arrow
Críticas de NoTodoEsUSA
Críticas ordenadas por:
Las plantas
Las plantas (2015)
  • 4,7
    94
  • Chile Roberto Doveris
  • Violeta Castillo, Mauricio Vaca, Ernesto Meléndez, Ingrid Isensee, ...
3
A veces las intenciones no bastan....
Desde Chile llega Las plantas la opera prima de Roberto Doveris. La película centra su mirada en la historia de Florencia —representada por Violeta Castillo, cantautora argentina— una joven de 17 años que se encuentra en una etapa de autodescubrimiento de su sexualidad. Su madre se encuentra internada en el hospital, mientras ella se encarga de cuidar de su hermano en estado vegetativo, su única compañía. Florencia se entretiene leyendo un cómic titulado «Las Plantas» —donde se narra la posesión de humanos por parte de plantas con poderes— y conversando a través de internet con hombres desconocidos con los que comienza a experimentar con su sexualidad. La idea inicial de la obra se plantea interesante, pretende jugar con los géneros al mezclar una historia dramática, con momentos eróticos y otros inducidos por la trama del cómic, donde la realidad —dentro de la ficción— se transforma en animación. Aunque sin saber muy bien porqué todos estos elementos terminan quedando inconexos, incapaces de conseguir una unidad.

En mi opinión la obra de Roberto Doveris tiene dos puntos fuertes:

— La integración de la animación proveniente del cómic que lee Florencia —trama influenciada por la película La invasión de los ultracuerpos, donde unas plantas alienígenas invaden la tierra— y que comienza a confundir con la realidad, llegando en una secuencia a sobrescribirse trazadas de animación sobre los personajes de la película. La confusión del personaje, le lleva a cuestionarse la relación entre su hermano en estado vegetativo y las plantas. Roberto Doveris muestra estas dudas al final, cuando llega la noche y las plantas comienzan a moverse. ¿Podrá un humano convertirse en una planta?

— La exploración sexual de Florencia. Roberto Doveiras centra su mirada en los deseos del personaje femenino, rompiendo con lo que normalmente percibimos en el cine basado en la representación de los deseos masculinos. El director nos sitúa en la posición de Florencia, en sus juegos con diferentes hombres para descubrir su sexualidad. Observando desde el interior de la casa, a través del cristal, como los distintos hombres se desnudan y masturban.

Pero lo cierto es que el resultado final de la obra deja mucho que desear, ya que todos estos elementos, a priori interesantes, van perdiendo fuerza al no ser explotados. Es una película llena de buenas intenciones, pero que no consigue explotar ninguna de ellas. Los momentos donde la realidad se entremezcla con la animación quedan aislados perdiendo toda su fuerza, reduciendo la inclusión del cómic a pequeños momentos, por lo que no termina de tomar presencia. Las imágenes juegan una mala pasada, porque a pesar de lo interesante de la idea va perdiendo interés a medida que se desarrolla la película, con momentos inconexos que no generan ningún significado con respecto al conjunto de la obra.

Alejandro García
@Notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/las-plantas-roberto-doveris/
[Leer más +]
0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Le Fils de Joseph
Le Fils de Joseph (2016)
  • 6,4
    435
  • Francia Eugène Green
  • Victor Ezenfis, Natacha Régnier, Fabrizio Rongione, Mathieu Amalric, ...
7
El poder de las palabras
Eugène Green estrena Le fils de Joseph, su última obra y la primera que es estrenada en España. En 1960, Eugène Green, emigró desde Nueva York a Francia fundando en 1970 la compañía «Le théâtre de la Sapience», con la que busca revivir en el teatro la tradición barroca, haciendo uso de música y danzas propias de esta etapa y con una puesta en escena donde los actores se posicionan frente a frente. En el año 2001, dio su paso al cine con Toutes les nuits, obra que llamó la atención de Jean-Luc Godard que en 2004, la destacó en una entrevista entre las películas más interesantes de los últimos años. En su obra cinematográfica se manifiestan algunas características, que podrían tener cierta relación con su experiencia en el teatro como: la frontalidad de los planos, las interpretaciones recitadas (la ausencia de realismo interpretativo influencia que recibe de Robert Bresson), la inmovilidad de los actores (inspirado por el cine de Yasujiro Ozu) y las salidas y entradas en plano de los personajes. Aunque Green ha destacado en diferentes ocasiones que sus intenciones en el teatro y en el cine son muy distintas.

Su trayectoria cinematográfica conserva temas y características comunes como: los planos de manos y pies, la figura del burro, la importancia de la palabra y la maduración de los personajes a lo largo del camino. En su segundo largometraje Le monde vivant realizado en el año 2003, Eugène Green traslada al espectador a un cuento infantil donde encontramos caballero, princesas, leones y ogros. Un ogro que ha repudiado a su esposa por someterlo a una dieta vegetariana, pretende casarse con una doncella que tiene como prisionera. Dos caballeros se cruzan en el camino, un encuentro fortuito que marcara el resto de sus vidas (situación recurrente en otras de sus obras como Toutes les nuits y Le fils de Joseph), ambos tendrán que acabar con el malvado ogro y rescatar a la princesa para que esta les conceda su mano. De forma sencilla y humilde, sin necesidad de efectos especiales o grandes decorados, nos conduce por una historia cargada de imaginación y creatividad, recordando a la obra de Éric Rohmer Perceval le Gallois. Una idea queda clara, el cine no necesita de grandes presupuestos sino de creatividad, pequeños detalles que consiguen estimular la imaginación del espectador creando un mundo lleno de fantasía.

Su último largometraje Le fils de Joseph trata la historia de Vicent, un adolescente que no encuentra su lugar, en un mundo donde nadie se preocupa por nadie. Marcado por el hecho de no conocer a su padre. Vicent canaliza la ausencia de una figura paterna en el odio y la desconfianza hacia el exterior. Las continuas referencias bíblicas como el póster de su habitación «El sacrificio de Isaac» de Caravaggio, que influirán al personaje en su intento de llevar a cabo el sacrificio a la inversa, después de buscar a su padre y descubrir sus entresijos. Un momento de luz antes de verter la sangre, le hacen huir topándose por casualidad con una persona que marcará su vida, su tío, del que desconocerá su parentesco hasta el final de la película. La relación entre ambos llena el vacío de su existencia, dándole un sentido. De nuevo en esta obra, Eugène Green, manifiesta el poder de la palabra, que consigue transformar la realidad. El acto de pronunciar las palabras «soy el padre», transforma la realidad convirtiéndolo en el padre. La influencia de la palabra en el mundo material. La aceptación (el acto de creer) crea una realidad para el personaje, más importante que lo material. Una obra que muestra las emociones ocultas, que son reflejadas a través de los rostros y miradas de los personajes, sin necesidad de movimientos que serían obstaculizadores de estas.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/eugene-green-a-examen/
[Leer más +]
12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eldorado XXI
Eldorado XXI (2016)
  • 6,2
    49
  • Portugal Salomé Lamas
  • Documentary
7
La Rinconada
Salomé Lamas viaja en busca del asentamiento más alto del mundo situado en Perú, La Rinconada, un lugar donde se realizan trabajos de minería ilegal. Bajo unas condiciones inhumanas, miles de personas trabajan para extraer el oro de la roca. Por otro lado nos acerca a los rituales y tradiciones de las personas que habitan el lugar. La película puede ser dividida en tres partes bien diferenciadas, una primera más observacional del terreno, observando desde la distancia el paisaje donde se asienta la población. Por otro lado una segunda parte que consta de un gran plano de una hora de duración donde una imagen hipnótica es combinada con extractos de conversaciones y noticiarios de la población de La Rinconada. Por último una tercera parte donde Salomé Lamas se acerca a la población, para escucharlos y conocer sus tradiciones y rituales, entremezclando ciertos momentos observacionales con otros donde se generan pequeñas ficciones.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Bella y perdida
Bella y perdida (2015)
  • 6,3
    129
  • Italia Pietro Marcello
  • Elio Germano, Sergio Vitolo, Gesuino Pittalis, Tommaso Cestrone
9
La belleza perdida
Para terminar el top, la obra que mas me sorprendió de este 2016, ha sido esta de Pietro Marcello. Un viaje hacia el Monte Vesubio en la actual Campania, con la misión de salvar a un joven búfalo que se encuentra en el palacio real de Carditello, para de esta forma cumplir el último deseo de Tommaso, un pastor que estaba encargado del cuidado del palacio. Una obra que combina a la perfección un cuento de hadas con la triste realidad. Un viaje lleno de magia, sueños, animales que hablan y humanos que no pueden ver…

Pulcinella ha sido enviado para cumplir la misión de cuidar al joven búfalo, lo acompaña por el país buscando un lugar donde el animal pueda descansar y ser feliz. Pero el destino de un animal, en el mundo real es el de ser un producto para el ser humano (al ser macho su único fin es convertirse en carne). Su vida no tiene sentido en un mundo gobernado por humanos. Nadie se pregunta si este animal está dotado de sentimientos, solo Pulcinella conoce el interior del animal al que intenta salvar. Pero él proviene del mundo de los sueños, en el mundo real este animal solo tiene un lugar: el matadero.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Tribe
The Tribe (2014)
  • 6,6
    1.597
  • Ucrania Miroslav Slaboshpitsky
  • Grigoriy Fesenko, Yana Novikova, Rosa Babiy, Alexander Dsiadevich, ...
8
El poder de los gesto
La película ucraniana de Miroslav Slaboshpitsky está realizada completamente en lenguaje de signos. Durante algo más de dos horas, no escuchamos una sola palabra (tampoco se hace uso de subtítulos) pero no es necesario en absoluto. Porque el lenguaje que se desarrolla en la película es universal. La comunicación no verbal es más poderosa y sincera que cualquier otro lenguaje, solo con gestos y movimientos somos capaces de conocer y comprender el interior de los personajes y las relaciones que existen entre ellos.

Slaboshpitsky nos muestra la entrada de un adolescente a un internado controlado por una mafia, viéndose obligado a participar en los diferentes actos delictivos a los que estos se dedican (prostitución, venta de drogas…). Con el tiempo el joven se enamora de una de las chicas del líder, lo que le lleva a rebelarse contra la organización.

Una reflexión sobre el silencio —ausente de palabras, pero cargado de bullicio—, obligando al espectador a permanecer atento a todos los sonidos que enriquecen la trama, y siendo conscientes que los personajes no pueden percibir estos sonidos. Una obra cargada de suspense por la información que conoces y el personaje desconoce, al igual que la intriga por la información que desconoces pero el personaje conoce.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Caballo dinero
Caballo dinero (2014)
  • 6,8
    504
  • Portugal Pedro Costa
  • Tito Furtado, Vitalina Varela, Ventura
8
Buscando en los recuerdos.
Como no podía ser de otra forma la última película del director portugués Pedro Costa, no ha dejado indiferente a nadie, siguiendo fiel a sus principios de rodar en digital, sigue explorando la historia del barrio de Fontainhas. Haciendo uso de la propia realidad lo que podríamos decir que es propio del documental, pero en Cavalo Dinheiro se hace uso de esta realidad para crear una historia metafórica y onírica. Un recorrido por la memoria, la historia y los miedos.

Un trabajo que parte de los retazos de Ventura, personaje que ya participó anteriormente en La juventud en marcha. Pedro Costa viaja desde la actualidad de Portugal a la Revolución de los claveles en 1974, a través de las oscuras pesadillas del personaje. La historia es mirada por los olvidados, por aquellas personas que han vivido la historia desde el margen. Un poema dedicado a los parias, un viaje lleno de fantasmas del pasado y del presente, una canción personal llena de recuerdos y miedos.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Cemetery of Splendour
Cemetery of Splendour (2015)
  • 6,4
    925
  • Tailandia Apichatpong Weerasethakul
  • Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, ...
8
Cine-sueño
No podía quedar fuera del top la última obra del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, que invita al espectador a sumergirse en una experiencia de hipnosis, un viaje al mundo de los sueños… El director provoca una especie de trance donde conseguimos soñar despiertos. A través de sutiles metáforas, con planos fijos y con un ritmo lento Cemetery of Splendour nos habla del amor, la política, la religión y las relaciones humanas.

Un grupo de soldados han contraído la enfermedad del sueño, han sido trasladados a un hospital donde los han conectado a unas máquinas, que se aseguran de que su sueño no se altere y descansen tranquilos. Llegará una médium, capaz de escuchar los pensamientos de los soldados dormidos, lo que permitirá a la mujer encargada de sus cuidados poder comunicarse con uno de los soldados. Una película difícil de describir con palabras, cargada de sensaciones en un viaje por un mundo surrealista, para el espectador que sea capaz de conectar con ella.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Las mil y una noches: Vol.1. El inquieto
Las mil y una noches: Vol.1. El inquieto (2015)
  • 6,7
    629
  • Portugal Miguel Gomes
  • Miguel Gomes, Carloto Cotta, Adriano Luz, Rogério Samora, ...
8
Huir de la realidad, para tomarse con ella.
¿Cómo hacer una película cargada de fantasía pero que al mismo tiempo sea el testimonio de la cruda realidad social que vive Portugal?. Este es el reto que se plantea Miguel Gomes en su última película de 381 minutos de duración que han sido divididos en tres partes, por intereses de distribución. Una obra dotada de una gran imaginación, que consigue criticar y denunciar la situación política de Portugal al mismo tiempo que llena la pantalla de ilusión, magia y humor.

Cabalgando entre la realidad y la ficción, Miguel Gomes transporta al espectador a un mundo fantástico del que no será fácil salir. Una obra compleja pero cargada con la ilusión de un niño, la única salida de la crisis está en los sueños como forma de evadirse de la realidad, pero sin despegar en ningún momento los pies del suelo. Para cambiar la realidad, es necesario estar dotado del espíritu revolucionario de un soñador. Esta es la salida de Miguel Gomes a su crisis personal y social en una adaptación libre de la obra literaria «Las mil y una noches» con una narrativa donde las historias se van encadenando una tras otra.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/lo-mejor-de-2016-por-alejandro-garcia/
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Historias de dos que soñaron
Historias de dos que soñaron (2016)
  • 5,8
    32
  • Canadá Andrea Bussmann, Nicolás Pereda
  • Documentary, Alexander Laska, Sandor Laska, Sandorné Laska, ...
8
El arte de contar
En la VI edición de Márgenes, festival que destaca por combinar las proyecciones en sala con la difusión en streaming —de forma gratuita— de todas las obras que forman la sección oficial. Entre las 13 películas que competían en la sección oficial, me gustaría destacar la última obra de Andrea Bussmann y Nicolás Pereda que desde México nos ofrecen el retrato de un bloque de viviendas en Toronto, a través de la historia de una familia hungáro – romaníes que se encuentra a la espera de conseguir asilo fuera de Toronto. La familia filtra su realidad a través de los sueños de un niño. Una imagen en blanco y negro que es coloreada con la imaginación de Alex, que un día al despertar se da cuenta: que en vez de boca tiene pico y su cuerpo está lleno plumas. Una realidad gris que es dibujada a través de la ficción re-construida con la narración teatralizada que entremezcla los sueños con la vida.

La película construye diferentes relatos: una mujer que se volvió loca después de que su hijo cayera de un balcón, un perro abandonado encerrado en un departamento, un incendio que acabó con todo el piso del edificio, una serpiente que se escapó y un niño que se convirtió en ave. Los personajes disfrazan los sucesos de su vida por medio de elementos surrealistas y metáforas, la familia revive estas historias representando la ficción. En un ejercicio de metalenguaje se nos muestran los procesos previos, donde la familia prepara la representación ficcional de estas historias. Las leyendas se enfrentan dialécticamente con la realidad de la vida del edificio. El contacto espontáneo con los mecanismos de la ficción dejan al descubierto el interior de los personajes alejando la imagen de la representación. La construcción de un mundo aparte, entre lo material y la representación de esta.

La falsificación se impone a la realidad, terminando por ser un reflejo más profundo de la vida en el bloque. Una familia sin lugar, despojadas de sus raíces y que se aventura a encontrar su sitio entre los laberínticos sueños de un niño. Con mucha naturalidad esta obra cabalga entre el género de lo real y la ficción, desnudando los dispositivos del cine y mostrando las condiciones de vida de la familia. Una historia gris que es forzada a representar el color a través de la ficción, consiguiendo hacer escapar las ansias de volar de la familia que aún busca un lugar donde asentarse. Sin necesidad de usar una narrativa convencional, la historia se construye de forma desorganizada. Una película sobre las historias de una familia, una película sobre como una familia representa unas historias o el relato de una familia que necesita contar su historia. El tiempo de la realidad se desvanece para dejar al espectador sumergido en el tiempo ficcional, un limbo producto de los sueños.

Alejandro García
@Notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/historias-de-dos-que-sonaron-andrea-bussmann-nicolas-pereda/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Oleg y las raras artes
Oleg y las raras artes (2016)
  • 6,7
    255
  • España Andrés Duque
  • Documentary, Oleg Karavaychuk
7
Cuestiones de la mucosa
Oleg Nikoláyevich Karavaichuk es la única persona autorizada a tocar piano del Zar Nicolás II, un piano de oro, que se encuentra en el museo Hermitage de San Peterseburgo. A lo largo de su vida Oleg ha compuesto la banda sonora de más de 300 películas, entre ellas se encuentra A Long Goodbye de Kira Muratova por la cual Andrés Duque descubre a este genio ruso y despierta en él, la necesidad de descubrir más sobre su obra y su persona. Cuando observa unos videos de Oleg, tocando el piano con la cabeza metida en un saco, toma la decisión de viajar a Rusia a intentar conocerlo en persona, a pesar de las dificultades idiomáticas.

Con un plano fijo aparece Oleg por primera vez en pantalla, desenvolviéndose con naturalidad mientras expresa distintas ideas inconexas y difíciles de comprender, pero manifestadas con sentimiento. El personaje consigue dejar perplejo al espectador, con una estética y personalidad única, como llegado de otro espacio/tiempo, pero es imposible no sentirse atrapado entre sus redes. Con extrañeza lo observamos y escuchamos, sin comprender ni una palabra, hasta que se sienta y desliza sus manos por las teclas del piano, en ese momento, todo comienza a cobrar sentido. Nos encontramos ante un genio, que consigue hipnotizar con cada nota. Sin necesidad de partitura, sus manos se desplazan por el piano sin titubear, no necesitan saber, sino sentir las notas. Oleg dice dejarse llevar por la energía que transmite el entorno, convirtiendo la fría roca en pura emoción. No estamos acostumbrados a observar y a sentir, estamos demasiado preocupados en “hacer”, tanto que nos hemos olvidado de “mirar”. Podemos decir que Oleg acierta al preguntar «¿por qué la gente no puede dejar las cosas a un lado, sentarse en una silla y contemplar el horizonte en la Historia?”».

A sus 88 años transmite la experiencia de la vejez y la energía de la juventud, surfeando entre el delirio y la genialidad consigue deslumbrar con su personalidad y es que Andrés Duque nos muestra a un personaje único. Aislado de una sociedad que no comprende y que no le comprende, vive intentando captar las notas que transmite el mundo. Viviendo entre dos lugares sagrados para él, el salón del museo donde toca el piano del Zar y su pueblo. Oleg reta a Duque, negándole el derecho a entrar a estos dos sitios, pero la impertinencia del director al romper la regla, provoca una identificación mutua. Dos personas que se compenetran a la perfección, un español y un ruso, uno delante de la cámara y el otro detrás, pero que en todo momento a lo largo del documental se muestran unidos por una extraña conexión.

La habilidad única de Andrés Duque de plasmar con total naturalidad a los personajes más carismáticos. La capacidad de perfilar con gran sensibilidad y sencillez el retrato de un personaje complejo como si estuviera pintando un cuadro a base de suaves pinceladas a lo largo de 70 minutos. Duque demuestra una gran empatía, con la que consigue transmitir al espectador, su misma mirada de comprensión y asombro. Oleg es un incomprendido, pero en esta incomprensión esta su genialidad. En su capacidad de romper con las reglas y la normalidad, aunque esto incomode. Eso es el arte, como decía Oleg, sus canciones son incomodas y eso las hace brillantes.

Alejandro García
http://www.cinemaldito.com/oleg-y-las-raras-artes-andres-duque/
[Leer más +]
4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El porvenir
El porvenir (2016)
  • 6,4
    3.469
  • Francia Mia Hansen-Løve
  • Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon, ...
6
Las aguas del tiempo.
El pasar del tiempo transforma el día a día, como el río que erosiona y arrastra, siempre en continuo movimiento. La directora francesa Mia Hansen-Løve presenta su última película El porvenir donde consigue capar el continuo “tic-tac” de la protagonista en tan solo 100 minutos. Nathalie es una profesora de filosofía felizmente casada y con dos hijos, dedicada a su trabajo dejo atrás su compromiso social y los ideales comunistas de su juventud. Cuando somos jóvenes la rutina no es algo que esté presente en nuestra vida (al menos no debería) pero a medida que crecemos la rutina se va apoderando de nosotros. Esta situación crea una estabilidad, cierta armonía basada en la repetición, lo que nos permite desenvolvernos con tranquilidad en un terreno que ya conocemos. Cuando estás inmerso en la rutina no eres consciente del paso del tiempo, todos los días pueden parecer igual. El reloj siempre da una vuelta, día tras día. Pero nada permanece siempre igual, aunque imperceptible el tiempo siempre va transformando nuestro alrededor y también nuestro interior. Nunca sabes que deparará el futuro y en que mar desembocarás con el paso del tiempo. Al final Mia Hansen-Løve retrata el movimiento a través de la piel de la protagonista.

Nathalie se encuentra inmersa en su rutina, al margen de los problemas sociales, incluso le molesta que sus alumnos se manifiesten alterando así la “normalidad”. Pero sin darse cuenta su mundo comienza a cambiar, su madre cada vez se hace más dependiente de ella, su marido la deja por una amante más joven, sus hijos se van del hogar… Ella se agarra a su esquema de vida pero poco a poco este se desmorona, encontrándose perdida en medio del océano. La relación con su alumno preferido un joven anarquista que vive en comuna en medio de la montaña le lleva a decidir pasar un tiempo con él, en un intento de encontrarse. Pero siente que sigue aferrada al pasado, a su juventud. «Yo no quiero hacer la revolución» quiere seguir con su forma de vida, al margen de la sociedad y los problemas del mundo. En este momento comprende que el pasado no le sirve, el presente ya no existe y que necesita afrontar el futuro, una nueva etapa de su vida que aún tiene por descubrir.

El tiempo no se detiene, el montaje cinematográfico parece seguir un ritmo constante como el tic-tac de las agujas del reloj. En varios momentos se siente la necesidad de detenerse en algún plano, como si todo pasara muy rápido, pero Mia Hansen-Løve decide no prolongar el tiempo. A veces nos quedamos con la sensación de no haber disfrutado lo suficiente el momento, pero la vida nunca se detiene en un instante. La obra se desarrolla bien, conduciendo poco a poco a Nathalia hacía su nueva situación, pero parece que tiene problemas en cerrar, se prolonga demasiado como si no encontrara el momento oportuno. Aunque te atrapa desde los primeros minutos, el final comienza a rechinar, al sentir por momentos la sensación de que ha dejado de avanzar. Como si no encontrara el momento de cerrar. Quizás es la misma sensación que tenía la protagonista al no saber cómo continuar su vida, después de quedarse sola.
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Profesores de hoy
Profesores de hoy (1984)
  • 5,3
    94
  • Estados Unidos Arthur Hiller
  • Nick Nolte, JoBeth Williams, Judd Hirsch, Ralph Macchio, ...
5
La vocación de un loco
Con la llegada de septiembre se marca la vuelta a las aulas de muchos jóvenes, pero también de sus profesores. En estas fechas da comienzo una “lucha” diaria entre el alumno que busca aprobar sin esforzarse demasiado y el profesor que busca captar su atención para poder enseñarles algo. La obra de Arthur Hiller Teachers realizada en 1984 busca reflejar el conflictos internos que se produce de la enseñanza básica desde un drama con tintes de humor. El film centra su atención en el profesorado alejándose un poco la cámara del estudiante, que suele copar el papel protagonista en este tipo de obras. Una película propia de su época, en cuanto a temática y recursos utilizados, perfecta para despertar a los nostálgicos de los años 80.

A pocos minutos del inicio ya se puede observar el caos que reina en la escuela: el constante tugurio, un alumno al que le han dado una puñalada y un enfrentamiento entre dos profesores por el uso de la máquina de copias. En este contexto aparece el conflicto principal de la película: la demanda por parte de un ex-alumno al colegio por haberse graduado sin saber leer, ni escribir. Un recorrido por las diferentes clases basta para mostrar las diferentes formas de “educar” que tiene cada profesor. Observamos cómo hay un profesor que pese a su buena voluntad no consigue captar la atención de los alumnos, por otro lado el profesor veterano que se dedica a dormir a la espera de su jubilación pero que a pesar de todo consigue mantener a la clase en silencio, también tenemos al protagonista un profesor que se implica con los alumnos, se preocupa por ellos y consigue ganarse su confianza y por último encontramos al nuevo “profesor de historia” que se ha escapa de un centro de salud mental y que sorprendentemente consigue captar la atención de los alumnos disfrazándose para representar el mismo los acontecimientos históricos. En la enseñanza a veces se tiende al individualismo, algo que a priori es difícil de comprender. El hecho de que cada profesor tenga formas distintas de dar sus clases, convierten la enseñanza en una carrera de obstáculos donde si tienes la mala suerte de toparte con una piedra te quedan dos opciones: consigues saltarla o abandonas.

Todos podremos ver reflejados momentos de nuestra etapa estudiantil en esta película, una parte profesorado en pasar los días sin muchas complicaciones que por conseguir enseñar a los jóvenes. Una mayoría de profesores sin vocación, mientras que los que realmente se preocupan por sus alumnos son tachados de idealistas, porque el trabajo de estos profesores pone en evidencia los errores del resto. Profesores que viven con el criterio de quitarse problemas de en medio da igual que aprueben o no, graduar alumnos teniendo el mínimo de problemas posibles «¿Que no sabe leer? ¿y a mí que mas me da? No es mi problema». Cada uno por su camino sin complicarse demasiado, así es posible que de cada 300 alumnos, 100 se queden en el camino por no encontrar un profesor que fuera capaz de captar su atención y sacar su verdadero talento. Finalmente la enseñanza es cosa de vocación, da igual que tengas un titulo o acabes de salir del psiquiátrico. Si sientes lo que cuentas, conseguirás transmitir pasión al resto.
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Mañana a esta hora
Mañana a esta hora (2016)
  • 5,9
    27
  • Colombia Lina Rodríguez
  • Laura Osma, Maruia Shelton, Francisco Zaldua, Clara Monroy, ...
7
Mañana a esta hora
La adolescencia es quizás la etapa de mayor conflicto familiar, Adelaida vive con sus padres en Bogotá. La familia se desenvuelven entre las habitaciones del hogar, mostrando al espectador los rincones de su intimidad. Lina Rodríguez presenta un retrato intimo de la vida familiar, situaciones que todos conocemos, pero que bajo la mirada de la directora se consigue profundizar en ellas. Una obra austera, que goza de una naturalidad única, con maestra interpretación que te sumerge en lo más profundo de la relación familiar. Obligando al espectador a mirarse a sí mismo y ser consciente de cada momento que desaprovecho. El tiempo sigue pasando, y mañana a la misma hora todo puede ser distinto.

En los primeros minutos Lina Rodríguez convierte al espectador en testigo de la relación familiar, con un cuadro de Adelaida junto a su padre tumbados viendo la televisión, mientras su madre se encarga del trabajo domestico. Todas las responsabilidades recaen de la madre, haciendo que la relación con su hija se encuentre entre continuas tensiones, provocadas por sus intentos de organizar la vida familiar. Mientras que la relación entre Adelaida y su padre, al encontrarse ausente de responsabilidades domesticas, está exento de tensiones, generando aparentemente una mayor conexión con la hija. En plano fijo consigue construir a los personajes y las relaciones entre ellos, de forma sutil, a través de este cotidiano momento familiar.

Las obra muestra los problemas de comunicación que tienen las personas a la hora de comunicarse, cosas que no decimos por no hacer daño, por no recibir una respuesta negativa o por no generar tensión… Pocas veces se habla con claridad de lo que sientes, sobre todo en la adolescencia queda presente esa incapacidad de comunicarte dentro del hogar, sentir que no se comprende lo que sientes y que de nada sirve expresar tus emociones. La necesidad de escapar, de conocer nuevos lugares en el exterior, es el momento de alejarte de tu hogar, para comenzar a conectar con nuevas personas ajenas al núcleo familiar.

Un fundido a negro y el resonar de una canción, anticipan un trágico acontecimiento al día siguiente.

Los rostros de distintas personas nos anuncian, sin necesidad de palabras que alguien no volverá, los rostros de Adelaida, junto con otros, muestran incomprensión, ante lo impredecible del futuro. Nunca sabes cuando será el último momento junto a una persona, cuál será el último cumpleaños, el ultimo abrazo o el último «hasta luego». De la noche a la mañana todo ha cambiado, pero el tiempo no espera a nadie, todo sigue en movimiento aunque esa persona ya no este. Hay que seguir avanzando aunque esa persona, tan importante se haya quedado atrás en el camino. El tiempo pasa muy rápido, sin dar muchas oportunidades para decir lo que realmente sientes.

Un espejo que refleja a través de la pantalla, los comportamientos que desde la perspectiva que da el cine, pueden llegar a parecer incluso irracionales. Un grito para liberarnos de las cargas y candados que nos imponemos. Aprovecha cada minuto, se tu mismo porque nunca sabes que sucederá mañana. Valora lo que tienes, porque cuando falte te darás realmente cuenta de su valor. La carga de la mujer obligada a mantener el hogar, la que pide que tires la basura, la que te dice que estudies… La que siempre está allí, aunque no aparezca en pantalla. Porque su ausencia manifiesta con mayor fuerza, la dependencia que existe hacía ella. Mañana a la misma hora, de nuevo padre e hija se encuentran tumbados en la cama, pero algo ha cambiado, la ausencia de la madre, la hace presente con mayor intensidad en sus miradas, que antes se encontraba perdida
en la luz parpadeante del televisor.

Alejandro García Rodríguez
@NoTodoEsUSA http://www.cinemaldito.com/manana-a-esta-hora-lina-rodriguez/
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Winwin
Winwin (2016)
  • 4,6
    39
  • Austria Daniel Hoesl
  • Christoph Dostal, Stephanie Cumming, Jeff Ricketts, Johanna Orsini-Rosenberg, ...
5
La historia se repite dos veces,
En la sección política de Atlantida Film Fest encontramos la última obra del austríaco Daniel Hoesl "Winwin". Una obra que mediante la sátira busca mostrar la cara más cruda del capitalismo, donde el verdadero poder no reside en los parlamentos sino en el dinero. Cuatro personajes que muestran la verdadera cara del mundo en que hemos estado viviendo. Una obra fría, como la realidad que busca plasmar. En Filmin también se pueden disfrutar otras de las obras de este director como "Soldate Jannette", el inicio de ese viaje que continua con "Winwin" destripar los males de la sociedad, rescatar el cine político de los 70. "Winwin" es una obra nacida de las entrañas de la crisis, en el frío contexto que asola a Europa, la desesperanza de la sociedad ante un mundo que resulta incomprensible.

La película inicia con la bajada desde lo más alto, de esta especie de semidioses que proclaman la adoración al dinero. Hoesl consigue crear una obra cargada de artificio, como el mejor de las sociedades actuales. Tomando como referencia el cine político de Jean- Luc Godard con obras como "La Chinoise" o aquellas obras que realizo con el Groupe Dziga Vertov, donde a través de la sátira intentaban llevar al público los debates dentro de la sociedad. Un cine que busca la provocación tanto en su contenido marcadamente político, como en su forma. Un cine basado en la provocación que busca es el ofrece "Winwin" un continuo enfrentamiento con el espectador, que puede gustarte o no pero que sin duda no dejara indiferente.

Sin duda una obra muy personal, muy cuidada a nivel estético y que consigue generar un clímax muy apropiado. Pero por momentos resulta demasiado excéntrica, la falta de desarrollo narrativo y la artificialidad de la escena provoca que por momentos pueda generar rechazo. Una obra muy interesante aunque quizás se note por momentos forzados, sin llegar al nivel de viveza de obras como "La Chinoise" por momentos parece excesivamente forzada. Puede ser que todo esto sea intencionado, citando a Karl Marx "La historia se repite dos veces, la primera como tragedia, la segunda como farsa.". Posiblemente nos encontramos actualmente en este periodo de farsa, de esa historia que ya hemos vivido.

Alejandro García - Criticas8mm - http://www.criticasen8mm.com/2016/07/atlantida-film-fest-2016-winwin.html
@NoTodoEsUSA
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Berserker
Berserker (2015)
  • 5,8
    968
  • España Pablo Hernando
  • Julián Génisson, Ingrid García Jonsson, Vicenç Miralles, Chema Adeva, ...
8
No importa el martillo, importan las manos.
Pablo Hernando presentó en 2015 dos largometrajes. Uno fue Esa sensación, en colaboración con Juan Cavestany y Julian Génisson donde mostraban que en el cine no es necesario disponer de un gran presupuesto, para conseguir crear historias difíciles de olvidar. La otra es la que hemos podido disfrutar en esta ocasión en el Atlántida Film Fest, Berserker, una obra en la que vuelve a colaborar Julian Génisson, pero esta vez, como actor.

La primera imagen que vemos a los pocos minutos, es una cabeza pegada con cinta aislante al volante de un coche. Una imagen impactante que te hace preguntarte "¿Qué estás viendo?". El protagonista, un escritor, que difícilmente consigue llegar a fin de mes, viviendo a base de patatas, que compra gracias al adelanto de una novela que aún no ha escrito. Sin ninguna idea interesante para escribir, intenta sacarla adelante forzando la creatividad, lo que le conduce a un laberinto sin salida. Por casualidad, llega a sus oídos el asesinato de un hombre por parte de su pareja, el cadáver había desaparecido, solo quedaba la cabeza con restos de cinta aislante.

Cuando la inspiración llega, no queda más remedio que subirse a ella y no dejarla escapar, sobre todo si el saco de patatas con el que te alimentas comienza a vaciarse. Tras hablar con el hermano de la supuesta asesina, la historia a pesar de encontrarse cerrada por la policía da la impresión de que hay algo oculto. ¿Cómo puede llegar una joven aparentemente normal a asesinar a su pareja? Una discusión, un ataque de celos, autodefensa... ¿Pero sería capaz de hacer desaparecer el cuerpo y pegar la cabeza al volante del coche en una especie de metáfora sobre quién lleva el control? Demasiado rebuscado para tratarse de algo imprevisto.

Un misterio por resolver que te obsesiona, que se apodera de ti hasta llevarte a un punto, en el que continuar puede poner en peligro tu integridad física. Una historia muy realista que nos introduce en un contexto más amplio; de crisis y degradación del arte. Un antihéroe como protagonista que no siempre es capaz de resolver el crimen, porque hay piezas de un puzle que no siempre se pueden encontrar. El ingrato trabajo del artista, en continuo conflicto consigo mismo, intentando sobrevivir en una sociedad que no siempre entiende y valora su labor. Un trabajo inestable donde ves, como poco a poco, las patatas disminuyen y posiblemente no vuelvan a aumentar. Un ejercicio de cine austero, pero que consigue sumergirte entre sus redes desde el primer minuto. Con ciertos toques de humor negro este thriller demuestra, una vez más, que para hacer buen cine solo son necesarias las manos de un artesano.

Alejandro García - http://www.criticasen8mm.com/2016/07/atlantida-film-fest-2016-berserker.html
@NoTodoEsUSA
[Leer más +]
2 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Todos queremos algo
Todos queremos algo (2016)
  • 6,2
    5.954
  • Estados Unidos Richard Linklater
  • Blake Jenner, Juston Street, Ryan Guzman, Tyler Hoechlin, ...
5
No basta con querer
Uno de los estereotipos más consolidados en la historia del cine, ha sido el de los jugadores de los equipos deportivos de la universidad (fútbol, baloncesto, hockey, béisbol, etc. El deporte en si da igual, mientras que sea popular y exija cierta preparación física). Los jugadores de estos equipos parecen ser personas siempre cachas, con poco cerebro, los más populares entre las chicas y los matones del patio. Personajes con los que resulta algo difícil empatizar y que suelen ser caricaturizados y convertidos en el objeto de todos los golpes de humor. Habitualmente las películas que intentan acercarse a esta etapa de la juventud toman como protagonistas a un joven pringadillo o un personaje poco popular en su entorno, mientras que los cachas son vistos como los rivales. Seguramente es el recurso más fácil, para que la mayoría de espectadores se sientan identificados con el personaje.

Richard Linklater rompe con este habito dentro género, para presentarnos en Everybody Wants Some!! los días previos al inicio de la universidad del protagonista, que es miembro del equipo de béisbol, una obra que el director ha considerado la secuela espiritual de Movida del 76, donde retrataba los ultimo día de clase de unos estudiantes del instituto. Dos etapas de la juventud distintas donde Linklater enfoca su objetivo, para retratar una vez más este periodo de vital importancia para todos. Basándose en su propia experiencia Linklater reconstruye esa corta etapa de cambio, donde dejas de ser un niño abandonando el instituto, para convertirte en un adulto con la entrada en la universidad. Consigue reflejar este estado de confusión y conflicto, donde los jóvenes buscan hacerse un hueco en un mundo distinto al que conocían. El conjunto de conversaciones de los jóvenes, entremezcla reflexiones profundas con conversaciones banales, en un momento de autodescubrimiento de los personajes.

Un reflejo de la vida universitaria, que aunque sigue conservando parte de los tópicos propios de obras del mismo estilo, el director consigue darle una visión más personal y cercana. Alejando a los estudiantes del equipo de beisbol, de los estereotipos que suelen acompañarles, integrándolos con el conjunto universitario y haciendo que el espectador pueda fácilmente empatizar con ellos, sin necesidad de que tengan que sentirse identificados. Hasta tal punto consigue romper con estos tópico que muestra la relación que surge entre el equipo de beisbol con los punkis, que un principio podría resultar surrealista imaginar a ambos compartiendo una botella de vodka, pero Linklater consigue hacerlo con total normalidad.

Sin centrarse en la historia del protagonista, sino en el conjunto de personajes que le acompañan. Aunque basado en vivencias autobiografías, no pretende plasmar una historia personal, sino la de un conjunto de jóvenes. En este intento es importante destacar el uso de la banda sonora, que a través de las diferentes canciones configura el retrato de una generación. Una película sencilla que llevara a muchos espectadores a revivir momentos pasados cargados de nostalgia. Con una gran dirección de actores que consigue construir en algo menos de dos horas una relación estrecha entre los personajes y el espectador.

Linklater vuelve a acercar esta etapa de la juventud al mundo de los adultos como ya hizo con Boyhood, Movida del 76 u otras obras de su filmografía. Jugando sobre un terreno pantanoso, por la temática algo desgastada, pero que con facilidad consigue hacer suya. Demostrando una vez más que es capaz de transformar historias sencillas para convertirlas en obras completas y distintas. Con golpes de humor que desde luego harán entretenido su visionado, aunque sin esperar mucho más de lo que puede dar.

Alejandro García @NoTodoEsUSA
http://www.cinemaldito.com/todos-queremos-algo-richard-linklater/
[Leer más +]
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La bocca del lupo
La bocca del lupo (2009)
  • 6,5
    93
  • Italia Pietro Marcello
  • Vincenzo Motta, Mary Monaco
8
La boca del lobo
Una de las secciones más interesantes de Filmadrid son sus focos. En esta edición hemos podido disfrutar de Boris Lehman, Julio Bressane y Pietro Marcello. En esta ocasión quiero destacar la obra del realizador italiano Pietro Marcello. Un autor que como pudimos comprobar, obra tras obra se desarrolla y reinventa jugando entre la delgada línea que separa el documental de la ficción. Pietro consigue dotar a su película de un magnetismo único a través de una mirada que consigue captar la realidad de una forma muy personal. La bocca del lupo es una de sus obras más relevantes y que recibió el premio al mejor documental en David Donatello 2010. El personaje principal es Enzo un inmigrante siciliano que vuelve a Génova tras pasar 14 años en la cárcel. Compuesta por distintas capas interpretativas; desde la historia de amor entre Enzo y Mary y cómo afronta el personaje su salida al mundo exterior después de haber pasado gran parte de la vida en la cárcel, a el desarrolla de un ensayo sobre las calles de Génova y las condiciones de vida de una clase obrera condenada a la precariedad.

En la primera parte de la película se configura a Enzo, a través, del testimonio en off de Mary y los fragmentos de las grabaciones, que mutuamente se mandaban desde la cárcel (de forma clandestina). Las imágenes documentan la realidad de las calles de Génova mientras el protagonista las recorre, después de una larga condena separado de ellas. La ciudad en el presente es enfrentada a su pasado por medio del material de archivo que el realizador maneja de una forma brillante. Mostrando parte de la identidad e historia de la ciudad, además, de las trasformaciones sufridas en los últimos años. La bocca del lupo construye, a través de imágenes y voz en off el interior de la ciudad y del personaje. La fuerza y carisma de Enzo en consonancia con el contexto que le envuelve, construyen un climax propio del cine negro. Los fotogramas se entremezclan con el relato oral generando cierta ambigüedad al no mostrar de una forma explícita a el emisor de las palabras. Provocando que el espectador sea incapaz de discernir si se encuentra ante una historia real o ficcional.

En la segunda parte de la obra comienza a perder presencia la voz en off, para dejar espacio a los diálogos que se dan en el plano. La mirada del director comienza a ser menos poética para volverse más observacional. En este momento la película comienza a desvelarse como un documental con secuencias mas espontaneas donde los personajes se desarrollan de una forma más libre. Incluso llegando a desvelar la puesta en situación en un ejercicio de metalenguaje. Poco a poco la realidad comienza a empoderarse de la ficción, hasta que termina por romper completamente con ella, a través la conversación de Enzo y Mary delante de cámara, donde de forma espontanea se comienza a desvelar todos los entresijos de su historia de amor. Dos vidas destrozadas en las calles de Génova, que encontraron el amor entre las fríos barrotes de prisión, protegiéndose mutuamente juntos consiguieron hacer desaparecer los obstáculos que les impedían estar juntos. Después de todos los suplicios lo único que esperan, es poder cumplir su sueño de ser felices. Un amor profundo y sincero que los protege de toda adversidad, como la loba que protege a sus cachorros entre su boca dispuesta a dar la vida por la persona amada.

Alejandro García
|@NoTodoEsUSA http://www.cinemaldito.com/la-bocca-del-lupo-pietro-marcello/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Sayônara
Sayônara (2015)
  • Japón Kôji Fukada
  • Irène Jacob, Jérôme Kircher, Nijirô Murakami, Hirofumi Arai, ...
8
Sayônara.
Sayônara es posiblemente la palabra japonesa más común en nuestro país debido, sin duda, al doblaje de la película Terminator 2: Judgment Day donde se popularizó la frase «Sayonara, baby». Una palabra trágica que podríamos traducir como «hasta siempre». Sayônara es el título escogido por Kôji Fukada para dar nombre a una de sus últimas películas (su última película Harmonium fue premiada este año en Cannes). Un título acertado que consigue expandir el eco de esta palabra en mi cabeza, al recordar, los últimos minutos de esta obra. Este magnífico poema de ciencia ficción, realizado en Japón se estrenó en España en la Sección Oficial de la II edición de Filmadrid, donde recibió el premio a mejor película por parte del jurado de Días de Cine.

Una catástrofe nuclear a convertido a Japón en un lugar apocalíptico. La población intenta huir pero las largas listas de espera para ser evacuadas hacen prever que muchos no podrán salir jamás. En esta situación Fukada nos sumerge en el interior de una casa, aislada cerca de un bosque de bambú, donde viven las dos protagonistas: Tanya, una mujer de origen sudafricano y Leona, un androide en silla de ruedas. Sayônara es la primera película interpretada por un robot Geminoid F —creado por Hiroshi Ishiguro— aunque ya ha participado anteriormente en obras de teatro con el dramaturgo Oriza Hirata. En una de estas obras se inspiró Kôji Fukada para realizar la primera película donde un robot y un ser humano actúan juntos para hacer de una catástrofe futurista una increíble oda a la amistad.

Fukada construye sin la necesidad de artificios un futuro donde la radiactividad ha destruido todo, los últimos latidos de una humanidad que se encamina hacía su posible destrucción. Influenciado por Andrei Tarkovsky consigue crear un mundo ficcional desde el interior de los personajes, de una forma sutil, traslada al espectador a ese futuro donde la existencia de Leona no es un acontecimiento novedoso, más bien una pieza del pasado, un androide desfasado que no es capaz de caminar. Sin necesidad de mostrar cómo explotan las bombas sobre Japón o ciudades destruidas, acierta al generar en el imaginario del espectador una realidad aún más impactante, un futuro que consigue helarte los huesos, desde el cálido salón de la casa, contemplando desde la ventana, un mundo exterior en apariencia apacible.

El clímax de angustia en el que se establece la relación de los personajes, distorsiona la mirada del espectador. Cuando salen al exterior se percibe la metamorfosis que están sufriendo en su interior. Un homenaje a la obra Madre e hijo de Alexandr Sukurov donde las imágenes se deforman, mostrando el conflicto que se desenvuelven entre los personajes. Aislada de todo contacto humano, Tanya necesitada de la sociedad se enfría progresivamente, perdiendo parte de sus emociones para parecerse cada vez más al frío acero de un robot. Por otro lado, Leona es cada vez más humana, adquiriendo sentimientos y emociones enriquecidas por la poesía y el contacto humano. Una profunda reflexión sobre la esencia del ser humano, su relación con lo artificial y el valor de los sentimientos.

Una obra de gran belleza visual y narrativa que alcanza su momento más álgido en los últimos treinta minutos, con uno de los finales más emotivos que recuerdo. En un proceso lento donde contemplamos como la carne se convierte en piedra, mientras que el acero es dotado de vida. El humano desaparece pero el acero perdura: condenado a la vida eterna, está obligado a ser testigo del paso del tiempo y despedirse de aquellos que le acompañaron… Sayônara… La carne desaparece pero los sentimientos no se olvidan. Aunque la película se acabe, en mi interior siguen vivas las emociones que despertaron esos 112 minutos.

Sayônara.

Alejandro García
|@NoTodoEsUSA http://www.cinemaldito.com/sayonara-koji-fukada/
[Leer más +]
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un doctor en la campiña
Un doctor en la campiña (2016)
  • 6,0
    1.911
  • Francia Thomas Lilti
  • François Cluzet, Marianne Denicourt, Patrick Descamps, Christophe Odent, ...
4
Un doctor
Cuando las luces se encienden y la pantalla del cine se apaga. Es el momento de revivir en la mente aquellas emociones que acabas de vivir. Pienso que una buena película es aquella que consigue mantener por siempre su recuerdo, obras que se conservan como una experiencia única e irrepetible. En otras ocasiones, cuando las luces se encienden, la película se difumina junto a la oscuridad, siendo difícil retenerla, terminando por ser archivada en el gran montón de películas olvidadas. Este es el tipo de películas que suelen rellenar la programación de los canales televisivos mediáticos, films que por lo general no recordaras ni siquiera su título, solo te quedara la sensación de “Deja vu” cuando intentes volver a verla.

Thomas Lilti presenta su segundo largometraje Un doctor en la campiña que cuenta con la interpretación de François Cluzet (que protagonizó Intocable en 2011) como actor principal. La película cuenta la historia de un doctor rural Jean-Pierre al que diagnostican cáncer. La medicina es una labor completamente vocacional, más si eres el único médico de un pequeño pueblo donde reinan las viejas costumbres. En este caso Jean-Pierre dedica toda su vida a su trabajo, hasta tal punto, que es incapaz de dejarlo y descansar a pesar de sus problemas de salud. Nathalie abandona la ciudad para ayudar al doctor en su trabajo, a pesar de las dificultades consigue ganarse la confianza del doctor, cambiando su forma de ver la medicina, un modo de trabajar muy distinto al que aprendió en la universidad.

Un homenaje a los médicos rurales, que desempeñan su trabajo con un alto grado de implicación con los pacientes. Una forma de trabajar muy distinta a la que se realiza en las ciudades donde todo es burocracia. Aquí la atención es más cercana y personal, convirtiendo el medico en una persona fundamental en el pueblo, que incluso en ocasiones llega a realizar labores que no se encuentran directamente relacionadas con la medicina. La obra recuerda a series como El doctor Mateo que también reflejaban la vida de estos médicos que dedican su vida a la salud de todo un pueblo. Una historia que puede ser interesante cabalgando entre el drama y la comedía, pero que no termina de aportar nada nuevo, más allá de una sesión entretenida donde acompañar al bueno de Jean-Pierre en su lucha constante contra la muerte, aunque al final siempre termine ganando ella.

Lejos de ser resultar aburrida, la película transcurre con ritmo entre las calles del pueblo. Pero poco más queda después de los 102 minutos de entretenimiento, que terminas olvidando al salir de la sala. La película no termina de calar, no consigue dejar huella entre tus recuerdos. La historia en sí, es correcta, pero no aporta nada más que una narración entretenida. Podríamos convertirla en una novela, sin que apreciáramos diferencia en la experiencia, porque la obra desaprovecha los recursos cinematográficos, algo a lo que nos tiene acostumbrado el cine más industrial o incluso aquellas obras destinadas ser visionadas un domingo por la tarde en la televisión. Ya que la sensación final cuando acaba la película, es que la pantalla del cine se le ha quedado grande. No consigue aprovechar el formato para hacer vivir al espectador una experiencia única, distinta a la que podría vivir leyendo en una novela o viendo la televisión.

Alejandro García @NoTodoEsUSA
http://www.cinemaldito.com/un-doctor-en-la-campina-thomas-lilti/
[Leer más +]
10 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
El rey tuerto
El rey tuerto (2016)
  • 6,2
    2.962
  • España Marc Crehuet
  • Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llopis, ...
6
Le falta un ojo pero ve más que ninguno.
Cuando reseñamos Tarajal: Desmontando la impunidad en la frontera sur ya hablamos de las consecuencias del uso de balas de goma para disolver manifestaciones. Desde 1990 en España han perdido el ojo más de 30 personas y hubo una persona muerta por el impacto de estas balas. Esta vez Marc Crehuet afronta el tema desde la comedia negra, enfrentando en una misma mesa a un manifestante víctima del impacto y al responsable directo: un antidisturbios. Los dos hombres forzados por sus mujeres (amigas desde la infancia, aunque con el tiempo sus caminos se separaron perdiendo todo el contacto) se reúnen para cenar en pareja. Los primeros momentos, donde se intentan encontrar nexos de unión, son algo incómodos. Una situación fría y forzada, en la cual se analizan desde la distancia mutuamente. Pronto la situación comienza a forzarse, lejos de encontrar una conversación en común, un conflicto de ideas continuo termina convirtiendo el encuentro en una bomba de relojería a punto de estallar. Una situación que recuerda de forma inevitable a la obra de Roman Polanski Un dios salvaje donde sentimos cómo el ambiente poco a poco se va recargando hasta que la apariencia y los modales terminan saltando por los aires.

Marc Crehuet tras realizar algunos cortometrajes presenta su opera prima presentada en el Festival de Málaga, una adaptación de El rei borni obra de teatro que realizó en 2013 con los mismos actores. Se desarrolla todo el conflicto entre los personajes representados a la perfección por Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez y Ruth Llopis que muestran con algo de humor las luchas interiores de los personajes que conocen en profundidad tras dos años representando sus identidades encima de un escenario. En pocas ocasiones escapamos de las paredes del piso, donde contienen el conflicto. Un clímax opresivo que refleja el caos interior del personaje, después de que los pilares que sostenían su idea del mundo comenzaran a mostrarse como falsos. La segunda mitad de la película recuerda a la obra de los hermanos Coen Barton Fink donde la confusión mental del personaje se exterioriza en la habitación. Un personaje que ha aceptado lo que desde la televisión y en su entorno le han dicho que es la verdad, sin la capacidad crítica de cuestionarse nada. Adiestrado en una cultura de violencia, es incapaz de contenerse como un perro preparado para atacar, sin ser capaz de cuestionar la orden.

Rodada en castellano y en catalán para evitar el doblaje, esta obra disecciona a raíz del conflicto una sociedad: dividida, alienada y con su capacidad crítica anulada. El bombardeo continuo al que nos someten desde que somos pequeños amolda en nuestra cabeza ciertas ideas como inamovibles, como incuestionables. Desde pequeño nos dicen:

«— No puedes hacer eso
— ¿Por qué?
— Porque es ilegal
— ¿Por qué es ilegal?
— Porque sí y punto»

Aceptamos las ideas que nos inculcan porque son normales o porque lo dicen otras personas. Nunca nos cuestionamos estos principios, simplemente los asumimos e intentamos pensar en ellos lo menos posible.

Marc Crehuet intenta romper la barrera de la ficción para hablar directamente con el espectador en un ejercicio de metalenguaje, que en ciertas ocasiones puede resultar algo forzado y muy evidente provocando que la intención de conectar con el espectador pierda algo de efecto. Pero finalmente consigue su objetivo principal que es hacer llegar el conflicto al espectador, hacerlo reflexionar sobre la necesidad de cuestionarnos nuestras ideas más profundas, ya que una conciencia crítica siempre es capaz de ver más que los ojos del alienado.

Alejandro García
@NoTodoEsUSA
http://www.cinemaldito.com/el-rey-tuerto-marc-crehuet/
[Leer más +]
11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil