A día de hoy es algo habitual ir a las salas de cine y que de diez películas en cartelera tres o cuatro de ellas puedan ser remakes. Lo que no es tan habitual es encontrarnos en cine con spin off, formato más habitual en series de televisión. Esta vez nos encontramos ante el primer caso, además el spin off no es de un protagonista al uso, Headless coge a un asesino de ficción dentro de la propia cinta, que si bien no es uno de los protagonistas, si que les marca un antes y un después a estos. Creo que ese antes y después lo marca hasta a nosotros como espectadores, aunque no entrare en más detalles por posibles visionados del film original donde se encuentra el personaje de Headless, hablo de Found, film del director Scott Schirmer, la cual tuvo una gran acogida por varios festivales de todo el mundo alzándose varias veces con el galardón de Mejor Película.

Partimos de la premisa que estamos a punto de ver una película slasher perdida y olvidada que se llevo a cabo en 1978 sobre un asesino sin escrúpulos, el cual practica canibalismo y decapita a sus víctimas. Preparados para adentrarnos en una de las mentes más perturbadas de la historia.

Creo que el dato más importante y relevante de esta película es el cargo de su director, Arthur Cullipher, pues si bien es su primer largometraje en el cual ejerce el cargo de director, estamos hablando del responsable de los efectos especiales en Found, un hombre que parece que lleve más de un centenar de largometrajes a sus espaldas debido a su gran labor en el campo del maquillaje y las prótesis.

Algo aun más inaudito en las producciones gore es el guión y las interpretaciones, es usual que todo esto quede realmente en un segundo plano, en pos de los momentos de casquería gratuita. Headless busca darle un porque a nuestro psicópata enmascarado, tampoco tenemos la panacea en cuanto a actuación o guión, no hay grandes giros de guión ni grandes alardes interpretativos, pero sí que consigue dar un respiro al espectador entre muertes, que personalmente agradezco.

Momento para contar las partes negativas. Pese que antes he mencionado el buen hacer de Arthur Cullipher frente a los efectos especiales, sí que es cierto que hay un punto bastante ambicioso y he de reconocer realmente difícil, es reproducir cabezas decapitadas. En este punto y como ya pasaba en el anterior film de Schirmer, esta es la parte que más chirria, pues es evidente que las cabezas son falsas.

Que a día de hoy en pleno siglo XXI tengamos producciones de este tipo es motivo de celebración, me gusta ese sabor añejo que desprende y me recuerda mucho a títulos de gore alemán que abordaron nuestros videoclubs favoritos en los 90 y que tanto nos marcaron de más jóvenes. Cierto que recomendar este film es un tanto peliagudo, no esperes algo al uso, aquí el gore es lo importante no intentes engañarte y si no estás dispuesto a ver amputaciones, baños de sangre gratuitos y vejaciones de todas las formas existentes ni lo intentes, si de lo contrario el gore es lo tuyo, vas a disfrutar como hace años no lo hacías.

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Posiblemente unos de los directores de terror independiente y serie B que más me llama la atención en los últimos tiempos. Cierto es que cuando realiza producciones para Asylum la calidad del producto no llega a cotas muy altas precisamente... pero después nos ha regalado otras joyas como Hate Crime, donde demuestra que los presupuestos no lo son todo.

Así que sabiendo que su nueva película, Pernicious iba a ser un proyecto más ambicioso que sus anteriores trabajos llamo mi curiosidad. Más aun sabiendo que iba a rodarse en Tailandia, me gusta la idea de terror asiático con protagonistas americanos, cosa que muy pocas veces hemos visto, más allá de los fallidos remakes que tan de moda están en Hollywood.

Tres amigas deciden irse a Tailandia a pasar el verano de sus vidas. Fiesta, alcohol y risas es lo que ellas esperaban encontrar en ese remoto lugar de la idílica Tailandia, pero pronto su estancia se verá truncada debido a una maldición que rige en la casa que las tres jóvenes han alquilado para pasar allí sus vacaciones.

Puestos ya en materia, he de confesar que los primeros minutos de metraje me asustan un poco, parecen sacados directamente de una TV Movie, pero pasados los títulos de crédito todo vuelve a la normalidad. Nos encontramos con tres jóvenes y preciosas protagonistas, que pronto nos dejan claro que no han sido elegidas por sus grandes dotes interpretativas, sino más bien por ser unas scream queens de libro.

El trabajo de James Cullen Bressack a cargo de la dirección me parece que da un gran paso hacia delante y se confirma que su buen hacer en Hate Crime no fue una casualidad, espero que en un futuro pueda contar con presupuestos de similar calibre o superior y demostrar a todos que el terror aun puede sorprendernos. En cuanto al trabajo de guión que firma el mismo director junto a Taryn Hillin posee grandes ideas pero creo que a su vez está cargado de momentos bastante absurdos que quitan fuerza al metraje.

Lo que debería ser uno de los elementos fundamentales en este tipo de film, las protagonistas dan la talla a nivel de imagen pero no a nivel interpretativo. Personalmente del trío protagonista solo salvaría la actuación de Ciara Hanna, pero sus compañeras de reparto, tanto Emily O'Brien, como Jackie Moore, se limitan a gritar, llorar y vestir ropas ajustadas.

El film podríamos dividirlo en dos partes diferenciadas, la primera media hora, terror mucho más occidental con un parecido razonable a Hostel, y puedo decir sin titubear que Pernicious no tiene nada que envidiarle a esta última, remarcable el final de esta primera mitad de la cinta con un nivel de efectos especiales y maquillaje sublimes y unas escenas muy potentes cargadas de muerte y dolor.

Su segunda parte se centra en el terror oriental, aquí entramos en una historia de fantasmas, un pasado oscuro y como protagonista un ser de pelo largo que pondrá a prueba las cuerdas vocales de las tres protagonistas, atormentándolas a cada segundo.

De Pernicious me quedo con la idea de mezclar lo occidental y lo oriental, con sus increíbles localizaciones y un maquillaje que no tiene nada que envidiar a las mejores producciones de Hollywood.

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Extraído de la Wikipedia: La coulrofobia es la fobia o miedo irracional a los payasos. Afecta especialmente a los niños, aunque puede aparecer en adolescentes y adultos. En discusiones sobre las causas de la coulrofobia, los pacientes coinciden en que lo que más les aterroriza de los payasos es el maquillaje excesivo, a menudo acompañado de la nariz roja y del color extraño del cabello, que les permite ocultar su verdadera identidad. Si eres coulrofóbico... huye de esta película como si fuera fuego.

Kent y Meg son un feliz matrimonio con un hijo y otro en camino, en el aniversario del pequeño y ante la repentina ausencia del payaso contratado Kent echa mano de un viejo disfraz que encuentra por casualidad, poco a poco el traje se irá apoderando de él, llegando a extremos terroríficos.

Clown es bastante divertida, en ningún momento se trata a sí misma en serio, colocando pequeños chascarrillos dentro de la trama y situaciones algo inverosímiles para aprovechar las posibilidades de una trama que, ya de por si... es bastante de coña. La película va, claramente, de menos a más. La primera media hora me pareció bastante floja y ya me resignaba a visionar otra producción mediocre, no obstante mejora mucho a partir de la mitad llegando a un momento en la parte final tan interesante como desaprovechado, colocando a un personaje que tiene que tomar una decisión que no me esperaba en los primeros compases del film por su planteamiento tan serio.

Dirige Jon Watts, curtido en varios telefilms y alguna que otra mini-serie, siendo una película de bajo presupuesto hace que esta luzca bastante bien, y se nota que se divierte cuando se pone creativo en las escenas más sangrientas, no obstante le sobrarían minutos al metraje, hay escenas algo largas que se podrían acortar sin problemas. Produce el gran Eli Roth, pero desconozco hasta que punto estuvo involucrado en la producción, hace un mini cameo (a ver si lo encontráis). Un gran trabajo el del maquillaje y vestuario, terrorífico resultado.

Andy Powers (Oz, Northeast) interpreta a Kent, en los momentos de mayor estrés del personaje es cuando luce mejor porque en los momentos de, digamos, más tranquilidad no destaca especialmente. En cambio Laura Allen (Hysteria, Sitter Cam) si que logra transmitir miedo y confusión a la vez que intenta calmar a su hijo. He de reconocer que me suelen sobrar las tramas familiares en este tipo de trabajos, pero esta película logra que sean especialmente interesantes. Peter Stormare (Fargo, Prison Break) aparece por ahí para explicar un poco el trasfondo de la trama y darle algo de caché a la película.

Divertida película sin más, le falla el primer tercio de película que es algo tedioso pero mejora mucho en el último. Poquitos sustos y todos ellos se ven venir de lejos. Hay un fallo fragante de guión, y es que nada de esto no hubiera pasado, si se le hubiera puesto un triste candado en el baúl donde se guardaba el disfraz, que se sabía que estaba maldito, pero bueno. No pasará a la historia pero te divertirás mientras la visualizas.

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Desde el primer momento The Drownsman deja claro que es un homenaje a ese terror ochentero sobrenatural que tanto triunfo en su época y que con el paso de los años se ha ido perdiendo. El ejemplo más claro de esto sucede con Pesadilla en Elm Street, de la cual coge la idea de un asesino que lleva a sus víctimas a su propio terreno. Aunque el parecido está ahí y es innegable, no queda para nada en un mero plagio de la mítica cinta de Wes Craven, esta película tiene carácter propio y eso me gusta.

Después de tener un accidente y caer al agua, Madison empieza a tener visiones con un asesino desaparecido misteriosamente hace años, el cual asesinaba a mujeres ahogándolas bajo el agua, por eso mismo este asesino se gano el apodo de Drownsman. Ninguna de sus amigas cree a Madison como es lógico, a partir de estas visiones aflora en ella una fobia irracional hacia el agua, pues es de allí donde Drownsman se aparece. ¿Simplemente es su mente... o es cierto que el asesino a vuelto del más allá para seguir asesinando?

Chad Archibald no es precisamente un novato frente la dirección, pues estamos hablando de su cuarto largometraje, aunque sí que es cierto que sin duda alguna este es su proyecto más ambicioso. Precisamente este bagaje es lo que le permite dirigir con pulso firme esta cinta que sabe cómo mantener el interés y la tensión durante todo el metraje, también ayuda tener un casting muy acertado, empezando por el monstruo, interpretado por Ry Barret, hasta su protagonista, la nueva scream queen del terror canadiense, Michelle Mylett, la cual ya vimos que es toda una guerrera como bien demostró en Antisocial.

Volvemos por un momento atrás para hablar de nuevo de Ry Barret. Impone con todo ese maquillaje y cumple como Drownsman, aunque es cierto que echo de menos que el malo tenga algo más de personalidad, se centran más en las protagonistas que en el malo y finalmente queda dibujado un personaje carente de carisma. Aunque también es cierto que el film da tanto juego que bien podríamos tener varias películas con nuestro húmedo amigo como protagonista.

Atentos señoras y señores a la productora Black Fawn Films, que en los últimos años no para de regalarnos auténticas joyas del género, como puede ser In the House of Flies, Antisocial o la que hoy nos ocupa The Drownsman. Una verdadera fábrica del terror cargada de jóvenes promesas frente a la dirección y un elenco de actores con ganas de abrirse camino en este tipo de producciones. Personalmente me gustaría ver más sobre este monstruo que Cody Calahan y Chad Archibald han creado, queremos que se profundice más en el asesino. Aunque por el momento no hay nada sobre posibles secuelas.

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Adam Green es el director y guionista de varías películas de terror como la trilogía Hatchet o la serie Holliston, también suele actuar en las mismas en papeles secundarios o en otros filmes de colegas del mundillo, todo con una fuerte esencia de serie B o alternativo. Estos trabajos le han proporcionado una fuerte legión de fans en Norte América, así empieza esta película camuflada en un falso documental.

El director de cine Adam Green y su fiel productor Will Barratt reciben una carta de un admirador afirmando que conoce de la existencia de monstruos reales y que sabe cómo encontrarlos. Deciden rodar un documental con la esperanza de que no sea un loco. Jamás esperarían lo que les está por venir.

El “momentum” es completamente realista, Adam Green aparece en su casa, con su mujer real, junto a su verdadero equipo trabajando en su siguiente producción, incluso conocidos del mundo del cine como Lloyd Kaufman, Tony Todd o Mick Garris se apuntan a la fiesta. En ningún momento te crees que la premisa es, en modo alguno real, pero se aprecia el esfuerzo y dedicación para ambientar la historia en su vida privada, algo que seguro sus seguidores apreciarán.

El verdadero mérito de todo es la creatividad de su historia, sin ser el paradigma de la originalidad consigue crear, literalmente, un mundo nuevo en 90 minutos justitos, que con tres trazos y dos descripciones construyen una historia absorbente, divertida y por momentos, terrorífica. La historia tiene un potencial increíble que da hasta rabia que apenas se rasque la carcasa, y apostaría a que esto está hecho completamente adrede. Los momentos de comedía o, por lo menos, divertidos son bastante más numerosos que los de terror, pero amigo, te garantizo que cuando lleguen te vas a acordar un tiempo después de los botes que pegaste.

Adam Green se interpreta como una persona divertida y cabezota, que disfruta con su trabajo hasta que se involucra demasiado en su documental. Ray Wise (Twin Peaks, Jeepers Creepers 2) interpreta a William Dekker, un ex policía que lleva investigando la posible existencia de monstruos en algunos puntos del país. Un personaje misterioso del que no sabes si fiarte. Quizás queden un par de cabos sueltos en su historia, hay cierta explicación pero a mi entender, no acabe de comprender.

Película muy entretenida que por lo pronto, me acerca mucho más a ver el resto de trabajos del director, del que sabía muy poco. Mucha creatividad creando un folklore propio y algo de lástima por lo poco explotado de su planteamiento. Mirar la película, que no se os hará larga y entenderéis porque no he explicado casi nada de ella.

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Hace unos pocos años apareció la adaptación de la novela de terror de Susan Hill, La Mujer de Negro cosechando un importante éxito. Sus principales bazas eran una cuidada producción y la presencia del ex Harry Potter, Daniel Radcliffe. Ahora nos llega una segunda parte completamente independiente de la obra original con un elenco completamente nuevo y el objetivo, que no consiguen, de mostrar algo nuevo.

Es 1941 en Londres, ciudad asediada por la guerra. Dos maestras llevan a ocho niños a la vieja mansión abandonada de Eel Marsh para escapar de los bombardeos. Pronto descubrirán que en ese lugar ya habitaba algo más.

La película nos sitúa casi sesenta años después de la primera parte en los que se aprecian varios cambios geográficos y estéticos. Para empezar el pueblo que había cerca está completamente abandonado, y la mansión que ya estaba bastante cascada en la primera parte en esta está prácticamente en ruinas. La estética varía bastante de la anterior, rebaja (que no elimina) el aire “gótico” para darle un toque más militarizado de una manera bastante sutil. Colores fríos en paredes y muebles y más escenas de terror diurnas, inexistentes en la primera parte.

Está por debajo en líneas generales que la anterior, en esta el ritmo es algo lento llegando a casi aburrir en algunos pasajes pero gana en variedad o “inspiración” en algunas escenas de ataque fantasmal, aunque son algo cortas y un poco menos intensas que en la anterior. Sin querer destripar nada de la película hay muy pocas muertes y las que hay tienen poco de espectacular, como sí las habían en la primera parte. A parte de la enorme incoherencia en la trama principal que es llevar a un grupo de niños en una mansión encantada que se sabe que ellos son los máximos perjudicados de su maldición. Se entiende que ya no queda nadie en el pueblo para prevenirles pero seguro que tendría que haber alguien que les advirtiera de que allí ha muerto gente.

Protagoniza la desconocida Phoebe Fox (War Book), interpreta a una joven maestra que guarda un secreto. Es una mujer que, sin rodeos, los tiene bien puestos. Empatiza con los niños a su cargo, una mujer que va construyendo muros dentro de ella para aguantar la situación que le ha tocado vivir. Pero pincha un poco cuando es rescatada, repetidas veces, por el atractivo joven. Jeremy Irvine (War Horse, A Night in Old Mexico) es un piloto destinado en una base cercana que conecta rápidamente con la maestra. Al principio da la sensación de ser un personaje fallido pero a lo largo de la película va remontando y acaba siendo bastante interesante. Prometedor actor.

Correcta película de terror con ritmo algo irregular, inferior a la primera parte pero con unos mínimos de calidad aceptables. Algo de abuso con los golpes de sonido para asustar que echan por tierra todo el efecto psicológico de la escena. Muy meritorio el hecho de que aún con tantos niños en la película no se hagan (demasiado) odiosos.

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Aunque a simple vista parezca el viejo juego infantil de "tocar y parar", It Follows esconde un universo de angustia, donde las visiones más aterradoras se hacen presentes en lo cotidiano. Algo tan sencillo en su planteamiento da de sí una historia que llega a perturbar. Estas premisas las aprovecha maravillosamente el joven David Robert Mitchell para mostrarnos lo que es simplemente una buena película de terror. Tan fácil y tan difícil.

Para lograr su objetivo no duda en echar mano de lo que siempre resulta, una gran aunque jovencísima actriz, Maika Monroe, un guión que da en el clavo por su originalidad, aunque parezca disfrazado de cinta para adolescentes, y un ritmo envidiable sin ser frenético.

Podríamos decir en su contra, que resulta algo fría incluso en las situaciones más escabrosas, agradeciendo, eso sí, que evita los sustos fáciles y los tan molestos bocinazos.

Jay tiene un inocente encuentro amoroso con un joven compañero de instituto. A partir de ese momento tiene la extraña sensación de que le persiguen. Algo se le escapa, junto a sus amigos intentarán descubrir que se esconde detrás de todo eso. Lo que no sabe es que es algo aterrador, sin dejar de ser un juego.

Interesante apuesta en este film indie, que sin ser algo innovador, te deja con una extraña sensación. Da que pensar en definitiva. Hay situaciones que están muy bien resueltas, en otras, en cambio, encontramos a faltar algo más de truculencia, no por puro sadismo, si no para alejar el producto final de cierto toque edulcorado que se intuye. De todas maneras el potente guión aguanta todo esto, y va derecho a un desenlace congruente y sin aristas.

He comentado antes el buen hacer de Maika Monroe, al hilo de esto decir que se come ella sola la pantalla, iba a decir que la enamora. Ya lo demostró también en la reciente y excelente The Guest. Llama la atención por su naturalidad y todo da a entender, que va en camino de convertirse en una de las estrellas del cine estadounidense.

Alabada por muchos, entre los que me encuentro, It Follows se puede catalogar de un punto y seguido en la carrera de sus protagonistas. Fantástico y necesario puente que seguro unirá un presente firme y un futuro esperanzador. De muy agradable visionado.

http://www.terrorweekend.com/2014/10/it-follows-review.html

Si a estas alturas algo hay claro eso es que tener en tu film al señor Robert Englund es subir varios puntos el cache de tu cinta de terror, esto precisamente ocurre con Fear Clinic, donde un Englund esplendido nos hace recordar ese terror añejo de los 80 que tantos sustos como carcajadas nos ha sacado a todos. Eso sí, sin duda alguna esta película llega 20 años tarde y es por eso que queda un poco en un quiero y no puedo.

El Doctor Andover parece haber encontrado la cura definitiva contra cualquier tipo de fobia. No importan tus miedos, su milagrosa maquina hará desaparecer tus más profundos temores, o eso creían todos. Después de un desafortunado incidente que termina con la vida de un paciente, el Doctor Andover se ve sumido en una profunda depresión, cuando sus antiguos pacientes vuelvan en busca de más ayuda entrará en un dilema moral y personal de si volver a usar su invención que en pasado tanto ayudo a sus pacientes.

La idea para esta película viene de unos años atrás, cuando su director, Robert Hall, realizo una miniserie de 6 episodios con el mismo título y de temática idéntica donde en cada episodio abordaban una fobia distinta. Así que Fear Clinic podría considerarse el episodio cumbre de su obra.

Una de las cosas que echo en falta en este film, y más teniendo a todo un talento como es su propio director, en el campo del maquillaje tradicional y las prótesis es un poco más de trabajo artesanal en la recta final del metraje, donde su parte más ochentera se desata totalmente pero personalmente deja con ganas de más. No me compensa esos casi 45 minutos de paja innecesaria para alargar lo que realmente está concebido como un episodio de serie para televisión.

En cuanto al reparto mucha cara conocida, pero en mayor o menor medida no dejan de ser unos secundarios de lujo, pudiendo destacar un poco a Thomas Dekker, o más conocido por su papel de John Connor en la serie de Sarah Connor Chronicles. Aunque todos ellos quedan eclipsados por todo un monstruo e icono del cine, Robert Englund que como dije al inicio siempre que aparece en pantalla la llena con su mera presencia, toda una leyenda viva del terror.

Fear Clinic hubiera dado más que hablar si hubiera sido estrenada hace un par de décadas, cuando este tipo de producciones estaban en todo su esplendor. A día de hoy se queda como un producto un poco de segunda, con algunas buenas ideas y momentos remarcables, pero su idea concebida inicialmente como una serie de televisión, le pasa factura entregando casi la mitad del metraje a paja innecesaria y que no lleva realmente a ninguna parte. Lo siento pero de Robert Hall me sigo quedando con su faceta como maquillador y sus estupendos trabajos con las prótesis y los FX.

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Esta es una de esas películas que deja buen regusto tras finalizarla, pero a su vez queda ese GRAN “ y si este film hubiese dispuesto de más presupuesto...” lo hubiera mejorado? o por otro lado, es precisamente algunas de esas carencias técnicas lo que provoca que esta cinta despida esa inquietud sobre el espectador... posiblemente nunca tengamos respuesta a esto, pero personalmente me quedo con que es una interesante propuesta realizada con un presupuesto muy modesto.

Robert Anderson es un profesor que debe lidiar con los típicos gamberros de clase que intentan hacer su existencia imposible, llegando hasta el extremo de provocarle una verdadera obsesión con el tema de las agresiones en aulas. Divorciado y con una hija que no le respeta, su vida en las aulas es un verdadero infierno, que se verá acentuado cuando después de clase un grupo de encapuchados asalten el instituto arrasando con todo y todos a su paso.

Creo que uno de los grandes aciertos de F, aparte de su lograda atmósfera de tensión creciente a lo largo de todo el metraje, son sus misteriosos antagonistas, por momentos casi místicos a la par que letales, salvando las diferencias, la opresión que provoca en el espectador es similar a la que provoca otra gran película como es Citadel, que curiosamente vio la luz un par de años más tarde que la que ahora nos ocupa.

El director de la cinta, Johannes Roberts, a lo largo de su carrera a estado casi siempre vinculado con el terror y el fantástico, siendo en mayor parte producciones menores y en muchos de los casos de dudosa calidad. F, sigue un poco esa pauta marcada de presupuesto ajustado, aunque esta vez cuenta con ese toque especial, que hace mantenernos en vilo todo el metraje y pese a que la mayoría de las muertes son offscreen si es cierto que en los pocos momentos que se muestra la acción está rodada a la perfección, destacando algún toque gore bastante logrado.

En cuanto a las actuaciones, sinceramente pienso que es uno de sus puntos más flojos, pues salvando a un correcto, David Schofield, el resto de elenco esta en general sobreactuado y bueno, sinceramente por debido de la media en cuanto a actuaciones en este género, ya de por sí bastante carente de actuaciones de calidad por norma general.

Si no necesitáis del apoyo de un gran presupuesto para disfrutar de una película, vale la pena darle una oportunidad a F, solo por esa atmosfera opresiva que nos presenta la convierte en un título a tener en cuenta en el género, que pese a sus muchos tópicos de manual típicos en cientos de slashers, sí que consigue mantener el interés durante su escasa hora y cuarto de duración. Mención especial a esos encapuchados, casi sobrenaturales a la vez que aterradores.

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The Human Race es la primera película del director Paul Hough, y nos ofrece un ejercicio reflexivo sobre la especie humana. De los diferentes comportamientos que se pueden adoptar, agresiva, reflexiva, traicionera... De hecho, el título se puede traducir tanto como “La carrera humana” como “La raza humana”.

90 personas despiertan en una especie de circuito circular, escuchan una voz que les explica las diferentes reglas, si infringen cualquiera de ellas, morirán. Deben correr hasta que solo quede uno de ellos. El motivo y quien lo hace son un completo misterio.

Los parámetros y ambiente del largometraje recuerdan sin muchos problemas a otras películas como Battle Royal, Cube o Saw, aunque es casi un calco de la novela “La gran marcha” de Stephen King. En todas ellas ponen a un grupo de personas en una situación límite con el que desarrollar a unos personajes que van cogiendo matices en lo que avanza el metraje.

Sus mejores bazas se basan en eso mismo, en un más que correcto desarrollo de los diferentes corredores, especial mención a la pareja de sordomudos con largas conversaciones entre ellos mediante el lenguaje de signos. Son de largo los más dramáticos, saben que es más que probable que mueran y eso da pie a reflexiones y deseos que albergan. En cambio, el peor apartado es el bajo nivel de producción, se conoce que es una película de muy bajo presupuesto pero en cuanto se acaban los diálogos y empiezan escenas de más acción el nivel baja en picado hasta llegar a ser una producción prácticamente amateur. No mejora el nivel musical que no pasa de simples samplers y sintetizadores.

Paul Hough dirige su primer largometraje tras algún documental y un par de cortometrajes, le veo más potencial con películas íntimas, donde da escenas bastante interesantes todo y ser conversaciones intrascendentes que con películas de acción como esta. También habría que verlo con unos cuantos dólares más de presupuesto que en esta producción. Eddie McGee (The Angel, God's Pocket) digamos que sería el personaje con más peso aunque puede desaparecer durante bastantes minutos. Bastante correcto trabajo del actor que como curiosidad, la pierna que le falta es completamente real. Buen trabajo también de Trista Robinson (Marin Blue, Zombie Ed) que interpreta a la chica sordomuda, una escena en particular que ocurre dentro de un túnel que es bastante cruda.

The Human Race no es una mala película, tiene puntos bastante originales aunque estas temáticas ya las hemos visto en varias películas. Quizás un poquito más de presupuesto le hubiera ido bastante bien. El desenlace del enigma me pareció bastante flojo y que, a mi parecer, deberían haber hecho como en la primera parte de Cube, en que la resolución final era un enigma aún más grande.

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Películas de posesiones se han hecho a docenas, algunas basadas en hechos reales y otras que son pura ficción, casi todas pecan de ser un poco repetitivas y cuesta diferenciarlas las unas de las otras un tiempo después de verlas. The Atticus Institute busca su propio lugar simulando un falso documental plagado de imágenes de archivo y entrevistas en el presente. Su buena factura logra hacerse interesante, pero una vez terminada te das cuenta que lo ha logrado por los pelos.

El doctor Henry West junto con otros colegas científicos crean un laboratorio en 1970 para investigar casos de telequinesis, clarividencia y parapsicología. Al cabo de unos años se encuentran con su mayor desafío, una mujer con unos síntomas tan extremos que incluso el ejército se interesa por el caso.

La película está narrada a saltos entre el presente con entrevistas a los científicos, familiares y durante la época de los sucesos con videos de archivo y documentación. La ambientación es total y muy lograda, prácticamente de lo mejor de la película, la tecnología que usan, las técnicas que utilizan, y evidentemente la estética de todo lo que se ve rezuma años setenta por todas partes.

Personalmente a la película le veo dos problemas. El primero es la técnica que tanto prolifera en el cine de terror de los últimos 20 años, y son las subidas de volumen en el momento clave y que por fuerza te asustan. Y si encima la película repite la misma técnica una y otra vez estas temiendo más por el susto sonoro que por la acción de la escena, y eso lo veo como un error. Y más grave es en esta película ya no por las veces que lo repiten si no porque en principio lo que estás viendo son videos reales con producción musical nula. Es decir, ¿el golpe de sonido ocurrió en ese momento? ¿o un editor cachondo los puso en un video donde se ve a gente sufriendo? Me pareció poco lógico.

El segundo es el esquema un tanto repetitivo de las secuencias, sin querer destripar demasiado, los experimentos con la paciente tienen la misma mecánica. Cada vez van a más pero las conclusiones son las mismas, y estas conforman casi la totalidad del metraje. Y siguen siendo interesantes pero en la mayoría no explican nada nuevo.

Chris Sparling debuta en solitario en la dirección, la inmersión en el modo documental es total salvo por un detalle que comentaré más adelante, logra un par de escenas realmente efectivas con muy poco (la escena de las cámaras de seguridad con la paciente durmiendo es realmente buena). Rya Khilstedt (La criatura, Deep Impact) interpreta a la pobre paciente, muy buena interpretación, puedes sentir pena por ella y en la misma escena temerla con un simple cambio de mirada. Prácticamente no habla salvo gritos y balbuceos, y aun así logra transmitir DE TODO. El detalle que decía antes es en la elección de William Mapother para el papel de Henry West, hace un buen papel de sobre todo “tío que está flipando” pero el problema es que interpretó al personaje de Ethan en Lost, automáticamente ya sabes que estás viendo ficción.

Entretenida película, con una duración muy ajustada y una gran ambientación, aunque un poco tramposa en su estilo y algo repetitiva en su procedimiento. Interesante.

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Hablando en términos generales, y trasladando el término inglés, podríamos decir que una backcountry es una remota región geográfica, sin desarrollo, que está aislada y de difícil acceso. Esto implica que no es accesible en vehículo, de una altitud relativamente elevada y que no está normalmente habitada por humanos.

Como su nombre indica, este film canadiense nos mete en una de esas regiones, bellísima por cierto. Tenemos la suerte de que toda su duración se desarrolla en exteriores, así podemos admirar los esplendorosos bosques de Ontario, con sus más voluminosos habitantes, aunque os aconsejaría, si algún día decidís ir, que no os acerquéis demasiado, están un poco hambrientos.

Una pareja, Alex y Jenn, deciden pasar unas vacaciones en un paraje inhóspito solamente accesible a través de un lago. Él es un amante de la naturaleza bastante experimentado, ella, de oficio abogada. La primera noche tienen un encuentro inesperado con Brad, un guía local. Que parece que solo tiene ojos para Jenn. A partir de este incidente Alex decide que hay que acelerar para llegar a su destino, Blackfoot Trail. Desgraciadamente se pierden en la inmensidad boscosa empezando una lucha salvaje por la supervivencia, donde está en juego tanto su vida como su precaria relación de pareja.

Interesante obra de Adam MacDonald, que aquí abandona su larga trayectoria de actor, mayormente en el medio televisivo, para introducirse en el mundo del largometraje, tanto en la dirección como en el guión. Le sale sobradamente bien.

Esta apuesta tiene ciertos aspectos que valdría la pena hablar. Empezamos comentando su ligero pero claramente perceptible parecido con la rompedora The Taking de Cezil Reed y Lydelle Jackson, tanto en el aspecto paisajístico como musical, aunque MacDonald sabe suavizar sabiamente lo extremo de esa producción. Otro elemento que incrementa el deseo de compararlas es el mito de Caperucita Roja que en Backcountry queda un poco más diluido, sin duda por la personalidad de la actriz que interpreta a Jenn, Missy Peregrym, que está fantástica en el papel de Jenn, y que poco a poco va tomando las riendas de la historia.

Jeff Roop, el otro protagonista, cumple sobradamente con su papel de novio ultra-eficiente, su naturalidad da al film una credibilidad que tanto por la historia como por las situaciones se nos antoja algo difícil.

El apartado de los efectos especiales, que incluyen ciertos ligeros toques gore, es uno de los aspectos más flojos de esta producción. Son muy comedidos y suaves. Echamos a faltar algo más de mala leche, aprovechando la angustia que puede provocar la soledad de unos personajes en un hábitat tan salvaje. Esto hace que pierda también algo de frescura y verosimilitud.

Es obligatorio hablar de la música obra de Frères Lumières. Por llamarla de alguna manera sería rompedora, fresca, que hace vibrar, y que no esquiva cierto toque de rock duro altamente recomendable para este tipo de films. No sabemos por qué, pero ese estilo musical es muy utilizado en estas cintas, ¿será para contrarrestar la insoportable belleza?

No podemos pasar por alto la excelente fotografía de Christian Bielz, que retrata esos parajes de manera magistral, redondeando todo esto con unos primeros planos impactantes.

Para acabar decir que estamos ante una película muy resultona. Tiene todo lo necesario para triunfar. Calidad, buen guión-dirección, y unas excelentes interpretaciones. Esa falta de dureza que hemos comentado anteriormente, hace que su nota final sea más baja de lo que desearíamos.

http://www.terrorweekend.com/2015/01/backcountry-review.html

Ese género denominado gore/splatter se remonta casi a los inicios del cine, no es algo que se haya inventado en los últimos 30 años, sino que siempre nos ha acompañado en esta travesía. Es cierto que hace poco se ha vuelto a poner de moda gracias a esta nueva oleada de directores de terror franceses, o a las locuras que nos llegan desde el país nipón. Aunque esta vez sí que estamos de estreno, y es que esta película presume de ser la primera en su género en optar por el POV o vista, en primera persona durante todo su metraje.

La verdad que en referencia al uso de esta cámara subjetiva en primera persona, me ha agradado, logra dar una implicación al espectador que en sus primeros 45 minutos nos regala momento de tensión muy destacables. Eso sí, pasado este ecuador, el film se torna algo bizarro y se deshincha bastante. En un primer momento nos vende una cinta cargada de gore y con toques de terror dignos de un videojuego de género, después opta por regalar casquería gratuita y sin sentido, acercándose mucho más a su vertiente asiática donde las locuras y la casquería son marca de la casa.

Un asesino a sueldo recibe un encargo un tanto fuera de lo común, su cliente le pide que los asesinatos que debe cometer deben ser grabados con unas gafas, y así poder disfrutar de sus hazañas en directo, no solo esto sino que pronto vera que las armas que le son proporcionadas son ritualistas. Pronto la situación se le ira de las manos y verá que este trabajo a simple vista sencillo se convertirá en una lucha por la supervivencia de toda la humanidad.

Segundo largometraje del director Giulio De Santi, que sigue su senda marcada por el gore y la locura propuestos en Taeter City, aunque, su nueva cinta, Hotel Inferno mejora a su antecesora en todos los aspectos. Aunque sigue sin acabar de ser una cinta redonda al 100% sí que es una buena señal esta mejoría respecto a su trabajo inicial. Por otra parte, vuelve a firmar el guión de esta producción en solitario, en este aspecto me gusta la idea original pero no su conclusión, para mi gusto desaprovecha la premisa tan jugosa que elabora y parece que por falta de presupuesto se quede a medio camino de ser algo mucho más grande.

En cuanto a uno de los apartados más importantes en este tipo de cintas, como lo es los efectos de maquillaje, aquí el responsable como en su film debut vuelve a ser el mismo director, y hay que reconocer que en este apartado destaca y mucho, por su buen hacer, regalándonos momentos gore totalmente espectaculares y solo decepcionando como dije antes en su parte final, que es aquí donde más se resiente la falta de presupuesto evidente que debe soportar este subgénero del terror.

Hotel Inferno es una propuesta gore bastante original, que entretiene todo el metraje. Personalmente me gustaba mucho más lo que nos ofrece en su primera parte y creo que a medida que los minutos avanzan se va deshinchando el conjunto un poco. Aun así, creo que solo por ser la primera cinta gore en usar la cámara en primera persona ya vale la pena darle una oportunidad, quien sabe, lo mismo estamos ante el nacimiento de otro subgénero para el gore.

http://www.terrorweekend.com/2015/01/hotel-inferno-review.html

El tema de los hombres lobo lleva con nosotros una eternidad. Si Paul Naschy levantara la cabeza no se volvería una de esas criaturas, creo que se convertiría en algo peor, un monstruo que no dudaría en utilizar un elegante traje de Armani y viajaría en primera clase.

La sombra de Waldemar Daninsky es muy alargada si nos queremos adentrar en el mundo de la licantropía. Por eso hay que darle el mérito que se merece a Adrián García Bogliano al introducirse en un mundo muy trabajado en el mundo del cine, y que ha proporcionado grandes films que siempre han logrado acongojar al público. Aparte de los films protagonizados por Naschy, destacando entre ellos La Marca del Hombre Lobo, nombrar entre los más notables Un Hombre Lobo Americano en Londres de John Landis, En Compañía de Lobos de Neil Jordan y Aullidos de Joe Dante.

Una cosa es ser valiente y otra ser temerario. Tras un principio típico de película al uso, la cosa se vuelve algo turbia pasada la mitad de su duración. No es que decaiga, al contrario, su ritmo es frenético a partir de entonces, lo que ocurre es que se transforma en otra cosa. Algo que os hará soltar más de una carcajada y asistiréis atónitos a un final delirante y festivo. Lo malo es que no sabemos si esta era la intención del director. Si es así felicitarle por su originalidad. En caso contrario decirle que cambie el registro de sus obras, en teoría tremebundas. Podemos empezar a entender entonces el título de la obra que le dio fama, Sudor Frío.

Un jubilado, ex militar y ex participante en la guerra de Vietnam, es obligado por su hijo a ingresar en un lugar paradisiaco para vivir la tercera edad. Esa presunta tranquilidad se ve truncada por unos ataques de unas extrañas criaturas. Su ceguera no será ningún impedimento para plantarles cara y también a sus vecinos.

Con un buen guión de Eric Stolze, Adrián García Bogliano se adentra en esta aventura de la que sale bien parado gracias a una serie de factores, algunos de los cuales creo que se escapan a su dominio. Por un lado el diseño de las criaturas que más bien parecen gremlins que hombres lobo, pero tienen su gracia y seguro que a más de uno se le escapa la risa al verlos. Por otro lado lo absurdo de algunas situaciones en el tramo final, son tan inconsistentes que vuelven a ser divertidas. Esta parte final está rodada en tono de comedia, lo que se contradice con la primera parte, seria y con algún mensaje. En contraposición una música extraordinaria de Wojciech Golczewski que no cuadra para nada con el aluvión de situaciones que aparecen ante nosotros.

He dejado para lo último las interpretaciones, por ser uno de los ingredientes del film que más contribuyen a su éxito. Todo el elenco está magnifico, pero claro hay que nombrar a alguien y este es su protagonista, nuestro viejo amigo Nick Damici (Stake Land, Cold in July). También nombrar, por su buen hacer, a Tom Noonan y Lance Guest.

Estamos ante un film ideal para los fanáticos de la licantropía, con todos los pelos, colmillos y garras que queráis. Si no os gustan este tipo de historias da lo mismo, os vais a reír y a pasároslo bien, ¿qué más queréis?

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Siempre es un placer poder comentar una obra de un director de la talla de Takashi Miike. Eso quiere decir también que hay que tener cuidado en no caer en la falta de criterio. Vamos a intentarlo.

Supongo que a estas alturas no habrá nadie que no conozca la obra de este brillante realizador nipón. Su variedad es tal que puede tocar todos los palos y estar brillante en cada uno de ellos. Eso sí, siempre tiene un rinconcito para la brutal o sutil violencia. Es su marca de fábrica.

En Over Your Dead Body, da una vuelta de tuerca más en su extensa filmografía. Dentro de un film truculento y en ocasiones salvaje ambientado en la actualidad, nos coloca una obra del más rancio kabuki, teatro ancestral japonés, que lleva por título Yotsuya Kaidan. Es una historia de traición, asesinato y venganza del más allá y se la considera la más famosa de las historia japonesas de fantasmas.

Es de destacar el tono triste que destila toda la película. La adaptación de la obra de teatro influye sobremanera para que eso ocurra. El escenario giratorio nos muestra un mundo en miniatura, donde los ancestros dan rienda suelta a unas situaciones encorsetadas dentro de la cultura de Japón. Las entradas y salidas de los actores en ese escenario, los lleva unos doscientos años atrás y la cámara los sigue como si en realidad la historia principal fuera esa. Eso nos parece a los occidentales, los nativos de ese país seguramente sabrán separar muy bien ambos mundos, no en vano esa obra es de las más conocidas.

La forma de rodar es preciosista. Cada mínimo detalle está cuidado al máximo. Incluso las múltiples escenas escabrosas están rodadas con mimo, como si no quisieran romper esa magia entristecida que nos viene de otro mundo, antiguo y misterioso. No obstante la falta de consistencia le hace bajar algunos enteros, ya que en ocasiones parece perderse entre ambos mundos, no sabiendo al final cuál de los dos es más importante.

Un grupo de teatro está ensayando Yotsuya Kaidan, un clásico de misterio. La vida entre bastidores dista mucho de ser tranquila. A medida que pasa el tiempo ese halo de misterio de la antigua historia se introduce en la realidad con terribles consecuencias.

Excelente trabajo de Miike, como no podía ser menos. De la meticulosidad de sus mise en scène nadie duda, pero claro, un film está compuesto de más cosas, y en ese compendio encontramos a faltar algo más, esa cosa que en otras producciones ha sabido plasmar y las ha hecho redondas. No obstante hay darle el mérito que se merece puesto que esto es algo diferente. Seguramente sus acérrimos fans se lo habrán perdonado, pero algo les dice que esto no es tan Miike como tendría que ser. Algo de culpa quizás tenga su guionista Kikumi Yamagishi, aunque nadie le puede negar su valentía. Para el que no lo conozca decir que es el responsable del guión de Hara-Kiri 3D y Zatoichi, excelentes credenciales. Nombrar también la excelente fotografía, cuyo responsable es Nobuyasu Kita, habitual del director japonés.

En el apartado interpretativo destacar a Ko Shibasaki en su papel de actriz principal de la troupe teatral, su locura queda reflejada a través de un personaje triste y desesperado. Por otro lado está Ebizô Ichikawa, como amante de la protagonista y actor desconocido que sabe arrimarse al árbol adecuado. Los secundarios lo bordan, está Hitomi Katayama, que encarna a la actriz suplente de Miyuki Goto e Hideaki Itô como actor de la obra y con un interés especial por Miyuki.

Gran ejercicio, novedoso e interesante del arte dentro del arte. La sublime escenografía os dejará con la boca abierta. Y es que hay pocas coses que se le resistan al maestro Takashi Miike. Hasta el teatro clásico.

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Un cierre espectacular de la trilogía sobre thrillers policiacos protagonizada por Nick Cheung, en la cual encontramos un poco de derivación hacia el terror. Posiblemente estamos ante la película más oscura de Dante Lam. Un espectáculo cuidado al milímetro donde destacan las escenas de acción y oníricas.

Dave Wong es un policia atípico con el cual ninguno de sus compañeros quiere trabajar. Esto es debido a los traumas que arrastra desde su infancia. El encuentro con Hon, cabecilla de los Gang From Hell, apodado acertadamente como el Rey de los Demonios, hace salir a la superficie todo el perturbador pasado de Dave. Aquí empieza su descenso al más profundo de los infiernos.

No os vamos a contar nada que no sepáis del prolífico Dante Lam, maestro del thriller hongkonés, y que ahora ha sabido como aproximarse a algo tan delicado como el terror. Es difícil de decir pero estamos ante una de las mejores películas de las cuales es autor. El guión obra también de Lam junto a Wai Lung Ng, que ha colaborado en otras ocasiones con él, está muy cuidado y a pesar de su excesiva duración sabe como dibujar a unos personajes atrayentes y no exentos de profundidad.

Como hemos comentado la larga duración del film es su tendón de Aquiles, pues a pesar de lo interesante de la propuesta, más de un espectador puede llegar a desconectar a medida que va avanzando. Como curiosidad comentar que en su segundo visionado hace que empatices más con los protagonistas. Da la sensación que el personaje magistralmente interpretado por Daniel Wu, se centra demasiado en su mundo interior haciéndolo un poco pretencioso, en contrapartida Nick Cheung como Hon en tan solo cinco minutos nos descubre su personalidad a la perfección.

El apartado técnico tiene tres nombres propios, si antes decíamos que el director sabe mezclar géneros, gran parte de la culpa es debido a la excelente música de Leon Ko, que sabe cómo poner en tensión al espectador en el momento oportuno. Otro nombre propio a destacar es el de Kenny Tse en el apartado de la fotografía, oscura cuando es preciso, contrastando mucho a la hora de plasmar las justas y luminosas escenas de acción. Finalmente hablar de Curran Pang como editor del film, que realiza un trabajo exquisito acabando de poner la guinda a este sabroso pastel.

Para cerrar esta review decir que es un film que gustará tanto a los amantes del thriller hongkonés como a los del terror psicológico. That Demon Within es una gran película dentro de la filmografía del director. Darle una oportunidad a pesar de su lento avance. El conjunto es visualmente impactante y nos regala un par de protagonistas dignos del mejor cine asiático de género.

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El título de este film refleja bastante bien lo que vais a ver y a escuchar. Talento en estado puro. Así que prepararos para las emociones fuertes, las sorpresas y la calidad. Que nos recuerde alguna cinta súper famosa no tiene nada de negativo. A ver quién es el guapo, hoy en día, en hacer algo totalmente original y sin un ápice de cualquier tipo de semejanza con obras pretéritas. Todos tenemos una familia, y la del cine es enorme y con variopintos personajes.

De ninguna manera estoy diciendo que copie o imite nada de lo que se haya hecho hasta ahora, pero es que el tema ha sido llevado tantas veces a la pantalla que es imposible abstraerse de ciertos tics, que incluso son de agradecer por parte del público. Y es que estoy hablando de un asesino en serie, más o menos simpático, pero un cabroncete al fin y al cabo. Seguramente ya estaréis mentalmente colocando estas piezas, no hagáis tanto esfuerzo, dejaros llevar por una historia tremebunda y atroz, salpicada con trocitos de cine, bastantes por cierto.

Joe Stauffer y David Long se inventan una historia llena de crueldad, pero rodada con algo de poesía, arte al fin y al cabo. Se nota, a la mínima que nos fijemos un poco, en unos mimadísimos planos. Todos y cada uno de ellos están realizados poniendo toda la carne en el asador y dejándonos con la boca abierta por sus capacidades técnicas. Una fotografía exquisita, del mismo Joe Stauffer sirve como un tamiz por donde transcurre el más terrible de los horrores. Si la intención de su director era sorprendernos, lo ha conseguido en todos los sentidos. En cierta manera no arriesga mucho, el planteamiento es bastante simple, pero está tan bien rodado que casi no nos damos cuenta.

Charlotte es una joven actriz que lucha sin descanso para conseguir sus objetivos. Como principal deber tiene el de mantenerse a sí misma y a su alcohólica madre, para ello no duda en trabajar como camarera en un club de striptease, aunque odia todo lo que lo envuelve. Una tarde asiste al enfrentamiento entre un vigilante con exceso de celo y un al parecer inocente transeúnte. David, que así se llama el hombre, es un cineasta, con lo que enseguida se establece la amistad entre ellos. Éste le explica un original proyecto en el que casualmente ella encajaría perfectamente. Charlotte no tiene ni idea para lo que ha sido contratada.

Fantástica película de terror, en el más puro estilo yankee del término. Con muchos aditivos sureños y que, como ya hemos comentado antes, recuerda vagamente a la excelsa La Matanza de Texas de Tobe Hooper. Tiene la particularidad que el angelito psicópata siempre se está riendo, hasta puede que nos caiga simpático, pero es un hijo puta concienzudo y muy trabajador y que graba todas las atrocidades que comete con un material digamos que arcaico, pero qué más da, supongo que no querría optar al Óscar de Hollywood. Como punto negativo, y aquí ya es una opinión muy personal, tiene un final muy abierto, es decir que amenaza con una secuela. De hecho ya tiene nombre A Missing Piece. Pero no adelantemos acontecimientos y disfrutemos de este producto.

He dejado para el final las interpretaciones, como viene siendo habitual. David Long, aparte de ser co-guionista, compone el personaje protagonista de manera magistral. Esa mezcla de buen rollo y monstruosidad está muy conseguida. Caso aparte merece Kristi Ray en su papel de final girl, este calificativo no la define exactamente. Su brutal acomodamiento a ese papel, la sustrae de la clásica actriz especialista en ese tipo de papeles. Magnífico trabajo el suyo.

Para finalizar, recomendarla encarecidamente. Es terror en estado puro, con algún aditivo interesante y que seguro sabréis valorar. Puede ser un bombazo. Al tiempo.

http://www.terrorweekend.com/2014/12/pieces-of-talent-review.html

Una de esas pequeñas películas que llegan a sorprender. Cuando no tienes medios suficientes, ni el presupuesto de las grandes producciones, lo único que te queda es tirar de ingenio y llevar la película a tu terreno, donde te sientes más cómodo. Así es como el director Aidan Whytock creo que pensaba a la hora de realizar The Actor. Pues la experiencia de Aidan en el mundo del cine, casi se limita a realizar trabajos como actor. Una manera de asegurar que tu trabajo va a salir tal y como tienes en mente es cargarte todo el peso de la producción, tal como ha hecho nuestro director y ejercer como tal, aparte de co-escribir el guión junto a Colin Pegon y protagonizar el mismo el film.

En la vida de Simon hay dos prioridades, la primera es su querida hija Sarah, y por otra banda uno de sus mayores sueños, ser un actor reconocido. Su mejor amigo y manager, Nathan, no le ayuda a lanzar su carrera todo lo que Simon desearía. Por suerte para él, le ofrecen un papel para interpretar a un hombre poseído por el diablo. Su interés e inmersión en dicho rol es tan profundo que pronto sobrepasará los límites de la cordura y se adentrará en una espiral de locura.

Una película minimalista, es casi como estar viendo una trágica y perturbadora obra de teatro. Todo sucede en apenas dos o tres localizaciones distintas, como dije antes, todo el peso del metraje recae sobre el propio director, firmando una actuación digna de elogio. The Actor se podría definir como un visceral y perturbador camino hacia la locura. En cierta manera me recuerda a la reciente Starry Eyes y como nos aleccionan que el camino hacia el éxito no es para nada fácil, y por ese camino a veces se pierde la cordura y hasta en determinadas ocasiones, la vida.

Una pequeña producción realizada con un equipo técnico y artístico de tan solo 8 personas, resulta increíble si comparamos con esas grandes producciones que cuentan con equipos de cientos de personas detrás de las cámaras. Pero son estas películas las que nos demuestran que más vale tener una buena idea por pequeña que sea y saber plasmarla.

Como parte negativa, en algunas escenas se resiente esa falta de presupuesto y se nota que es una producción demasiado modesta. O que la historia este limitada a tan pocos actores, localizaciones en pantalla, también es un arma de doble filo. Un film minimalista, que convence e impresiona en ocasiones y que nos deja con ganas de más en otras.

Si tenéis la oportunidad de ver esta cinta, sin duda alguna debéis darle la oportunidad a The Actor. Terror low cost independiente que ha resultado ser una pequeña joyita dentro de este 2014 cargado de superproducciones más bien decepcionantes.

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Una sorpresa es lo que me lleve cuando vi De Poel, la opera prima del director Chris W. Mitchell, poco sabía de este director, aparte de escribir el demencial guión de la entretenida Frankenstein's Army. Me sorprendió mucho esta película, porque sinceramente no esperaba para nada este in crecendo de sucesos que no dejan respirar ni un segundo. El ritmo propuesto por el director es perfecto y logra mantenerte atado a la butaca todo el metraje. Como parte negativa recuerda a bastantes películas del género. Una persona aparentemente en sus cabales que acaba por realizar actos dignos de lo más demencial. Sobre todo las similitudes con The Barrens me venían a la mente, no por eso esta es menos disfrutable, al contrario, De Poel posee algunas escenas que serán difíciles sacar las de mi mente.

Dos familias se reúnen para pasar un fin de semana de acampada en el bosque. En mitad de la naturaleza, encuentran un lago y deciden acampar cerca de él. Lejos de toda civilización es el lugar idóneo para desconectar de todo y disfrutar de un agradable fin de semana, al menos ellos creían eso. Pronto el comportamiento de algunos de los miembros de ambas familias empezará a ser extraño. Algunos secretos que debían permanecer ocultos saldrán a la luz y pronto el caos, la violencia y el terror llegarán a esa pequeña parcela de bosque.

Como dije antes, este es el debut dentro del largometraje para el director, Chris W. Mitchell, aunque ya había trabajado en varios cortos con anterioridad. Entre ellos ya había tocado la temática del terror, así que tampoco se le puede considerar un neófito en el tema. El guión escrito a medias, entre el propio director y el veterano actor Gijs Scholten van Aschat, y aunque no brilla por su innovadora propuesta, si que han sabido cómo llevar este tema algo trillado por el buen camino.

Aunque realmente la mayor parte de la culpa del éxito de esta cinta reside en las magnificas interpretaciones. Empezando por el mismo Gijs Scholten van Aschat, como cabeza de familia, llevando su papel al extremo, y firmando una interpretación digna de elogio. Aunque como dije a nivel interpretativo todo el elenco cumple con creces. Pero siempre sin olvidarnos del verdadero protagonista de este film, el lago, ese gran omnipresente durante todo el metraje.

A título personal, pienso que De Poel es una de las mayores sorpresas del año en cuanto a terror independiente que nos llega desde los Paises Bajos, lugar poco acostumbrado a exportar cintas de este género, pero vemos que cuando lo hacen, cumplen. Terror e intriga en pos del entretenimiento. Obviando sus referencias a muchas otras películas similares en temática y desarrollo, creo que gustará poco a mucho a la gran mayoría.

http://www.terrorweekend.com/2014/12/de-poel-review.html

El terror y la ciencia-ficción son dos géneros cinematográficos que cuando se fusionan bien, pueden dar lugar a auténticas obras maestras. Este es el caso de Alien, el octavo pasajero, un inquietante thriller futurista donde la tensión y la angustia alcanzaron límites insospechados, por aquel entonces. En 1978, Ridley Scott fue el director elegido por la productora Brandywine para la realización del proyecto. El resultado obtenido y sobretodo la recaudación en taquilla, superaron con creces las expectativas iniciales. Si tenemos en cuenta que la duración del rodaje fue de poco más de tres meses, debido al ajustado presupuesto y a las presiones del equipo de producción, nos hallamos ante un negocio redondo.

Del éxito de Alien han surgido varias secuelas, crossovers y merchandasing de lo más diverso, como videojuegos y figuras de colección. Además, para el formato doméstico, se han comercializado varias ediciones de lujo e incluso una versión con el montaje del director, que incluye cinco escenas con material inédito de la adaptación cinematográfica original. Tampoco podían faltar las típicas series de televisión, cómics y disfraces de todo tipo. Parece evidente que la franquicia Alien genera magníficos dividendos.

Los siete tripulantes de la nave Nostromo, despiertan de la hibernación antes de lo previsto. La razón, es una señal de socorro proveniente del planeta LV-426. Resueltos a investigar el motivo de dicha transmisión, acuerdan descender al remoto astro para prestar ayuda a quien la pudiera necesitar. Esa será una decisión que les llevará a sufrir la más oscura de las calamidades.

El guión escrito por Dan O’Bannon y Ronald Shusett, es una de las ideas más brillantes del cine de terror a lo largo de la historia. Con sólo siete personajes humanos, el argumento capta la atención del espectador desde los primeros compases del film. Poco a poco la trama se desarrolla inmersa en una atmósfera opresiva, para llegar al espectacular tramo final donde todo se resuelve de la mejor forma posible. No es de extrañar la reiterada imitación de tan acertada premisa en posteriores proyectos.

Para el escueto reparto se contó con la colaboración de un conjunto de actores experimentados y de algunos emergentes como Sigourney Weaver. Gracias a su participación en la película, fue emplazada a lo más alto del panorama internacional. Además el resto de intérpretes consiguen dar a sus personajes la dosis necesaria de espontaneidad para resultar convincentes. Sin duda, logran transmitir al público toda la tensión y la angustia soportada por los astronautas del Nostromo. John Hurt, Ian Holm o Harry Dean Stanton cada vez que salen en pantalla demuestran una implicación total con sus personajes. Parecen haber ejercido toda la vida de transportistas espaciales.

También los efectos especiales de la época, sorprenden por el excelente nivel que manifiestan. Sin ayudas digitales, el paso de los años apenas les han hecho perder un ápice de vistosidad y las criaturas consiguen todavía, horrorizar al más curtido de los espectadores. Muy especialmente nuestro amigo el polizón espacial, en cuyo interior se encontraba Bolaji Badelo. Con más de dos metros de altura y su extrema delgadez, le dio al Alien una apariencia espeluznante. Por otra parte, cabe destacar el gran trabajo en la generación de estructuras, en el planeta o en la misma nave espacial. El resultado sólo puede calificarse de excelente y crea una inmejorable sensación de realismo, que les llevó a conseguir el Oscar a los mejores efectos visuales.

En definitiva, Alien, el octavo pasajero, es una obra maestra irrepetible del cine de terror, de la cual han bebido realizadores de todo el mundo y ha servido de inspiración a productoras y cineastas a lo largo de los años. Destaca en todos sus apartados y el ritmo lento del montaje, incrementa una marcada sensación de agobio. Sin duda, una película de culto que ningún aficionado al cine fantástico debe dejar de ver.

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