Estamos ante una de las últimas y más completas películas del maestro Hitchcock, y aunque muchas veces no ha coincidido como una de sus películas más populares, sin embargo está todo Hitchcock y todo su mundo en ella. Es una película donde está todo lo mejor.

Esta película representó el regreso de Hitchcock a su Londres natal, y eso se nota en la película, en esa alegría que transmite. Tiene uno de los arranques más alegres de toda su filmografía. Es una película donde Hitchcock se reencuentra con sus paisajes más queridos y con sus lugares de infancia. Se transmite alegría.

Es una película muy londinense, juvenil, divertida, muy simpática, y al mismo tiempo y por su temática, horrenda, impactante. Es una película en la que la carnalidad tiene una efusión nunca vista en Hitchcock, también la violencia abunda bastante y que solo es suavizada por el humor. Porque es de decir que siendo una película durísima hay un humor maravilloso.

Esta fue la película que volvió a ser un éxito después de su difícil etapa tras “Psicosis”.Una película en la que busca a unos actores prácticamente desconocidos y a un compositor para la banda sonora también nuevo en su filmografía, y con esto vuelve a dar alarde de su maestría demostrando que controla todo lo que crea.

Es una película donde no se crea simpatía del espectador con el protagonista, es el típico “falso culpable” de Hitchcock, pero aquí con la característica de que no se deja querer. También del malo hay una visión ordinario, no es alguien que tampoco inspire ningún tipo de compasión También es una película donde las relaciones amistosas son siempre defectuosas, no terminan de ser fructuosas. De todos los personajes, los más simpáticos son el inspector y su mujer, aprendiz en un cursillo de cocina... no tienen desperdicio. Es una película donde se establece una relación curiosa entre comida y crímenes; el saco de patatas, el almuerzo de la victima, la fruta, constantes invitaciones a comer...

Hay que destacar ese conseguido ambiente de vida cotidiana, de una autenticidad insuperable que desde “La ventana indiscreta” no había hecho. Destacar también como el movimiento de cámara tan bien trabajado demuestra y contrasta la tragedia de un crimen con el alegre fluir de la vida en la calle. También en ese mismo sentido de lo cotidiano destaca la corbata, como ese objeto cotidiano que pasa a ser objeto de suspense. Muy propio de Hitchcock eso, como ya hizo por ejemplo con una caja de cerillas en “Con la muerte en los talones” o el vaso de leche en “Sospecha”.

En definitiva es una gran película que ha ido creciendo con los años y que merecidamente hay que contarla como una de las mejores en la filmografía de Hitchcock.

Estamos ante una interesante película de G. Romero, el padre de los zombis, en la que retoma la idea de un ataque masivo-planetario de zombis y donde solo un grupo de personas siguen vivas y deben luchar como pueden contra esta plaga de muerte.

Es una película de serie b donde los defectos abundan, pero en la que el atractivo enganche de la película haga que los pasemos por alto. Aunque ciertamente la idea es muy buena, el guión hace aguas por muchos lados, con personajes incoherentes y mal perfilados que tan pronto son malos como buenos, se nota también en las ocasiones en las que se rompe el ritmo de la película con algunas conversaciones filosóficas que quedarían mejor implícitas.

Lo interesante del cine de Romero es su crítica social mediante zombis. Es una película en la que se hace una seria critica al sistema, a como el egoísmo de unos pocos puede acabar trayendo la perdición al resto, de la incapacidad que tienen los que gobiernan para unirse y ponerse de acuerdo para buscar una solución para el bien de todos.

Esta idea; invasión de zombis a escala mundial y un grupo de supervivientes, es la que va a repetir Romero a lo largo de toda su filmografía y de sus remakes. Y lo curioso es que, sigue enganchando...

Estamos ante una de las mejores películas de Mitchell Leisen, perteneciente a la época en la que Hollywood comenzaba a adaptar para el cine comedias de éxito de Broadway. Podemos decir que esta película representa buena parte de la creación de la comedia sofisticada.

Lo mejor de esta película está en el guión, es una película muy apoya en los diálogos y en los excelentes gags, y todo ello gracias al excelente guión de Billy Wilder y Charles Brackett. Muchos críticos consideran a Leiden, en buena parte, responsable de que Billy Wilder y Preston Sturges, sin duda sus mejores guionistas, se pasasen a la dirección. En definitiva, fueron grandes escritores, grandes creadores, que decidieron dirigir sus propios guiones, y se sumaron a la lista de los grandes directores.

Leisen desarrolla en “Medianoche” una historia en la que sus personajes siempre mienten para salir de la situación en la que se encuentran. La historia va avanzando progresivamente hasta que llega a ser toda una aventura norteamericana. Es una película que habla de la mentira, de las clases sociales, del amor, del matrimonio...

Hay que destacar el perfecto trabajo de los actores, todos ellos están fenomenales, y por su puesto destacar todas esas maravillosas situaciones cómicas que convierten a la película en una de las más brillantes del género, y en la que se nota la mano del maestro Wilder.

Estamos ante un intento de película que intentan contar una supuesta historia de “amor” alternándola con diversas actuaciones de un concierto al que asisten también los protagonistas, cosa que aburre y rompe completamente el ritmo de una película ya que hay momentos en los que uno no sabe si se está ante una película o un video de un concierto.

El único interés que despertó esta película fue la utilización de sexo explicito para algunas escenas. Cosa no del todo cierto, porque esto no es ninguna película pornográfica, de hecho solo es en la última escena sexual entre los protagonistas cuando hay sexo “explicito”, las demás no lo son, son actuaciones. Quizá la novedad no está en que se haga sexo explicito (que no se hace), sino en que los actores aparecen por completos desnudos, quizá ahí estaba el interés. Por lo demás es una película sin ningún interés, a parte de ser una historia mal contada, y posiblemente lo más destacable sean esos planos imponentes sobre la Antártica y la escena en la que ella le lee un pasaje de un libro sobre el hielo, el iceberg...

Estamos ante una gran película del posiblemente el mejor director francés, Jean Renoir. Se trata de su última película rodada en Estados Unidos, pero sin perder su sello propio. Cuando se estrenó no tuvo en su momento la acogida esperada, pero hay que decir que fue una película muy machacada y cortada por la censura. Posiblemente no sabremos nunca que fue lo que le quitó a la película, pero aún así no perdió esa magnitud erótica que transmite. Ante las exigencias de la censura fue el propio Renoir quien quitó y añadió cosas, y posiblemente esta no fue la primera versión que quería que fuera, pero en cualquier caso quedó fascinante.

Es una película especial, llena de magnitud, insólita, que se ha ido haciendo cada vez más clásica y más grande. Es una película a la que podríamos identificar con el cine negro, recuerda mucho a “Perversidad” o “Perdición”, e incluso se le ha llegado a comparar con “La noche del cazador” por lo que tiene de insólita.

Es una película que participa mucho de las vanguardias, un film muy personal. Una película bastante onírica, ese sueño primero parece como su hubiese sido diseñado por Salvador Dalí. Está llena de simbolismos, sobre todo de paisajes simbólicos; el barco naufragado, el acantilado, el mar, la ceguera...

La acción es más mental que física. Todo gira alrededor de ese triangulo amoroso, que desprende erotismo, misterio, ambigüedad... Aquí se habla del arte, de la cegera, de la verdad, de lo real y no real, de las obsesiones, de los deseos oscuros, de los celos, de la pasión...

En definitiva estamos ante una obra maestra, donde destaca una maravillosa dirección de actores, la historia, que nos introduce en toda una acción mental... Es una película de miradas. Una de las mejores escenas es en la cena que tienen los tres protagonistas, cuando Robert Ryan le pasa el encendedor a Joan Bennett ante la inquietante y dudosa mirada del ciego. En definitiva, una gran película.

Estamos ante una de las mejores películas de John Ford, rodada en la parte final y mejor de su filmografía, y que es considerada una obra maestra. Es la historia de la búsqueda realizada por dos hombres durante diez años de una niña secuestrada por los comanches. Es una película que reúne lo mejor del wester; persecuciones, indios, amor, drama, amistad, peleas, conspiraciones, suspense, acción, aventura... Cuando alguien es capaz de concentrar todo esto en una sola película y narrarlo manteniendo la interesado al espectador de principio a fin, es que es un genio, y ese es John Ford.

No es de extrañar esa frase famosa suya que se le atribuye, definidora de su manera de enfrentarse con su profesión y con su vida; “me llamo John Ford y hago Westerns”. Porque realmente es admirable como durante el periodo mudo rueda setenta y tantos largometrajes, la mayoría dentro de este género y en los que va adquiriendo una solidez narrativa sobre la que se va a afianzar el resto de si impresionante obra. Trabaja sin descanso hasta 1966 y rueda un total de 140 y tantas películas. Y a pesar de ser el maestro del western, las cuatro ocasiones en las que ganó un Oscar fueron por producciones dramáticas de otros géneros. En general sus producciones cubren un amplio abanico temático y sitúan a Ford entre los más eficaces y personales narradores de la historia del cine.

Es una película de personajes; dos hombres (Wayne y J. Hunter) y dos mujeres (Vera Miles y Natalie Wood). Son personajes entrecruzados y muy distintos entre sí pero que se necesitan unos de otros. Portentosa es la interpretación de Wayne, que va sumergiéndose progresivamente en la locura por su odio cada vez más irracional hacia los indios. Sobresalen también los secundarios, que van adquiriendo casi sin darse cuenta un singular protagonismo; el reverendo, “cicatriz”...

Es una película que habla de la venganza, del recuerdo, de la distancia, del amor, de las causas perdidas, de las soledades, ...

Destaca también los decorados, dotados de una belleza formal. Aunque en definitiva toda la película es de una gran belleza formal, y para nada es de extrañar que represente una obra de culto para crítico, cinéfilos y cineastas...

Estamos ante una soberbia película de William Wyler con una sobrecogedora historia que ya había llevado al cine en 1936 con el título de “Esos tres”, pero evidentemente mucho mas “descafeinada” que esta por causa de la censura y eliminando toda insinuación lesbica. Pero en esta de 1962 la permisividad era algo mayor y la película es más explicita.

Se trata de la adaptación de una obra de William Hellman e interpretada por Audrey Hepburn y Shirley Maclaine. Son ambas unas interpretaciones portentosas, y algunas escenas están llenas de una intensidad asombrosa, como por ejemplo de la revelación final que le hace Maclaine... deja sin habla al espectador.

Es una película que reflexiona principalmente sobre la mentira, sobre el daño que esta puede hacer, sobre hasta que extremos puede llegar. Y también se reflexiona sobre el lado amargo y trágico de la homosexualidad, en este caso femenina, donde no es ninguna opción gozosa, sino algo impuesto que ella rechaza. Esta idea queda muy bien reflejada en algunas escenas llenas de un dramatismo sobrecogedor.

Es una película interesante, muy bien planteada y abordada, y con una historia que absorbente. Una película muy atrevida para la época y que demuestra con creces el talento de William Wyler.

Estamos ante una entrañable comedia familiar navideña, muy al estilo de las de Frank Capra, aunque guardando las diferencias, en las que la visita de un ángel cambia y hace más feliz la existencia de las personas.

De manera muy sencilla se intenta transmitir valores como la alegría de vivir, el saber valorar a las personas que tenemos al lado y que son causa de nuestra felicidad... Hay que destacar a David Niven en su papel de obispo, demostrando su calidad interpretativa. Y por supuesto a Gary Grant en el papel de un ángel muy particular, tan humano que llega incluso a enamorarse y a tener que marcharse para no perder el control. Quizá viendo esta película puede entender el católico el por qué del celibato en los clérigos, ya que aquí este obispo anglicano está más centrado en su mujer que en su ministerio y labor apostólica.

En definitiva es una película entrañable de ver, entretenida, con buenas interpretaciones y con un gran mensaje.

Estamos ante una de las primeras películas de Sydney Pollack, reuniendo aquí a una pareja de intérpretes soberbia; Robert Redford y Natalie Wood, en un melodrama con todo el sello de Tenesse Williams.

La historia se centra en un pueblo sureño al que llega el personaje de Redford. Se hospeda en una especie de hotelucho de mala reputación y allí conoce a Alva, la hija de la propietaria, de la que se enamorará. Es una historia marcada desde el principio por el peso de un pasado y de un presente que atormenta a Alva y no la permite vivir ese autentico amor con unos valores que ella nunca había conocido.

Estamos aquí ante la consolidación de grandes actores, no tanto en el caso de Wood, que ya lo era, pero sí de Redford que demuestra su alto nivel de interpretación. Y destacar también a Charles Bronson encarnado aquí a un personaje de lo más despreciable.

En definitiva es una buena película que reflexiona sobre la buena y mala vida, sobre el amor, la soledad, el sexo, sobre el intento por se mejor persona, la frustración, la inmoralidad, la ternura...

Estamos, a mi juicio, ante la mejor película de Max Ophuls, junto con “Lola Montes”. Es un excelente melodrama romántico dirigido por Ophuls para el productor norteamericano John Houseman, a partir de una novela homónima del escritor austriaco Stefan Zweis.

Es una película rodada con una magistral elegancia a través de largos y sinuosos. Es un film construido a través de cuatro flash-backs que nos cuentan la historia de Liza Berndle, de cómo siendo niña se enamora de su atractivo vecino pianista, y a los dieciocho años rechaza a un pretendiente militar por su recuerdo al pianista, con quien poco después vivirá una apasionada noche de amor con él.

Una cosa a destacar son los decorados; la acción transcurre en unas vienas y Linz espléndidamente reconstruidas en estudio y que aportan un alto grado de romanticismo a la desconcertante historia de amor. Por supuesto destacar a la pareja protagonista, Joan Fontaine y Louis Jourdan, que hacen unas interpretaciones magistrales.

Destacar en espacial las escenas en exteriores de la guarnición militar de Linz y las finales en la opera. A mi juicio lo mejor de la película es la única noche de amor entre Liza y Stefan, desde la cena y el paseo en carruaje hasta la llegada a la casa del músico, pasando por “viaje” en un tren de feria, y en el baile con una orquesta de mujeres. Sin ninguna duda, una de las mejores películas que tratan sobre el amor.

Quizá viendo películas como esta, se puede llegar a entender el por qué el cine español no logra llenar las salas de cine. En nuestro cine español se han realizado y se realizan grandes obras, algunas incluso maestras, pero claro, luego aparecen bodrios como este, una comedia de una bajeza increíble, de una mediocridad pasmosa, que son encima de las que más se hacen, y que eclipsan a las buenas películas españolas, y además de dejar en muy mal lugar al cine español.

Es una película que no tiene un objetivo claro, no se sabe si pretende entretener, hacer reír, asustar, asquear... Hay que destacar a Neus Asesnsi que ciertamente es una buena actriz, aunque aquí en un papel de lo más deplorable. No sucede lo mismo con Inma del Moral, que su interpretación demuestra con creces que no es una actriz.

En definitiva una película mala y sin ningún interés.

Estamos ante una de las mejores comedias de Preston Sturges. Una película rodada con todo su sello; de forma trepidante y divertida, diálogos ingeniosos y una visión ácida sobre el poder, el dinero, el sexo y el matrimonio.

La historia parte de de una teoría rebosante de cinismo, no existen límites para una mujer bella e inteligente, puede conseguir todo lo que se proponga, incluso casarse con una millonario. Es el caso de la protagonista perfectamente interpretada por Claudette Colbert, quien le hace ver a su marido, Joel McCrea, que su matrimonio es pura rutina y que han de separarse. Lo abandona para buscar un millonario con la seguridad de que es el dinero lo que da la felicidad. Es una película que sitúa el dinero como factor único de felicidad y como factor de corrupción de la inocencia. Es una película llena de millonarios.

Es un film donde todos están perfectos en sus personajes. Principalmente Claudette Colbert, para quien Sturges escribió en guión. Colbert era por entonces la estrella por excelencia de la comedia norteamericana, como bien demostró en “Sucedió una noche”. Era una actriz con un enorme atractivo. También destacar a Mary Astor, en uno de sus interpretaciones más divertidas, interpretando a la frívola hermana del millonario, divorciada cinco veces y que siente por los hombre un autentico fervor. Su ridiculo y parasito Toto es el claro ejemplo de que necesita siempre a un hombre a su disposición.

Es una película en la que los hombres son los inocentes y las mujeres las que llevan la iniciativa, las que tienen la cabeza más clara, las que mejor saben lo que quieren. Y es en el personaje de Colbert donde gira toda la trama, ella es calculadora, atractiva, rebosante de lógica y decidida a todo, su personaje es un adelanto de la mujer liberada de muchos años después.

En definitiva estamos ante una de las mejores películas de Sturges, en la que demostró lo que es saber dirigir, y en la que fue el precursor de guionistas que pasaron a ser directores. Sus películas convencieron a Hollywood de que un escritor podía ofrecer garantías de tener éxito tras las cámaras. Es una película para pasar un buen rato y despejar, ya que no hay situación que no provoque como mínimo la sonrisa y como máximo la carcajada.

Estamos ante una de las mejores películas de Richard Quine, y quizá su obra maestra. Se trata de toda una reflexión de sentimientos que gira en torno al amor, al sexo, al deseo... Toda una temática atrevida para la época. Basada en la novela de Evan Hunter.

Lo primero a destacar yo creo que sería la pareja protagonista; Kirk Douglas y Kim Novack. Hacen una interpretación tan genial que hacen de sus personajes una pareja con una carga erótica tan intensa que nunca se sabe si se mueven realmente en el amor o están simplemente en el deseo. Y una vez más Quine sabe sacar el máximo partido de la fuerza interpretativa de Novack, de su belleza, y de su espalda, que siempre aparece desnuda en sus películas. Destacar también a los secundarios, principalmente a Walter Matthau, donde demuestra que es un verdadero actor que no se encasilló en la comedia, sino que también supo, como aquí, hacer de “malo”, en un personaje serio.

Tiene un protagonismo especial la casa. Estamos ante una historia que dura lo que dura la construcción de esa casa. Digamos que es como un elemento simbólico en el que situar la extraña historia de amor de los protagonistas.

Es una película que muestra ese talento especial para retratar la relación entre las personas, para retratar esa complejidad de los sentimientos. Y esto se debe a la maestría del guión y de la dirección. Estamos realmente ante una gran película.

Estamos ante una interesante adaptación de la vida de una de las mejores voces femeninas de la historia de la música; Edith Piaf. Es una película interesante y que ha intentado reflejar buena parte de su biografía desde la admiración y con bastante credibilidad.

Es una película construida a base de flash back, pero en la que tantos saltos en el tiempo tan sucesivamente llegan por momentos a descentrar la historia. Lo más a destacar es que en ese contraste entre el antes y el después, entre el pasado y el momento presente, en ninguno hay una vida feliz. Es una constante en toda la película el querer marcar el carácter trágico de su vida. Exceptuando los momentos de su relación con el boxeador.

Destacar la caracterización de Piaf que es absolutamente soberbia, muy bien conseguida. Incluso hay momentos en los que tiene un cierto parecido con Bette Davis.

Es una película que logra cumplir su principal objetivo que es retratar la tragedia de una vida marcada por la enfermedad, la adicción, la pobreza, los excesos, el sufrimiento... Todo esto se expresa en escenas realmente duras. Quizá su gran sufrimiento, además del de la enfermedad, fue no encontrar un autentico sentido a su vida, a su talento, a lo que hacía. En este sentido destacar la magistral interpretación dramática de la protagonista, Marion Cotillard, que resulta del todo convincente.

Y por su puesto destacar la banda sonora. Durante toda la película escuchamos las maravillosas canciones de Piaf, y conocemos las historias que había detrás de muchas de sus canciones, como es el caso de “La vie en rose” dedicada a su amor, o aquella otra compuesta a raíz del accidente de este. En definitiva es una película que vale la pena ver, se sea o no admirados de Edith Piaf, porque es una película deslumbrante que habla de y desde la vida misma, y también porque nunca he escuchado tan portentosamente el “Rien de rien” como se escucha en esta película.

Estamos ante un verdadero portento de película, un de los últimos trabajos de Nicholas Ray en una de las mejores superproducciones de la historia del cine. Es una película atractiva y mucho más interesante ahora que en su época, una película que se ve con mucha alegría y que se asiste a todo un espectáculo cada vez que se ve. Es de una frescura especial.

Es destacable en muchos aspectos, pero principalmente la dirección artística y los decorados. Fue uno de los decorados más grandes que se han hecho; Pekín, la muralla... Unos decorados maravillosos.

Desacatar también la brillantez de los diálogos que son todos muy acertados. Y por supuesto las interpretaciones, empezando por David Niven, haciendo gala, aquí más que nunca, de esa diplomacia innata. A Charlton Heston que estaba en su cima, en su mejor etapa. Y también a la gran Ava Gardner, quien estaba en su etapa de decadencia y de afición al alcohol.

Pero en lo que más destacó esta película fue por su dirección. Fue un rodaje tan complicado que llegó un momento en el que ya no se sabía quien estaba dirigiendo realmente, ya que en los tres meses que duró el rodaje Nicholas Ray rectificaba día a día todo el guión, cosa que enfurecía mucho a Heston. Y a esto se unió la ausencia del propio director por un par de semanas enfermo, ante lo cual el equipo técnico rodó lo que faltaba del metraje, dándole a algunas escenas un sentido épico que no correspondía con la intención del director. Pero sin ninguna duda se nota mucho la marca, el sello de Nicholas Ray en los momentos más intimistas, en los más personales. No hay que olvidar que fue Ray quien más influyó en la nouvelle back francesa, y ese sello siempre se nota en determinadas escenas.

En definitiva estamos ante una película fecunda, con una fuerza extraordinaria y que trata sobre la diplomacia, tiene toda una lectura política de lo más actual. El tema de las naciones unidad, el tema de permanecer en un país sin saber mucho cuales son las intenciones que se esconden detrás, el tema de los “extranjeros” invasores, el tema de la diplomacia, del diálogo... Y luego también reflexiona sobre las relaciones humana, sobre la amistad, la envidia, el amor... Es un verdadero espectáculo imprescindible.

Estamos ante la primera película de Sydney Lumet, que sin duda se convirtió en toda una obra maestra de del genero de “películas de juicios”. Y a pesar de que no tuve en su momento toda la acogida por la crítica, con el tiempo fue todo un bombazo en todo el mundo.

Lumet es un director que proviene de la televisión, con unas ideas claras, con una manera de rodar muy de televisión y esta es una película “televisiva” que reúne todas esas características. Este es uno de esos casos en el que el cine imita a la televisión. Es una película basada en un guión para la televisión y no es una pieza teatral como muchas veces se ha pensado. Y esto se nota mucho por ejemplo en algunos movimientos de cámara para exaltar determinados sentimientos, reacciones...

Se trata de una película de tesis, una película profundamente ambigua en la que los personajes cuentan o recrean una historia que no han visto y que se basan en lo que otros han dicho y que a su vez tampoco han estado presentes. Es una película sobre la especulación, sobre la frontera de la verdad y la mentira.

Hay que destacar a los actores, esta es una película en la que el peso dramático lo llevan los actores más que la propia trama que aparece como una cosa en segundo plano. Destacar principalmente a Lee J. Cobb, y a Henry Fonda. En definitiva la labor de actores es formidable, sobre todo la de los secundarios, ya que no hay que olvidar ese carácter teatral de la película.

Es una película que plantea el tema de la verdad, la mentira, la ambigüedad entre ambas, la falsedad. Es una película sociológica, Se simboliza en este grupo del jurado lo que es la convivencia, lo que es la sociedad. Es una película “civilizada”, una película sobre las personas. Hay que señalar la similitud existente entre el personaje de Henry Fonda y el de Aticus Finch de “Matar un ruiseñor”; son dos personas justas, que por encima de todo aman la verdad, creen en las personas, en la inocencia...

Destacar la portentosa fotografía de Boris Kaufman. Destacar también esos sonidos que parecen un protagonista más de la sala; el ventilador, la lluvia... Maravillosa es la escena en la que empieza a llover. En definitiva estamos ante la primera película de alguien que ama el cien y que se nota que es una película cuidada hasta el último detalle y a la que el tiempo no ha conseguido acartonar.

Sin ningún tipo de duda estamos ante una de las mejores películas del maestro Wilder junto con “El apartamento” o “En bandeja de plata”. Estamos ante una obra maestra.
Se trata de un adaptación de una pieza teatral de Agatha Christie, considerada como una de las mejores adaptaciones hachas para el cine partiendo de un relato de Christie.

Lo primero ha destacar es el guión, es un guión perfecto, sólido, ligero... con todo el sello de garantía de Wilder. Lleno de un humor extraordinario, con unos diálogos llenos de ironía, de humor... Y también donde se deja ver esa sentimentalismo especial de Wilder conjugado con su particular ironía. Ambas cosas tan bien enlazadas.

Es una película de actores, destacando evidentemente por encima de todos el gran Charles Laughton, haciendo aquí uno de los mejores trabajos de su vida. Hace una interpretación tan portentosa que deja sin habla. Yo creo que junto con su trabajo en “Tempestad sobre Washintong”, esta es su mejor interpretación, está en el mejor momento de su vida. Destacar también a Marlene Dietrich, muy pocas veces ha estado tan maravillosa como aquí. Su presentación y su puesta en escena es soberbia. Y por supuesto destacar a Tyrone Power, en su última interpretación ya que moriría meses después. Wilder hace una excelente dirección de actores, hace que los personajes sean todos entrañables y les da esa encarnadura vital. La propia Agatha Christie reconoció que Wilder había conseguido hacer a sus personajes más humanos.

Es una película que reflexiona sobre la moral en el ejercicio de la defensa, la duplicidad de testigos, una película sobre la traición, la pasión, la frustración... En este sentido en una película que anticipa mucho a su posterior “La vida privada de Sherlock Holmes”, en el sentido de retratar la curiosidad y la frustración del investigador. Es una película de detalles, de esos detalles con importancia y que nos revelan el carácter de los personajes; el monóculo, las pastillas, el termo, los sombreros, los puros...

En definitiva estamos ante una obra maestra por la que no pasa el tiempo, sino que conserva esa frescura y enganche. Es una película de una fluidez narrativa tan conseguida que el espectador entra y se siente participe de la película. En ese sentido es una película joven, que ha resistido muy bien el paso del tiempo. Imprescindible.

Estamos ante una de las películas más prestigiosas de George Stevens, toda una fiel adaptación del conocido “Diario de Ana Frank”. Partiendo de el realiza una magistral película de actores y en la que combina la acción, el suspense, el humor, la ternura, la tensión... Todo dentro de una simple habitación en lo alto de una casa.

Es una película bastante reflexiva sobre el ser humano y sus sentimientos, sobre la guerra, sobre la familia, el amor, la amistad, la fraternidad... Todo ellos visto por los ojos de una adolescente. Es una película que apuesta por el ser humano, que vuelve a dejar patente que las verdaderas víctimas de una guerra son siempre los inocentes, aquellos que no tienen nada que ver, aquellos que solo quieren ser felices y no les dejan.

Podemos decir que es una película triste, una película muy conseguida en el sentido de que logra transmitir al espectador esa tensión e inquietud, en las escenas por ejemplo donde todos están pendientes del gato, o en la que suben dos policías militares hasta la puerta del altillo. Es una película llena de diálogos maravillosos.

Es una película de actores, con cierto carácter teatral; una sola habitación en la que se va a desarrollar casi toda la película. El peso lo llevan los actores, desde el primero hasta el último de los que conviven en el altillo. La Academia le dio a Shelley Winters a la mejor actriz secundaria por el extraordinario papel que aquí hace. También destacaría el del padre de Ana Frank.

En definitiva, no solo es una película entretenida y que engancha, sino que es una película para pensar, para meditar sobre la vida misma y su valor, para valorar la libertad como la dignidad más grande que puede tener el ser humano, para valorar la vida...

Estamos ante una adaptación de un comic de Frank Miller y dirigida por Zack Synder quien ya había llevado a la pantalla otra adaptación de un comic con “Sin city”. Podemos decir que se trata de una película épica-ciencia ficción, y quizá con algunos matices históricos, pero sin ser ese el objetivo.

Los más a destacar de esta película son sus efectos especiales, muy bien utilizados en las batallas, que son las que ocupan casi el 80% de la película, y también en esos engendros de la naturaleza que utiliza el ejército persa para atacar a los espartanos. Aunque ciertamente no le favorece mucho a algunas escenas esos retoques digitales ni esos saltos a lo “matrix”.

Esta no fue una película de gran presupuesto, pero sin embargo la acogida en taquilla ha superado con creces lo empleado en la película. En definitiva es una película que ofrece entretenimiento, sin ninguna pretensión histórica. Es una película que conserva toda la estética del comic, y que principalmente es recomendable para los aficionados a este género.

Estamos ante la obra maestra del cineasta C. Th Dreyer. Una película profunda, dura, “religiosa”, que ahonda hasta el centro mismo del ser humano. Es portentosa la utilización que se hace en esta película partiendo de símbolos religiosos para acabar en una reflexión de la propia vida y del ser humano y sus frustraciones.

Una de las cosas a destacar está en los planos. Los dos primeros tercios de la película están edificados sobre planos muy largos, que abren y cierran secuencias. Son planos que siguen normalmente a los personajes, que dejan a uno para acompañar a otro. Son planos con movimiento, suaves, muy armónicos. Esto era algo que estaba muy de moda en el cine de los 50, pero creo que nadie ha filmado seguido mejor que Dreyer.

Destacar también ese sonido en on y en off que va recordando continuamente el runrún de la vida; las tazas de te, los pasos, el crujido de esos zapatos nuevos, el tictac de un reloj, las puertas, las voces de los niños, el viento zarandeando la ropa tendida... La granja de los Borgen está tan viva como un bosque y el espectado llega a conocerla tan íntimamente como si hubiera habitado allí. También destacar el magistral uso de Dreyer de la luz, la concierte en una película luminosa.

“Ordet” es una película acerca de la fe, la convicción, la familia, la tolerancia, el paso de la noche al día y del día a la noche. Y naturalmente acerca del amor. De ese amor omnipresente, que, como un milagro, lo contagia todo.

Cada personaje de esta película representa distintas actitudes ante la vida, distintos modos de afrontar la existencia; desde la ley, desde la fe, desde el amor pasional, desde el amor entendido como servicio y entrega desinteresada al otro, desde la ortodoxia... Son personas que entendiendo la parte trágica de la vida, se esfuerzan por vivir felices, por vivir en la esperanza. Dreyer es el único maestro que ha explorado el alma a través del rostro.

Es una película profundamente simbólica que muchísimos aspectos pasan desapercibidos o cuesta profundizar en ellos. Por ejemplo el personaje del perturbado que cree ser Jesucristo, un personaje extraño, pero más desconcertante aún por lo que hace al final...
Yo creo que es una película para verla desde todas las ópticas posibles, es una película abierta, contemplativa, Dreyer maneja todo un sentido de la contemplación, que reflexiona sobre el misterio humano, sobre los temores, sobre las alegrías... Es una gran obra.