Creo que situarse ante esta obra maestra e intentar catalogarla o definirla es casi imposible. "Vertigo" puede ser una historia de amor arrebatada y destructora, puede ser la historia de un crimen perfecto, puede ser una historia sobre la necrofilia, puede ser la historia de una transformación, puede ser una película sobre la muerte y resurrección... En definitiva es una película que no se acaba de ver, que siempre es nueva, una película inabarcable, inagotable

Yo me quedaría en que es una historia donde el amor se convierte en obsesión, en delirio, en locura, donde los personajes se dejan arrastrar por la fatalidad. Es una asombrosa y triste historia de amor, una tragedia de amor. Una película sobre la soledad, sobre las calles de la ciudad de San Francisco, sobre la tristeza que produce el amor perdido, sobre la melancolía, sobre la depresión, la historia de un hombre acabado, vacio, sobre el desasosiego...

En definitiva, toda una obra maestra y una de las mejores películas de Hitchcock, que coincide también con una de las mejores interpretaciones de James Stewart, y una de las mejores músicas de Berman que logra una expresividad impresionante.

"Vertigo" es todo un tratado de muchas cosas, de cómo el amor es repetir los mismos itinerarios que un día recorrieron juntos los amantes, de cómo el estar enamorado es ver en otra mujer el rostro de esa única mujer de la que se ha estado enamorado, de cómo la soledad es conducir en la soledad de la noche por las calles de San Francisco, de cómo se fustra ese amor que sentía calladamente su amiga diseñadora, que no solamente lo ama y el ni se fija en ella, sino que ni si quiera puede acceder a su mundo.

Es una de las mejores películas de la historia que ha hecho escuela, que ha influido en muchas obras del cine moderno. Me faltan palabras para hablar sobre esta película, porque "Vertigo" es una película inmortal...

Estamos ante una película extraordinaria, para muchos, la mejor comedia loca que se ha hecho en el cine. Y realmente tiene todos los elementos para serlo: una portentosa dirección, un insuperable reparto, un perfecto guión y una película que bebe de lo mejor de el gordo y el flaco, de los hermanos Marxs, de "La pícara puritana"... En definitiva es una película donde se emplearon gente de mucho talento.

"La fiera de mi niña" es principalmente una historia de amor extraordinaria. Es una película sobre la vida, sobre la sociedad americana, sobre el sexo, sobre la alegría... Trata sobre lo buena y divertida que puede llegar a ser la vida. Es algo maravilloso muy dificil de catalogar.

Es sin lugar a duda una obra maestra del gran Howar Hawks, uno de los mejores directores de la historia del cine que ha logrado hacer en su filmografia varias obras maestras, como; "Rio Rojo" "Tener y no tener", "Rio bravo", "El sueño eterno", "Tierra de faraones", "Hatari", "El dorado", "Río lobo", "Su juego favorito"... Es increible tantas obras maestras por una misma mano maestra.

Con esta película Hawks logra crear una explosión de vitalidad y optimismo. Es una película que sube el ánimo. Es la comicidad en estado puro, llena de diálogos surrealistas y muy vivos. Esta es sin duda una de las mejores interpretaciones de Katharine Hepburn.

Woody Allen ha bebido mucho de este tipo de comedias de erredo sofisticadas, de esta forma alocada de ver la vida, como reacción a la tristeza y fustración de la vida. De esta película, donde todos los adultos se comportan como niños, y donde todos viven en una locura por el amor...

Estamos ante una interesante película de Allen, esta vez con su lado más filosófico. En esta película Allen nos muestra su visión sobre la vida, la religión, la fe, el amor, las relaciones, la condición humana, la manera de situarse ente los conflictos que presenta la vida... Digamos que es todo un tratado de una filosofía existencialista pero llena de vitalidad. En todo momento esta presente la invitación a aprovechar al máximo cualquier ráfaga de felicidad que nos proporciene la vida, siempre y cuando eso funcione.

No estamos ante uno de sus mejores trabajos. Es una película buena pero no notable. Allen no ha vuelto a sobrepasar su limite de obra maestra que logró alcanzar con sus películas "Manhattan" "Anie Hall" o "Hanna y sus hermanas", que son verdaderas obras maestras insuperables.

Aquí destaca la vuelta a New York después de su trilogía londinense y de su fallida película en Barcelona. En su New York es donde se mueve mejor, es su ciudad donde mejor sabe situar historias y personajes. Destaca notablemente la utilización de la música, la película esta impregnada de un sabor a jazz que proporciona una vitalidad impresionante. Y hay que destacar la nueva musa de Allen Evan Rachel Wood, que esta soberbia en todos los sentidos. Y por su puesto también el papelón que hace Larry David.

Es una película que reflexiona sobre una óptica negativista hacia la fe, el matrimonio, la estabilidad, las creencias e intenta construir una filosofía de vida partiendo de la nada y de lo absurdo de la vida. Reflexión y filosofía que a ultimo remedio quedará limitada a si la cosa funciona. Es un pensamiento muy propio de Allen, en el libro "Conversaciones con Woody Allen", habla sobre su pensamiento con respcto a la vida, el cual practicamente a reflejado en esta película.

En definitiva, no es una gran película, no es lo mejor que ha hecho, pero tampoco defrauda a los seguidores de su cine, que pasa por ser una película aceptable e iteresante.

Estamos ante una de las mejores películas sobre juicios de la historia del cine, sobre un proceso. Uno de los mejores dramas judiciales. Una película que constituye todo un tributo a la jurisprudencia. Y para muchos, se trata de la mejor película de Otto Preminger. Un director que curiosamente ha sido de los menos valorados, cosa muy rara dada su filmografía; “Laura”, “Tempestad sobre Washington” “Carmen Jones”...

Es una película que ofrece una visión de la justicia desde las calves de flexividad, limpieza... que muestra a la vez la imperfección de la justicia como su lado más fascinante. Se transmite todo un amor al derecho, a la objetividad, a ser imparcial.

Una película que expresa casi a la perfección lo que es un proceso, lo que es el oficio del abogado, del fiscal, del juez, que muestra los intríngulis de un proceso. Destaca esa intención de mostrar fríamente los hechos mostrando una objetiva para que el espectador no se decante en ningún momento ni a n lado ni hacia otro. Esto lo consigue Preminger con la eliminación de todo flashbacks, no hay ni uno en toda la película.

Es una película sobre las pasiones solapadas, sobre las sutilizas psicológicas. Una película sobre la mentira, la amistad, el trabajo. Es maravilloso ese trío de Stewart, su secretaria y su amigo alcohólico. Todo un trío de perdedores, que por una vez, le surge un caso interesante, que, a fin de cuentas los deja como esta, pero que lo ha unido aún más, en medio de ese derrotismo vital en la amistad. En este sentido son portentosas las escenas de los tres en esas madrugadas solitarias, hablando de leyes, de sus soledades, de esa secretaria enamorada en secreto de Stewart, son escenas donde se “materializa” la madrugada, esa vacío de sonidos, la soledad de la noche en unos personajes desabitados, perdidos. Todo eso esta maravillosamente retratado aquí.

Maravillosa es la utilización del Jazz en esta película, es una banda sonora portentosa de Duke Elington. Cómo también son portentosos los títulos de créditos de Saul Bass, que ya como anuncian que estamos ante un clásico. y por su puesto una de las mejores interpretaciones de Stewart de toda su carrera.

Es una película como son los juicios en EEUU. Los juicios en EEUU son una suerte de interpretación, es decir, el abogado no tiene que convencer al juez, sino que tiene que convencer a un grupo de personas cotidianas que son el jurado popular, y su discurso para convencer esta a la altura de todo un showman. Eso lo refleja a la perfección esta película.

En definitiva estamos ante una obra maestra de un director extraordinario. Toda un película que nos muestra la misma condición humana.

Estamos ante una de las películas más excepcionales de Dreyer. Se trata de una película considerada todo un tratado sobre la intolerancia, todo un ataque al fanatismo, una película sobre el amor, sobre la carnalidad. Una película que retrata a la perfección como la presión fanática acaba con todo rasgo de vitalidad.

En esta película, Dreyer nos muestra gracias a la narrativa en continuidad, la quietud, el silencio, el tiempo detenido... Todo eso lo representa aquí Dreyer a la perfección. Por eso es una película que transmite magistralmente una serenidad.

Es una película en la que se transmite una gran pasión por la pintura. La película esta construida sobre una dimensión pictórica. Aquí Dreyer filma la pintura. Se ve una gran influencia de la pintura flamenca, calvinista, luterana, nórdica, de Rembrandt, del romanticismo alemán...

Yo creo que junto con “Ordet” y “Gertrud”, forman la trilogía más lograda de Dreyer. Películas donde se ve un sentido de la composición, del ritmo, de la intensidad emocional, de la esencialidad. Elementos que la convierten en una obra maestra.

En “Dies Irae” todos los personajes viven arrastrados por una pasión: por el amor, por la religión, por la brujería, por el fanatismo, por el deseo... Aquí Dreyer trata como nadie eso de la felicidad breve, “por los amores eternos, por lo poquito que duran”, retrata lo sombrío de una relación, de un instante de placer. Esta idea la recoge muy bien una frase que se dice en la película; “Un instante de placer es un pecado escondido”. La represión calvinista siempre acechando de fondo.

En definitiva, es toda una obra maestra del cine, de nuestro tiempo, y de la cultura, totalmente imprescindible. Esta es la película de un maestro que, como nadie, con la cámara sabía llegar al alma de los actores y de los personajes.

Interesante reflexión la que nos ofrece Stanley Kramer sobre el fin de la humanidad a mano de la misma humanidad. El hombre que pone fin al propio hombre mediante la guerra nuclear. El último sitio en llegar la radioactividad es Australia. Allí se concentran los últimos supervivientes de la humanidad. Allí intenta vivir una vida normal, con la esperanza de que no les llegará la radioactividad.

La película es toda una flexión sobre el desastre que podría hacer el hombre con tan solo “apretar un botón”. La película se muestra bastante neutral a la hora de culpar a ninguna nación en concreto. Se habla de una supuesta tercera guerra mundial, pero nunca se llega a explicar el por qué ni el cómo ni los principales implicados. El gran responsable es el hombre mismo; la inteligencia del hombre le llevó a construir un arma mortífera que traería la destrucción del mundo.

Es una película llena de escenas maravillosas. Se compaginan la ternura de una pareja con su hija, con escenas de máxima angustia como la del marine que decide “auto suicidarse” quedándose en la asolada ciudad de San Francisco contaminada por la radioactividad
Maravillosa la interpretación de Fred Astaire como el alcohólico científico. También la interpretación de Gregory Peck y Ava Gardner que casi le roban protagonismo a la propia historia. Y discreta la interpretación de Anthony Perkins.

Son soberbias las últimas escenas de la desolada Australia, como también las de la soledad de San Francisco, con sus empinadas calles solitarias... Y ante esa hora final de la humanidad, queda una pregunta volando en esa soledad de las grandes ciudades del mundo; ¿Y ahora qué? ¿Quién fue el “ganador” de esta guerra? ¿Para que quiere ahora la “victoria”? ¿De qué le sirvió la guerra?

Podemos estar en esta vida, y sin embargo estar “ciegos” ante esas cosas elementales que son las que componen nuestra existencia.
Este es el mensaje que intenta transmitir esta fiel adaptación de la obra de José Saramago “Ensayo sobre la ceguera”. Se trata de toda una reflexión sobre el ser humano y de hasta donde puede llegar este sin la vista.

Saber ver, esa es la cuestión. Las personas de esta película son personas que viven sin saber ver lo que tenían al lado; un medico que no veía la fidelidad de su mujer, una mujer de gafas oscuras que no veía el vacío y la soledad de su existencia... Son personas perdidas que solo la ceguera le devolverá la calidez humana que habían perdido.

Todo en esta película es simbolismo, es metáfora, por eso la película no se preocupa tanto en explicar por qué sucede la ceguera colectiva, sino las consecuencias que esta tiene sobre el ser humano.

Una película sobre el valor de lo esencial; el agua, la música en una radio, la limpieza, los olores... Los personajes de esta película estaban tan metidos en el mundo de la técnica, en sus propias tramas, que habían olvidado las cosas esenciales sin las cuales no se podría hacer una existencia normal.

La película es todo un llamamiento a que el hombre sea más humano, a que no viva en un mundo ciego a lo que le rodea, a que sienta y se preocupe por el que tiene al lado, a que no viva a ciegas...

No es una película sobre los abusos sexuales, eso es simplemente el pretexto o el contexto para hablar y situar una historia, una reflexión, una profunda reflexión sobre la duda. Sobre como la duda que se puede tener sobre alguien, puede acabar destruyéndole. Y a la vez, se plantea la dificultad de la certeza.

¿Se puede vivir eternamente en la duda? Eso es lo que plantea la película. La protagonista vive perpetuamente en la certeza, aunque para ello tenga que pasar por encima de todos los demás, con tal de no perder esa certeza. Pero la certeza no es infalible. Y la duda forma parte de la existencia humana y nadie puede liberarse de ella.

Lo más a destacar de la película son las interpretaciones. Sobre todo la de Seymour Hoffman, que prácticamente borda todos los papeles que interpreta. Y la de Meryl Streep. Muy destacable también es el papel de la madre del chico de color, tanto que incluso le valió una nominación a los Oscar. Hizo una interpretación soberbia, le supo dar vida a su personaje.

En definitiva es una película que invita a reflexionar. Maravillosa es la moraleja de la almohada y las plumas que de dispersan para retratar las consecuencias del chismorreo. Una película sobre la búsqueda de la identidad, de la autenticidad, sobre la soledad, y sobre asumir la duda como parte de la vida...

Cuando se es feliz, cuando la vida, aunque sea por una vez, brinda esa oportunidad de ser realmente feliz, de estar en lo que se quiere y con quien se quiere y de sentir en ello un atisbo de plenitud, aparece la sombra de un enemigo; el tiempo. Esto es lo que le pasa al protagonista de esta película. Y sobre eso es de lo que reflexiona la película, sobre el tiempo.

La clave para entender esta película está en la historia que se nos cuenta al principio: Un padre que pierde a su hijo y construye un reloj que camina hacia atrás, como símbolo y expresión de su deseo; retroceder en el tiempo y recuperar la felicidad. Es un hombre sufrido que ha descubierto que el tiempo es un ladrón, que al final siempre acaba robándolo todo.

La historia sobre Benjamin Button es toda una reflexión sobre el tiempo. Es una película llena de momentos maravillosos. Sobre todo cuando Benjamin va cumpliendo cada vez menos años y tiene que tomas decisiones... No puede ganarle la batalla al tiempo

La labor de maquillaje de esta película merece un capítulo a parte, tanto para envejecer a Pitt como para rejuvenecerle. La música también es buena, aunque no excesivamente notable. Y el guión a partir de la novela de Fitgerald, también es bastante notable.

En definitiva es una buena reflexión sobre el tiempo, sobre la vida, sobre lo que queremos, sobre lo que el tiempo nos roba sin pedir permiso. Lo que hoy es felicidad, mañana será añoranza...

Estamos ante una película de Laurent Cantet. Una película rodada en tono documental que intenta ser reflejo de la situación escolar en la sociedad francesa. Y para ello nos situamos en una clase variopinta, cosmopolita, variada... es reflejo y metáfora de la sociedad misma. En este sentido se ha hecho lecturas de la película afirmando que esa clase es reflejo de la sociedad, una sociedad compuesta por mucha clase de personas, con distintas revindicaciones, necesidades, frivolizaciones, y donde hay un gobernante que intenta ser la satisfacción de todas las capas de esa sociedad, y que le sucede la fustración de no poder llegar a todas. La clase es la sociedad.

Pero eso sería interpretar mucho. "La clase" es una película que intenta describir y advertir el tema de la educación, sus lagunas, logros, fracasos, conflictos, exitos, desajustes, retos... Y mi juicio podemos decir que en ese aspecto esta película se ha quedado hasta corta, porque en realidad la problematica de la educación es más grave aún que lo que refleja la película. Por ejemplo, no aparece nada de la droga en los institutos...

La seriedad o el tono de seria advertencia que logra transmitir la película, es posible por ese tono documental en el que esta rodada toda la película, que practicamente hace gala de su titulo originla, la camara no sale de "entre los muros". Pero este tono de documetal no se hasta que punto le favorece como película, ya que no se incluye ninguna subhistoria en el alumnado, como fue el caso de "Mentes peligrosas", otra gran película sobre el tema educativo.

Aquí la camara no sale del colegio, no se cuenta nada que no sea la cotidianidad de las clases, de las sesiones de los profesores... etc Destaca en la película la aparente profesionalidad/naturalidad de los niños, ya que estos no son actores, y para no serlo, sus actuaciones estan bastante logradas.

En definitiva, creo que es una película interesante por la temática que plantea, pero como película, no termina de enganchar, ya que hay momentos que el espectador se aburre ante la monotonía/cotidianidad de muchas escenas.

Estamos ante una de las películas menos conseguidas de Clint Eastwood. Ciertamente es una gran película y una gran historia, además hecho real, pero hay algo que no la hace estar a la altura de sus anteriores películas que algunas han llegado a ser obras maestras, es el caso por ejemplo de “Los puentes de Madison” o “Million dola baby”.

Es una película de género policíaco, una película que te atrapa y que hace que te metas en la historia de lleno. Es impresionante como logra transmitir esa angustia que puede sentir una madre en semejantes circunstancias, esto es algo muy logrado en la película.

Es una película fraccionada en varias historias, una película que podrá dividirse y sacar de ella dos películas. Hay un claro momento en que la historia del policía que descubre el granero y demás, parece absorber la historia y pasa a un segundo plano la situación del principio y nos situamos ahora en otra historia destinta. Pero es algo esto bien logrado y sobre todo bien rodado. A pesar de que Eastwood rueda con una rapidez asombrosa.

Angelina Jolie es una gran actriz, pero hay algo en el personaje de la película que no parece ser su papel, es una actriz que no termina de congeniar muy bien con el personaje que interpreta. Y esto es algo que creo que se nota en la película. Y tampoco le favorece demasiado a la película el tono televisivo que en ocasiones adquiere. También se echa de menos que Eastwood no sacara mejor partido a la banda sonora. Él ha sido compositor de muchas de sus mejores películas, y algunas de ellas son autenticas piezas maestras, pero aquí compuso una musica que a mi parecer no termina de arrancar, no termina de decir nada. Todo lo contrario de la musica que compuso para “Los puentes de Madison” o para “Bandera de nuestros padres”, que son pura expresión musical excelente.

Es una película sobre la esperanza, sobre como la seguridad en uno mismo es la fuerza que nos sostiene, que nos guía, que mantiene esa extraña seguridad que llamamos esperanza. Esto se expresa maravillosamente en el plano final. Una película que reflexiona sobre la corrupción, sobre la justicia y la injusticia...

Estamos sin ninguna duda ante una película especial. A mi juicio ante la mejor película de Billy Wilder, la más lograda, la más conseguida, la más expresiva. Wilder, junto con Ford, Hitchcock y Hawks forman un cuadrúpedo imposible de superar. Y en esta película lo demuestra con creces, además de ser también el mejor guionista que ha habido en la historia del cine, juntamente con su maestro que fue Lubitsch. “El apartamento” es la película que le define como hombre y como artista.

Es una película que habla de las personas, de la soledad, del amor, y sobre todo del amor no correspondido, de esa primera fiebre o estilo de vida que ya empezaba en Nueva York y que sería toda una manera de de vivir que es el estrés, las comidas preparadas, el mando a distancia, la publicidad en televisión...

Es una historia de soledades compartidas. Nunca el cine ha sabido retratar también la vida de una persona sin amor, de una persona que vive una soltería impuesta. Y han tampoco ha retratado como en esta película lo que es un amor correspondido. Hay una escena que no deja nunca de conmocionarme, cuando en plena nochebuena, el personaje de McLaine en Nochebuena, completamente enamorada de su amante, le regala el disco de el pianista del bar donde solían ir, el disco de su canción, todas las historias de amor tienen su canción. Y el, sin esa correspondencia de alguien que esta enamorado, lo aparta sin apenas detenerse en el, y le da 100 dólares, porque no ha tenido tiempo de comprarle nada. Es la ilusión del enamorado ante la frialdad del amado que ya no corresponde a ese amor. Esto es una poesía, amarga poesía, hecha imagen, hecha cine.

¿Existe una película a la vez dramática, comedia, triste y amable, que mejor represente la vida norteamericana contemporánea? Como esta, no. Es toda una manera de mirar el mundo, una película humana que refleja la soledad de las grandes ciudades. De una soledad acompañada tan solo de una televisor que no deja de emitir anuncios.

Es una obra maestra de la cultura de nuestro tiempo, una radiografía de nuestra condición humana. Refleja todo lo que iba a ser luego la década de los 60. Una película bisagra de los 50 a los 60. En esta película nace Woody Allen, nace toda la esencia de lo que luego sería su cine. Allen perfectamente podría haber sido el Lemmon de esta historia.

Es una película que surge en un momento en el que cine esta cambiando. Y Wilder recoge todo eso. La idea de esta película surgió de “Breve encuentro”, a Wilder le llamó la atención cómo sería ese hombre que deja su apartamento para dos amantes.

Y todo sucede en torno a la Navidad, una Navidad distinta. Es la Navidad en la que ella descubrió que esta perdidamente enamorada de un hombre para el que ella apenas significa algo. Es la Navidad de un pobre trabajador que esta solo, y que su plan de Navidad es ir a un bar para olvidar su soledad. Y fue la Navidad que unió a dos perdedores... Feliz Navidad

El pasado 3 de octubre fui con un buen amigo a ver esta película. Aunque al principio iba con la ligera sospecha sobre sí estaría bien lograda, la impresión al salir fue de total satisfacción, sorpresa y alegría. Me dí cuenta de que estaba ante una de las mejores películas de Jose Luis Garci. Ante uno de sus proyectos más ambiciosos y mejores conseguidos.

Es una película donde la épica y lo íntimo se dan la mano perfectamente, y donde se nos ofrece una visión de los acontecimientos del dos de mayo con una transparencia que solo Galdós puede ofrecer. Galdós no solamente fue uno de los mejores escritores de nuestra literatura, sino que fue un periodista de rigor de su época. Y adaptar a Galdós es siempre garantía de calidad.

La película se basa en los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós, en el títulado "El 18 de marzo y el 2 de mayo". La película nos cuenta un tema controvertido, el de aquellos héroes que fueron victimas y que dieron lo mejor de sí mismos por defender su libertad, su autonomía... Fueron unos héroes que tuvieron un lider equivocado, Fernando VII, que luego solo les traería un retroceso cultural, social, se cargaría las cortes de Cádiz...

El 2 de mayo no fue tanto una revolución organizada, sino una toma de conciencia de un pueblo, de una gente admirable que luchó con lo que tenían a mano por lo que creían que debían de luchar.

La película es una aventura preciosa. Transmite una impresión de vida. Tiene un arranque portentoso. Maravilloso son esos planos generales, ese mundo de los extras donde se ve lo que hacen, lo que comían, lo que sentían, como vivían... Es una película sobre el amor entre Grabiel e Inés, sobre un amor que va más allá de esta vida. Es la película sobre los personajes del cuadro de Goya. Destacar la portentosa banda sonora de Pablo Cervantes, hasta en una partitura épica sabe transmitir todo un mundo interior. Impresionante este compositor.

Destacar los maravillosos decorados. Esa perfecta reconstrucción del Madrid de 1800. Y por último destacar esos impresionantes planos del Madrid contemporaneo. Solo Garci sabe retratar una ciudad en su mejor cara; por la noche, en el amanecer... Una ciudad de noche es siempre distinta a como lo es por el día, tiene una luz especial. De noche todo es distinto, de noche hay una sensación extraña de esperanza, una sensación de que tus sueños se harán verdaderos, de noche se tiene la ímpresión de ver la vida de otra manera, de forma distinta... La noche tiene esperanza, la noche es mágica. De noche... sueñas.

Haciendo una asociación con el título de esta película, podemos decir ciertamente que estamos ante una película extraña, una película hecha en unas extrañas circunstancias. Fue el productor Sam Spigel quien se embarca en este proyecto y le ofrece a Orson Wells el papel de protagonista, pero él solo lo aceptaba con la sola condición de ser el director. Fue una película que tuvo que hacerse en el estricto plazo de 35 días, ni uno más ni uno menos, ya que si no los gastos debían correr del bolsillo de Welles.

Es una película muy interesante y con muchas aristas con que verla. Reflexiona sobre ese tema vigente en la época de que el nazismo no estaba enterrado del todo y que aún quedaban en pie ciertas columnas de ese poder. Destacar esa perfecta ambientación que hace de lo que es una vida de provincias, esa tranquilidad siniestra que se nos transmite está tan bien conseguida.

Esta es la película de un genio que quería ser un director como otro cualquiera, pero no era así, era un genio. Era otro cineasta distinto, con otra envergadura y otro tamaño. Aquí esta creando y descreando continuamente. Una película en la que Welles se vio muy limitado para poder llevar a cabo ese alarde de genialidad que poseía innatamente. Por ejemplo, él quería que el protagonista fuera una mujer, pero se lo negaron. O también las continuas diferencias que sostenía con Edward. G.Robinson. Es una película donde también podemos sacar en conclusión que Wells esta mejor como director que como actor, se desenvuelve mejor en la dirección, exceptuando algunas de sus otras interpretaciones donde esta portentoso.

En definitiva estamos ante una película modélica. Una película llena de momentos maravillosos y a la altura del mejor Orson Welles.

Estamos ante una película especial, una película muy personal, basada en la novela de Ann Tyler. De la que Lawrence Kasdan hace una perfecta adaptación, donde refleja y sabe expresar ese extraño mundo de sentimientos confusos que transmite la lectura de la novela.

Es una película seria, no tanto para jóvenes sino para maduros. Una película de un realismo sorprendente y donde se ve un cierto aire de cine europeo. Es una película que tiene un ritmo de “depresión”, de tristeza, y esto está tan bien conseguido que incluso la transmite. Uno puede incluso sentir cierto aire de tristeza después de ver esta película. Es una película donde los personajes apenas hablan, donde no hay comunicación.

Es una película sobre la soledad, sobre la compañía, sobre el redescubrimiento de las cosas cotidianas. Es una película que habla del matrimonio, de un matrimonio frustrado, de una separación, de un renacimiento... y todo ello lo hace sin sentimentalismos. Es una película donde el espectador no logra identificarse con ninguno de los personajes. Es una película que transmite cierta angustia existencial, y en la que quizá estén todas las claves del existencialismo.

Destacar los personajes de las dos mujeres, ambas muy distintas y muy reales. En ellas se describe muy bien el tema de las mujeres, están muy bien caracterizadas, sus reacciones... Describen perfectamente a la mujer.

Es una película de un magnifico reparto y de una interesante banda sonora de John Williams, muy afín a ese sentimiento de la tristeza. E interesante es también el personaje del niño, muy decisivo también en toda la historia. En definitiva una película muy interesante, aunque no recomendable a los de temperamento bajo.

Estamos ante una de las mejores películas del maestro Hitchcock de su etapa inglesa. Una película que gozó de gran prestigio, tanto fue así que se llegó a hacer un remake. También cuando se estrenó esta película el diario “Times” de New York, decía que “era una obra maestra y que desconcertaba por su manera de contar”.

Ver esta película es una gran descubrimiento, ya desde ese arranque espectacular que es toda una modernidad, las películas de aquella época no empezaban con el ritmo como empieza esta, donde las imágenes no siempre obedecen a una lógica. Destaca por tanto la singularidad en la forma de contar historias. Hitchcock no se parece a nadie. Es un director que cuenta por encima de la propia historia.

En esta película es un compendio y donde están todos los antecedentes de todas las singularidades de Hitchcock, de todos los aspectos que luego va a desarrollar en sus posteriores películas de etapa americana.

Destaca un sentido del humor muy peculiar y una “manipulación” de los materiales narrativos. Se ve claramente como en Hitchcock hay un gusto por las historias inverosímiles, por encima de las historias verdaderas. Para él eso es mucho mas creíble que la propia verdad. Aquí los personajes no se creen ni su propia verdad. Se ve en ellos una gran dicotomía entre lo que son y lo que parecen. El ejemplo está en la imagen de los malos, que son aquí personas respetables, cultos, de cuidada reputación...

Podemos decir que esta película es la gran antecedente de “Con la muerte en los talones”. Es llamativa la aceleración de acontecimientos en las que se sucede toda la película. La aparición de Madeine karol es portentosa... con un beso.

Destacar el perfil romántico de esta película, por ejemplo esa escena, que podría ser perfectamente otra historia, del granjero y su mujer, una escena cargada de tensión, de emoción, de pasión, de erotismo. Un juego de miradas donde se da una complicidad total con el espectador. Tiene mucho trasfondo. El final de esta película tiene también mucho de romántico. También la escena del hotel, cuando se van a dormir y están esposados. En definitiva, una obra maestra que ya va desvelando al maestro.

Estamos ante una película bastante pasable y en la que seguramente le debe la buena parte de su historia a la consolidada novela en la que se basa. Creo que es la novela la que salva a esta película.

Pero lo que más hay que destacar y con creces son las interpretaciones, especialmente la de Maribel Verdú, que nos demuestra que es una gran actriz con un amplio repertorio interpretativo. Y destacar también a Raúl Arévalo que refleja muy bien en su interpretación las consecuencias de la obsesión. Esperemos que el espectador no se deje llevar por la crítica larvada que esta pélicula hace de algunos eclesíasticos despreciables, con lo que realmente es la figura de un buen sacerdote.

Destacar también la ambientación y ese buena narración que va enganchando.

Estamos ante una de las más grandes películas de terror de la historia del cine, en este caso ante la primera adaptación de la novela de Bram Stoker. Es una película con un poder de fascinación, no solo en la generación en la que se estrenó sino en todas las generaciones sucesivas y de todo el mundo. Al igual que sucede con la novela de Stoker, escrita en 1897 y que desde entonces nunca ha dejado de reeditarse.

La primea adaptación de la novela fue en el teatro, que cosechó un éxito impresionante, y de la cual bebe esta película, que es una película basada más en la versión teatral que en la novela. Es una película con una estructura teatral que pesa, pero que a la vez es lo que le da su particular encanto.

Evidentemente esta película es todo un icono del cine y su personaje de Drácula es un personaje que es “patrimonio familiar” y que pertenece a nuestras vidas cotidianas. Destacar al portentoso Bela Lugosi en este sin duda el papel de su vida. Luchó mucho por obtener este papel, hasta el punto de mantener una copiosa correspondencia con la viuda de Stoker y de obtener un sueldo mísero por el. Pero que sin embargo fué el papel y el personaje que le inmortalizo, no solo en su carrera profesional, sino también en su vida.

Estamos ante la versión más mítica y en la más inusual de la filmografía de Browning. Es una película de una belleza poética impresionante, que transmite un aire fantasmal y de sueño que la hacen irrepetible. Esta película fue la que marco el modelo poético de todas las demás versiones, y no desarrolla tanto la faceta erótica del vampirismo que sí desarrollarían las versiones sucesivas como las deliciosas versiones de Terence Fisher o como la pésima versión de Copola que llevó ese erotismo hasta extremos desagradables.

Estamos ante una obra maestra que es algo más que una película de terror. Es una película que habla sobre las apariencias, de apariencias sumergidas. Sobre la inmortalidad. Es una película iniciática con muchas claves escondidas. Destacar ese erotismo soterrado que está presente en toda la película. Destacar también la nocturnidad, los decorados, sobre todo los de la primera parte, esos planos generales, inmensos. Es una película llena de romanticismo.

Estamos ante una obra maestra y ante, junto con la adaptación de Ternce Fisher, la mejor adaptación de la portentosa novela de Stoker. Todo un icono del cine y de nuestras vidas.

Estamos ante un clásico de Joseph L. Mankiewicz, que, si ya había retratado el sórdido mundo del teatro en “Eva al desnudo”, ahora lo hace del cine desde el personaje que interpreta maravillosamente la soberbia Ava Gardner.

Podemos decir que su estructura inicial es la de una especie de versión actualizada y muy cínica de la cenicienta en busca de su príncipe; una bailarina española que llegaría a convertirse en estrella de la pantalla gracias a “su príncipe”, Humphrey Bogart. Destacar la interpretación de ambos que están maravillosos.

Quizá el fallo de esta película, otros lo considerarán un gran acierto, es la excesiva y omnipresente voz en off que recorre toda la película, y que en momentos llega a ser molesta además de innecesaria. El arte del cine esta en transmitir con imágenes y en usar lo menos posible la voz en off y las explicaciones, sino que son las imágenes las que deben hablar, ese es el arte del cine, y lo difícil de hacerlo, de contar historias con imágenes.

Pero lo que sí es indudable es que estamos ante una gran película que habla de la soledad, de la vocación en la vida, de la amistad... Entre ambos protagonistas no se establece una relación puramente comercial-profesional de interés, sino una auténtica amistad que llega hasta el final, una amistad en la que no llegamos a saber si ambos sentían algo más. Una película que reflexiona sobre el cine, sus intereses... sobre como el cine y el éxito cambia la vida. Pero la protagonista, una mujer decidida y con valores, no se olvida de sus orígenes humildes. Y una película que plasma en su crudeza la tragedia de los celos.

En definitiva una gran película digna de ver. Y destacar que fue la primera vez que Mankiewicz utilizó el color.

Estamos ante una de las películas menos valoradas de la filmografía de Antonio Gimenez Rico, un director de gran inteligencia. Aunque evidentemente, de toda su filmografía las tiene mejores que esta, como por ejemplo las dos adaptaciones literarias del texto de Miguel Delibes como son “Retrato de familia” basada en la novela “Mi idolatrado hijo Sisi”. Y “Las ratas”. Ambas podríamos decir que son ya clásicos de nuestro cine español.

¿Dónde podría estar el fallo de esta película? Porque la historia podría tener cierto interés, pero... tiene un formato televisivo que no le favorece nada, y tiene un fallo muy grande, para mí el que estropea toda la película y es que, si se pretende hacer un seudo musical y la actriz protagonista no sabe cantar, lo más lógico es que las canciones sean cantadas por una cantante profesional y que la protagonista solo tenga que hacer play back. Ese es el problema grande de esta película, porque no son una canción o dos, sino bastantes a lo largo de toda la película, y se nota bastante como Maribel Verdú tiene que cantar casi en susurros y muy bajo para no desafinar y porque evidentemente no tiene voz para cantar. Destaca también negativamente la banda sonora que parece no tener cuerpo y estar tan poco definida.

Es una película que narra la historia de amor entre una cantante y un cineasta a finales de los cincuenta, y que se reproduce en la actualidad entre la hija de aquella y el cineasta, ya entrado en años. Lo más a destacar estaría en la interpretación del joven Fernando Guillén Cuervo.

En definitiva, aunque esta sea una pésima película, es de destacar que Antonio Giménez Rico tiene películas de gran talento, sobre todo sus adaptaciones de las obras del gran Miguel Delibes; “El disputado voto del señor Cayo”, “Retrato de familia” y “Las ratas”. Y destacar también una de sus últimas películas “Primer y último amor”, una adaptación literaria de la novela de Torcuato Luca de Tena.