Esta película surge después de cinco años en los que el gran Billy Wilder permaneció inactivo. Tras ellos resurgió con esta jovial comedia que recupera todo su mundo, su manera de hacer cine, y su peculiar versión sobre las personas y sus historias.

Es una película basada en una pieza teatral de Samuel Taylor, que cuenta la historia de un ejecutivo de Boston que viaja a Italia para llevarse el cadáver de su reciente fallecido padre, y allí descubre que no murió solo, sino que tenía una amante. Pero la hija de esa amante también está allí en Italia por el mismo motivo que él. Aunque no es una comedia loca de Wilder al estilo de “Primera plana” u otras, si que es una película llena de momentos únicos, de situaciones divertidas, y de personajes secundarios entrañables. Destacar por ejemplo al director del hotel, siempre disponible, siempre servicial, siempre atento a cada detalle... “-Oiga, ¿y usted cuando duerme?” “-En invierno”.

Destacar por supuesto a Jack Lemon, y a Juliet Mills, en uno de los mejores papeles de su filmografía, y este en especial inmejorable. Destacar la música que acompaña a esta historia, a la historia de sus protagonistas. Y destacar por supuesto el guión, escrito por el propio Wilder y su inseparable Diamon.

Es una película que habla sobre las relaciones, sobre las parejas, sobre el amor, y de cómo este es capaz de cambiar lo incambiable. En definitiva es una brillante comedia de Wilder, de su particular modo de ver la vida y las personas. Algunos críticos consideraron esta obra como un film menor, pero lo cierto es que el tiempo ha demostrado que se trata de toda una obra maestra del inolvidable Billy Wilder.

Estamos ante uno de los mejores trabajos de uno de los más grandes y complejos cineastas que ha dado la historia del cine, el maestro Hitchcock. Sin duda es esta la película suya que mas ha impactado, de la que más se ha hablado y la de más éxito. Y yo diría la película más vista de su filmografía, una película que se sigue viendo una y otra vez, y aunque no tenga la inocencia del que la ve por primera vez, nunca deja de sorprender.

Es un película que tiene un tratamiento que se acerca mucho a la televisión, que recuerda mucho a la serie del maestra “Alfred Hitchcock presenta...” Es una película es estado puro, todo un portento. Una película llena de experimentos, el más llamativo es la lograda identificación con el espectador. Hitchcock es capaz de hacer que nos identifiquemos primeramente con la protagonista inicial y luego con el propio Perkins. Va jugando progresivamente con el espectador.

Es una película que consigue emociones y tensiones. Y todo gracias a una puesta en escena portentosa. Por ejemplo, las escenas que aparentemente son más triviales o de paso, en esta película están cargadas de una tensión, de una turbación, de una emoción que resulta portentoso. Un elemento trivial como es una casa, aquí consigue un aspecto tan amenazador, tan inquietante, casi cobra la intensidad de un personaje más. Y no digamos ya las escenas no triviales, sino las principales en cuestión, las escenas cumbres mucho más. Un ejemplo; la famosa escena de la ducha.

Hay que destacar el uso del blanco y negro que el maestro eligió para conseguir ese clima fantasmagórico del que quería dotar a la película. Y destacar con un diez la banda sonora de Bernard Hermann, una partitura escrita solo para cuerdas y que yo diría que es el alama de esta película. Bernard y Hitchcock formarían un dúo tan consolidado ya que la música del uno era capaz de expresar el mundo del otro. Destacar también la novela de la cual se basa la película, escrita por Robert Bloch. Este sería uno de esos casos en los que la película supera a la novela, y aquí con creces.


Y por supuesto destacar a los actores, todos ellos portentosos. El mejor papel de toda la carrera de Perkins y el que lo consagraría como el inmortal Norman Bates. Janet Leigh esta soberbia. Vera Miles que dota a su personaje de una fuerza que engancha y John Gavin que va demostrando que es un gran actor.

En definitiva, una obra maestra. De la cual envidio a quien vaya a verla por primera vez. Decir que las cuatro partes que le sucedieron no aportaron nada nuevo, nada que ya dejara dicho Hitchcock en esta de sus tres mejores películas de su filmografía.

Es una película excepcional en todos los sentidos. Se basa en un relato de Stephen King, un relato casi autobiográfico en el que él quiso transmitir la época en la que él conoció lo que verdaderamente era la amistad y el infinito tesoro y fuente de felicidad que esto es. Y partiendo de ese relato el director Rob Reiner construyó esta película profunda y sencilla a la vez, es drama y comedia, es alegría y tristeza... Es todo un tratado sobre la amistad.

Los jóvenes actores dan lo mejor de sí mismos en sus interpretaciones, y hay muchas escenas en las que consiguen dar a sus protagonistas una expresividad casi pasmosa. También destaca la banda sonora, donde podemos escuchar una de las adaptaciones instrumentales más hermosas del clásico “Stand by me”, adaptado por el gran Jack Niestche.

Es una película llena de momentos maravillosos. Por ejemplo, aquél en el que los protagonistas se sinceran, dejan por un momentos las diversiones de la infancia y se cuentan sus problemas, tienen su primera experiencia fuerte de amistad, ambos se confiesas que necesitan de la amistad del otro ya que eso les da una fuerza especial, una unión que hace superar todo lo que venga. Hay una frase muy hermosa que le dice a su amigo, que luego sería futuro escritor; “Y algún día, cuando te quedes si argumentos, sin material, podrás escribir sobre nosotros...” Son dos niños que a esa corta edad conocen con profundidad el valor de la amistad, ese misterioso sentimiento de unidad que es eterno, y ese sí dura para toda la vida.

Es una película en la que, en los distintos momentos y aventuras por las que van pasando los niños, se va notando como va creciendo en altura y en intensidad la amistad que los une, como por ejemplo hasta dedicarse al otro incluso en un peligro de muerte, como es por ejemplo la escena del tren, o como se van comprendiendo, perdonándose... Poco a poco, en la mejor etapa de sus vidas, van comprendiendo lo que es la Amistad. Es curioso como los mejores momentos de nuestra vida siempre están asociados a nuestros mejores amigos, porque es la Amistad la que da los mejores momentos de esta vida. No hay nada más maravilloso y verdadero que decirle a un Amigo... cuenta conmigo.

Estamos ante una interesante película que plantea el tema del embarazo juvenil. Es una película que hace un planteamiento interesante por la vida. El aborto es un crimen, es matar un individuo. Es interesante escuchar en medio de nuestra sociedad este tipo de películas que apuestan por la vida.

Aunque este discurso a favor de la vida se ve algo aminarado por el extraño concepto de familia de la que se parte, tanto la de Juno como la de los padres adoptivos. Se intenta dar una imagen de que esas situaciones son lo más normal, cuando en realidad lo que es son casos dramaticos de familias desestructuradas. Como dramático es también el caso de Juno.

Es de destacar la selección que componen la banda sonora y la actriz que hace de Juno, francamente hace un buen papel ya que es un personaje complejo.

En definitiva creo que es una película recomendable en el sentido de que apuesta por la vida, por el derecho a nacer. Siempre hay otras vías antes que el aborto. Sin embargo la visión que se transmite de la familia es un tanto manipuladora. Pero sin eso, recomendable por su alto valor por la vida, sobre todo de los inocentes.

Conocí la fuerza literaria de esta historia gracias a la recomendación de un gran amigo que me dejó el libro de esta genial obra que, según muchos críticos, es la segunda obra maestra de Grabiel García Márquez después de "Cien años de soledad". Enfrentarse a un texto de García Márquez es siempre un reto, porque su escritura es siempre una literatura profunda, yo diría que su escritura es como recuerdos hecho palabras, es una literatura que envuelve, que una vez que empieza atrapa hasta el final. Es pensamiento hecho palabra...

Hay que reconocer que Mike Newell ha hecho un buen trabajo, una fiel adaptación. Pero evidentemente el texto literario va mucho más allá y la película no abarca toda la profundidad que expresa la obra. Porque García Márquez no escribió solo la historia de dos personas que se aman, sino que con esa historia hizo una reflexión sobre el amor, las personas, la condición humana...sobre la vida.

De todos los personajes, destacar la interpretación de Liev Schreiber en el papel de Fermina Daza. También la del actor del primer Florentino Ariza de joven.

Hay que destacar los paisajes, algo que contribuye a hacer más hermosa la historia, el contexto en la que esa se realiza. Y destacar la banda sonora, una excepcional música, también las canciones de Shakira.

En definitiva estamos ante una historia con fuerza, que aunque la película no logre expresar todo lo que sí expresa la novela, al menos nos permite acercarnos a ese misterioso sentimiento que llamamos amor y que, en ocasiones, trasciende el tiempo, las dificultades, y que, “no se cansa de esperar”.

Fui a ver esta película porque me habían hablado muy bien de ella y porque Antonio Mercero siempre es garantía de calidad. Pero lo cierto es que esta película no terminó de estar a la altura de sus expectativas, y eso que tenía todos los ingredientes parta ser una buena película; buenos actores, una buena historia, buen tema y un buen director. Pero quizá el error está desde el principio en como está contada la historia, en el guión, que no termina de encajar

Otro elemento que perjudicó mucho a la película es la música, tiene una banda sonora que no va con la historia, parece que va por otro lado. A esta historia le hubiese ido mejor una música más sentimental, más entrañable. Porque por ejemplo en aquellas escenas claves que estaban preparadas para emocionar al público, pero no lo consiguen del todo por culpa de esa siniestra música que hecha a perder la intensidad de la escena. Otro elemento que no va y que es un error de guión es esa historia de amor entre el médico y la nieta del protagonista. Como bien ha dicho alguien por aquí es una historia metida a calzador, que no fluye con naturalidad, sino que queda mal porque se nota mucho que está metida al trancazo y para rellenar.

Pero fuera de estos elementos técnicos, evidentemente lo mejor de la película es el mensaje que intenta transmitir, esa concienciación de la trágica enfermedad del alzehimer. Se retrata muy bien esa tragedia que no solo sufre el enfermo, sino los familiares, cuando ven que el ser querido ya no les reconoce. Quizá el momento más duro de la enfermedad.

Si por algo vale la pena ir al ver la película es por la llamada de atención que nos hace para sensibilizarnos con esta realidad frente a esta sociedad egoísta e individualista que intenta eliminar todo lo que estorba para su hedonismo. Sin valorar a nuestros mayores, todo un caudal de sabiduría y experiencia, y a los cuales cuando les llega la vejez necesitan tanto de nosotros y podemos hacerles felices con tan poco, a veces con tan solo escucharlos, aunque sea la misma historia de siempre, porque cuando nos dedicamos un poco a ellos, recibimos más felicidad que la engañosa que nos da el individualismo que intenta imponerse.

Estamos ante una interesante película de Constantin Costa-Gavras y con una soberbia interpretación de Mathieu Kassovitz y un desconocido Ulrich Tukur, sin duda lo mejor de esta película es esa fuerza dramática de sus interpretaciones. Es una película ambientada a comienzos de la segunda guerra mundial y la trama comienza cuando un agente de la SS encargado de suministrar el gas para los crematorios, siente repugnancia por ello y recurre a la Iglesia para buscar solución.

El drama de la película esta en que todos hacen oídos sordos a su súplica de ayuda para acabar cuanto antes con la matanza de judíos. Tan solo un sacerdote coherente y con convicción lo escucha y decide llegar hasta el Papa para que denuncie la barbarie. Pero el resultado no será tan satisfactorio como parece...

Es una película que intenta acercarse con cierto historicismo a la actitud de la Iglesia ante los comienzos de las matanzas de los nazis. Se reflexiona en lo grave que fue el silencio del papa en el momento en que era necesario una fuerte repulsa por parte de la Iglesia.

Es una película que reflexiona sobre la honradez, la coherencia, la familia, la hipocresía, la neutralidad mal entendida... En definitiva creo que es un buen trabajo. Destaca una buena banda sonora, pero por su puesto, lo mejor; las interpretaciones.

Estamos sin ningún tipo de duda ante una de las mejores películas de Robert Redford, sino la mejor de su corta pero fecunda filmografía como director. Una película que surge del enamoramiento por una novela y por un paisaje. Redford se enfrenta con una gran novela de Norman MacLean, un profesor emérito que le llevó casi 40 años escribir esta novela, una obra sobre la familia, las relaciones con la familia donde nunca se dicen las cosas importantes. MacLean tenía miedo de que Hollywood estropeara su obra al adaptarla, hasta que finalmente fue Redford quien le demostró que había captado la esencia de la novela.

Esta es la película de los pescadores. Una película sobre la familia, sobre la búsqueda de la esencialidad, sobre la austeridad, sobre la vida pegada a lo esencial. Una película que reflexiona sobre el sentido trascendental de la vida; Dios, la naturaleza, el fluir de la vida, lo bello... Una película meditativa, reflexiva.

Es una película admirable en el sentido de que se nota que está hecha con un gran cariño y respeto. Redford es alguien que siente un gran cariño por el cine, y eso se nota en su forma de hacer películas y de contar historias. También es una película admirable ya que se trata de cine independiente, que no sigue ninguna moda sino todo lo contrario, va a contra corriente de lo que se hacía en ese momento en Hollywood. Fue ganadora de un Oscar por la excelente fotografía y nominada por la adaptación del guión.

Es la película sobre el aprendizaje de la vida. Es excelente la interpretación del padre, que logra transmitir la autoridad, pero sin sombra de tensión. Muy convincente. Es una película sobre el paso del tiempo, sobre esos momentos de felicidad que se escapan de las manos como el agua. Esto queda perfectamente plasmado en los últimos veinte minutos de película que dejan realmente sin habla.

Otro tema que plantea es el de cómo en ocasiones es difícil transmitir los afectos a las personas que más queremos; los padres, los hermanos, la familia... con las que en teoría debería ser mas sencillo. Una película también sobre los recuerdos, buscar la fuerza en los recuerdos. En este sentido hay todo un homenaje a la película “Esplendor en la hierba”.

En definitiva, una de las mejores y más personales películas de Redford, en la que defiende todo aquello que quiere y le gusta, en la que recrea todo un sistema de vida que se va perdiendo. Una película que tiene como marco el río, el sol, el aire, la naturaleza... Una película que respira. Y auque no es una obra maestra, sí que es una gran película, con uno de esos finales con vocación de eternidad.

Estamos ante una película cumbre en la historia del cine, una película de culto, y con unos personajes de culto. Si la historia del cine nos ha dado a un personaje de culto ese es Aticus Finch, un personaje verdaderamente imperecedero.

Es una película llena de emoción desde el principio al final, que reflexiona sobre la justicia, la caridad, las personas, la paternidad... Es una película sobre la paternidad, en el personaje de Aticus hay todo un ejemplo de lo que es un padre, un hombre bueno, limpio, bondadoso, alguien que derrocha civilización.
Se habla también de la dignidad, de la humildad, sobre las relaciones entre los padres y los hijos.

No hay que olvidar que la película se basa en una magistral novela de Harper Lee, sinceramente una de las mejores que yo he leído y en la mejor época. Fue la única novela que escribió su autora y por la que ganó el premio puzciler. Podemos decir que el guión de esta película es todo un resumen de la novela, pero sin embargo la película no es esclava de la novela, sino que está llena de inventivas. Como por ejemplo esa magistral escena, una de las mejores de toda la película, cuando los niños están en la cama para dormirse y se hacen preguntas sobre su madre, al tiempo que la cámara se aleja por la ventana y vemos a Aticus sentado en el porche, escuchando a sus hijos. Esto es propio de la película, y es maravilloso. Ese rostro de Aticus que expresa soledad, el rostro de alguien que echa de menos, que aunque tiene a sus hijos, siente que una gran parte de su vida se le ha ido.

Hay que destacar la dirección. Robert Mulligan trató con respeto y admiración lo que tenía en sus manos; una novela extraordinaria, unos actores portentosos y un buen guión. Y todo esto lo dirige desde una modestia admirable.

Por supuesto hay que destacar a Gregory Peck, en este, sin ningún género de dudas, el mejor papel de su filmografía. Fue gracias a esta interpretación por la que ganó un oscar, y teniendo además unos competidores muy difíciles. Pero es que francamente dio una lección de interpretación. También hay que señalar a Robert Duvel, que su corta aparición tiene una presencia tan llamativa.

También se llevó un oscar la decocción, y es que francamente la ambientación está tan conseguida, tan familiar, tan entrañable. Cuando la decoración es capaz de recrear el aroma de toda una época, eso es una obra de arte.

Y por último destacar la música de Elmer Brestein, entra dentro de esa lista de las mejores y más hermosas partituras que se han escrito para el cine. La banda sonora es la poesía hecha música.

Todo esto es lo que hace que esta película sea una obra maestra; el guión, los actores, los diálogos, los decorados, la música... Hacen que este canto del ruiseñor sea eterno, y que siempre va a más... Es el canto de la vida, es el canto del ruiseñor.

Estamos ante una interesante película que ya se cuentan entre una de las mejores de Elia Kazan junto con “Esplendor en la hierba”. La película narra la expropiación de una vieja propietaria sureña que ante la crecida del rió Tennesse es obligada a abandonar sus tierras. Es uno de los films más ambiciosos de Kazan, y una película que cuando se estrenó no fue muy bien recibida por la critica. Pero con el paso del tiempo, hoy día se tiene de ella una visión más positiva, algunos incluso la califican como un inteligente estudio de los cambios históricos que acaecieron en la sociedad norteamericana en una determinada época.

La película se va desarrollando en ese tira y afloja para que venda sus propiedades y abandone la isla, y donde Kazan parece colocar la simpatía con la vieja que no quería abandonar la isla donde ha vivido la mayor parte de su vida y donde quiere morir. Y esto hace que la historia sea mucho más viva y que todos los personajes que intervienen en ella tengan una similar intensidad. Hasta el extremo que, tanto este problema como el de los racista que desata el protagonista al contratar negros para la construcción del pantano y pagarle el mismo sueldo que a los blancos, hacen que no sean un simple telón de fondo de la historia de amor, sino que tiene tanta fuerza o más que ella.

Aunque lo que verdaderamente hace de “Rió salvaje” una obra maestra es la intensidad de las relaciones entre Chuck Clover, que es el tercer empleado que manda el gobierno para resolver la situación del valle, y Carol Carth, la nuera de la vieja, que por causa de la II guerra mundial quedó pronto viuda con dos hijos.

Es una película llena de escenas memorables. Destacar la dirección de la poderosa pareja formada por la joven y sensual Lee Remick y el portentoso Monty Clift, que a pesar de que estaba viviendo una de sus etapas más duras y difíciles de su vida, supo dar aquí una muy buena interpretación. Destacar también la interpretación de Jo Van Fleet, que con solo 40 años borda su personaje de una anciana de 80 años.

Destacar también el maravilloso empleo del cinemascope, los decorados, la ambientación tan conseguida, y la formidable música de Kenyon Hopkins.

Es una película que reflexiona sobre la dicotomía entre lo nuevo y lo viejo, el apego a unas raíces, la soledad, el como los cambios pasan por encima de las personas....Se rinde tributo a una época de EEUU en la que todo parecía posible, incluso los cambios sociales mas problemáticos. Es una gran obra.

Estamos ante una de las mejores películas del maestro Ford, considerada una obra maestra y de culto. Ford se aleja aquí del wenster y hace una película íntima y personal, una historia de su Irlanda. Ford rueda aquí su mejor historia de amor, su particular versión de este.

Es una película que pertenece al género de las irrepetibles. Es una película divertida, hermosa, tranquila, que produce una alegría y una jovialidad enorme, y todo a pesar de que arrastra mucha melancolía. Es la historia de alguien que encuentra su hogar, de alguien que después de mucho andar por la vida encuentra su sitio. Es la historia de un amor, la historia de recuperar algo.

Ford afirmó que este era uno de sus guiones más trabajados y elaborados. Los personajes están maravillosamente dirigidos, y también es una película muy rica en personajes secundarios. Lo que más llama la atención es que cada personaje tiene un mundo detrás, con cada uno de los personajes y sus historias se podrían hacer distintas películas.

Es una película donde está todo su mundo, su manera de entender la vida, una película que es comedia negra, épica, romántica, donde hay peleas, humor... Esta todo John Ford en ella. Una película en la que asistimos a una de las más grandes y mejores peleas del cine. Pero sobre todo una película llena de romanticismo, llena de enormes declaraciones de amor. Hay una escena que es cuando salen de la capilla y Wayne le ofrece el agua bendita en su propia mano, y ella roza sus dedos y la acepta, ese es uno de esos momentos inolvidables en el cine y en la vida.

También destacar la fotografía que es maravillosa y la música que es francamente inolvidable. En definitiva estamos ante una obra maestra, y todo lo que se diga nunca llegará verdaderamente a definirla. Pero lo cierto es que es una de esas películas especiales, que en alguna circunstancia de la vida nos alegran el día, o la noche y nos producen esa sensación de tranquilidad, de alegría, de pasión por la vida... y por el cine.

Estamos ante una curiosa película de Ang Lee insólita en el cine oriental, tanto por un tratamiento y un toque muy propio de la típica comedia de costumbres de los clásicos norteamericanos, y por incidir en la cuestión homosexual.

Lo más a destacar de esta película es la curiosa aglutinación de diferentes niveles de inquietud, desde la ironía antifamiliar al choque entre culturas, desde aspectos puramente humorísticos a los rasgos melodramáticos. Y todo ello concentrado desde una apología de la tolerancia que va dejando entrever Lee.

Es una película con momentos entrañables y con otros de total dramatismo, como es todo el tema de las relaciones, los celos, las dobles vidas, el tema de los padres, las distintas expectativas generacionales...

Estamos ante una de las más brillantes creaciones del Mago del suspense. Y aunque primeramente fue una película mal entendida, concedida en medio de la crisis del cine de los 60, y que tuvo incluso poco éxito de taquilla, lo que sí es innegable es que ha ido ganando y creciendo con el tiempo.
Lo cierto es que el tiempo nos ha demostrado que es toda una obra de arte, que es un tipo de cine tan difícil de encontrar hoy. Esta película es pura narrativa, narrativa cinematográfica, es la esencia misma del cine. Hay una fluidez narrativa asombrosa. Es una esplendida película de la parte más irreal y por ello más original de la filmografía del maestro.

Es una de las películas más “dibujadas”, uno tiene la sensación de que todo sucede como en un comic. Y también es una película enormemente divertida, con un suspense maravilloso, y a la vez una de las más horrorosas, como es la escena de la granja, donde Hitchocock demuestra lo difícil que es matar a alguien cuando no se puede utilizar la pistola. Luego la idea del autobús es brillante, yo creo que es una de los mejores episodios que ha creado Hitchcock y que es ya parte insustituible de la historia del cine.

Otra de las cosas de las que más se habló en su momento fue de la pareja protagonista; Paul Newman y Julie Andrwes. Ciertamente no fueron los que Hitchcock quería, pero por distintas exigencias de los estudios a él no le quedó otra opción sino la de irse amoldándose a distintas circunstancias; no pudo contar con su músico de siempre porque querían una música más acorde a los años 60, tampoco con su fotógrafo... y lo mismo con los actores. Y aunque ciertamente Julie Andrews no es lo que se dice “una heroína Hitckoniana” ni Paul Newman es Gary Grant, lo cierto es que no lo hicieron nada mal, sobre todo Newman que está aquí asombroso y que es uno de los mejores actores de la historia del cine. Y también se ve cierta química entre Newman y Andrews, realmente parecen una pareja. Aunque lo que más destaca son los secundarios, que cobran más protagonismo que los protagonistas.

Es una historia que se ve sin pestañear, que atrapa y engancha de principio a fin. Es una historia de espías con la originalidad de que el espía no es un espía profesional, sino un científico. Es una película donde abundan unos juegos de miradas portentosos, y donde abundan unos insertos que provocan tensión.

Hay que destacar ese talento especial de Hitchcock para tratar, para contar historia de amor, a veces parece que es la historia de amor es la que guía y condiciona a la trama. Es una película que tuvo mucha influencia posteriormente y de la que bebieron los 007.

En definitiva yo creo que estamos ante todo un espectáculo cinematográfico, ante una historia nueva, original de espías, todo un talento por parte del maestro y en la que a la vez conserva, su estilo, su estructura, su puesta en escena, su toque maestro... Es Hitchcock.

Estamos ante una de las mejores interpretaciones de Peter Sellers, en una de sus pocas películas de temática seria, y aunque esta no lo sea del todo ya que es tragicomedia, su papel es curiosamente dramático, es el de un infeliz, alguien apenas sin personalidad que tan solo sabe cuidar de su jardín y ver la televisión.

La trama comienza cuando este extraviado personaje topa debido a un pequeño accidente con un alto economista de estado, y sin ni siquiera quererlo ni proponerlo se va convirtiendo en su mano derecha. Los distintitos políticos y hasta el mismo presidente interpretan el silencio y las extravagancias de mr Chance como signo de una singular inteligencia, pero... nada más lejos de la realidad.

Es una película que habla sobre la soledad, el destino, el poder, la suerte... pero sobretodo es una gran reflexión sobre la soledad; mr Chance es alguien que desde siempre ha estado extraviado y solo ante el universo. También el personaje de Shirley Maclaine es el de una mujer solitaria que ve en Chance una desesperada salida y escape de esa soledad.

Lo más a destacar son las interpretaciones, evidentemente la de Peter Sellers, que da toda una lección de lo que es un actor, alguien que también sabe hacer papel dramáticos. Y también Shirley Maclaine, que esta soberbia. Destacar la música, y el guión, basado en una novela de Jerzy kosinki ante la cual fue el propio Seller quien se interesó primero por ella. Toda una obra que vale la pena ver con interés.

Estamos ante una de las mejores películas de Robert Rossen, un gran guionista, productor y director, que fue un tanto desprestigiado por ser una víctima del senador McCarthy y su “comité de actividades antinorteamericanas”. Pero lo cierto es que estamos ante uno de los grandes creadores, y en esta película, ante uno de sus mejores trabajos.

Fue capaz de convertir una novela de Walter Trevis sobre el, en principio, nada cinematográfico mundo del billar, en una sólida e intensa historia entre “Eddie el relámpago”, un hábil jugador de billar que sobrevive recorriendo el país engañando a incautos en pequeñas partidas de billar, Sara Packasd, una solitaria mujer que quiere ser escritora y a la que su padre le manda dinero todos los meses para mantenerla alejada, y Bert Gordon, un siniestro apoderado que trata de explotar la habilidad y juventud de Eddie.

La película comienza con la ambición de Eddie al querer enfrentarse con “el gordo de Minessota”, todo un maestro del billar, en una agotadora partida de 25 horas.

Es una película que habla de la soledad, de los perdedores, de la suerte, de un modo de buscarse la vida que se extingue... Eddie como un perdedor nato, Sarah como una chica insegura que no quiere volver a estar sola. Y Bert Gordon, que domina a Eddie con facilidad sin importarle hacer cualquier cosa para ello. Es una historia dramática de alguien que intenta demostrarse que no es un perdedor, alguien que en la vida ha sido un perdedor, y que ahora no quiere serlo también en el billar, y por ello no le importa nada. Es todo un drama de personas perdidas, sobretodo de Eddie, que intenta buscarse la vida que cada vez va siendo mas difícil dedicarse, y que intenta ser feliz.

Hay que destacar el guión, que es francamente portentoso, firmado también por el propio Robert Rossen. No hay que olvidar que fue un destacado dramaturgo que dejó el teatro por el cine y se fue consolidando como un reputado guionista que trabajó para Michael Curtiz, Lewis Milestone, Raoul Walsh...

Y por su puesto destacar a Paul Newman, que yo creo que es uno de los actores más grandes que ha dado la historia del cine, cualquier plano de él, primero o medio, es todo un portento, es el de alguien que habla sin decir nada, alguien con una mirada espectacular. En definitiva, una obra maestra, y por supuesto imprescindible.

Estamos ante una película extraordinaria, y a la vez una de las más controvertidas de Hitchcock, una película que fue muy mal entendida y que en general gustó muy poco, quizá por todo ese barniz político que la acompañó desde el principio y que la perjudicó enormemente. Pero lo cierto es que vista nuevamente resulta una película asombrosa.

Se trata de una historia de espionaje en estado puro, una historia de traiciones y una historia de amor. Es una película sobre la traición en la que todo el mundo traiciona a todo el mundo. Pero sobre todo destaca la historia de amor, amores difíciles y desgraciados.

Es una película que refleja como los gobiernos y servicios de espionaje manipulan y explotan a sus agentes sin ninguna consideración a sus sentimientos y como algunos de estos agentes se prestan a hacer lo mismo incluso con las personas a las que les une un estrecho vinculo. En este sentido es un película sombría y en la que pesa un siniestro pesimismo.

Es una película en la que los secundarios tienen el protagonismo, son los que tienen la importancia. No así lo mismo con los protagonistas, como es John Forsythe, que destaca precisamente por su sosería, salvo el personaje de André, interpretado por Frederic Stafford, que sí da al personaje protagonista cierta relevancia. Aunque yo creo que el mejor de todos es el personaje de Juanita de Córdoba, un personaje que retrata portentosamente la pasión y amor auténtico que siente por el espía francés.


Es una película en la que se nota una desproporción entre la historia de amor y la policíaca, uno tiene la sensación de que cuando acaba la historia de amor acaba la película, pero no, la película sigue, pero ya parece como si se tratara de otra historia, porque la primera parte de la película ha sido tan intensa que cuando acaba es casi un película, y la segunda parte como su fuera otra, con personajes nuevos que nunca habían aparecido.

Pero lo cierto es que es una gran película de Hitchcock, en la que el maestro intenta adentrarse en una nueva manera de hacer cine, tanteando nuevos terrenos, renunciando a su clásico plantel de actores y recurriendo a actores prácticamente desconocidos que a excepción de Froysten, resultaron ser portentosos. También en la músico, que a pesar de no ser del genial Herman, hace una partitura maravillosa y muy conseguida.

Es una película asombrosa en la que detrás de cada plano hay siempre una segunda intención, por ejemplo la escena en la que André se despide de su esposa para irse a Cuba, pero cundo se vira solo ve la sombra de ella subiendo las escaleras. Es asombroso como en pocos segundos se dice tanto de ese matrimonio. Eso solo lo sabe hacer un maestro. Como también toda la escena casi muda del soborno de Uribe, en toda esa escena se refleja una precisión narrativa y de guión impresionante. Estamos ante una película de Hitchcok... estamos ante una obra maestra.

Estamos ante una interesante película, con una distribución injustamente de telefilme, sobre la vida del inolvidable Peter Sellers. Es una película que, al igual que su propia vida, se mueve entre lo real y lo ficticio, la seriedad y la broma, la alegría y la tristeza, la felicidad y la infelicidad...

Siempre es un dilema hacer una película que aborde ámbitos privados de la vida de uno de los grandes del cine, se tocan temas que ponen entre comillas la imagen de la estrella; el trato a su madre, el maltrato a sus esposas, su desequilibrio emocional... La respuesta a todo esto la da el propio personaje.

Es una película que plantea el declive de una estrella, la soledad del éxito... Se plantea también algo que a Seller le marcó muchísimo; su personaje del inspector Clouseo, del que no logró librarse nunca. A él no le gustaba, él quería papeles más serios, no quería encasillarse en eso, pero la industria y el negocio del cine le pudo más. Su decisión solo podía ser sí o sí al inspector Clouseo.

Lo mejor de la película es toda la parte final, donde se trata con una especial delicadeza y sensibilidad su etapa final. Destacando como puso toda su ilusión en el que sería uno de los pocos papeles serios de su filmografía en “Bienvenido Mr Chance”, donde demostró que efectivamente no era un actor encasillado y que podía salirse sin problemas del inspector Clouseo.

Destacar a los actores, evidentemente al protagonista Geoffrey Rush, que borda magníficamente su papel. También destacar la conseguida caracterización de Blake Edwars. Y destacar la música deRichard Hartley, que francamente hizo una partitura magistral para esta película. Y el guión que está realmente redondo.

En definitiva, es una película para todos los amantes del cine, para aquellos que quieran saber cual es la otra cara de la fabrica de los sueños, y para todos aquellos que hemos comprendido que, una cosa es el cine y otra mucho mas peligrosa la vida...

Estamos ante una de las mejores películas policíacas y de cine negro de nuestro cine español. Una película que acopla muy bien el thriller norteamericano a realidades “nacionales”. Es una película que bebe mucho del cine negro norteamericano y también del estilo de Dashiell Hammelt, al que el propio director le dedica la película.

Tiene una historia que engancha y un ritmo muy apropiado. Pero lo que más llama la atención son sus personajes, especialmente el protagonista. Es todo un antihéroe, alguien que lleva escrito en la cara la desilusión de la vida, una especie de amargura, de tristeza, un pasado que le pesa y el cual desconocemos completamente. Pero a la vez es alguien de mirada dura y penetrante. Y es alguien que en medio de la soledad de su vida, a empezado a encontrar ilusión por algo.

La interpretación de Landa es del todo portentosa, es algo completamente fuera de serie, algo nuevo en su filmografía y donde él demuestra que no es un actor encasillado, sino todo un actor de pies a cabeza. Lo mismo le sucede a María Casonota que es una extraordinaria actriz. Y destacar la especial aparición de José Bodalo, uno de los mejores y más grandes actores que ha tenido nunca nuestro cine español.

Es una película que reflexiona sobre la soledad, la desilusión, la traición, la amistad, la búsqueda de la felicidad... Hay escenas realmente maravillosas, por ejemplo toda la parte de Nueva York, en plena Navidad, y Areta andando por sus calles, solo, y con esa mirada suya. También esta la escena del arranque en el bar, una de las mejores tarjetas de presentación para un ex policía. Y toda la escena de los títulos de crédito, cuando sale del bar y se dirige en la soledad de la noche hacia Madrid, con una mirada que lo dice todo sin ni siquiera hablar.

Destacar la música de Jesús Gluk, sobre todo esa portentosa adaptación de “Merci Cherie”, una melodía que va tan bien con el personaje, y con esa mirada de tristeza y de desilusión que transmite.

En definitiva estamos ante uno de los mejores trabajos de J.L Garci, una pequeña gran obra que no pueden perderse los amantes de este género, ni a todos aquellos que les guste una buena película.

Estamos ante una película de Kimberly Peirce que plantea una temática casi tabú en la historia del cine; el tema del travestismo y fallidas identidades sexuales. Aquí se intenta plantear con relativa seriedad la difícil y compleja temática de la identidad sexual y los problemas que ello conlleva

Es una película dura. Ya desde el principio se empieza presentando la difícil vida de una chica que quiere ser un chico. Las circunstancias de su vida; una vida inestable, sin trabajo, sin apoyo familiar... agravan la situación. En una juerga nocturna conocerá a un grupo de amigos a los que les oculta su verdadera identidad de chica, y comienza propiamente la trama de la película cuando se enamora de una del grupo.

Es una película que habla de las malas amistades, del fracaso, de las ilusiones, de la soledad... Es un drama en sentido estricto que se basa en un hecho real. Lo más incomprensible de la película es la violencia gratuita que se sale hasta de la historia, como por ejemplo toda la del episodio final.

Los personajes de esta película son personas perdidas, sin rumbo, sin un claro referente en sus vidas, a excepción de la protagonista que, dejando de lado la imposibilidad de su deseo, sabe lo que quiere. El gran problemas de los personajes de esta película está en no asumir lo que se es, y es esa no aceptación la que les lleva a un camino sin retorno.

Estamos ante una interesante película que nos acerca bastante al “personaje” que fue Truman Capote y a todo el desarrollo de elaboración de la que fue posiblemente su mejor novela; “A sangre fría”, ya que fue la que le consagró definitivamente como uno de los grandes de la literatura norteamericana del siglo XX.

A partir de la matanza de la familia Kluter, Capote se interesa por el caso y se traslada a ese pequeño pueblo de Kansas donde acontecieron los sucesos. Capote sigue paso a paso la vida del pequeño pueblecito, va esbozando los retratos de los que fueron las víctimas de la espantosa muerte, acompaña a la policía en las pesquisas que condujeron al descubrimiento y detención de Dick Hickcock y Perry Smith y en los que finalmente se concentrará al máximo para poder construir a los personajes de su novela perfectamente perfilados.

En las biografías de Capote siempre se ha tocado el tema de esa especial relación que mantuvo con los asesinos y como luego en la novela se transmite esa sensación de que los humaniza, pero resulta casi chocante y dudoso ese enamoramiento de Perry y Capote. No tanto de Capote a él, sino de Perry a Capote.

Destacar las interpretaciones, especialmente la de Sandra Bulock en el papel de la maravillosa Harper Lee, la escritora de una de las mejores novelas de la historia, “Matar un ruiseñor”, una novela tan llena de recuerdos. Y destacar aquí a Daniel Craig, no es que sea un gran actor, pero a diferencia de su papel de 007 en “Casino Royal”, aquí no sobreactúa tanto y su papel resulta algo más convincente. Y por supuesto destacar al protagonista Toby Jones en una exagerada pero a la vez cómica y simpática interpretación de Capote.

En definitiva es una película muy interesante que nos acerca más a la vida de Truman Capote, a su entorno, amistades, relaciones... Pero sobretodo por contar como el caso Kluter y su relación con los asesinos hizo más humano a Capote, un suceso que dio un vuelco a su carrera de narrador “A sangre fría”, que fue bautizada pionera y provocativamente por Capote como una “non fiction novel”. Pero lo cierto es que es un libro estremecedor que se convirtió en un clásico desde su publicación.