Estamos ante la tercera adaptación para el cine de la pieza de Ben Hecht y Charles McArthur. Y todas ellas la más a destacar sería la brillante comedia de Howard Hawks, “Luna nueva”.

Pues aquí el maestro Wilder se atreve a hacer su particular versión de esa historia, en la que reúne todos los ingredientes que le valieron para ganarse el inapelable título de “rey de la comedia”. Y esta, a pesar de ser un obra “crepuscular” en su filmografía, conserva toda la frescura de sus clásicos.

Es una comedia de un rito trepidante, que envuelve y atrapa. Una comedia llena de referencias sexuales y políticas. Se deja ver ese corrosivo pesimismo del director, que se deja entrever por esos diálogos ágiles y llenos de indirectas.

La pareja Matthau-Lemmon, que tan bien habían funcionado en la magistral “En bandeja de plata”, alcanzan aquí su perfección química. Hay que destacar la habilidad de Wilder para, en plena comedia, retratar ese mundo de los hombres solitarios. Evidentemente esto donde mejor se ve es en “El apartamento”, pero aquí también. Muchos de esos hombres aquí retratados solo tiene el trabajo, su profesión, son hombres solitarios, como el propio personaje de Mattahau. Esta es la gran habilidad de Wilder de, en medio de una comedia, retratar también lo trágico de la vida. Maravillosa comedia.

Continuación de la lograda “Drácula, príncipe de las tinieblas”, aunque esta es dirigida por Freddie Francis. Parte de un guión original que nada tiene que ver con la novela de Bram Stoker.

Hay que destacar el buen desarrollo y presentación de los personajes. Se presentan con sus historias y problemas, situados dentro de sus contextos. Destacar también esa fusión de algunas escenas de comedia, como la de la cena en la casa del obispo.

Es una película que mantiene un rito excitante y llevadero. Yo creo que después del insuperable Bela Lugosi, podemos decir que es Christopher Lee el segundo que también logra transmitir la tensión y la intensidad del personaje de Drácula.

Maravilloso trhiller de Otto Ptreminger, quien acusado de sensacionalista, aborda aquí con crudeza un tema tabú en la época; la adicción a las drogas. Es una película destacable en muchos aspectos: un buen reparto, buena temática, y maravillosa banda sonora.

Estamos sin duda ante uno de los mejores trabajos de Sinatra en el papel de ese compungido enfermo, pero con una insuperable fuerza de voluntad. Portentosa está Eleanor Parker en el papel de su desequilibrada esposa, y “mágica” como siempre está Kim Novack.

Es una película que se desarrolla en un ambiente de “thriller” que va envolviendo la película en una atmósfera de tensión, desesperación... que va enganchando hasta el final. Sin aliento deja la escena de Sinatra en pleno ataque por su falta de dosis. Es una película que habla de la adicción, del amor, de la amistad, de la fuerza de voluntad, de la ayuda (en este sentido portentoso es el personaje de Kim Novack), de lo peor y lo mejor del hombre.

Hay que destacar la memorable composición jazzística de Elemer Bermestein, quien años más tarde compondría la maravillosa banda sonora de “Matar un ruiseñor”.

Estamos ante la primera película de Woody Allen de temática absolutamente seria sin ningún tipo de humor, una película completamente dramática sin faceta cómica. Y donde Allen no aparece en pantalla. Se trata pues de una película personal, contada en un tono reflexivo y pausado.

Allen utiliza un modelo “bergmaniano” de hacer cine, se elimina el humor dando paso a la crónica familiar. Es una película reflexiona sobre la familia, el éxito, el fracaso, el amor, la debilidad, la depresión, los afectos, la muerte... Una película llena de momentos y escenas maravillosas, como la de la playa, o la de la boda familiar.

Podemos decir que es la predecesora en cierta manera de su posterior “Hanna y sus hermanas”. Hay una gran interrelación entre ambas películas, en la temática y en algunos personajes, aunque evidentemente esta última está contada en un tono de comedia, mientras que aquí no se encuentra ninguna comicidad. Una cosa a destacar en este sentido es la seriedad de los personajes, el dramatismo de sus historias.

Es una película sorprendente en el sentido de su poco o nada parecido con los anteriores trabajos de Allen, pero donde deja claro que es todo un cineasta que no solo sabe hacer comedia sino que sorprende con un puro drama de máxima expresión. Magnifica película.

Estamos sin ningún género de dudad ante la obra maestra del cine italiano. Una obra maestra que hace toda una reflexión sobre el ser humano y su condición a partir de una simple historia de un robo de una bicicleta. Es una película que tiene dos lecturas, la primera el robo de la bicicleta y el intento por recuperarla y una segunda lectura más profunda sobre la realidad.

Se trata de la obra más representativa del neorrealismo italiano, en la que se retrata a la perfección esa Italia de posguerra donde el trabajo escaseaba y obtenerlo era todo un suceso extraordinario.

De Sica quiso contar esta historia con el máximo realismo posible, hasta tal punto que los “actores” no son actores profesionales, sino que son fruto de un duro casting de gente normal. Según confesaba el propio director, por el que mas costó decidirse fue por el niño, a quien finalmente eligió por su peculiar forma de andar.

Es una película que plantea el dilema moral del robo, una película que habla de la familia, del trabajo, de los parados, de la pobreza, de la lucha por la supervivencia, de la rivalidad, sobre las victimas de una guerra; los inocentes. Y es en este contexto de pobreza y desolación donde, robarle al protagonista la bicicleta fue robarle el futuro.

Hay que destacar la “poesía” de esta película; todos esos momentos sin palabra donde únicamente habla el silencio, los momentos donde es la música la protagonista, o esos andares tan expresivos por las calles de padre e hijo. Destacar también que en esta película los ángulos de cámara de cada plano están en función de lo que se quiere transmitir.

Esta obra forma parte de esa trilogía de De Sicca en la que toca los problemas del hombre, desde que es niño hasta su vejez: “El limpiabotas” (de niños), “Ladrón de bicicletas” (de adultos) y “Umberto D” (de ancianos). En definitivas películas reflexivas que pretenden reflexionar sobre el ser humano y su condición.

Estamos ante una comedia-reflexiva muy buena y muy conseguida. Es toda una reflexión del tiempo y del egoísmo del hombre. Es una película fundamentalmente divertida y que logra entretener de principio a fin.

Hay que destacar la originalidad del guión y la fluidez narrativa. Ofrece una visión del tiempo bastante interesante; el tiempo como ese espacio privilegiado y único para hacer el bien a los demás, a esas personas que tenemos al lado, a esas personas con las que nos encontramos en una jornada cualquiera. Y frente a esta visión está la del egoísta protagonista que ve el tiempo como ese espacio para el trabajo como una simple satisfacción personal, para la infravaloración de los demás...

Es una película que pertenece a ese maravilloso género de los viajes y alteraciones en el tiempo, tipo; “Regreso al futuro” “Peggy Sue se casó” “Qué bello es vivir”... En este caso esta es una alteración en el tiempo como una llamada de atención a ser mejor persona, para hacerle caer en la cuenta que la autentica realización personal en hacer feliz al otro.

Destacar la interpretación de Bill Murray y Andie McDowell que yo creo que está soberbio, y que sabe transmitir en algunas escenas sentimientos de tensión, desesperación y alegría. Es también de destacar la banda sonora, perfecta analogía es esa de la polca del “día de la marmota” con la cara de desesperación del protagonista llegando a la plaza. En definitiva es una película divertida y entretenida, y en la que encima, aprendemos un poco a ser mejores personas.

Estamos ante una bonita historia de amor, contada con ese estilo clásico que la hace entretenida y a la vez que enganche. Pero ciertamente es una película que recurre mucho a los tópicos, podemos decir que está llena de artificialidad. Son esos saltos en el tiempo, entre el pasado y el presente lo que le dan algo de verosimilitud a la historia.


Pero en definitiva es una película interesante y hermosa que reflexiona sobre el amor, y lo interesante es ese énfasis que se da de entender el amor como esa decisión de la voluntad querer hasta el final a la otra persona, de no sujetarse por las emociones o sentimentalismo de la emoción, sino que expresa que el amor es esa decisión de permanecer a su lado hasta el final y pase lo que pase. El amor entendido como esa entrega por hacer feliz a la otra persona. El protagonista comprende que el verdadero amor no consiste en esa satisfacción que tiene que proporcionarle el otro, sino que la autentica felicidad está en la entrega, en el deseo de hacer feliz a esa persona que tanto ama, y a la que le ha dado todo.

Estamos ante un thriler policiaco muy bien dirigido por Clint Eastwood y con un gran plantel de actores. Lo primero a destacar de esta película es el maravilloso desarrollo de los personajes, del drama interior y exterior de cada uno de ellos, incluyendo a los secundarios. Porque normalmente en películas policíacas solo se va a la acción, a la trama, a los efectos, mientras que aquí el protagonismo no lo tiene tanto la investigación policíaca, sino más bien la vida de cada uno de los personajes.

Cada uno de ellos expresan inicialmente sentimientos y situaciones de soledad, de angustia, de fracaso... Es impresionante por ejemplo la situación del policía, el amor que siente por su esposa pero que sin embargo se encuentra en crisis con las tensiones de la investigación policial. Toda esta carga se ve reflejada muy bien en la interpretación de Kevin Bacon, en el rostro. Y lo mismo le pasa al personaje de Sean Pean, el que “lleva la tensión en los hombros, como todos los ex convictos”, también expresa muy bien ese derrumbamiento progresivo ante la muerte de su hija.

Es una película que habla sobre la amistad, sobre la redención, sobre la culpabilidad, del amor, de la muerte, de la soledad, del dolor… Temas todos ellos tratados con una dureza, una tensión y una especie de derrotismo que se respira en toda la película.

Hay que destacar también la banda sonora, es una poderosa música de gran belleza que se va metiendo en la historia haciéndola aún más intensa. Destacar la redondez del guión, y por supuesto la dirección de Eastwood. En definitiva, un gran trabajo.

Estamos ante un intento de mostrar un perfil biográfico del cantante sureño Johnny Cash. Es una película que nos muestra la complejidad de su persona, el golpe de la muerte de su hermano cuando aún eran uno niños y que lo condicionó para el resto de su vida creándole un complejo de culpabilidad que habría de acompañarle para siempre.

No se trata exactamente de una película musical, porque el protagonismo va pasando de la música al propio drama personal de Cash. Es una película que muestra muy bien la otra cara del éxito, la amargura. Gracias a unas buenas interpretaciones se logra transmitir esas situaciones de desesperación, de sufrimiento interior, de crudeza, en definitiva todo ese drama de cantante cuando descubre que el éxito comercial y material no es el camino de la felicidad y se siente vacío. En este sentido hay escenas verdaderamente duras en la que se expresa todo lo anterior, como son por ejemplo las peleas con su esposa o las de la desesperación provocada por los anfetemínicos.

Una gran temática que está de fondo es la de la amistad, la amistad de Johnny Cash con la que luego habría de ser su segunda esposa. Se transmite el valor de la amistad en el mayor sentido de su expresión y de lo que es; estar en los malos momentos, la entrega desinteresada por aquél que sufre. Cuando todos se van alejando de él, ella es la que va permaneciendo a su lado. Una de las frases más hermosas de la película esa esa confesión de Cash; “Tu eres mi mejor amiga, cásate conmigo...”

En definitiva, todo un drama que nos acerca a un mundo real, a acontecimientos y hechos que se dan en el mundo de la música y en otros campos. A ese mundo de la música como válvula de escape de la realidad.

Estamos sin ningún género de dudas ante una de las mejores películas de Woody Allen. Es una película maravillosamente escrita, filmada y dirigida. Podemos decir que marca una ruptura con las anteriores, aquí vemos a un Allen más reflexivo y donde ya no se coloca como protagonista, sino como un personaje secundario, aunque evidentemente destacando genialmente.

Es una película que rica y compleja que se ha ido imponiendo en el tiempo. Una película que habla y reflexiona sobre la pasión, el amor, el sexo, la angustia, el vacío, la soledad, la familia, la religión, los judíos... Es una película en la que se deja entrever ese amor de Allen por su ciudad, aquí más que nunca retrata parques, avenidas, librerias, apartamentos, calles, clubes, restaurantes... de su Manhattan.

Se trata de una comedia humana, de toda una crítica de costumbres y todo narrado con un virtuosismo maravilloso que deja patente que estamos ante un genio del cine, con una manera de contar historias original. El guión es una obra maestra, hay frases y diálogos en esta película que tocan el alma, que pertenecen ya al icono de nuestra cultura.

Muchos críticos coinciden que fue rodada en la etapa de mayor equilibrio y cuajo de Allen. Hay que destacar por supuesto a los actores, un verdadero prodigio. Allen introduce una mirada conmovida hacia los personajes. También destacar la banda sonora, yo creo que nunca ha sonado tan bien como en esta película ese sublime concierto número 5 en fa menor de Bach.

Lo que sí deja claro esta película es el amor de Woody Allen por todo aquello que quiere de verdad y le hace vivir con intensidad. Sorprendente es esa declaración de cinefilia que deja patente en esta película, esa fuerza del cine como otra vida de repuesto. O ese amor por su ciudad, sus calles y sus gentes. Y por su puesto su amor por las personas, en esa particular visión del ser humano y de la vida misma

Estamos ante una de las obras maestras del genial Wylliam Wyler, en una comedia maravillosa y con una historia que, aunque posiblemente contada muchas veces, aquí con una originalidad y sensibilidad propia y desde una óptica que la hace especial. Y esto en gran parte gracias a la fuerza de sus protagonistas; Adrey hepbun, en esta su primera película y por la que obtuvo un oscar, y también sin ninguna duda la película en la que más hermosa esta. Y también destacar al siempre impasible pero portentoso Gregory Peck.

Tuvo una gran acogida de taquilla en su momento y ha resistido bastante bien el paso del tiempo, principalmente por su exquisito sentido de la delicadeza y por ser una historia que “atrapa”.

Se plante aquí el ansia de una vida normal, con cosas ordinarias, el poder disfrutar cada minuto de la vida... Es una película que es todo un canto a la vida, a saber apreciarla en su belleza. Pero... sorprendente opción la que toma la princesa al final...

Estamos ante una de las obras maestras de Otto Preminger, en una película sorprendente y de una sutiliza y de esas que enganchan hasta el final. Todo comienza cuando un detective investiga la desaparición de una joven, cuyo retrato le mantiene absolutamente hechizado.

Una de las claves de que esta película sea tan atrayente está en la fuerza interpretativa de los actores. Es una película que recuerda mucho a “Gilda”, en el sentido de que los hombres pierden la cabeza por ellas y a la vez ellas se enamoran tan apasionadamente que rompen con su pasado y hasta con su presente y se entregan sin pensarlo a un futuro incierto.

Y otra clave está en el propio desarrollo de la historia, un guión redondo que mantiene siempre a la historia en tensión. “Laura” pertenece ya a esos nombres inmortales en la historia del cine... al de esas mujeres que le complican a uno la vida, pero que sin embargo, nada sería lo mismo sin ellas...

Estamos ante otra adaptación de un clásico del comic de Marvel. Pero en esta ocasión, algo fallido. Se trata de una película que comienza con una buena dosis de dramatismo, de “seriedad”, de algo que hace pensar que es más que una película infantil... Pero luego va declinando en una fantasiosidad en detrimento de todo lo anterior. No se entiende por qué la película la venden con la no recomendación a menores de trece años...

No está para nada a la altura de otras adaptaciones de comic como por ejemplo la de “Spiderman”, ni siquiera poniendo como protagonista a un actor relativamente aceptable como Nicolas cage ni los atrayentes escotes de Eva Mendes.

En definitva una película entretenida solo para aquellos que les guste el comic con grandes dosis de ficción...

Estamos ante una historia contada a través de una sucesión de imágenes por las que se cuenta una impresionante historia de ciencia ficción, de viajes en el tiempo.

Evidentemente aquí no podemos hablar de interpretación, ni de dirección de actores, sino que aquí lo más propio sería hablar de fotografía y de montaje. Pero a pesar de ello, se trata de un corto que plantea muy interesantes reflexiones sobre el ser humano, la guerra, el amor, la destrucción, la esperanza, la supervivencia...

Es el sentimiento del “protagonista” en medio de un mundo destrozado, es el amor, es la mirada de una mujer lo que va ha hacer que olvide su misión... Impresionantes imágenes finales.

Estamos ante una gran adaptación de una novela del gran Tennessee Williams, en una de las últimas interpretaciones de la inmortal Scarlett; Vivien Leigh. A pesar de que vivía en su etapa final de decadencia total, es capaz de dar aquí muestra de su talento en esos personajes tan difícil de interpretar como son todos los creados por Williams.

Verdaderamente forman una pareja explosiva Vivian Leigh y Warren Beatty. Destacar también el guión, toda una reflexión continúa sobre temas escabrosos. La película es toda una reflexión sobre la soledad y su miedo, sobre la divinidad, el amor, la pasión, el sexo, la prostitución... Es una película que tiene todos los elementos de Williams, ese sabor a derrota, a resignación, a esa visión de la vida como una estafa, esa visión negativa pero expresada con ese talento del dramaturgo.

Fue una película bastante atrevida para la época, a pesar de ser una de las primeras que sacaba a relucir la prostitución de lujo masculina. Es una reflexión sobre hasta donde puede llegar la desesperación. Portentosa es la escena en la que la señora Stone descubre que su “novio” se ha ido con otra, y descubre que ya no puede soportar la soledad, que ya se había acostumbrado a estar con alguien... Y por ello la desgarradora secuencia final.

Como todas las películas basadas en obras del dramaturgo Tennesee, asistimos a una película con una fuerza dramática, con una intensidad que hace estremecer al espectador. Es una película desinhibida que va al centro mismo de las cuestiones sin ningún tipo de censura.

Aquí se reflexiona sobre la fe, la vocación, el amor, la pasión, el sexo, el vacío existencial, la desesperanza, la poesía de la vida... Son personajes que un día perdieron el norte, perdieron el sentido de sus vidas, ya ahora quieren volver a recuperarlo. Son interpretaciones muy difíciles por su intensidad y dramatismo y por ello hay que destacar las portentosas interpretaciones de Burton, Gardner y Keer. Destacar el personaje de Deborah Kerr, esa pintura misteriosa junto a su abuelo poeta, una mujer calmada, que intenta poner paz en la terrible tormenta que se va formando. Pero a la vez se aprecia que es una mujer que ha sufrido mucho en la vida, que a aprendido, que quizá a descubierto lo esencial de esta vida e intenta transmitirlo a los otros.

Portentosa escena final, la de el final de ese poema, el poema de la vida

Estamos ante una película diferente al tipo de cine que siempre había hecho William Wyler. Exige hacer esta película con una total libertad e independencia, y por ello rechazó dirigir la gran “Sonrisas y lágrimas” por embarcarse en este proyecto esperando que, al ser algo nuevo y distinto de los acostumbrado, iba a ser un éxito. Se equivocó, la obra maestra fue precisamente la que rechazó dirigir.

Esta película fue un empeño suyo, es una película personal, donde él explora terrenos que nunca había tocado. Es una historia moderna que parece que ha ido ganando con el tiempo. Se trata de lo más innovador que ha hecho Wyler.

Es una película psicológica que habla sobre la obsesión, con todo ese lado subterráneo y maligno. Una película llena de tensión y emoción. Plantea el tema de la realidad y el deseo, el tema de lo alcanzable o aquello que prohíbe el principio de realidad. Es una película de la que se desprende un gran erotismo y que se acerca bastante al mundo de la mujer, a la manera de pensar y reaccionar de una mujer.

Es una película que tiene una gran influencia de la Nouvelle Back. Y que el personaje protagonista nos recuerda mucho al Norman Bates de “Psicosis”. Creo que es un personaje que reúne las mismas manías y aficiones que el protagonista de Hitchock.

Wyler demuestra como con apenas un solo decorado y dos actores es capaz de hacer una película distinta que logra enganchar y entretener.

Se trata de una película alemana que trata desde una óptica juvenil y desenfada el tema de la homosexualidad. A mi juicio tiene un error considerable de empezar siendo una película que se va desarrollando como un drama pero que luego acaba como una comedia familiar inocente. Yo creo que la temática, el drama, lo trágico de muchas de las situaciones que se van desarrollando era para que la película siguiera esa línea de drama. Esa final tan de comedia familiar no va para nada con el planteamiento inicial de la película y le quita seriedad y dramatismo a todo lo que había ido contando, además de ser un final ramplón que acaba la historia de la manera más fácil y simple.

Otra de las cosas que se le hecha de menos en esta película es una mejor banda sonora. Hay algunas imágenes preciosas en esta película como son los amaneceres, atardeceres, la quietud de un estanque... que si hubiesen estado acompañadas por una partitura más hermosa y más sublime, todas esas escenas hubiesen ganado en profundidad y en hermosura.

Es una película que habla de la amistad, del amor, de la juventud, de las rivalidades, de las envidias, de la mejor estación del año; el verano... Es de destacar ese mensaje que va dejando traslucir, que una cosa es un amigo y otra una pareja, quizá es un error unir ambas cosas, porque si falla una cosa automáticamente fallará la otra y se habrá perdido al amor y a la amistad. El protagonista asiste con dolor a que no hay nada más trágico que ver como va perdiendo a su mejor amigo...

Hay que destacar la actuación del protagonista que realmente hace un buen trabajo ante papeles de difícil caracterización como estos, dado el amplio contraste de sentimientos que hay que expresar e interpretar.

Estamos ante una de las películas más desapercibidas de Wilder, y sin embargo se cuenta entre lo mejor que a rodado el maestro Wilder. Es una película rodada en el mismo formato que su obra maestra “El apartamento” y que nos ofrece ya de entrada una garantía de calidad insuperable.

Esta es la película que consagró a la pareja cómica (Matthau-Lemmon) y a partir de la cual cosecharían éxito tras éxito. Aunque en esta película en concreto hay que destacar de forma especial la actuación de Walter Matthau.

Es una película en la que habla de la avaricia, del fraude, de la amistad, de la misoginia, de hasta donde puede llegar el hombre por dinero... De toda ella se desprende un humor sarcástico, una acidez que toca las llagas de la sociedad americana. Es una película en la que apenas hay un personaje entrañable o amable, a excepción de Bum Bum Jackson, en uno de los papeles “dramático” y serio que le fue dado a un actor de color.
En definitiva es una gran película en la que la diversión está aseguradísima desde el principio hasta el final y en la que encontramos todo el estilo, los gags y todo lo mejor del gran Billy Wilder.

Estamos ante una película infantil-juvenil de la recurrida fantasía épica, pero esta con unos resultados bastante simples. No está a la altura de las películas de este género que intenta imitar; “El Señor de los anillos” o “Harry Poter”.
Esta se queda sin más en una película entretenida, sin ningún gran temática profunda de fondo. Y luego también hay algunos elementos que hacen que la película pierda un poco de seriedad y se quede en simple infantilismo, como por ejemplo un duro y feroz dragón con una dulce y femenina voz de mujer. Y luego también mencionar la falta en ocasiones de expresividad dramática del joven protagonista. Digamos que lo mejor de la película es el interpretación de Jeremy Irons