Maravillosa película y remake del clásico británico La Isla Perdida que dirigiera Frank Launder y protagonizara Jean Simmons.
Sí, ya sé que parece que queda de más altura intelectual afirmar que El Lago Azul es cursi, ñoña, que da incluso risa y contar como colofón a la crítica algunos chistes verdes y de pésimo gusto, pero no es, sin duda, lo que este film se merece.
La fotografía de Néstor Almendros es inmejorable, preciosa, de una espectacularidad y sencillez exquisitas. Basil Poledouris no deja escapar la oportunidad y compone una extraordinaria partitura que le va como un guante, integrada por un bello tema de amor y un espléndido tema principal, que en algunos fragmentos recuerda al efectuado por Mario Nascimbene para Los Vikingos (1958).
Los dos protagonistas desarrollan, pese a su juventud, sendos papeles de una manera más que digna. A destacar, pese a la mayor popularidad posterior de Brooke Shields, la expresividad de su partenaire, Christopher Atkins, el cual transmite a la perfección la bondad e inocencia no corrompida aún por ninguna sociedad.
El guión es correcto y cuidado y la agridulce historia, pese a lo lógicamente previsible, engancha hasta el final.

Lo único que salva a esta película es la bella y cuidada fotografía y la interpretación de Anthony Quinn, porque por lo demás es completamente prescindible e INCREÍBLE.
Todas las escenas son forzadas, realizadas para que pensemos que son mágicas y preciosas, pero lo único mágico que transmite es la risa del espectador que se troncha al ver las ridículas escenitas de Aitana Sánchez bailando durante la vendimia, o enseñando a "volar" al alelado de Reeves mientras se escarchan los viñedos, por poner sólo dos ejemplos.
Pura infantilidad de film completamente cursi, con guión paupérrimo y absurdo argumento.

Película intimista, grandilocuente y efectista, que narra la historia de Ida Dalser y del hijo que tuvo con Benito Mussolini en una aventura amorosa paralela a la relación que éste mantenía con quien luego sería su segunda esposa (Rachel, la única reconocida oficialmente por Il Duce), y con quien contaba ya con una hija de cuatro años cuando se casó con Ida en 1914, abandonándola poco después y casándose en 1915 con Rachel, a quien describiría Mussolini como la mujer de su vida.
Ida Dalser y Rachel Guido no fueron ni mucho menos las únicas mujeres importantes de Mussolini durante aquéllos años, aunque es comprensible que el film pretenda omitir a las demás y centrarse en la protagonista, Ida Dalser, magníficamente interpretada por Giovanna Mezzogiorno.
Lo peor, los saltos de eje, algunas imágenes efectistas, que no vienen a sumar, como las de las reclusas del psiquiátrico, a quienes vemos como pantallazas mucho antes de saber que Ida será internada allí, alguna inexactitud histórica como el mecanismo de escape que utiliza la Dalser, o la apariencia de los personajes mayores, que no envejecen, mientras Benito Albino crece hasta ser tan joven como sus tíos o su madre... Pero son detalles, nada de esto le quita mérito al film.
Lo mejor, la interpretación de los dos protagonistas, el imponente poder de las imágenes (Ida trepada a la reja mientras afuera nieva, lanzando incansablemente sus eternas cartas; Benito Albino imitando a su padre frente al busto que lo representa en la soledad de los pasillos del colegio...), la fuerza de su música (que aumenta su ritmo y volumen con la declaración de la guerra, los himnos partidarios en el cine, el cántico de los chicos que se burlan de la "Mussolina" y adhieren al Duce...), el peso de los escenarios (entornos recargados, coloridos y cálidos, en la primera parte, y desolados, austeros, fríos, en la segunda), la composición de las luces (en la calle, cuando Ida y Benito se encuentran; en la cama, cuando ella duerme y su cuerpo desnudo se recorta blanquecino en la oscuridad del ambiente; en el duelo, con el colorido de los rosales y la nube negra que oscurece el cielo fabril...).
Todo ello alienta a que Vincere sea una obra inolvidable y un futuro referente del cine italiano.

No es la mejor película de Spielberg, de hecho, se hace la mayor parte del metraje excesivamente larga, monótona, plana y tediosa. Pero se salva por las escenas del flasback, desde la captura del protagonista hasta los sufrimientos acaecidos en los dos navíos, escenas sobrecogedoras y emotivas que sólo pueden ser rodadas sin riesgo a equivocarse, por uno de los más grandes como es Steven Spielberg.
Desconozco el año concreto en que se desarrolla la acción, por lo que no puedo arriesgarme a comentar los errores históricos sobre la identidad de la cabeza de la corona española en ese tiempo, pero pese a que la película transmite sin ningún pudor las maravillas del poder judicial en los Estados Unidos frente al analfabetismo gubernativo del “reino de España”, mi orgullo patriótico no se ha visto ofendido por esto, pues todos sabemos que en realidad Spielberg ha sido indulgente con el gobierno de la caprichosa Isabel II, el cual era en realidad, bastante peor a como lo pintan (y ya no digamos el de su padre, Fernando VII, el más ruin monarca que ha tenido la historia de España).
Le sobra al film 40 minutos, y los insufribles cánticos y expresiones repetitivas de los esclavos que como no sabemos lo que dicen, no transmiten nada y resultan cansinas (creo que con todo lo que hablan sin subtitular se podría haber ahorrado 30 minutos de metraje), de ahí que cuando llega la escena estrella de Hopkins defendiendo el caso ante el Tribunal Supremo, allá por los últimos 10 minutos de la película, el espectador medio pese a sus buenas intenciones, haya entrado ya en un profundo sopor en los brazos de Morfeo y no se entere de nada, pero tranquilos, que el discursito en cuestión tampoco es nada del otro mundo, en resumidas cuentas viene a decir que si la Declaración de la Independencia propugna la igualdad y libertad y alguien en ese país defiende la esclavitud de estas personas, deberían empezar por romper la Declaración que une este país. ¡Dios mío! y casi tres horas para escuchar esto, definitivamente me quedo con las disquisiciones jurídico- internacionales que se plantean desde el principio con los acuerdos y tratados internacionales sobre la abolición de la esclavitud suscritos entre España e Inglaterra en 1814, resultan cuanto menos más interesantes que la candorosa demagogia simplista e indocumentada que lleva como moraleja.

Película infravalorada por la crítica y por el público. No he visto El Club de los Poetas Muertos, por tanto no puedo calificar La Sonrisa… de plagio y mucho menos de burda copia de aquélla.
Yo la he visto con ojos vírgenes carentes por completo de prejuicios y ofuscaciones hacia el director (Mike Newell) o hacia la protagonista (Julia Roberts) y he de decir que me ha impresionado y gustado al mismo tiempo. El argumento es cotidiano, tanto que cualquier espectador sin excepción se encuentra reflejado en la dicotomía que tenemos todas las mujeres para conciliar trabajo y vida privada. La película es atemporal y sucede en todos los países. Ni hay que viajar a 1950 ni a Boston para comprobar que la mujer siempre está encorsetada a sus presumibles deberes familiares frente a la despreocupación familiar que disfrutan los hombres anteponiendo sus compromisos profesionales con total impunidad y naturalidad. Aunque sólo sea para recordarnos abiertamente –aunque incomode a muchos espectadores, probablemente del género masculino- que esto sigue ocurriendo y haga reflexionar, merece la pena ver esta película.
El guión es bueno; la ambientación estupenda; la trama es floja ya que podía dar mucho más de sí (pese a sus buenas intenciones); las interpretaciones son entre correctas y magníficas, entre las que conviene destacar la de la camaleónica actriz Kirsten Dunst en su papel de inteligente, pija, repelente y humana alumna de Wellesley; y el final decepcionante.
Pese a todo, hace reflexionar, que no es poco. Completamente recomendable.