Después de la famosa trilogía del dólar, Leone dirigió un nuevo western más ambicioso que sin embargo no gozó del favor del público aunque sí de casi toda la crítica especializada.

Basada en la idea original del propio Leone, Bernardo Bertolucci y Darío Argento, con banda sonora del siempre inspirado Ennio Morricone y un reparto encabezado por un sorprendente Henry Fonda en el papel de villano en las antípodas a los que nos tiene acostumbrados, la presencia del duro Charles Bronson y su icónica armónica y la espectacular belleza de Claudia Cardinale, la película tenía a priori todas las papeletas para ser una obra maestra pero la falta de sentido del ritmo cinematográfico la convirtió en un tostón de casi tres horas que impide que sea tan disfrutable como debiera.

Frank Sinatra será recordado principalmente por su legado musical y su maravillosa voz, la voz le apodaban, pero también tiene una respetable carrera cinematográfica en la que destacó en papeles como De aquí a la eternidad, Un día en Nueva York y sobre todo para mi gusto, El hombre del brazo de oro por la que recibió una nominación al Oscar de mejor actor principal.

Fue una de las primeras películas que reflejó el problema de la adicción a la heroína. Cuenta la historia de un tipo recién salido de prisión y rehabilitado que sueña con convertirse en músico. Sin embargo, sus conocidos quieren que vuelva a jugar al póker en partidas clandestinas en las que es un verdadero genio.

Sinatra borda su papel de yonki de buen corazón que no consigue salir de la heroína por culpa de su posesiva mujer y unas amistades peligrosas que le incitan a ir por el mal camino para su propio provecho. Sin embargo, no todas las personas que conoce son mala gente. Hay también una bella mujer que le quiere y le respeta como a un amigo, estupenda Kim Novak, y otro perdedor como él, que le aprecia y le apoya en los momentos difíciles.

Ahora que sabemos que en 2010 los hermanos Coen rodaron un remake superior a la original, la versión de Hathaway ha quedado un tanto devaluada y eso que la suya tampoco está nada mal.

John Wayne se llevó el Óscar, más que por esta actuación que no es de las mejores, como reconocimiento a toda una carrera dedicada al western en la que creo un personaje muy característico acorde a su personalidad con el que se ganó el cariño y la simpatía del público.

La fotografía de Lucien Ballard es preciosa y la banda sonora de Elmer Bernstein es siempre garantía de calidad. Además en el reparto encontramos a un joven Robert Duvall como líder de la banda de ladrones y a un Dennis Hopper que por aquellas fechas estaba a punto de dar la campanada con Easy rider.

Lo que no me termina de convencer de esta primera versión es el excesivo tono autoparódico de Wayne. Lo encuentro muy exagerado, por momentos parece que estemos viendo una comedia del oeste. Sin embargo, la de los Coen en este sentido, sabe encontrar el justo punto cómico sin caer en el ridículo, entre otras cosas gracias a un superior Jeff Bridges.

Hacía eones que no la veía y tenía curiosidad por volver a verla de adulto. La verdad es que me sigue pareciendo tan buena como siempre. Ha envejecido estupendamente.

Las espectaculares batallas navales magníficamente rodadas, la hermosa fotografía a todo color y el apasionado romance de su atractiva pareja protagonista, convierten a El hidalgo de los mares en otro espléndido título del cine clásico de aventuras de los años cincuenta.

Basada en las novelas de Scott Forester, cuenta la historia del valeroso capitán inglés Horatio Hornblower y sus emocionantes aventuras navales durante las guerras napoleónicas a comienzos del siglo XIX.

Como curiosidad señalar que éste fue uno de los primeros trabajos del gran Christopher Lee.

Charles Bronson protagoniza este western de argumento similar al de Moby Dick, en el que un buscador de oro y antiguo pistolero, sufre terribles pesadillas en las que es atacado por un búfalo gigantesco. Como si de una venganza se tratara, el animal ataca a todos aquellos que han exterminado a los de su especie cual la célebre ballena contra los arponeros y marineros que mataron a los de la suya.

Con la ayuda de otro veterano y gruñón buscador de oro tratará de dar caza al peligroso animal. A ellos también se les une un poderoso jefe indio que ha perdido a su hija pequeña por el ataque del búfalo. A pesar de los recelos que los tres hombres tienen entre sí, finalmente logran entenderse y unir sus fuerzas para enfrentarse mejor juntos a las distintas amenazas que les acechan.

Aunque se note mucho que el animal en cuestión es de pega, Bronson convence sufriendo de lo lindo al tratar de cazarlo. Cada vez que la bestia aparece en pantalla es como si se aproximara un tren de mercancías a toda velocidad.

La buena química entre los tres protagonistas y el ritmo que imprime su director hacen que la historia no decaiga. Además la banda sonora es de John Barry.

Casi toda la filmografía de John Boorman me parece interesante. Al menos la que va desde sus inicios a finales de los sesenta con A quemarropa, hasta digamos El general a finales de los noventa. Sin embargo, durante esos treinta años también hay un par de borrones en su carrera, como la secuela de El exorcista o éste Zardoz.

Se trata de una ficción distópica futurista protagonizada por Sean Connery, que luce un atuendo inclasificable, en la que Boorman plantea temas interesantes como la inmortalidad, la evolución humana o la diferencia de claese, pero se enreda demasiado en una trama por momentos inteligible combinada con reflexiones filosóficas que le dejan a uno el ojo triqui.

Espoleado por el éxito de 2001: odisea espacial, Boorman quiso ofrecer su propio punto de vista sobre cómo creía él que sería el futuro, y ciertamente por momentos convence pero como ya he dicho todo acaba degenerando en una diarrea metafísica infumable.

Ante lo que yo llamo cine mongoloide actual, no hay más que recordar la espantosa película que ganó el Oscar en la edición de 2022, animo a las nuevas generaciones de aficionados al cine a que se deleiten y disfruten con las obras maestras del cine clásico, especialmente las del western que es uno de los géneros más entretenidos, para afianzar esta sana afición que se está perdiendo en la actualidad, o al menos el sentido del buen gusto y de lo que realmente es una buena película.

En Cielo amarillo tenemos una vez más a un inmenso Gregory Peck, interpretando al líder de una banda de ladrones de bancos que después de atracar uno se refugia en un pueblo abandonado. Allí viven un anciano y su nieta que se dedican a la búsqueda de oro. Pronto la avaricia y el deseo se despierta entre los hombres y entonces de comprobará quién es realmente bueno y quién malvado.

En la línea de El tesoro de Sierra Madre rodada a penas dos años antes, se muestra de nuevo cómo la codicia puede echar a perder a cualquiera y cómo muchas veces no valoramos convenientemente la importancia de las cosas más fundamentales, como en este caso el agua.

Yo creo que fue con esta película con la que Brian De Palma empezó a consagrarse como uno de los directores más prometedores de su generación junto a esa extraordinaria camada compuesta también por Steven Spielberg, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y George Lucas, entre otros.

No solo destaca su dominio de la puesta en escena, sino que además dirigió muchos de sus propios guiones, y aunque su carrera tiene varios altibajos, ésta que nos ocupa no está nada mal. Le habría dado más nota pero la segunda parte de la historia, cuando la acción se traslada al sanatorio, resulta un tanto confusa y el final no termina de convencerme.

Lo que en principio parece una película de acción y aventuras con aires románticos acaba en una empanda de géneros carente de sentido y forma.

Pasan los minutos y la trama no termina por definirse, apenas hay acción y el romanticismo brilla por su ausencia. La exquisita belleza de la actriz y modelo francesa, Dominique Sanda, no compensa una historia anodina y por momentos ridícula que en el colmo de su desvarío trata de asemejarse a Casablanca.

Prescindible.

En la vida no todo es blanco o negro, hay una zona gris en la que debes saber moverte y mojarte según tus principios, si tienes eso claro podrás ser ayudante del fiscal sin que te remuerda demasiado la conciencia.

Esa es la moraleja principal de este espléndido policíaco, en el que una vez más el veterano Sidney Lumet demuestra estar en plena forma al dirigir y adaptar el guion de esta historia sobre la corrupción policial y los dilemas morales de quienes la investigan cuando el caso tiene implicaciones personales.

Excelente trabajo de los actores, con un gran Andy García a la cabeza, y unos secundarios de lujo, entre los que destacan, la atractiva Lena Olin y un joven James Gandolfini.

La banda sonora de Mark Isham también es digna de mención.

Correcto drama carcelario protagonizado por Sean Penn en la que fue una de sus primeras películas.

Interpreta a un delincuente menor de edad que es condenado a un correccional después de matar a un niño accidentalmente cuando huía de la policía tras un atraco fallido. Una vez allí, rodeado de jóvenes tan peligrosos como el, deberá hacerse respetar empleando la violencia. Mientras tanto el hermano del chico muerto, en venganza viola a la novia de Penn y es recluido en el mismo correccional.

Nadie mejor que Sean Penn para este tipo de papeles que le van como anillo al dedo, con esa cara y esas poses de macarra que ha tenido siempre y aún conserva después de tantos años.

Sin ser una obra muy recordada se deja ver, aunque a la historia le falta algo más de emoción y chicha.

Último trabajo del prolífico Raoul Walsh con un western sobre las andanzas del sexto de caballería en su lucha contra los indios.

Un joven oficial recién llegado de West Point es asignado para formar a la indisciplinafa tropa de un fuerte en la frontera con México. A pesar de estar prometido con una mujer se enamorará de la esposa de un oficial mientras las escabechinas de los indios son cada vez más graves.

Esta película supuso el intento de convertir a su rubio protagonista en una estrella aprovechando el tirón que tenía entre las adolescentes, sin embargo, el western en los sesenta era un género en decadencia. Después del estreno de El hombre que mató a Liberty Valance poco quedaba por contar hasta que llegó Sergio Leone con sus spaghetti westerns y le insufló algo de aire fresco, después sería Clint Eastwood el que tomaría el relevo con magníficos resultados.

Recuerdo verla de crío en una época en la que tenías que conformarte con lo que emitiera la televisión porque no había otra cosa. Entonces me gustó bastante pero vuelta a ver ahora reconozco que me ha defraudado un poco.

Me acordaba de la estupenda banda sonora del veterano Max Steiner y de las vistosas secuencias de acción en las batallas del ejército contra los indios que son las que su competente director domina con autoridad.

El guion es lo suficientemente inteligente como para no solo mostrar la guerra contra los indios sino también su punto de vista y denunciar los tejemanejes y confabulaciones de los políticos estadounidenses para doblegarlos a base de traiciones y demás tretas.

Respecto a la historia de amor, el bueno de Troy se queda con la que era su pareja en la vida real por aquel entonces.

Enésimo slasher dirigido por el posterior responsable de la cuarta entrega de Viernes 13 y Red Scorpion entre otras genialidades, que empieza bien pero que enseguida se convierte en otra propuesta del montón.

Lo más potable son los sangrientos efectos de maquillaje, obra del experto Tom Savini, en las escenas de asesinatos, bastante explícitos y truculentos por cierto. Pero a la película le falta tensión, un mayor desarrollo de la trama y un final más convincente. El juego con la identidad del asesino tampoco resulta intrigante porque es demasiado previsible. No ayuda el nulo carisma del villano con ese ridículo aspecto que tiene disfrazado de militar.

La película supone una repetición de todos los tópicos del género. Sufi raspado y gracias.

En 1984 se estrenaron casi simultáneamente tres dramas rurales. En un lugar de corazón, un film hermoso pero poco realista que fue la que triunfó en los oscars y en taquilla, Cuando el río crece y Country, que para mi gusto es la mejor de las tres a pesar de fracasar en taquilla.

Mientras que la primera ofrecía una versión demasiado edulcorada de la Gran Depresión y la segunda resultaba demasiado tremendista, Country fue la que más se aproximó y mejor reflejó los dramas vividos por los granjeros de la América profunda a causa de la usura y avaricia bancaria. Cuando los bancos empezaron a exigirles el pago íntegro de la hipoteca al bajar la rentabilidad del sector agrario y muchos se vieron obligos a vender sus propiedades y el ganado a precio de saldo.

No es agradable ver cómo la gente trabajadora y honrada lo pasa mal cuando los bancos les aprietan, pero esta película denuncia una situación basada en hechos reales que tuvo consecuencias cuando un juez condenó los abusos de los bancos y les obligó a dar marcha atrás con las expropiaciones.

Jessica Lange encarna a la auténtica heroína de esta historia después de la decepcionante actitud de su marido pusilánime, que se refugia en el alcohol cuando la situación le supera y cuando a su vez un vecino suyo se suicida al encontrarse en una situación parecida. Su determinación y carácter de acero viene marcada por el férreo sentimiento de apego a la propiedad de una tierra, suya desde hace generaciones, que siempre se ha sobrepuesto de todas las dificultades que han tenido. Su actuación es conmovedora y fue recompensada con una nominación al oscar. Lange, que además de actriz también es activista, predicó con el ejemplo y co-produjo la película que lamentablemente a penas pudo recuperar la inversión inicial.

La carrera de William Friedkin entró en barrena después de un comienzo fulgurante. A los éxitos de French Connection y sobre todo El exorcista, le siguió el fallido remake de El salario del miedo titulado Carga maldita, la irrelevante El mayor robo del siglo en la que ya demostró que la comedia no se le daba bien, y tras la interesante A la caza, volvió a tropezar con este torpe Contrato del siglo.

Una película aburrida y sin gracia sobre el mundo de los traficantes de armas, estrenada en una época en la que la Guerra Fría volvía a estar en su punto álgido.

Apena ver a una joven Sigourney Weaver metida en semejante tinglado. En cuanto a Friedkin, el error lo subsanó dos años después con la más estimulante Vivir y morir en Los Angeles.

Me esperaba otra cosa. Y creo a que a todos los que la vieron en su día y después les pasó lo mismo. Lo que empieza siendo un western sobre ladrones de bancos, pronto se transforma en un romance en clave de comedia entre su pareja protagonista, para posteriormente derivar en una historia de amor legendaria en la que la ficción termina imponiéndose a la realidad.

Bronson encarna a un atracador de bancos quien con su banda se dirige a perpetrar uno. El día antes del robo sueña que les tenderán una emboscada y morirán acribillados a balazos por lo que finge un accidente con su caballo para no ir, quedándose en la mansión de una viuda rica que se encuentra de camino a la ciudad. Pronto ambos se enamoran y vivirán unas horas de amor y pasión que se convertirán en la comidilla de los habitantes del lugar. La mujer decide escribir un libro contando la experiencia con la ayuda de un periodista y se convierte en todo un éxito.

Aunque la idea resulta de lo más original, insólita para un western, la película no me gustó. No me creo la ingenuidad de Ireland cuando Bronson la seduce. Tampoco me creo que las horas que pasan juntos retozando sean tan intensas y maravillosas como para que le inspiren a la mujer a escribir un libro. Y por último, tampoco me creo que todo el pueblo se compadezca de la mujer en la defensa que hace de su idilio con el forastero cuando poco antes la señalaban por mantener relaciones inapropiadas con dicho forastero.

Para un argumento así creo que el tono cómico le perjudica porque no te la tomas en serio en ningún momento. Tenía que haber sido todo más dramático para resultar convincente. No obstante, reconozco que se trata de un western inusual y genuino, bellamente fotografiado, con una banda sonora de lujo de la mano de Elmer Bernstein, y el tándem Bronson-Ireland bien compenetrado.

La segunda aproximación de Brian de Palma al género cómico tras Una familia de locos fue también un fracaso de taquilla.

Se trata de una comedia gangsteril, que pone en solfa a la mafia neoyorkina explotando todos los tópicos posibles, en la que un par de recaderos de un mafioso local le engañan con una apuesta en las carreras de caballos. Al descubrirse el engaño ambos huyen a Las Vegas donde buscarán ayuda en el dueño de un importante hotel de la ciudad.

Es de las pocas películas de su autor que todavía no había visto, si exceptuamos las de su última etapa desde Redacted hasta hoy, y aunque su punto de partida es interesante y que entre DeVito y Piscopo hay química, la historia por momentos se vuelve demasiado exagerada y solo al final la cosa mejora aunque la ves venir.

En manos de un director más competente, está claro que a De Palma no se le da bien la comedia como volvería a demostrar años después con la decepcionante adaptación que dirigió de La hoguera de las vanidades, la película podría haber sido notable.

La última producción animada de Laika hasta la fecha es Mr. Link. Una historia de aventuras protagonizada por Lionel Frost, una especie de Willy Fog con aspecto de Sherlock Holmes quien, acompañado de su antigua amante y una criatura peluda llamada Sasquash, deberá viajar hasta el Himalaya para localizar al Yeti y demostrar así su existencia, de esta manera conseguirá ser admitido en un selecto club masculino de la alta sociedad londinense.

Se trata de una película en la línea de sus predecesoras, visualmente espectacular, con abundante humor de la mano del personaje peludo (Sasquatch) y acción sin freno. La trama recuerda mucho a la del clásico de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días.

Segunda película animada de la productora Laika tras Los mundos de Coraline, con otra historia de terror cómico para niños no tan niños. Norman es un muchacho que posee la cualidad de comunicarse con los muertos y éstos lo requieren para que hable con una niña a la que ajusticiaron siglos atrás y que los martiriza cada cierto tiempo.

Todo un derroche de talento, imaginación e ingenio, en una película, no solo impecable desde el punto de vista técnico, sino también con un guion trabajado que incluye abundantes dosis de humor y terror, y que además habla de temas como el acoso escolar o los problemas de adaptación de los diferentes.

En base a los recuerdos infantiles de su narradora, Matar a un ruiseñor es un drama racial sureño que cuenta la historia de un respetable abogado que se hace cargo de la defensa de un hombre de raza negra en un caso de violación. La trama transcurre en un pueblecito del sur de Estados Unidos en los años de la Gran Depresión.

Gregory Peck en la cúspide de su carrera ganó el Oscar por su interpretación de Atticus Finch, un abogado viudo de nobles principios que debe enfrentarse al racismo de sus paisanos y al mismo tiempo hacerse cargo de la educación de sus dos hijos para los que procura ser el mejor referente moral.

Gran parte de la trama está contada desde la perspectiva de los niños y su visión del complejo mundo adulto. El director Robert Mulligan consigue hacer creíbles sus interpretaciones y logra transmitir muy bien los miedos e inquietudes de los impresionables críos.

La película fue durante décadas considerada una de las mejores de la historia del cine por sus conmovedoras actuaciones y los valores morales que defiende. Sin embargo hoy en día la reaccionaria ideología woke la cuestiona y la condena al no estar de acuerdo con la representación que se hace de los personajes negros. Sólo una mente trastornada y desequilibrada puede ver maldad en esta película que representa precisamente todo lo contrario.