Guillaume Canet) en su periplo hacia el incierto paradero que, en un principio, habrá valido la pena llegar.

De la aventura, al drama y a la intriga en ese marco desconocido y exótico en que se entremezclan “Apocalypse Now” (1979), “El Lago Azul” (The Blue Lagoon, 1980), sin dejar la paranoia ya heredada de la anteriormente mencionafda “Trainspotting” con momentos que también nos lleva a recordar “El Señor de las Moscas”. Tilda Swinton (como líder de la comunidad mochilera) y Robert Carlyle complementan el reparto.

Debut más que interesante del director Jordan Peele en su reto de abordar el género de terror psicológico con momentos de ácida crítica social en lo que conscierne a un nuevo estilo de vida conservador, acomodado y tolerable con delicados asuntos como el racismo a día de hoy, difuminado gracias en parte a la era Obama que había demostrado que ya se había pasado página a la lucha de derechos en los Estados Unidos y que el color de piel no debía representar un inconveniente.

“Get Out” sugiere, de un modo transgresor y maligno, lo que hace cinco décadas atrás se enfrentó el personaje del yerno Sidney Poitier en “Adivina quien viene a cenar” (Guess who´s coming to dinner, 1967), frente a unos perplejos suegros interpretados por Katharine Hepburn y Spencer Tracy. En la película de Peele los prejuicios se plantean como un comentario chistoso, sin importancia y venido a menos como una broma en el aire de entre tantas y tantas conversaciones íntimas de pareja. y La formada por Rose (Allison Williams) y su novio de color, Chris (Daniel Kaluuya) no es una excepción. Pero Chris denotará la atmósfera extraña que reina en la gran casa que tienen los padres de Rose, con una madre psiquiatra (Catherine Keener) y un padre neocirujano (Bradley Whitford).

A partir de allí el clímax inquietante basado en las intuiciones de su protagonista masculino se basará en las extrañas actitudes de los padres de ellas y de un entorno calmo y bastante inquietante para ser cierto. La pulcritud y los quehaceres de los miembros de ese cálido hogar junto con la servidumbre quedan planteados como el reflejo de una clase altade rancio abolengo, culta e inteligente que choca contra la incapacidad de enfrentarse desde su posición social. Pretexto más que suficiente para que además de desarrollarse como una película de terror, invierte con acierto por su adecuado suspense en fase creciente.

El poco dosificado subgénero de las artes marciales, importado mayoritariamente desde Hong Kong aprovechó durante los años posteriores a la muerte de Bruce Lee para explotar hasta la saciedad su imágen mucho más allá de lo que representaba un mito de por si adoptado en Hollywood pero que se había ganado el público asiático (gracias en parte al productor Raymond Chow) con una escasa e intensa filmografía en que demostraba ser dueño de sus actos bajo su propia supervisión.

Se reclutó a muchos actores especialistas en artes marciales (su sentido del deber artístico quedaba por debajo de unas posibilidades ya de por si nulas) para divertirse de lo lindo con sus llaves de kung-fú y taekwondo conciencudos de que hacen bien su trabajo como los actores porno sudan de lo lindo en sus tareas requeridas.

Éste título del inframundo cine de karatecas goza de un reparto digno de una mención al recordado intérprete de “El furor del Dragón” (Meng long guojiang, 1972) . Porque lo encabezan un tal Dragon Lee, un Bruce Le (sí, con una e) y Bruce Thai. Éste pintoresco trío calavera surge de un proyecto científico en que se ha recogido ADN del Lee original para crear una nueva herencia de luchadores dispuestos a salvar el mundo. Un mundo lleno torpes productores de cine que esconden valiosos alijos y “mad doctors” capaces de crear luchadores más fuertes que el acero pero rociados con una especie de pintura dorada que no servirían ni para un casting de Ed Wood. En resumen: abstenerse si no sois proclives a curiosear en éstas infumables producciones de tercera.

Con el gran apoyo de público y crítica y una filmografía que iba viento en popa, el realizador de “Hermanas” (Sisters, 1973) y “Fascinación” (Obsession, 1976) optó seguir con la corriente de realizar filmes de suspense con trasfondo sobrenatural, y otro éxito como “Carrie” (1976) le auguraba un buen futuro en el campo del fantástico. A raíz de esa causa-efecto que había sorprendido al público al haber presenciado la adaptación de esa temprana novela de Stephen King , el realizador de “Los Intocables de Elliot Ness”·, decidió ampliar el tema y llevarlo a terrenos más o menos adecuados a sus gustos como el thriller.

No quedó como el mejor De Palma que podía ser aunque tampoco no es justo no reivindicar “The Fury” como una de las gamberradas ilustres obsequiadas por un de Palma que quería virar hacia Hitchcock y mucha trabajo aún le quedaba. Con “la Furia” le resta el hecho que añada elementos de “Carrie” con influencias de “La Zona Muerta” de David Cronenberg (la novela, no la película que no se rodaría hasta 1982) pero es que “The Fury” está tan llena de defectos como de buenos efectos. A partes iguales agrada pero no compensa lo suficiente… Se queda con el suspense pero tampoco pretende impresionar con puro terror. De Palma recurre al fantástico para ofrecernos la intriga necesaria con sus pequeñas dosis de humor negro. No es lo mejor de su cine pero podría estar a la altura del David Cronenberg más radical o de los sangrientos “giallos” que ya llevaban unos años manchando de sangre las pantallas cinematográficas medio mundo.

Disfrutase más como un divertimento ofrecido por su director que aparca las exigencias de un público más fiel a un maestro de cámara que a un narrador de historias.

Son los últimos años del Caribe colonial, a mediados del siglo XVIII. A bordo de un velero el agente inglés William Walker (Marlon Brando) llega a la isla de Queimada con la intención de agitar la rebelión de la población esclava contra los dominadores portugueses. ¿Pero a qué conlleva tanto interés a un hombre de otra tierra llevar a cabo una revolución que traerá la independencia de un pueblo sometido a la merced de otros y cuya fuente de recursos importante es la caña de azúcar, un bien muy preciado por aquel entonces? ¿Qué intereses hay detrás de esa otra forma de colonialismo como es el libre comercio?

Tras la libertad de las personas siempre hay un benefactor o interesado. Se impone una ley universal imparable e incuestionable de cualquier país que busca saquear de un modo u otro más o menos comercial para acabar imponiendo sus dogmas por encima de los hombres y a favor de unos pocos privilegiados que apenas visitan esa tierra conquistada a base de tratados comerciales y que viven a miles de quilómetros de allí. Pero para llegar a éste punto basta con manipular al pueblo y erigiéndo a un un líder como José Dolores (Evaristo Márquez) gracias en parte a la estrategia planificada por Sir Walker en una muy buena jugada maestra.

Es evidente que el director italiano Gillo Pontecorvo (La batalla de Argel; Operación Ogro) está con el pueblo, con las masas y por la libertad... Pero siempre bajo un análisis crítico representado por la figura del rebelde pero también manipulable José Dolores en esa imaginaria republica de la isla de Queimada y en que reivindica claramente éste azote contra los tejemanejes de lo que ahora entendemos como Capitalismo, con sus derivados conflictos de intereses en detrimento de las personas comportando el fin de sus claros derechos y libertades.

Una película que ejemplifica perfectamente ese poder y conflicto emanados por la lucha de las clases más bajas instigadas por otras más aburguesadas. Su antocolonialismo es fulgurante pero por otra parte también se ensaña con el modo partidista de crear una revuelta.

ESA REVOLUCIÓN LLAMADA PIXAR STUDIOS
Imaginémonos por un momento que volvemos a ser niños y que disfrutamos de nuestro gran microcosmos como son las cuatro paredes de la habitación empapelada con decoraciones de lo más vistosas, cual color pastel más ideado. Y que en los momentos de ausencia dejamos nuestros juguetes esparcidos por todas partes. ¿Qué ocurre con tanto desorden? Que se pierde o el echa en falta nuestro juguete más preciado... Pero... ¿Y si son ellos, los juguetes, los que toman vida cuando no estamos presente y son la razón de tal desorden?

La base de la idea de “Toy Story” ya es de por sí ingeniosa y muy bien planteada. No se pueden corre más ríos de imaginación en ésta maravillosa y ocurrente chuchería que en su día se las ingeniaron, entre otros, dos grandes impulsores de los estudios Pixar como Andrew Stanton y John Lasseter, luego implicados en la absorbente Disney que al comprobar que esos pequeños pero revolucionaros estudios de animación Pixar prometían y viendo que les podían desquitar de descalabros tales como “Chicken Little” (2005).

La rivalidad entre juguetes viejos y nuevos es el eje narrativo de un argumento que enfrenta al vaquero Woody y el astronauta Buzz Lightyear en su disputa para convertirse en los líderes de la habitación del pequeño Andy. Un percance en que los dos se pierden fuera de tan querido hogar y bajo una inminente mudanza los llevará a unirse en una increíble aventura.

“Toy Story” fue precedida por dos continuaciones igual de exitosas y con una cuarta entrega en preparación. Fue el primer largometraje de animación íntegramente hecho pir ordenador dejando un sello indeleble en unos estudios que siguen hasta hoy asombrando con sus propuestas.

El mítico realizador francés, fiel a un lenguaje narrativo muy particular y acorde a su modo de dirigir, se expropió, en uno de sus films más exponenciales a sus liberados dogmas, del personaje de Lemny Caution, un agente del FBI creado por el escritor norteamericano Peter Cheyney, uno de los más fieles representantes de la literatura “pulp” norteamericana Y lo traslada en un futuro semi bladerunnerianio pero negándolo de los recursos y detalles necesarios para optimizar el ambiente digno de una distopía y que haría delícias de los fans del género.

Hechas estas consideraciones que aquí la habilidad del cinéfilo más exigente y entregado a una filmografia como la de Godard sabe que tiene que prestar más atención a un relato aromatizado de “film noir” y parpadeando de manera intermitente el manejo de la cámara (zooms, la fotografía en blanco y negro, y diálogos algo inconexos) en esa escenificación industrial y periférica del París nocturno que representa el planeta Akphaville, destinatario en que el agente Lemmy Caution (interpretado por el actor y cantante estadounidense Eddie Constantine), en su misión para eliminar a un científico loco (Howard Vernon) y al poderoso ordenador que ha programado (curiosamente se cinvierte en una recurrente voz en off que guía a su protagonista a través de su periplo) y que controla a la libre voluntad de sus habitantes.

Tratándose de un film del director de “Al Final de la Escapada” (A bout de souffle, 1960), y “Pierrot el Loco” (Pierrot le Fou, 1965) es indudable su particular punto de vista conceptual en su modo de dirigir y controlar con total libertad sus películas que no es de extranyar que su filmografía no alcanzase la aprobación de un público mayoritario.

De todos los íconos del cine fantástico manufacturados en Hollywood planteados como divertimentos familiares tipo “Gremlins”, “Cazafantasmas, “Goonies” o “Regreso al Futuro”, fue Howard, éste prototipo de pato Donald de otro planeta, el que se vio más mal parado. Con George Lucas como productor ejecutivo de ésta oportuna adaptación de una tira cómica de la Marvel (dicha ave tan especial tiene una breve aparición en otra adaptación como es “Guardianes de la Galaxia” (Guardians of the Galaxy, 2014) de James Gunn, el fracaso comercial de la película de Willard Huyck se dejó entrever por un mala preparación en la pre-producción que saldaría con el resultado de un precipitado argumento bordado de mucha estética de la época con sus efectos especiales añadidos.

El lastre queda evidente desde principio a fin de la cinta (Howard el pato es abducido desde su planeta hasta la Tierra debido a las consecuencias de un experimento de un grupo de científicos) que aunque se toma con sentido del humor la semántica que utiliza su protagonista con pico, no convence ni estimulando la más absurda de las sonrisas: desde un “me hace falta sentir tu pico contra el mío”, “ciao plumitas” a “las catarátas del pájara” a “estoy hasta los huevos” sin olvidar a referencias a Indiana Jones.

Ni las interpretaciones de una mediocre e insistente Lea Thompson en hacerse popular (fue la madre McFly de “Regreso al Futuro”), un desconocido Tim Robbins, ni el timburtoniano Jeffrey Jones salvan éste descosido tebeo en su adaptación al demandado cine que reclamaba diversión y cuencos de palomitas a pretenciosos y aborrecibles sedantes de ésta clase.

Notable aproximación a la novela escrita en 1865 por el ruso Nikolai Leskov y que otro compatriota suyo, Dmitri Xostakóvitz, escenificaría con la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” estrenada en 1934, el largometraje del director William Oldroyd es una sombría adaptación ambientada en la campiña inglesa de mediados del siglo XIX. Una atmosfera lo suficientemente espaciosa y gris en la que su protagonista Katherine (Florence Pugh) desata sus pasiones más prohibidas bajo las normas estrictas de una institución familiar que la ha obligado a esposarse en contra de su voluntad y que va más allá de ser lo que debería ser una vida acomodada y plena.

Así el deseo ferviente y la necesidad de estar al lado de Sebastian (Cosmo Jarvis) uno de los empleados a su servicio, se hace más mayor equiparándose a la necesidad de deshacerse de su esposo (Paul Hilton) y un tiŕánico suegro (Christopher Fairbank).

El personaje femenino de la obra de Shakespeare, redondeado en la obra de Leskov alcanza su máximo expionente con la magnífica interpretación de la jovencísima Florence Pugh en ésta película perturbadora en sus largos planos y notablemente fotografiada por Ari Wegner tanto en interiores como exteriores (en los condados ingleses de Durnham y Northumberland). Especial atención también requiere la ambiental banda sonora compuesta por Dan Jones.

En unos tiempos en que el mundo no podía ir más de mal en peor, el escritor británico James Hilton (1900-1954) escribió en 1934 su más célebre novela “Lost Horizon” en que nos adentraba en un pequeño valle albergado albergado en los agrestes y nevados picos del Himalaya tibetano y donde una pequeña comunidad vive en perfecta armonía y plenitud ajena a los problemas del mundo. Un lugar inaccesible donde Shangri-La se ha erigido como el Paraíso en la Tierra para los hombres de paz y buena voluntad mercedores de ese accidental destinatario en que el tiempo se detiene y la longevidad alcanza cotas inimaginables debido a las auras de calma y pureza reinantes.

Frank Capra tardó dos años en materializar su adaptación tras convencer a los mandamases de la Columbia Pictures que expandieron sus estudios para construir los utópicos parajes de Shangri-La. El actor inglés Ronald Colman fue el elegido para dar vida al diplomático Robert Conway que junto con su hermano George (John Howard) y otros extranjeros que regresan a casa tas un conflicto en Afganistán, sufren un accidente aéreo para ser auxiliados en un punto indeterminado de las montañas por los habitantes del inhóspito lugar.

A partir de allí se producirá un conflicto entre el grupo (concretamentre entre los hermanos Conway) basada en el hecho temerario de quedarse o no en esa tierra y si son mercedores o no de formar parte de ella. Frank Capra construyó perfectamente un film de aventuras con ecos de melodrama que todavía hoy permanece en la retina de muchos cinéfilos y que aportaría puntos en común en la posterior película de su director: “¡Qué bello es vivir!” (It’ s a Wonderful Life, 1946).

Antes de alcanzar la fama mundial gracias a su película más conocida, Roberto Benigni era un popular comediante en Italia aunque cineastas como Jim Jarmusch ya le habian confesado su admiración contando con él en películas como “Mistery Rain” (1988), “Coffee & Cigarrettes” (tanto en su versión cortometraje como en película estrenada en 2003), o esa obra maestra fragmentadas en historias como es “Noche en la Tierra” (Night on Earth, 1991). Aparte de trabajar como secundario para directores como Costa-Gavras en “Una mujer singular” (Clair de femme, 1979) o Bernardo Bertolucci en “La Luna” (1979), Benigni aprovechó el “boom” de la comedia italiana destacando junto al pasoliniano dúo de actores compuesto por Franco Citti y Ninetto Davoli en “Il Minestrone” (1981) de Sergio Citti. Prácticamente desconocido en España se le habían estrenado modestamente comedias dirigidas e interpretadas por él mismo como “Johnny Palillo” (Johnny Stecchino, 1991) o “el Monstruo” (Il Mostro, 1994) (también interpretadas por su inseparable musa y esposa Nicoletta Braschi). Federico Fellini le puso al frente en el reparto de ese testamento fílmico que es “ la Voz de la Luna” (La vocce della luna, 1990).

En “La Vida es bella”, el actor y director italiano divide su película en dos, enmarcado en el preciosismo rural de una pequeña ciudad provinciana hasta los altos y grises muros de un campo de concentración, destino más que absurdo para el soñador y alegre Guido Orefice (interpretado por Roberto Benigni) después de conquistar el corazón de Dora (Nicoletta Braschi) y formar una familia. Y junto a su hijo, el pequeño Giosué (Giorgio Cantarini), le propondrá participar en un habilidoso juego en medio de tanta barbarie. Ingeniosa idea que combina con agiludad comedia y drama con sus matices emocionales a prueba de pañuelos.

Tras la transición del mudo al sonoro la carrera de Charles Chaplin apenas se vió alterada por su condición de gran cómico que había dejado rastro en su icono de “Charlot”. Además fue tomando consciencia de que, ya entrando en la mediana edad y con más de dos décadas actuando detrás de las cámaras, necesitaba ansiar de otras historias con otros personajes que se alejaran de esa pose vagabundesca con sombrero, bastón, andares y muecas de bigote reemplazandolo con otros personajes distintos pero no menos dispares y divertidos. “Tiempos Modernos (Modern Times, 1936) definiría bien lo que Chaplin intentaba renacer de una época pasada frente a los nuevos retos que ya le imponía el sonoro.

Es con “El Gran Dictador” que se enfrenta a otro dilema: al tambaleante mundo que se le presenta mientras actúa y dirige. La película fue tomando forma en un proyecto en que Chaplin lo llevaba preparando desde hacia tres años y, según se dice, tras una mala experiencia que tuvo tras una estancia en Berlín a principios e los años treinta en que se le llegó a mencionar de “judío repugnante”. Europa empezaba a agitarse con el fascismo expandiéndose como una plaga y las formas de poder populistas y su choque impactante en la población que reaccionaba de modo violento y fiel a los discursos que aglutibaban sus lideres en las masas. Tales situaciones no le hicieron replantear su película. Junto con Ernst Lubistch y su magistral “Ser o no Ser” (To Be or Not to Be, 1942) demostraron que la mejor manera de vencer al Monstruo es reirse de él.

Charles Chaplin interpreta a un barbero judío que tras padecer amnesia en la I gran guerra y tras su regreo a casa se da cuenta de que todo su pueblo está sometido a la represora tiranía del Dictador Hynkel, interpretado nuevamente por él. Ese doble papel ayuda a alternar dichas caracterizaciones sin alejarse del lado cómico (salvo ese progresivo y dramático cambio de expresión en el recordado discurso final).

Estrenada el 7 de marzo de 1941 (en España no se produjo hasta 1977, treinta y seis años después) desgraciadamente ese mensaje de Paz que concluía el film quedaba oscurecida por la inminente ocupación alemana en Francia y nunca fue verdaderamente escuchada. Incluso finalizado el conflicto y ya entrada la Guerra Fría, al cómico se le arrojó todo el peso del maccarthismo y la caza de brujas acusándolo de comunista sufriendo su expulsión de los Estados Unidos en 1952.

Aclamado drama del director iraní Asghar Farhadi (Nasder y Simin, una separación) y que se centra en el brusco cambio que sufren Emad (Shahab Hosseini), que trabaja de profesor y Rana (Taraneh Alidoosti) con quien comparte protagonismo en la obra teatral que ambos representan: “Muerte de un Viajante” de Arthur Miller. Su gran amor por el arte y la cultura les enorgullece de sí mismos como pareja excepcional y singular y ajenos al modelo de otras más asentadas a los dogmas morales.

Todo comienza con un aviso de posible derrumbe en el bloque donde viven que les obliga buscar otro apartamento. Una vez instalados, gracias a la ayuda de un colega del grupo de teatro, un grave incidente en que Rana aparece herida en el baño a manos de un agresor repentino acabará propiciarando el inicio de una crisis de pareja que le llevará a replantear a Amed su tolerante actitud frente a esa situación limite.

Farhadi obliga al espectador a que vaya sacando sus conclusiones en un argumento que poco a poco va desentramando una creciente tensión psicológica entre la pareja y los terceros que conforman ese nucleo de discordia distorsionado a raíz de ese grave percance. No olvidemos que nos hallamos en Irán, bajo unos severos pilares religiosos y conservadores (que cabe insinuar antes que mostrar). De allí que el protagonismo de Emad se hace más evidente debido a la presión en que se vé sometido como ejecutor en un doble juicio en que se presiente más su ego y orgullo en contra de la opinión, y más importante, la de la relegada Rana que queda en un plano secundario. De allí a que Farhadi denuncie en ésta fría y traumática obra maestra que ha filmado la posición de protagonismo de Amed en su intento inesperado de hallar respuestas del porqué de tan fatal percance.

Segunda colaboración de Martin Scorsese con el periodista y escritor Nicholas Pileggi (en el guión) tras los buenos resultados de "Uno de los Nuestros" (Goodfellas, 1990) y que daba margen a otra historia de gángsters y poder pero ésta vez situada en los casinos y Hoteles más lujosos de las Vegas de los años setenta, una época en que el dinero podía entrar y salir y todos los jugadores se arriesgaban a perder una fortuna o que les quedaba la miel en los labios. Para ello estaba la Mafia para saquear las cajas bajo la supervisión de expertos en la materia que contrataban. Uno de ellos, el experto corredor de apuestas, Sam "Ace" Rothstein (inspirado en el personaje real de Frank Rosenthal por un magnífico Robert DeNiro) gobernó en ese reinado de luces de neón, juego, lujo pero también violencia.

La obsesión por el dinero lo es todo y de allí nace todo un triángulo de rencillas, venganzas, narrado a pulso y con habilidad documental por el mismo protagonista más los que le secundan (Joe Pesci, nuevamente genial dándoselas de pequeño pero matón junto a una sensual Sharon Stone bordeando la histeria), se descubre ese glorioso reinado a punto de caer como un castillo de naipes. Un soberbio resumen de tres horas que Scorsese consiguió no solamente a entretener al público sinó manifestarse como un gran cronista de época detrás de la cámara.

Nuevamente el diseño de producción de Dante Ferretti y la exquisita presentación que el realizador de “Taxi Driver” (1976) nos presenta en su film con los rótulos diseñados por Elaine y Saul Bass, dan fe de que "Casino" es una obra redonda y a la altrura de "Uno de los Nuestros", sin poder evitar sus comparaciones de primos hermanos. Si ya el tándem De Niro-Pesci era una demostración de pura salvajada en una jugada maestra de la narración fílmica, "Casino" siguen con ese mismo rol de amistad y confrontación decisivos en la trama de una película rodada con ambición, ganas y firmeza.

Después de meterse en papeles de rudos personajes políticos como Margaret Thatcher en “La Dama de Hierro (The Iron Lady, 2011) o de veterana roquera y madre tardía en “Ricki” (Ricki and the Flash, 2015), Meryl Streep se sintió cómoda en sus característicos personajes que acariciaban la comedia y el drama. Y el ocaso de una vida que nadaba en la abundancia musical pero destinada al fracaso como fue el de la soprano estadounidense Florence Foster Jenkins (1868-1944) fue el motivo oportuno para que la intérprete de “Memorias de África” (Out of Africa, 1985) se sumergiera de lleno en un personaje caído en el fracaso, a la vez entrañable y sumido en un grotesco halo de armonía y mecenazgo en que contaba con el apoyo de su marido de conveniencia, St. Clair Bayfield, un actor fracasado con ademanes de mayordomo (una gran interpretación muy a lo inglés de un Hugh Grant inspirado) y de Cosmé McMoon (Simon Helberg) pianista homosexual a quien habían cobtratado como apoyo musical a las desentonadas arias de tan desafinada soprano.

Stephen Frears (Las Amistades Peligrosas) no solo se inmiscuye en un pedazo de la biografía de una mujer que admitió su lastre artístico aunque no se le pudo reprochar que nunca cantó. También hace una exaltación a la decadencia de lo clásico. Así apreciamos una sucesión de personajes en alegrarse de ser unos condenados al fracaso (especialmente ese trío complementado por Cosme y St. Clair con la veterana diva).

“Florence Foster Jenkins” se erige como una exquisita comedia cómica sobre la tristeza y el otoño de la vida y la capacidad de sobrevivir sin verguenza alguna a los prejuicios y a las críticas de terceros ya pueda traducirse en la burla, el desprecio, desgraciadamente muy patentes en lo que confiere a la grosería general que se esparce en el mundo del espectáculo hoy en día, a falta de juicios subjetivos.

Edgar Rice Burroughs, nacido en el frío Chicago en 1875 y fallecido en la soleada California en 1950 hizo fortuna como escritor al inmortalizar el personaje de Tarzan en “Tarzán de los monos” en 1912 y que posteriormente la cesión de los derechos lo llevaría a convertirse en inmensamente rico gracias a las aventuras del ése héroe de la jungla a quienes todos tenemos en la retina la imagen de Johnny Weissmuler y su populat alarido mientras se arroja de liana en liana cruzando la selva sin peligro alguno.

Pero Burroughs también se había dado a conocer con una serie de novelas de Ciencia Ficción que tomaban Marte como referencia y que la más conocida, escrita en 1917, llevó por título, “A Princess of Mars” (Una princesa de Marte).

De esa historia la Disney no escatimó en recursos para acabar concebiendo uno de sus desastres conerciales anunciados en un momento en que el espectador todavía se dejaba llevar por la magia de “Avatar” (2008) de James Cameron y otros productos blockbuster con añadido de 3D (de la que “John Carter” tampoco se salvó de su añadido) a merced de la era digital.

En toda su grandilocuencia épica, “John Carter” es un divertimento bien logrado, a momentos desconcertado pero fruto de un imaginario ancestral (hablamos de una obra escrita a principios del siglo XX con un antiguo héroe confederado que busca fortuna tras una guerra como la de Secesión para hallarse en suelo marciano a punto de librar otra). La película de Andrew Stanton (realizador muy implicado en los estudios de animación Pixar) ya se cocía como un aviso de la Disney en sus ambiciosos planes de futuro.

Inesperada secuela que Joe Dante con Steven Spielberg nuevamente como productor ejecutivo llevaron a cabo para seguir explorando a la gran pantalla tan simpáticas criaturitas a quienes les habían salido feroces competentes tipo “Critters”, comedia de ciencia ficción con monstruitos traviesos que dirigió Stephen Herek en 1986. Inevitablemente el público ya no se dejó llevar por esa broma que rodaron seis años antes y que ta empezaba a tener una legión de cintas imitadoras aunque bastante menores.

Los efectos especiales y la principal idea argumental “Gremlins II” siguen siendo la atracción de un producto sumamente destinado para pasar el rato. En esta ocasión los jóvenes Billy Peltzer (Zach Galligan) y Kate Beringer (Phoebe Cates) abandonan el pintoresco pueblo donde crecieron y se aventuran en la gran ciudad en sus nuevos empleos al servicio del todopoderoso magnate Daniel Clump (John Glover), en su rascacielos de Nueva York, un edificio inteligente donde se alberga las última tecnologías.

El inesperado reencuentro con Guizmo, el mogwai a quien Billy tuvo de mascota y el incidente en un laboratorio del mismo bloque propiciará la invasión de sus más grotescos rivales. Joe Dante ya no podía aportar más a un espectáculo a que le añadió más dosis cómicas y que cuenta, ente los secundarios, a Christopher Lee interpretando a un científico loco.

Un joven Albert Finney que contaba con tan solo treinta y cinco años se puso bajo el disfraz del célebre personaje creado por Charles Dickens ens su más fmaosa obra, “Cuento de Navidad” un canto a la alegría y a la generosidad en épocas que como la Navideña pueden ser deprimentemente tristes.

La película de Ronald Neame (director de la catastrofista “La Aventura del Poseidón” (The Poseidon Adventure, 1972) y de una buena adaptación de la novela Odessa de Frederick Forsythe en 1974) ) es un musical recreado de ese universo frío y blanco del Londres de final de mediados del siglo XIX, y en que el usurero Mr. Scrooge se dispone a pasar la víspera de Navidad como una noche más amasando más su dinero a buen recaudo. Ni su caràcter antipático, ni su egoísmo evitarán atisbo de generosidad en su rostro. Solo la llegada del fantasma de su antiguo socio Marley (Alec Guinness) le llevará a conocer las distintas etapas de su vida en que no tenia una percepción tan negativa y el porqué de su erosionada forma de ser.

El clásico universal de Dickens queda compuesto por un musical demasiado azucarado (al lado de otra adaptación de la época y la también muy indicada para éstas fechas como es “Wonka, un Mundo de Fantasía” (Willy Wonka and the Chocolate Factory, 1971) de Mel Stuart) pero adecuado al tema y a las valores que plantea.