Rico, un matón de tres al cuarto, planea junto a su amigo Joe hacerse un hueco y un nombre dentro del crimen organizado y no parará ante nada ni nadie hasta ver como su sueño se hace realidad.
Correcta película de Melvin Leroy, que junto a títulos como Scarface o El enemigo público contribuyó al despegue del cine de gangsters de la década de los treinta. Pero honestamente, esta obra no puede medirse con estas porque pierde en todos los aspectos .
Su desarrollo y final son demasiado precipitados, los personajes son poco atractivos y las escasas escenas de tiros no tienen la contundencia esperada.
Le falta metraje, al igual que profundidad a la historia; el ascenso y la caída de un mafioso requiere su tiempo, un proceso en el que este vaya creciendo en experiencias, conocimiento y ambición por el poder. Aquí todo sucede en escasos minutos y esto resta mucha credibilidad a la trama. Además, Rico carece del carisma, crueldad y sangre fría que precisa un tipo que tiene como máxima el poder.
Ni siquiera el pequeño César tiene un desenlace a la altura; comparado con el gran final de Tony Camonte y sobre todo de Tom Powers, el suyo queda en una anécdota mediocre y olvidable.
Lo más positivo es Edward G. Robinson, un actor de bandera que se mueve como pez en el agua en este género. Es junto a Cagney y Bogart la gran figura del cine de mafia de Hollywood. Secunda Douglas Fairbanks jr que aporta poco y añade un toque empachoso a la cinta.

Prescindible.

Amanece un día más en la boscosa localidad de Twin Peaks, todo parece marchar con naturalidad hasta que aparece el cuerpo de la joven Laura Palmer. La investigación del terrible asesinato será llevada por el Sheriff Harry Truman, su equipo y el inusual y carismático agente del FBI, Dale Cooper. Pronto saldrá a la luz que Laura, además de ser una preciosa y simpática estudiante, escondía turbios secretos y que en el pueblo nadie es lo que parece ser.

Un fenómeno social, es el justo apelativo que merece esta serie, una obra de culto que sacudió los cimientos televisivos de Estados Unidos y del mundo entero. El episodio piloto es una de las mejores presentaciones que un producto puede recibir, una hora y media de suspense y emoción que engancha y fascina a partes iguales.
La entrada de los episodios es muy original y genuina, con esa precisa descripción geográfica del pueblo en imágenes, (sin que aparezca ningún protagonista) y con la fabulosa y archiconocida banda sonora de Angelo Badalamenti.

Los vecinos son todos muy singulares y especiales, para la memoria quedan algunos como: Bobby Briggs, Ben Horne, Andy, o Shelly Johnson. Reconozco que pasados tantísimos años les sigo echando de menos.

Detrás de este proyecto se encontraba David Lynch, crecido después de su opera prima: Blue Velvet, y que contó con la ayuda y colaboración de Mark Frost. Ambos se encargaron de revolucionar la anticuada imagen de la convencional serie televisiva y ofrecieron una alternativa totalmente diferente a la habitual, más adulta, impactante y atrevida.
Lynch reclutó a su chico, Kyle MacLachlan, para el papel del Agente Especial Cooper, que es el puntazo de la serie. Acompañando a éste, tenemos a: Piper Laurie, Russ Tamblyn, Richard Beymer, Joan Chen....
Pero no debo olvidar el grandioso trabajo de Ray Wise y de la provocativa Sherilyn Fenn.

En el spoiler comentaré ciertos puntos que fueron cruciales para el devenir de la serie, pero pienso que sufrió el maltrato de una cadena que no supo o no quiso comprender el concepto que Frost y Lynch manejaban y que decidió cortar por la vía rápida. Decididamente mereció una muerte mucho más digna; es más, posiblemente, sin Twin Peaks no hubiera existido el boom de Expediente X, ni el de Lost. Ambas y otras muchas son muy deudoras de la innovación, coraje y valentía de Twin Peaks, la cual pertenece a la historia como lo que pudo y no dejaron ser.

En plena guerra de mafias chinas por hacerse con el poder y los negocios en Manhattan sur aparece en escena Stanley White, un rudo y testarudo agente de policía que tiene como objetivo el acabar con la violencia y la sangre a costa de lo que sea.

La carrera profesional de Michael Cimino es de las más singulares y poco usuales que se puedan encontrar. Tras el pelotazo que supuso El cazador se embarcó en la arriesgada, mutilada y criticada La puerta del cielo, que no obtuvo grandes resultados; esta cinta era una prueba de fuego para el italo-americano, para demostrar que lo del cazador no fue flor de un día o para terminar de confirmar los peores augurios de sus trabajos siguientes. Pero esta prueba la pasa raspada y desgraciadamente deja la triste sensación de que El cazador fue un destello de luz en una normalita, por no decir mediocre, carrera.

No es que sea una mala película ni mucho menos, de hecho cuenta con algunas secuencias de acción muy bien rodadas y que dan un toque eléctrico a la cinta, pero a mi al menos se me acabó haciendo un ejercicio pesado y en el que el interés iba claramente de más a menos.

Oliver Stone y el propio Cimino se encargan del guión, que no pasa de ser un texto mejorable y al que se podía haber sacado mayor partido. El carácter del protagonista queda retratado a brochazos gruesos y de poca clase y sus relaciones con sus compañeros y especialmente con las mujeres son vacías, forzadas y tremendamente prescindibles.

Si el director es particular, Mickey Rourke no le va a la zaga, porque es de los actores con una vida más extravagante que ha existido. En los ochenta alternaba papeles de verdadero talento con otros realmente demenciales. Aquí cumple sin demasiados alardes y no es de sus trabajos más inspirados; junto a él está John Lone (quién diría que en este hombre recayó el privilegio de dar vida al último emperador en la multioscarizada película de Bertolucci) y Ariane que están francamente mal, sobre todo Ariane.

Con todo el pesar de mi corazón, está película sirve para confirmar que Michael es un director con talento, pero que su filmografía está plagada de sombras y que por mucho cazador que haya rodado, el computo no deja de ser decepcionante.

Tom Joad sale en libertad tras cumplir una condena en un penal y dirige su camino hacia su hogar. Pero pronto se dará cuenta que todo ha cambiado, sus familiares y vecinos han sido desahuciados de sus casas y pequeños terrenos, que no hay trabajo ni comida y que deberán luchar por salir adelante.

Adaptación de la fantástica novela Las Uvas de la Ira de John Steinbeck realizada magníficamente por el director de directores: John Ford, que con esta película refleja la cruda realidad que tuvo que soportar toda una generación de americanos y de ciudadanos del mundo durante la terrible depresión económica posterior al crac del 29. Ford demuestra que no sólo es capaz de regalar los mejores Westerns de la historia, sino que con esta y Que verde era mi Valle explotó su vena más comprometida con la sociedad y ambas están en la élite de la historia del cine mundial.

No se le debe restar ni un ápice de mérito al director, pero lo cierto es que con semejante libro y el guión de Nunnally Johnson se le allanó mucho el terreno. Dicho libro se hace eco de numerosos temas y reflexiones y se sumerge a fondo en todos ellos. No sólo se centra en la durísima situación económica que atravesaba el país, también resalta la unión familiar, la pérdida de la vocación, la solidaridad y generosidad de las personas, la desvergüenza y escasa humanidad de algunos empresarios, el arraigo de las personas por sus orígenes, el hambre, una pequeña luz en la oscuridad de una recuperación económica... se podría estar horas e incluso días analizando todas estas y otras muchas temáticas que se exponen en la novela y en la película.

Para redondear el plantel de colaboradores, Ford confío la fotografía en blanco y negro a Gregg Toland y la banda sonora a Alfred Newman que realizan ambos una buena labor.

Para los actores Ford contó con su amigo Henry Fonda que hace el papel de su vida, su Tom Joad ha pasado a la historia como símbolo de rebeldía y de lucha por los suyos y sus derechos, Fonda mereció el Oscar por este papelazo. La que si ganó la estatuilla fue Jane Darwell como la madre Joad, Darwell compone a una mujer que rebosa coraje, valentía, esperanza y que es el motor de su familia y los mantiene unidos hasta el final. También me pareció sublime John Carradine como el pastor que ha perdido el rumbo de su vida y que no encuentra ganas de seguir predicando la palabra de Dios.

Dura y rocosa como la vida misma pero con la ilusión de un mañana mejor.

Poderosa adaptación de la novela del autor Franz Kafka, llevada a cabo por, posiblemente, el cineasta más genial que ha dado la historia, Orson Welles. En aquellos momentos, ya marginado definitivamente por la miope industria americana, desarrollaba sus proyectos en Europa, ( de hecho, su próxima película sería la grandiosa y magnífica, Campanadas a Medianoche).

En esta película, Welles, capta a las mil maravillas la esencia de la novela de Kafka, y logra transmitir a través de las imágenes, encuadres de cámara, el uso y tratamiento del blanco y negro, y mediante la fuerza visual ( sello, marca de la casa de todas las creaciones de Orson), la sensación de confusión y desconcierto, que vive Josef K, el cual, parece estar atrapado dentro de una pesadilla, de la que no puede salir, y en la que nada parece tener lógica ni sentido.

Es una historia absorbente, frustrante; pero también apasionante, en la que cada paso que da Josef, es más extraño que el anterior, y todos los personajes que se cruzan en su camino, son singulares y extravagantes.

Para el papel principal, Orson, apostó con mucho éxito, por Anthony Perkins, que realiza un excelente trabajo. El resto, son intérpretes europeos, destacando al incombustible Akim Tamiroff, a las bellísimas Jeanne Moreau, y Romy Schneider, y al propio Orson Welles.

Laberíntica y atrayente película. Costará mucho trabajo combinar a dos talentos semejantes, en un proyecto semejante.