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Críticas de Wellesford
Críticas ordenadas por:
Cenizas y diamantes
Cenizas y diamantes (1958)
  • 7.4
    1,819
  • Polonia Andrzej Wajda
  • Zbigniew Cybulski, Ewa Krzyzewska, Adam Pawlikowski, Bogumil Kobiela, ...
9
Obra capital de Wajda
Gran película. Wajda cierra su trilogía sobre la guerra (independientes entre sí) con la mejor de las tres.

Durante las veinticuatro horas en que la guerra toca a su fin, un grupo de nacionalistas polacos pretenden asesinar a un representante comunista después de matar a dos trabajadores por error. En este contexto el relato se centra con mayor interés en un joven militante, despreocupado y acostumbrado a la lucha, que tiene la misión de eliminar al importante líder.

La trama principal tiene lugar en un hotel en el que se aloja, junto a un compañero y en el que coincidirán con su presa, ya que tendrá lugar una fiesta por la victoria. La aparición de una joven camarera trastocará su visión de la vida, mantienen un romance y un dilema moral le hará replantearse la situación.

Excelente estudio de personajes, filmado con una preciosista profundidad de campo, estéticamente perfecta. Encuadres con profusión a los simbolismos visuales, de carácter wellesiano, que remarcan el drama con gran vigor narrativo. Posee una atmósfera expresionista que dota de tensión el desarrollo del relato y contiene planos verdaderamente remarcables con gusto por el detalle, en los que luce una espléndida fotografía que aporta picados y contrapicados de contrastada iluminación.

Se respira un aire incierto y desesperanzado, para que el protagonista vaya transformando su inicial anarquía moral hacia una toma de conciencia y remordimiento (estupendo Cybulski, el llamado James Dean del este). Héroe trágico por amor que divaga hacia un desenlace pleno de lirismo.

Recomendabilísima obra de un director referente del cine polaco y europeo, mentor de Polanski para más señas.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mad Max: Furia en el camino
Mad Max: Furia en el camino (2015)
  • 7.1
    61,889
  • Australia George Miller
  • Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, ...
10
Poderosa sinfonía audiovisual
George Miller ha filmado la película que habría querido hacer allá por los albores de los ochenta, ese clásico polvoriento de serie B que forma parte de la iconografía cinematográfica de los últimos tiempos. Esta vez contando con un presupuesto generoso (con el que no contaba en aquel entonces) y respaldado por dos intérpretes que se toman muy en serio el argumento distópico al que se enfrentan.
Más allá de la obvia pirotecnia visual, de la testosterona desatada o del adrenalítico ritmo que producen sus imágenes, Miller opta por mimar la puesta en escena de cada uno de los trepidantes actos que conforman una aventura de acción absolutamente homogénea, a pesar de un guión simple pero conciso y coherente. Panorámicas espectaculares (varios planos lo corroboran); ángulos que diluyen la monotonía del paisaje o planos que definen de una tacada el estado de ánimo de cualquier personaje (si fuese muda no perdería un sólo ápice de su intensidad).
La película transpira epicidad, fustigada por la efectiva banda sonora que ensambla rabiosamente con los momentos de intrepidez y con el carisma de los personajes. El dinamismo de su montaje apabulla, impregnado de una poderosa sinfonía audiovisual desde la que sus principales protagonistas intentan redimirse a golpe de volante, polvo y fuego.
Tom Hardy se consagra como estrella, aunque tampoco le hacía falta este protagónico para reafirmar su talento, va a ser uno de los grandes desde ya. El rol de Charlize Theron sorprende por su mezcla de dureza expeditiva y aura melancólica, el personaje mejor desarrollado del filme.
En la sencillez del argumento, Miller ha sido capaz de introducir ciertos aspectos sociológicos que comulgan con nuestra actualidad: se puede dilucidar en su desarrollo el fanatismo religioso que profesan los blanquecinos soldados hacia su líder, dueño del agua (el verdadero y vital tesoro para la existencia); vemos también a un grupo de mujeres en busca de libertad e independencia, diáfana alusión feminista en un entorno emponzoñado de hueca virilidad; pero sobretodo vemos la lucha por sobrevivir en un mundo árido e inhóspito, donde las leyes que antaño regían sobre la Tierra han dado paso a la anarquía... y también a un halo de esperanza personificado en un héroe solitario y lacónico.
Me doy cuenta, al acabar la proyección, de que he visto una gran película, de que ha dejado un poso cinematográfico en la retina, puro cine en el que Miller homenajea sin ningún reparo la icónica persecución que el maestro John Ford plasmó en "La diligencia", allá por el 39 del siglo pasado y sale airoso en el intento. El Mad Max de los ochenta posee la originalidad y la frescura, esta revisitación tiene más ingenio y, sin ninguna duda, es mejor película, una gozada en caballos de potencia.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El lobo de Wall Street
El lobo de Wall Street (2013)
  • 7.6
    95,478
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, ...
9
La bacanal del poder
A estas alturas Scorsese dota de calidad a sus películas utilizando aparentemente el piloto automático. En este caso filma a un ritmo frenético una historia donde el sexo, la droga y el poder del dinero acaparan el cien por cien de sus tres horas de metraje... y se hacen cortas gracias a un guión plagado de diálogos afilados y dotados de mala leche.

Nos ofrece una experiencia orgiástica plena de dinamismo visual, una bacanal de tiburones de las finanzas, corredores de apuestas sin escrúpulos y estafadores. En realidad, el cineasta construye su película de manera similar a sus anteriores Uno de los nuestros o Casino (voz en off, flash back, humor negro...) Pero es de agradecer la ausencia de violencia, sin asesinatos truculentos; aquí sustituye a los gángsters por esos cabrones que provocaron la actual situación económica que nos asola y en lugar de con balas, ametralla a la platea mediante estertores de palabras contundentes.

El director italoamericano maneja con brío el ascenso a la cima, por medio de un camino plagado de cocaína, pastillas y sexo salvaje para (como no podía ser de otra manera) caer desde el precipicio de la inmoralidad y el exceso.

Muestra el retrato de un personaje, Leo DiCaprio, que arrolla a todos y cada uno de sus compañeros de reparto. La película es suya, transmite magnetismo y hasta consigue la hilaridad en no pocas ocasiones. Con o sin oscar, Leo permanecerá en la retina del espectador en la que, quizás, sea la mejor interpretación de su carrera, uno de los personajes más icónicos de los últimos tiempos.

El efecto retardado de unas pastillas deriva en una de las escenas/secuencias más hilarantes que yo haya visto en muchos años, dura varios minutos y no deja de ser llamativo que semejantes carcajadas me las haya provocado el binomio Scorsese/DiCaprio y no otros cómicos especialistas del género.
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19 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Playtime
Playtime (1967)
  • 7.5
    3,278
  • Francia Jacques Tati
  • Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte, Valérie Camille, ...
9
La arquitectura del humor
Tati consigue su película más depurada técnicamente. Hace un alarde prodigioso con su puesta en escena, utilizando planos generales y medios en los que interactúan un sinfín de personajes, por lo que resulta difícil en un sólo visionado captar la atención de los distintos gags que se suceden al mismo tiempo. Rebosa una imaginación sin límites en cada plano, no hay nada al azar.

Su humor, sutil, para nada desternillante, critica estupendamente lo absurdo de la sociedad modernizada. Aprovecha al máximo el sonido y elementos visuales en los que hace partícipes a los espectadores de la cinta. Tal vez contenga secuencias excesivas en su metraje, plagadas de personajes que deambulan en medio de la perpendicularidad de los edificios e interiores en los que se mueven, pero es irreprochable la maestría con la que el cineasta francés construye su obra.

Una película llena de detalles cómicos, gran heredera del cine mudo y un prodigio técnico en su arquitectura visual. Sus virtudes son inapreciables en una sola proyección.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tesoro de Arne
El tesoro de Arne (1919)
  • 7.4
    261
  • Suecia Mauritz Stiller
  • Mary Johnson, Richard Lund, Hjalmar Selander, Erik Stocklassa, ...
10
Exigua primera reseña a una obra maestra. Hay que verla
Stiller fue quizás el mejor cineasta escandinavo que apareció en los albores del cine, con el permiso de Sjöstrom y Dreyer.
En esta obra maestra llama la atención la fluidez con que se desarrolla todo el relato, dividido en cinco actos. Basándose en una novela de la premio Nobel Selma Lagerlöf, el director sueco construye un drama de tintes trágicos, aderezado de elementos oníricos para narrar una historia de crimen y amor fatalista.
Llama la atención el tratamiento que hace de la naturaleza, un entorno helado que influye en el carácter de los personajes, como un ente vivo que condiciona las conciencias y emociones que confluyen en la trama, aislando la acción en un limbo temporal (el barco salvador aprisionado en el hielo).
La puesta en escena es impecable, ofreciendo varias escenas de antología (sobretodo la última, el oscuro cortejo fúnebre contrastado en la nieve, emulada por Eisenstein años después en su Iván el Terrible); las sobreimpresiones, magníficas, para mostrar apariciones espectrales que surgen del subconsciente de la protagonista o ligeros travellings (al inicio en el pasillo de la cárcel donde se fugan los tres escoceses). Utiliza también el cambio de cromatismo: azules para los ambientes gélidos y nocturnos del exterior, tonos ocres para interiores o rojizos para situaciones violentas.
La película tiene mucho para analizar y disfrutar de gran cine, no en vano el mismo Carl Theodor Dreyer admitió haber sido influído por esta joya en su carrera como director. Creo que mi reseña es minúscula y poco aportará a los elogios que merece la obra de Stiller, así que sólo puedo recomendarla a todo aquél que sienta la cinefilia en las venas.
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8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
If....
If.... (1968)
  • 7.0
    3,739
  • Reino Unido Lindsay Anderson
  • Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Robert Swann, ...
8
La Revolución
Con la perspectiva que da el paso del tiempo, podría decirse que esta película es un verdadero precedente de La naranja mecánica que Kubrick filmó tres años después (no parece casualidad la elección de McDowell para protagonizar el filme del americano).
Firme representante del Free Cinema británico surgido en la década prodigiosa de los sesenta, Anderson presenta la rebelión estudiantil como una metáfora de la lucha contra un sistema conservador y anquilosado en rancias tradiciones. Ya, el espíritu revolucionario de los jóvenes estudiantes protagonistas está representado en las paredes que adornan con posters de Lenin, el Che Guevara, el indio Jerónimo y fotos de soldados en Vietnam, en cuyas habitaciones van germinando la postrera secesión contra la rígida y dictatorial disciplina del centro estudiantil.
El director construye esta fábula anárquica con un tono surreal, intercalando escenas en B/N (los momentos de misa, secuencias nocturnas,...) con el grueso de la narración de tonalidades opacas que reflejan el hermetismo de la institución.
He querido ver en la inclusión de la joven muchacha el símbolo exterior que representa la libertad y el estímulo inductor a rebelarse. Siempre que aparece en escena es indicativo de momentos oníricos, surreales. Se muestran elementos que sugieren libertad sexual, homosexualidad o pedofilia.
La dirección es elegante y sobria, mostrando la amplitud de los espacios en que se mueven los personajes y la narración está dividida en varios capítulos en los que se va forjando paulatinamente la catarsis final. Meritoria la secuencia del castigo a que son sometidos los tres díscolos liderados por Malcolm McDowell.
La revolucionaria premisa de esta película es extrapolable a la situación actual en que vivimos, aunque en el año de su estreno, 1968, su vigencia fuese de tal contundencia social, que la Palma de Oro en Cannes está más que justificada.
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14 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Soy Cuba
Soy Cuba (1964)
  • 7.9
    1,625
  • Unión Soviética (URSS) Mikhail Kalatozov
  • Luz María Collazo, José Gallardo, Raúl García, Sergio Corrieri, ...
10
Sugestiva sucesión de imágenes en la Cuba revolucionaria
Con leer su título y su nacionalidad resulta obvio que estamos ante una obra panfletaria, de propaganda comunista/leninista. Eso que quede claro a la hora de imbuirse en su visionado.
Ahora bien, dejando a un lado la inherente apología pretendida en su origen, estamos ante una verdadera joya del arte cinematográfico, poseedora de imágenes con un poder de sugestión visual incomparables. Kalatozov construye cuatro relatos sobre la gestación de la revolución cubana a base de planos secuencia primorosos, picados, contrapicados y cenitales que iluminan la pantalla con esa luz caribeña deslumbrante, elaborando fotogramas que son un placer para los sentidos.
La cámara nos lleva en volandas a través de diversos paisajes cubanos. Nos encontramos con una bellísima prostituta de los suburbios sumida en el desarraigo, que trabaja en un club nocturno; a un campesino viudo que siembra caña de azúcar (estupendos los recuerdos felices con su esposa, por medio de imágenes difuminadas) que labora ayudado por su hijo e hija, cuyas tierras son vendidas por el hacendado a una compañía americana; vemos también a los jóvenes revolucionarios clandestinos en la ciudad, saboteando auto-cines, enfrentándose a las fuerzas del orden y muriendo por la causa; por último nos topamos en la Sierra Maestra donde un campesino que malvive con su esposa y tres hijos pequeños se une a los rebeldes después de perder su cabaña en un bombardeo.
Todo lo anterior es un minúsculo retazo de las vidas de esas personas. El paseo visual, de una belleza estética sin parangón, está narrado por la voz femenina en off de la misma Cuba revolucionaria y los intérpretes están acompañados por el mismo pueblo cubano. Con Castro en el poder, las facilidades logísticas para este proyecto estaban garantizadas y se nota en el gran despliegue de masas, sobretodo cuando la acción transcurre en la ciudad, con la utilización de grúas y travellings que el director maneja con un talento insultante, construyendo planos secuencia que se mueven a ras de suelo y se desplazan de manera inverosímil hasta acabar en un plano aéreo. Prodigioso.
Más allá de ideologías, estamos ante una producción cinematográfica de una calidad extraordinaria. Su osadía visual, vanguardista, innovadora, bebe sin duda más de Welles que de Eisenstein, pero es innegable la autenticidad y el poder fascinador de sus imágenes,
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Samurai Rebellion
Samurai Rebellion (1967)
  • 8.2
    2,137
  • Japón Masaki Kobayashi
  • Toshirô Mifune, Yôko Tsukasa, Gô Katô, Tatsuya Nakadai, ...
9
Familia, honor y dignidad
Kobayashi es uno de los mejores directores que ha parido el cine, sin duda. En esta película nos muestra, como en Harakiri, una historia que defiende la dignidad y el honor ante la injusticia y los mezquinos caprichos del poder.
Las imágenes que compone el director son impecables y cada plano es preciso en el encuadre e iluminación, de enorme belleza plástica. La puesta en escena está al servicio de un guión bastante dialogado, se va deshilando la trama hacia un desenlace irremediable, que se intuye, pero lo importante es el estudio psicológico de los personajes, como evoluciona el drama, de connotaciones shakespearianas y reminiscencias hacia la tragedia.
Una de las más logradas películas de samurais, junto con la mencionada Harakiri. En ella se comprime, con pasmosa sencillez, la verdadera esencia del honor y su lucha contra los códigos establecidos del poder, a través del amor incondicional hacia la familia. No explico nada del argumento porque hay que verla y disfrutar de sus enseñanzas, de sus fotogramas, de su reparto, en definitiva de su gran valor cinematográfico...
...Ah!... además cuenta con los nobles samurais Mifune y Nakadai, ahí es nada.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El beso mortal
El beso mortal (1955)
  • 7.1
    2,311
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Ralph Meeker, Albert Dekker, Paul Stewart, Juano Hernández, ...
7
El buen oficio de Aldrich
Aldrich eleva con su técnica tras la cámara la calidad de esta buena muestra de serie B.

Si bien el guión deja varios cabos sueltos a lo largo del metraje, resulta una película intrigante y disfrutable desde la dirección, que maneja perfectamente el ritmo y nos regala una puesta en escena digna de un maestro, sazonando la cinta de planos angulados, travellings, picados y contrapicados...

Las interpretaciones son correctas y el protagonista, Ralph Meeker, da el pego como el detective Mike Hammer, un hombre duro, lacónico y contundente en su trabajo. Contiene provocadoras dosis de violencia y carga sexual (para la época, se entiende). Lástima de ciertas lagunas en su trama argumental, con giros de guión que no acaban de explicarse y un desenlace cuasi apocalíptico que, tal vez, resulte inverosímil a día de hoy (el misterio a resolver hace alusión a la paranoia nuclear que se respiraba en los cincuenta).

De todos modos su excelente pulso narrativo, habitual en Aldrich y los adecuados elementos que posee en cuanto a fotografía y creación de atmósfera, la ha convertido en una película imprescindible dentro del género y la serie B. Buena y entretenida.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre del carrito
El hombre del carrito (1958)
  • 7.5
    679
  • Japón Hiroshi Inagaki
  • Toshirô Mifune, Hideko Takamine, Hiroshi Akutagawa, Choko Iida, ...
10
El vitalismo que alberga resignación
Magnífica, vitalista y conmovedora película. Con una puesta en escena vigorosa, una gran ambientación desde la fotografía y los decorados, pasando por una interpretación a cargo de Toshiro Mifune de las que marcan una carrera, el filme nos ofrece una historia de generosidad, honestidad, lealtad y amor inconfeso.
Matsu, el salvaje (soberbio Mifune) se gana la vida transportando gente en su carrito, pertenece al más bajo extracto social y es muy popular entre la gente del pueblo; es pendenciero y rebelde, pero de buen corazón. Por azarosas circunstancias, se relacionará con la viuda de un militar y su hijo, del que se hará amigo e instructor en los lances de la vida, convirtiéndose este hecho en el núcleo de la narración.
Inagaki construye una hábil estructura narrativa, utilizando breves "flash back" explicativos, elipsis efectivas que evitan el exceso de dramatismo y transiciones mediante planos superpuestos y fundidos de las ruedas girando, como metáforas del paso del tiempo entre escenas.
La narrativa que utiliza se aproxima al clasicismo occidental, dotando al relato de un ritmo constante, sin altibajos. Dosifica perfectamente la comedia con el drama y contiene un puñado de escenas para enmarcar, imborrables (las que hacen de una película un clásico, aunque sea japonesa y no esté firmada por esa tríada de directores que todo buen cinéfilo conoce).
Una película inolvidable, en la que su vivificante superficie alberga la más profunda de las resignaciones, un sacrificio moral a lo largo de la vida, pero también una lección de humildad, de lealtad y un estímulo ante la aventura de vivir.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La balada de Narayama
La balada de Narayama (1958)
  • 7.5
    632
  • Japón Keisuke Kinoshita
  • Kinuyo Tanaka, Teiji Takahashi, Yûko Mochizuki, Danko Ichikawa, ...
8
Afrontar la muerte a golpe de tradición
Con una puesta en escena basada en decorados construídos en estudio, a modo de teatro kabuki, iluminada por una fotografía dotada de un cromatismo otoñal, contrastando la lucidez de los colores en una atmósfera aislada por los fondos pintados de las montañas, Kinoshita nos ofrece una leyenda tradicional narrada por canciones en off de connotaciones ancestrales.

Se trata de una fábula que habla sobre la aceptación de la muerte y del relevo generacional en el ciclo de la vida. Las actuaciones son deliberadamente teatrales y la cámara de desliza con delicadeza a través de los hermosos decorados, envolviéndonos en un remoto entorno rural al pie de las montañas, impregnado de onirismo visual.

Una oda a la dignidad de los mayores en la antesala de la muerte, a través de una anciana que, con estoica resignación, afronta su destino llevando a cabo los rituales de sus antepasados con el apoyo incondicional de su hijo. Es una historia emotiva y trágica, a la vez que plantea disyuntivas sobre las creencias de una sociedad anquilosada en viejas tradiciones.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El río
El río (1951)
  • 7.8
    3,410
  • Francia Jean Renoir
  • Patricia Walters, Adrienne Corri, Nora Swinburne, Esmond Knight, ...
10
Naturalismo en todo su esplendor
Poética e impregnada de hermoso naturalismo, gracias a una de las fotografías más bellas en technicolor que haya dado el cine, de un cromatismo mágico. Comienza a modo de docudrama y está narrada en off por la voz adulta de su protagonista, que rememora los años de adolescencia con su familia en los parajes del Ganges.

Un precioso lienzo impresionista, que homenajea el costumbrismo hindú, confrontando la cultura occidental con la vida espiritual y contemplativa de La India. Renoir se apoya en una historia de amor adolescente, a través de tres muchachas (inglesa, americana e hindú) enamoradas de un visitante mutilado por la guerra, que trata de curarse moralmente pasando una temporada en el lugar. Con esta premisa el cineasta francés compone un sencillo y arrebatador análisis sobre la pérdida de la inocencia, el primer amor y el ciclo de la vida.

La película posee una dirección cargada de sutileza y lirismo, se utiliza la elipsis con delicado acierto y contiene escenas remarcables, de gran simbolismo y significado. Todo fluye alrededor del río: los sueños, la pérdida, la esperanza... en un remanso visual que hipnotiza los sentidos mientras contemplamos la cotidianeidad del pueblo, los ritos festivos o los paisajes ensoñadores que la cámara de Renoir nos regala.

Aunque las actuaciones son discretas, debido a un reparto desconocido, su valor fílmico es portentoso, varias escenas son dignas de estudio, por una economía narrativa pero cargada de significados. Película que se paladea en cada plano, un deleite emocional en todo su esplendor y lección cinematográfica imprescindible para entender esto del celuloide.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La mujer solitaria
La mujer solitaria (1964)
  • 7.5
    426
  • India Satyajit Ray
  • Madhabi Mukherjee, Sailen Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Shyamal Ghoshal, ...
9
Sutileza en las formas, sensibilidad en los personajes
Con una dirección delicada en sus movimientos de cámara, Ray ofrece una historia de amor imposible en un entorno de ociosidad. Retrata a una mujer, de sugerente belleza, casada y de buena posición social, hastiada por la escasa atención de su marido, entusiasmado en su negocio de prensa política.
Resulta una narración cargada de sutileza en las formas, recreándose en el hermoso rostro femenino de la protagonista, que realiza una interpretación espléndida en la que muestra la evolución de sus sentimientos con solidez. Los dos intérpretes masculinos, así como el resto de secundarios, no le van a la zaga.
El argumento nos obsequia con dialécticas culturales, la literatura y la política, mientras el amor va aflorando entre pasiones reprimidas y secretas.
La puesta en escena estilizada ofrece estupendas perspectivas, ángulos y planos, que recorren los interiores principalmente y la fotografía en blanco y negro ilumina los rostros y objetos dotando al conjunto de suaves formas cinceladas por la cámara. Una película de agradable presencia visual y sensibilizadora con sus personajes, que desprenden naturalidad y producen empatía a pesar de sus acciones.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La isla desnuda
La isla desnuda (1960)
  • 7.5
    775
  • Japón Kaneto Shindô
  • Taiji Tonoyama, Nobuko Otowa, Shinji Tanaka, Masanori Horimoto
8
El lirismo de la Naturaleza, la épica del Hombre
Lirismo absoluto para mostrar la lucha cotidiana del hombre en su entorno natural. Carencia de diálogos inútiles ante la diáfana sencillez de sus imágenes, algo reiterativas pero cargadas de simbolismo.

Abstenerse los alérgicos al cine experimental, coloquialmente llamado "raro", aunque esta propuesta falsamente documental transpira cine por todo el litoral del islote, un protagonista arropado por la fiel tenacidad de una familia, una pareja con dos hijos. Contínuos y paradójicos viajes en barca, transportando agua para el cultivo de una tierra estéril; los elementos de la naturaleza ejerciendo su hegemonía y la lucha constante del matrimonio ante las dificultades.

Empinadas cuestas que apelan al esfuerzo físico, una y otra vez. Y nuevos viajes con la barca cargada de agua, si no de algas para el abono, tal vez de cosecha para la venta... y las estaciones transcurren en un paisaje natural presentado con una hermosa fotografía.

Los azares del destino deparan desdichas para que la vida continúe, implacable, en un entorno de salvaje belleza, donde la épica rutina del Hombre contribuye a su simbiosis con la Naturaleza, en definitiva: la Vida.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los niños de Hiroshima
Los niños de Hiroshima (1952)
  • 7.2
    158
  • Japón Kaneto Shindô
  • Nobuko Otowa, Osamu Takizawa, Niwa Saito, Tsuneko Yamanaka, ...
8
Necesaria y de terrible vigencia, Hiroshima somos todos.
Conmovedor y necesario retrato de la hiriente realidad provocada en Hiroshima a causa de la devastadora bomba.
Filmada con la austeridad propia del neorrealismo, muestra las secuelas físicas y psicológicas que permanecen en los supervivientes, así como el lento proceso de recuperación en una sociedad desamparada y la fatídica resignación de los moribundos.
Un guión sencillo, en el que una antigua maestra, de espíritu altruista, visita la ciudad cuatro años después, en busca de antiguos alumnos a los que ofrecer un futuro esperanzador. A través de su recorrido se muestran las miserias humanas más caóticas, la tragedia asimilada amargamente por los más jóvenes y los recuerdos felices de un pasado ya lejano.
Resulta significativo que el autor de la película, primera que asume de manera veraz el tema, sea hijo de la propia ciudad, dotando a la narración de cruda sensibilidad, pero sin ningún atisbo maniqueo, consiguiendo plasmar un relato cercano en su desaliento y reflexivo en su terrible vigencia.
Estremecedora y emotiva, necesaria y reivindicable, ahora y mañana.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Onibaba
Onibaba (1964)
  • 7.8
    3,077
  • Japón Kaneto Shindô
  • Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Satô, Jukichi Uno, ...
10
Fábula apocalíptica de tenebroso lirismo
Un lugar pantanoso, de altos juncos mecidos por el viento, aislado de la guerra lejana que se ha llevado a los hombres en el Japón feudal. Dos mujeres mimetizadas en el entorno, suegra y nuera, matan guerreros perdidos y venden sus armas y corazas. Supervivencia.
Esa es la base del relato, un cuento de connotaciones ancestrales en el que su autor muestra los más primarios instintos humanos de manera visceral, dotando a la narración de una atmósfera opresiva, donde el paisaje ondulante de los juncales se asemeja a un ente orgánico que engulle a sus personajes. Dos hembras apartadas de su pasado, transformadas en animales primitivos, hambrientos, a las que el regreso de un antiguo vecino del lugar, huyendo de la guerra, despierta la pasión carnal largo tiempo dormida.
Aflora el deseo, el egoísmo y el engaño, derivando en el terror. Un terror silencioso e intuitivo que traspasa la pantalla mientras deambulan entre cañaverales claustrofóbicos y duermen bajo el calor sofocante de la cabaña. La joven desprende sudorosa sensualidad y osadía, mientras la vieja denota cautela y rencor.
La cámara ofrece a la narración imágenes que poseen un tenebroso lirismo, gracias a una fotografía portentosa, con gran nitidez en los encuadres. Se suceden planos con carga sexual, atrevidos para la época, como los encuentros carnales de la joven con el recién llegado o la simbólica masturbación de la vieja abrazada a un árbol seco.
La cinta está plena de excelencia visual, los claroscuros dominan la pantalla iluminando sin pudor los pechos femeninos en la oscuridad, los elementos como la lluvia y el viento parecen estar vivos y el ambiente sofocante se adhiere a las retinas.
Un parábola apocalíptica sobre la especie humana en su estado más primitivo, del que fluyen los más básicos instintos animales del hombre (o la mujer en este caso), donde el alma es reemplazada por los demonios interiores y la muerte es el modo de vida.
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8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cloud Atlas
Cloud Atlas (2012)
  • 6.4
    26,790
  • Estados Unidos Tom Tykwer, Lilly Wachowski, ...
  • Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, ...
7
Irregular, fascinante, pretenciosa, honesta, reflexiva, entretenida. Para admirar o denostar.
Superproducción de ciencia ficción que combina seis historias separadas en el tiempo, conectadas por un nexo común: una en la época de la esclavitud, otra en la década de los treinta, años setenta, presente, futuro y futuro post-apocalíptico. Diversos personajes y subtramas en los que se reflejan la condición humana, la libertad, se critica el capitalismo en un futuro orwelliano, la plutocracia empresarial... abarca gran cantidad de reflexiones sobre el destino de la humanidad, resultando una monumental y compleja alegoría de la alienación del hombre con su entorno a través del tiempo y su lucha por liberarse.

Es difícil explicar algo de su elaborada narración, difusa en la primera parte mientras nos sitúa en lugares opuestos en su diversidad, presentándonos toda una variedad de personajes interesantes. Su diseño artístico es portentoso en cada época que se retrata, gracias a una imponente labor en el apartado técnico. Los actores interpretan varios personajes en las diferentes subtramas, camuflados bajo maquillajes que, en algunos casos cantan un poco.

Una película para odiar o admirar, irregular pero fascinante, pretenciosa pero honesta, reflexiva pero entretenida; sus partes están bien hilvanadas por un soberbio montaje intercalando saltos temporales con habilidad y contiene drama, acción, humor e intriga; una película que invita al debate mientras nos regala bellas imágenes y la esforzada presencia de un reparto entregado.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Django sin cadenas
Django sin cadenas (2012)
  • 7.9
    111,685
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, ...
7
Anarquía narrativa para un desenlace decepcionante
Desde el inicio capta la atención de manera implacable, la narración es contínua, con escenas habilmente planificadas en las que la tensión late en el ambiente. La realización es impecable y, como se ha dicho, Waltz y DiCaprio están soberbios eclipsando a un correcto Jamie Foxx.

El argumento es simple, está adornado con los sarcásticos diálogos propios de Tarantino, pero mantiene el interés a lo largo de casi todo el metraje, no por largo innecesario. Lo cierto es que el entusiasmo en el que yo estaba imbuído, contemplando una historia solidamente filmada, se desplomó en su tramo final que explico en el spoiler.
Huelga decir que el homenaje al spaghetti-western unicamente está representado en algunos temas musicales bien conocidos; en su factura no se ve nada parecido a lo supuestamente homenajeado. Me gustó especialmente un momento en que suena el tema principal que compuso Jerry Goldsmith para Bajo el fuego (una de mis bandas sonoras favoritas).
La valoro con un 7 que hubiera aumentado si no fuese por la forzada solución final.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El manuscrito encontrado en Zaragoza
El manuscrito encontrado en Zaragoza (1965)
  • 7.3
    1,149
  • Polonia Wojciech Has
  • Zbigniew Cybulski, Iga Cembrzynska, Elzbieta Czyzewska, Gustaw Holoubek, ...
10
Joya cinematográfica encontrada en la pantalla
Una vez vista sólo puedo decir que he pasado tres horas realmente deliciosas. A través de las páginas de un libro (el manuscrito del título) la cinta nos sumerge en la España napoleónica mediante un oficial de alcurnia sobre el que acontecerán ciertos eventos sobrenaturales.

Con una sólidamente impecable puesta en escena, una cuidadísima disposición artística que refleja perfectamente el ambiente español de la época y un buen surtido de personajes variopintos, la cinta nos ofrece una serie de relatos cíclicos que discurren entre lo sobrenatural y el retrato social. Poseedora de un innegable sentido del humor, durante la primera mitad vamos conociendo las extrañas situaciones que acontecen al protagonista, en las que se mueven sensuales mujeres, inquisidores y fantasmagóricos ahorcados. El tono es onírico y surreal, impregnado de misterio.

En la segunda mitad, sin perder el hilo argumental del inicio, la historia nos arrastra a una envolvente serie de historias dentro de historias en las que distintos personajes van relatando sucesos dentro de sucesos. Por ahí pululan hidalgos caballeros, mendigos, bellas damas... Duelos de honor, asuntos de alcoba... Aparentemente inconexos, los azarosos relatos se solapan de manera brillante, cerrando un ciclo habilmente hilvanado.

En definitiva, una joya del cine europeo y del fantástico, repleto de misterio, erotismo, aventura y presentado bajo una envoltura onírica reflejada en una fotografía encomiable que mezcla perfectamente el tono sombrío de lo sobrenatural con imágenes de poético lirismo en los exteriores. Me reitero en la magnífica dirección y el prodigioso trabajo de ambientación. Obra maestra.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Contra viento y marea
Contra viento y marea (1996)
  • 7.5
    22,487
  • Dinamarca Lars von Trier
  • Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge, Jean-Marc Barr, ...
6
Drama impuesto
Creo que, definitivamente, no me gusta la corriente Dogma que Von Trier aplica o aplicaba a sus películas.

En este caso me molesta en demasía la cámara al hombro a la hora de filmar un drama tan desgarrador como el que trata. Las diatribas que plantea en cuanto a la fe, el amor y la muerte se podrían contar en hora y media, si acaso, se reitera en situaciones similares en gran parte del metraje.

Magnífica Emily Watson como esquizofrénica trastornada, así como el resto del reparto, dando realismo a sus personajes... El director pretende dar ese realismo con su novedoso estilo, pero se traiciona asimismo y al espectador imponiendo situaciones impropias de la realidad, remarcadas en su desenlace. No me convence el sacrificio desde la prostitución y humillación exigido a la protagonista como salvación del esposo, por imposición divina y del propio marido; mucho menos el epílogo celestial que nos ofrece, (el mejor plano del filme por otro lado) que da al traste con el pretendido realismo exigido en un principio.

Es inevitable no ver las referencias con Dreyer, que sí era coherente en la forma y el mensaje, sin aspavientos de cámara y las ideas claras. Me parecen excesivas las ardientes alabanzas hacia esta película, más allá de la perturbadora interpretación de su protagonista.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil