3 Críticas de los usuarios

“Elegía de un viaje” es un título que podría convenir, al menos en un sentido metafórico, a casi todas las películas de Sokurov. El tono elegíaco es inherente a la perspectiva intelectual del director siberiano, y , como tal, se transmite a la mayor parte de sus películas; perspectiva intelectual sin duda anacrónica, desde el punto de vista de los criterios en vigencia, de un hombre que no se identifica en absoluto con las pautas y los modelos de la modernidad y que más bien añora un mundo perdido; un mundo que —no se confunda— no se sitúa en el plano de lo históricamente anterior, sino de lo ontológicamente superior: no se añoran unas formas sociales o políticas del pasado, sino un estado del ser del que el hombre —disfrutara o no de él en épocas pretéritas— se encuentra ahora existencialmente privado; sentimiento, podríamos decir, “cinematográficamente heredado” de su maestro reconocido, Andrei Tarkovsky.

Como apuntaba en mi crítica a otra de sus elegías —la “Elegía oriental”— “viajes” son también, en un sentido, todas sus películas, pues, el arte, y, por ende, el cine, es para Sokurov —tanto desde el punto de vista del creador como del espectador—, un camino de conocimiento que puede hacer avanzar en la consecución de un destino transcendente. Viaje o trayecto, pues, espiritual o iniciático, que implica la posibilidad de una experiencia transformadora, que se ofrece en sus películas, como se ofrece en toda obra arte que merezca tal nombre.

Pero en este caso estamos también ante la descripción de un viaje en el sentido más literal, un fascinante recorrido por esos parajes imaginales, que tan bien conoce Sokurov, en los que parece espiritualizarse lo material y materializarse lo espiritual, que le llevarán hasta un lugar remoto en el que se consumará una experiencia de “revelación”, en realidad el reencuentro con lo de algún modo ya conocido, pues, como decía Platón, todo conocimiento es en realidad un re-conocimiento, vehiculado en este caso por una serie de obras pictóricas y, en particular, por un cuadro de Pieter Saenredam, pintor neerlandés del siglo XVII.

La nostalgia del paraíso perdido, el anhelo por regresar a la patria celestial de origen, impregna y da forma como sentimiento dominante a todos los llamados “documentales” (?) de Sokurov y me parece especialmente presente —o al menos particularmente explícito— en éste. Probablemente, a quien no participe en alguna medida de ese sentimiento, su cine le resultará aburrido y escasamente interesante. Pero quien se sienta en el exilio, quien piense que —como dice el Zohar, y como bien sabe el autor de “Madre e hijo”— “el misterio nos envuelve y es nuestro destino”, quien crea que “lo secreto habita en el corazón de la apariencia”, y anhele llegar a desvelar ese misterio, quien aspire a “volver a casa”, como decían los románticos, podrá encontrar en las películas de Aleksander Sokurov una mina inagotable de sentido.

Con una sorprendente economía de medios y un sorprendente despliegue de imaginación y sensibilidad artística, Alexander Sokurov nos presenta en ese film la narración, indecisa, tierna, monologante, de un viaje en sueños, desde el invierno ruso hasta la intimidad de un oscuro museo de Rotterdam, donde el autor se encontrará con un cuadro de Pieter Saenredam, en cuyo interior continúa el viaje subjetivo del narrador.

En verdad la película, de apenas 46 minutos, es una joya inclasificable que pondría al lado de La Jetée, de Chris Marker, como esos 'chispazos' que, de cuando en cuando, se salen de los rieles convencionales del cine para hacernos ver horizontes ocultos entre las brumas de la historia del arte.

La voz en off del narrador (Sokurov mismo) nos va sumergiendo con breves pinceladas, en un mundo de sombras, de aguaceros, de esperas, de bautizos, de alegrías y terrores, de autos rodando en la noche caótica, para finalmente detenerse en esa inmensa tela de Saenredam, de la cual va explicando sus diversos detalles, hasta convencernos de que él mismo participó en la escena que registra el cuadro, conoció al autor, y ahora se concentra en comentar las deliciosas 'imprecisiones' en que el pintor ha incurrido.

El protagonista pasa la mano extendida a escasos centímetros de la tela, como si quisiera hallar una entrada en el cuadro, fusionarse con él. "La tela está tibia..." dice, con voz trémula.

He ahí la clave del sueño, de la sensación de estar en un universo paralelo donde todas esas cosas extrañas están ocurriendo, pues, además, el cuadro de Pieter Saenredam está fechado (en la película) en el año 1765, cuando en la realidad ese pintor falleció más de un siglo antes.

El eterno retorno, los anhelos perdidos, la intuición de mundos maravillosos y terribles que están ahí mismo, al alcance de la mano, la disponibilidad de todas las escenas y situaciones en una región cualquiera de la Noosfera (pues el cine es esencialmente el arte de la Noosfera), se presentan en esta intensa pieza con una delicadeza y una fuerza que sólo de un gran artista pueden emerger.

Una película imprescindible para todo aquel que guste de explorar las conexiones ocultas entre el arte y la vida.

“El sol se ha ido… Pero la tela continúa cálida”.


Memoria–

La memoria transita entre pasado y presente en un único escenario que se actualiza según los objetos, los nombres, etc. Una cualidad bergsoniana que no se dibuja en escalones separados.

El presente y el pasado interactúan en el mismo escenario (sucede en otros cines: "La prima Angélica" o "Synecdoche, NY"). El recuerdo se potencia en su particularidad de narrador que avanza sin flashback por escenarios memorísticos. Paseando en línea recta.

Arte–

La materia creativa tiene existencia autónoma. Al inventar se genera una realidad al margen. Arte como Torre de Babel donde un nombre –Breughel– excede el cuerpo del lienzo y el tiempo de lo cotidiano. Arte como materia global que se renueva en un nivel donde el pasado, paradójicamente, puede anticiparse (como el “flotante villano del pensamiento” del relato "El anticipador" de Morley Roberts, donde los antepasados reviven en el escritor y las ficciones recorren jungianas la imaginación antes de ser escritas).

Constructores de cuadros, ¿quién habita los lienzos?, ¿cómo vivieron? Qué representa la obra de arte, qué porción de existencia diacrónica rescata. La creación contiene todo árbol, todo verano.... El recuerdo del calor como categoría idealizada.

La existencia se filtra en Van Gogh a la manera proustiana de que el nombre evoque una esencia memorística y ontológica que supere la forma orgánica evocada (Combray, Guermantes…). Así la memoria no es solo actualización del pasado, también es actividad creativa.

Arte y memoria–

La memoria–creación como mito de psique colectiva de creatividad humana. Híbrido plural de almas donde memoria y Arte se funden hasta no existir más mundo exterior que el interior.

Pero toda vez es expresado ese mundo interior, se desoculta la esencia de “otra cosa”. Algo se independiza, cristaliza y se derrama entre flujos de otros mundos y el éter de otras obras, miradas y recuerdos.

El sujeto se extravía en un “Ser” más amplio y común que nos circunda. Los siglos pierden tensión en una percepción temporal de una única hoja donde los recuerdos y las obras son lo mismo... Si a través de la memoria bergsoniana descubrimos una temporalidad como escenario único, mediante la sublimación creativa del autor–demiurgo obtenemos una perpetuación artística donde confluyen temporalidades como esos fantasmas de Comala japonés testimoniando un pasado atemporal en "Elegía Oriental".

(And the Oscar ghost to…)