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Críticas de Pinguirina
Críticas ordenadas por:
Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla
Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952)
  • 3,2
    21
  • Estados Unidos William Beaudine
  • Bela Lugosi, Duke Mitchell, Sammy Petrillo, Charlita, ...
2
Los riesgos de no saber decir "no".
Si algo hemos aprendido gracias a la maravillosa "Birdman" es lo difícil que resulta para un actor mantenerse en la cresta de la ola con el paso de los años. Cada cual lo asume de diferentes maneras, unos con dignidad, otros con resignación y algunos, como Bela Lugosi, optaron por rodar casi cualquier bodrio que les era ofrecido. Un claro ejemplo es la película que nos ocupa hoy "Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla".

La verdad es que no sé muy bien cómo enfocar esta crítica porque si os cuento poca cosa de ella os va a costar haceros una idea de lo que os vais a encontrar pero, si os la destripo, casi no va a merecer la pena que la veáis así que voy a intentar mantener un equilibrio, cosa que no va a ser nada fácil a la hora de hablar de esta película. "Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla" es una comedia de terror (o algo así) creada para mayor gloria de los artistas Duke Mitchell y Sammy Petrillo en la que Bela Lugosi desempeña un papel que se sabía a la perfección, el de mad doctor. Lo malo es que, como os habéis imaginado "Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla" no funciona ni como comedia ni como película de terror porque, en realidad, no funciona a ningún nivel.

Y es que el guión es de chiste, pero no de chiste gracioso, no, es un chiste bobo e insustancial que dura poca más de una hora en el que la coherencia brilla por su ausencia desde el primer momento en que empieza la cinta. Ahora es cuando me está costando horrores no empezar a explicar alguna de las incoherencias de la historia pero como he decidido ser buena y no contar demasiado de la historia os daré sólo una pildorita para que os hagáis una idea de lo que os vais a encontrar. Como ya hemos dicho, los dos protagonistas acaban por accidente en una remota isla pero ¿cómo acaban allí estos dos pardillos? Pues bien, resulta que ambos iban en avión pero, por alguna incomprensible razón que jamás comprenderé, se equivocaron al abrir una puerta del avión con tan mala suerte de que era la puerta exterior del mismo y acabaron precipitándose al vacío. Surrealista ¿verdad? Pues toda la película es así.

Intento buscar alguna razón que daros para invitaros a ver esta película pero, quitando su corta duración y que sale Bela Lugosi, no se me ocurre gran cosa. Tengo que decir que el dúo protagonista, sobre todo Sammy Petrillo, es especialmente cargante y que eso de que nos metan hasta en la sopa mini actuaciones para mayor lucimiento de la pareja lo único que provoca es que te den ganas de apagar el televisor pero cuando uno es fan de Bela Lugosi sabe que, quitando sus películas de los años 30, poco más hay que rascar. Ni el hecho de que un hombre se transforme en gorila es suficiente aliciente para verla porque la trama tiene tanto sentido del humor (malo) que el posible toque siniestro que los experimentos de Bela Lugosi puede darle, acaba totalmente diluido. Además, la bucólica isla y la previsible historia de amor entre uno de los protagonistas y una de las lugareñas no ayudan a meterse en atmósfera nunca, de manera que la trama más oscura parece metida con calzador y no llega a satisfacernos en ningún momento.

No me voy a enrollar más porque no merece la pena. "Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla" es una película de lo más boba creada para mayor gloria de dos artistas de variedades con ganas de subir de categoría. Ni el hecho de contar con una de las figuras más grandes que ha dado el cine de terror hace que esta película tenga un interés casi testimonial porque ni en un millón de años se la recomendaría a alguien que no sea un fan acérrimo de la serie B.

PD: No os he dado un dato destacable sobre la película y quizá sea clave para comprender porque esta cinta es tan de lo peor. Duke Mitchell y Sammy Petrillo fueron conocidos por ser imitadores de dos grandes: Dean Martin y Jerry Lewis.


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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sharktopus vs. Pteracuda (TV)
Sharktopus vs. Pteracuda (TV) (2014)
  • 2,6
    57
  • Estados Unidos Kevin O'Neill
  • Robert Carradine, Rib Hillis, Katie Savoy, Tony Evangelista, ...
3
Bestias pardas mutantes
Después de innumerables esfuerzos el Sharktopus ha sido destruido. O eso es lo que parecía ya que, lo que nadie sabía es que la bestia albergaba en su interior un huevo que va a parar a manos de una bióloga marina (Katie Savoy) quien, ajena a la amenaza que tiene entre manos, lleva a la cría al acuario de su tío. Mientras el Dr. Rico Symes (Robert Carradine) última los detalles del arma biológica definitiva: Pteracuda, una criatura híbrida nacida de la mezcla del ADN de un pterodáctilo y una barracuda pero los problemas no se hacen esperar cuando el Dr. Symes pierde el control de Pteracuda.

Cuando una monster movie de bajo presupuesto triunfa el siguiente paso suele estar claro: hacer una segunda parte en la que esa bestia parda se enfrenta a otra bestia parda de características similares. "Sharktopus Vs. Pteracuda" es la secuela de "Sharktopus", TVmovie estrenada por el canal SyFy en 2010. En este caso estaba claro que para el animal en cuestión no valía cualquier híbrido así que han recurrido a uno de los animales más formidables que han surcado jamás nuestros cielos, un pterodáctilo, y lo han combinado con otra bicharraco marino de esos que no destacan precisamente por su amabilidad, la barracuda. De esta manera lo que conseguimos son dos monstruos con muy mala leche que se van a pasar la película a tortazo limpio. Y, oye, es de lo más entretenido.

El argumento no hay por dónde cogerlo. En primer lugar, modifican la secuencia final de la anterior entrega para convertir lo que en aquella era, simplemente, un trozo de Sharktopus en una bolsa que contiene un huevo. En segundo lugar, porque más de la mitad de la película no tiene sentido. Y cuando digo que no tiene sentido es que, literalmente, no te enteras de nada porque desde el momento en que los investigadores pierden el control de Pteracuda se suceden una serie de acontecimientos que no tienen explicación ninguna. Por alguna razón que me gustaría alguien me explicase estos cracks llegan a la conclusión de que la mejor manera de parar al bicho que se les ha escapado es soltar a otro, tan letal o más que el anterior, y dejar que se maten entre sí o algo de eso. Y, si por el camino van dejando un reguero de muerte y destrucción a su paso, es lo de menos, el público pide sangre y hay que dársela.

De los nombres involucrados en este "Sharktopus Vs. Pteraconda" destacan dos. Por un lado tenemos, nuevamente, a Roger Corman como productor y, por otro, a Robert Carradine como protagonista principal de la cinta. A lo mejor no conocéis a Robert Carradine pero si os digo que su padre era John Carradine y sus hermanos son Keith Carradine o David Carradine ya os hacéis una idea que ha mamado esto de la actuación desde su más tierna infancia aunque, evidentemente, su papel en esta película no va a pasar a la historia como una de sus grandes interpretaciones.

Reconozco que la película es bastante mala pero, de verdad, merece la pena por lo divertida que es. Por supuesto que no tenéis que tomaros en serio nada de lo que veáis, es serie B muy mala y no se le puede pedir nada del otro mundo así que poned el cerebro en modo off y a pasar un rato divertido

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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La entrega (The Drop)
La entrega (The Drop) (2014)
  • 6,4
    15.180
  • Estados Unidos Michael R. Roskam
  • Tom Hardy, Noomi Rapace, James Gandolfini, Michael Esper, ...
8
Fluye como un río, lenta pero inexorablemente
Siempre me han gustado mucho las películas que van desarrollando la trama como si de la tela de una araña se tratara y La Entrega es de esas. La película va discurriendo despacio, poco a poco y sin que suceda nada de importancia (o eso es lo que nos hacen creer) pero, cuando llega el momento, las piezas empiezan a encajar y nos damos cuenta de que hemos caído en la trampa. Como digo, la película va a su ritmo, despacio, sin ninguna prisa por llegar a donde quieren llevarnos pero la sensación de que hay algo que se nos escapa planea en el ambiente desde el primer momento y, precisamente, esa sensación es la que nos tiene en tensión durante toda la película. Es como si algo no encajara, como si nos estuvieran ocultando algo pero, a la vez, tenemos todas las piezas a nuestro alcance desde el primer momento aunque somos nosotros los que no somos capaces de terminar el puzzle.

Y llegados a este punto, alguno se preguntará que porque os estoy soltando todo este rollo y que tiene esto que ver con La Entrega. Pues amigos, lo único que pretendo es advertiros. La Entrega no es una película que yo le recomendaría a todo el mundo. No va a ser fácil entrar en ella para todo el mundo y estoy segura de que habrá quien os diga que es una película aburrida e incoherente. Por desgracia, estamos (demasiado) acostumbrados a ver películas en las que la acción lo es todo, los fotogramas vuelan y nos hacemos una idea de por dónde van a ir los tiros desde el primer momento pero este no es el caso. Aquí lo que importa es la historia, como nos la cuentan y quien nos la cuenta así que no os llaméis a engaños. No es una historia de buenos contra malos, no hay tiernos romances ni moralejas, no hay nada de eso porque lo que hay es una historia, sin artificios o añadidos de ningún tipo, una historia sin más.

Esta película pasará a la historia como la última película de James Gandolfini y la verdad es que, aunque es un gran testamento cinematográfico, los laureles se los lleva Tom Hardy. El papel de James Gandolfini parece hecho para su lucimiento particular y, la verdad, lo hace muy bien pero el que realmente está de sobresaliente es Tom Hardy. Tom Hardy está inmenso haciendo creíble un personaje tan complejo como el de Bob, un hombre taciturno y poco dado a demostrar sus sentimientos, regalándonos una interpretación contenida pero brutal cuando las circunstancias lo requieren. Capítulo aparte es el doblaje. Por lo que leo por ahí, la gente que la ha visto en VO alaba el trabajo de voz de Hardy ya que la modula de una manera perfectamente conveniente. También hay modulación en el doblaje pero dudo mucho que el resultado sea el mismo ya que, durante un buen rato, estuve planteándome si el personaje de Tom Hardy presentaba alguna minusvalía de tipo mental. En realidad, creo que lo que se intentaba era acentuar el carácter reservado del personaje pero, para mí, les salió el tiro por la culata así que, si tenéis oportunidad, vedla en VOS que yo lo haré en cuanto pueda. No quiero acabar el repaso al reparto sin nombrar a Noomi Rapace, quizá la más floja de los tres pero no por culpa suya ya que, y quizá sería uno de los pocos peros que le pondría a La Entrega, está algo desaprovechada.

La Entrega es un estimable thriller con toques de cine negro que gustará a los que disfrutan de las películas con guiones trabajados que, literalmente, fluyen ante el espectador. No hay alardes técnicos ni visuales, “sólo” una historia sólida y un gran trabajo actoral. Acaba de ganar el premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián de 2014 y creedme cuando os digo que es totalmente merecido. Os doy un último dato por si aún tenías dudas sobre ella: el guión lo firma Dennis Lehane, escritor de Mystic River, Adiós, Pequeña Adiós y Shutter Island. De lo mejor que he visto este año.

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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
El corredor del laberinto
El corredor del laberinto (2014)
  • 5,9
    32.114
  • Estados Unidos Wes Ball
  • Dylan O'Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Will Poulter, ...
6
Entretenimiento que huye de los clichés habituales
El Corredor del Laberinto es otra de las, cada vez más abundantes, distopías que se pasean por las carteleras. Por si alguno os lo preguntáis, una distopía es un futuro imaginario totalmente indeseable en el que la sociedad vive dominada por un régimen totalitario, corrupto o similar. Algunas de las distopías cinematográficas más famosas son V de Vendetta, Hijos de los Hombres o la saga de Los Juegos del Hambre y, precisamente, hay quien relaciona El Corredor del Laberinto con la saga protagonizada por Jennifer Lawrence.

De entrada, los paralelismos que se han querido establecer entre Los Juegos del Hambre y El Corredor del Laberinto existen pero son meramente circunstanciales. Es cierto que comparten una esencia similar, por la temática y por el público al que van dirigidas ambas sagas, pero, si nos ponemos exquisitos, ese mismo paralelismo podríamos establecerlo con otra saga recién iniciada, la de Divergente, y con cualquier otra película de características similares. Pero en lo que sí se puede parecer esta película a la saga de Los Juegos del Hambre es en que el producto resultante es superior a la media. No quiero decir que El Corredor del Laberinto sea una maravilla pero, al menos, se ve que sus creadores han querido ir más allá y nos ofrecen una película entretenida, coherente y alejada de los típicos clichés del cine para adolescentes.

Personalmente, agradezco enormemente que se hayan dejado a un lado los estereotipos habituales en el cine juvenil porque es lo que más me espanta de este tipo de películas. Gracias a ello, los personajes resultan mucho más interesantes, no son planos y resultan creíbles. Además, el acento se pone en el desarrollo de la trama y se evitan los habituales romances forzados por lo que el espectador puede concentrarse en lo que realmente importa: el misterio que hay detrás. Y, la verdad, todo esto funciona muy bien durante la primera mitad de la película pero a medida que se van desvelando los secretos del laberinto, la tensión va decayendo y la película se limita a sentar las bases para lo que será la segunda parte de la saga. Siendo este el principal pero que tiene la película, en general, pesan más las virtudes por lo que la conclusión final es bastante positiva.

Si os gustan las películas de ciencia-ficción que muestran un futuro en el que daría pavor vivir y las historias repletas de acción y misterio, esta es vuestra película. No está a la altura de la mayoría de películas distópicas adultas pero el entretenimiento está garantizado.

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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Estudio de terror
Estudio de terror (1965)
  • 6,0
    260
  • Reino Unido James Hill
  • John Neville, Donald Houston, John Fraser, Anthony Quayle, ...
6
Duelo de titanes
En líneas generales, Estudio de Terror es una película correcta, bien llevada y bastante entretenida. El principal atractivo de la cinta es ver el duelo de titanes que se desarrolla entre uno de los detectives más famosos de la literatura, del cine y la televisión y uno de los asesinos más célebres de todos los tiempos. Los roles más importantes están bastante bien desarrollados, destacando Robert Morley como Mycroft Holmes y la presencia de una joven Judi Dench en uno de sus primeros papeles en el cine. Sobre John Neville, quien se encarga de dar vida a Sherlock Holmes, podemos decir que sin ser una de las mejores representaciones del detective, está más que correcto. Su Holmes es lo suficientemente arrogante y estirado pero a la vez inteligente y elegante como para que los fans de este personaje quedemos satisfechos con su interpretación. En cuanto a la identidad del asesino, permitidme que no comente nada ya que hasta el final no se desvela y si diese cualquier pista sobre ese personaje, gran parte de la gracia de la película desaparecería.
En ese sentido, en el referente al desarrollo de la trama, la película está bien expuesta. Estamos ante la típica cinta en la que cualquiera puede ser el asesino y, las cosas como son, hasta el último momento sospechas de todo el mundo. Me gustan mucho ese tipo de películas, tipo novela de Agatha Christie, en la que los indicios parecen no apuntar hacia un lugar concreto y Estudio de Terror es una de estas. También tiene a su favor lo bien hilados que están entre sí los datos referentes al detective de Baker Street y los referentes al destripador de White Chapel y, en ese sentido, ayuda mucho la ambientación, con una escenografía muy lograda (esas callejuelas llenas de niebla) y un muy buen diseño de vestuario.
Estudio de Terror no es una obra maestra ni la mejor película que podáis ver sobre Sherlock Holmes o Jack, el Destripador pero es una película que va a gustaros por su desarrollo pausado pero seguro, su buena ambientación y un puñado de actores que dan lo mejor de sí mismos para componer una historia entretenida que os transportará a la Inglaterra victoriana


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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
M, el vampiro de Düsseldorf
M, el vampiro de Düsseldorf (1931)
  • 8,3
    19.021
  • Alemania Fritz Lang
  • Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustaf Gründgens, Theo Lingen, ...
9
Cuando el cine sugería y no mostraba
La primera película sonora dirigida por Fritz Lang fue esta intensa cinta basada en las andanzas de Peter Kürten, un auténtico monstruo que mantuvo en vilo a todo Düsseldorf a finales de los años 20 y al que se le atribuyen, al menos, nueve asesinatos. En la película, el encargado de dar vida a este asesino fue el debutante Peter Lorre, quien hizo uno de los papeles más recordados de su carrera componiendo a un ser de aspecto inofensivo que vive dominado por sus impulsos criminales. Pero no quiero centrarme excesivamente en Peter Lorre ya que, en este caso, el asesino no es el protagonista de la película. Es más, ni siquiera lo son las víctimas porque, básicamente, lo que vamos a ver en M, el Vampiro de Düsseldorf son las consecuencias de los actos del asesino en la sociedad en la que vive y mata.

En M, el Vampiro de Düsseldorf no vamos a ver como el asesino mata a sus víctimas, no hay sangre, no hay gritos, sólo hay imágenes y silencios (que importantes son los silencios en esta película) que son los suficientemente impactantes como para que nos horroricemos pensando en lo que ese monstruo le hace a las niñas. El asesinato de Elsie Eckman lo vivimos desde la perspectiva de una madre que espera a una hija que nunca va a volver a casa y sabremos que Elsie ha muerto pero no porque veamos su cadáver sino por la constatación de su ausencia mediante los objetos que deja detrás. La muerte de Elsie marca el inicio de una película en la que Fritz Lang hace un estudio de como una sociedad que vive presa del miedo. Como digo, el protagonismo no está en el asesino porque lo que a Lang le interesa enseñarnos es como una comunidad se enfrenta a unos hechos que remueven la conciencia de cualquier ser humano y, para ello, Lang pone el foco en tres grupos de personas: los habitantes de la ciudad, la policía y el hampa.

No es difícil ponerse en la piel de la gente de Düsseldorf y entender la psicosis que atenaza a esas personas. Esa psicosis que les lleva a sospechar de todo el mundo y a buscar culpables en cada esquina y de ahí a los linchamientos públicos hay tan sólo un paso. La policía, hace lo que puede por dar con la pista de un asesino sigiloso y cuidadoso como pocos y, por ello, intensifica los registros y las redadas, provocando el malestar de los bajos fondos quienes optan por tomar cartas en el asunto y buscar también al asesino demostrando que este tipo de crímenes no son tolerados ni por los que viven al margen de la ley.

En el momento en el que la trama se centra en los intentos de la policía y el hampa por dar con el asesino y, sobre todo, cuando el cerco se va cerrando sobre Peter Lorre, es cuando Lang nos anuncia las alegrías que tiene reservadas para ese género nunca suficientemente ponderado llamado cine negro. La caza al hombre a la que asistimos en la parte final de la película es totalmente sobrecogedora y sólo podía ser coronada con un final que nos hace plantearnos quien es el verdadero monstruo.

M, el Vampiro de Düsseldorf es una película dura que se beneficia de los logros del expresionismo cinematográfico y del recién estrenado sonido para componer un juego de luces/sombras y sonidos/silencios que no dejarán indiferente a nadie. Está considerada como una de las obras maestras del cine de todos los tiempos y aún no he conocido a nadie que no le dé el valor artístico que tiene. Cine con mayúsculas.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre de mimbre
El hombre de mimbre (1973)
  • 7,0
    5.461
  • Reino Unido Robin Hardy
  • Edward Woodward, Christopher Lee, Britt Ekland, Diane Cilento, ...
7
Atmósfera pura
The Wicker Man está considerada una película de culto casi inclasificable y estoy bastante de acuerdo con esa consideración. Toca una serie de temas controvertidos entre los que el principal es el ocultismo y la película está plagada de dobles sentidos y paradojas. En esencia, no es más que una variante de la contraposición bien/mal pero presentada de una manera un tanto compleja ya que es más fácil identificarse con los antagonistas que con el supuesto héroe.

Lo que más llama la atención de The Wicker Man es que es atmósfera pura. Desde que el personaje de Edward Woodward pone un pie en la isla es como si hubiéramos sido transportados a un lugar totalmente distinto a los que podamos haber conocido hasta la fecha. Las canciones, la belleza de Britt Ekland, las ceremonias paganas…todo ello nos embriaga de tal manera que sólo pensamos en dejarnos llevar y unirnos a la fiesta. Enlazando con este aspecto está el hecho que comentaba más arriba sobre que era más sencillo simpatizar con “los malos” porque son seductores, amables y más abiertos de mente mientras que “el bueno” nos lo presentan como un cretino maleducado e irrespetuoso con las creencias distintas a la suya. De este modo, es casi inevitable no caer subyugado por los encantos de la isla a pesar de que somos conscientes de que hay mucho más de lo que nos cuentan. Incluso en el momento en que entramos en el clímax de la película, que es cuando empezamos a descubrir los secretos más ocultos de la isla (con Macguffin incluído) nos sentimos, aún más, sí es posible, atrapados por The Wicked Man. Somos conscientes de que lo que vemos es censurable, no está bien, no debería ser así, pero nos da igual porque seguimos bajo el influjo del rito pagano de la isla de Summerisle.

Christopher Lee está enorme y nos ofrece una de sus mejores interpretaciones, no en vano, el mismo dice que The Wicked Man es una de sus películas favoritas, aunque, a nivel global, quienes más llaman la atención son las mujeres del reparto. Los personajes femeninos de esta película, entre los que destacan los papeles de Britt Ekland, Ingrid Pitt y Diane Cilento, son la viva imagen de lo que sugiere la isla. Son atractivas, seductoras y encantadoras pero esa apariencia tan agradable no evita que nos demos cuenta de que tienen un lado oscuro. Como claro ejemplo de lo que nos ofrecen las mujeres de The Wicker Man, el sensual baile que Britt Ekland le dedica Edward Woodward.

Creo que The Wicker Man es una gran película a la que el tiempo, poco a poco, va haciendo justicia. Hay varias versiones de la película e, incluso, recientemente se ha descubierto una más y todo esto, lo único que consigue, es darle un halo de misticismo a una película que, ya de por sí, tiene bastante de eso. Recomendable por completo.

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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gorgo
Gorgo (1961)
  • 4,7
    112
  • Reino Unido Eugène Lourié
  • Bill Travers, William Sylvester, Vincent Winter, Christopher Rhodes, ...
3
Bodriete simpático
Gorgo es un bodriete simpático, sin más. Las actuaciones son para olvidar (pero por completo) y la criatura no aporta nada nuevo ya que es del tipo dinosaurio bípedo con muy mala leche ya visto en repetidas ocasiones. Es una monster movie de libro, siendo las partes más "espectaculares" la primera aparición de la bestia y la destrucción de Londres a manos de la madre, donde el cartón piedra luce que da gusto. La escasez de medios se hace patente en la utilización de metraje militar previamente rodado. Canta por bulerías cada vez que aparece pero se conoce que había que economizar por narices.

Mi conclusión: me esperaba algo más. A los mandos de esta cosa estaba Eugène Lourié, director especializado en serie B que debutó con un título tan interesante como es El Monstruo de los Tiempos Remotos y que, además, fue un renombrado director artístico y diseñador de producción que trabajó en títulos tan importantes como La Gran Ilusión (Jean Renoir), Candilejas (Charles Chaplin) o Corredor sin Retorno (Samuel Fuller). Tampoco debió quedar muy conforme con ella el propio Lourié ya que Gorgo fue la última película que dirigió. Visto lo visto, sabía elección.

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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El gabinete del doctor Caligari
El gabinete del doctor Caligari (1920)
  • 8,1
    18.397
  • Alemania Robert Wiene
  • Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, ...
8
Cuando el cine se hizo arte
El Expresionismo fue un movimiento cultural que se desarrolló en la Alemania de principios del siglo XX y que tuvo manifestaciones en varios campos artísticos entre los que se encuentra el cine. Dentro del denominado cine expresionista alemán encontramos producciones de directores tan importantes como Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) o Fritz Lang (1890-1976) pero la que es considerada primera película de este movimiento, El Gabinete del Doctor Caligari, no la dirigió ninguno de ellos sino el no tan conocido Robert Wiene.

El Gabinete del Doctor Caligari tiene una trama compleja pero con esto no quiero decir que sea una película difícil de entender sino que su trama tiene muchas lecturas e interpretaciones. La propia estructura de la cinta, con un prólogo en el que una de las víctimas del doctor Caligari nos cuenta su terrible historia y un epílogo en el que un sorprendente giro de guión le da la vuelta a todo lo que habíamos visto antes, contribuye a fomentar esa complejidad a la que aludo.

Pero si hay algo que hace verdaderamente especial a esta película es su concepción del cine como arte, de manera que la pantalla se acaba convirtiendo en un gran lienzo en el que el artista pinta. Y en este caso fueron muchos los que “pintaron”. En primer lugar están Hans Janowitz y Carl Mayer, un tandem de guionistas que opinaban que el cine era un vehículo estupendo para remover conciencias y, por ello, se pusieron manos a la obra para escribir el guión de una película basándose en sus propias experiencias. El resultado fue un guión que puede ser tanto una metáfora de la situación en la que se encontraba la Alemania del periodo de entreguerras como un aviso de lo que pasará en años posteriores con el ascenso de los totalitarismos. No menos importante fue la labor de Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig, los artífices de una escenografía que sigue estando muy presente en el cine actual como nos recuerda muy a menudo, por ejemplo, Tim Burton.
Capítulo aparte se merece Robert Wiene, el director de El Gabinete del Doctor Caligari. Wiene tenía formación teatral y estaba muy al tanto de lo que estaba haciendo ya Paul Wegener (El Estudiante de Praga, El Golem) por eso, cuando le dieron la oportunidad de participar en un proyecto de tales características, no la desaprovechó. La realidad es que el productor Erich Pommer quería que la película fuera dirigida por Fritz Lang pero, como éste estaba ocupado con otro proyecto (Las Arañas) el destino quiso que el encargo llegase a manos de Robert Wiene. Nunca sabremos si El Gabinete del Doctor Caligari hubiera sido tan genial en manos de Lang como en manos de Wiene pero la realidad es que esta es película fue crucial en el cine posterior.

Y fue crucial por poner sobre la mesa una serie de características que serán más o genéricas a las películas que se adscriben en este movimiento. El Expresionismo cinematográfico busca distorsionar la realidad y de ahí que sean tan importantes el maquillaje en los actores (quienes, además, tienden a exagerar sus reacciones), el decorado (predominan los interiores sobre los exteriores) y la iluminación (esencial el dúo luces/sombras). Todos estos elementos ayudan a crear esas atmosferas agobiantes que tan habituales son en el Expresionismo y que en el caso de El Gabinete del Doctor Caligari es un elemento básico en la película. Este movimiento tuvo una gran influencia en el cine posterior tanto a nivel global (el cine negro es su claro deudor) como a particular, ya que la filmografías de Alfred Hitchcock u Orson Welles no serían lo mismo si no hubiera existido este movimiento.

Por todo esto, porque es un título clave en el cine de terror y porque es una obra maestra con todas las letras, tenéis que ver esta película.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Niño
El Niño (2014)
  • 6,1
    34.213
  • España Daniel Monzón
  • Jesús Castro, Luis Tosar, Eduard Fernández, Jesús Carroza, ...
6
Pudo ser y no fue
La verdad es que no me extraña que la gente haya ido en masa al cine a ver esta película. Por un lado, tenemos una persistente (incluso cansina) campaña publicitaria que lleva meses metiéndonosla por los ojos, y por otro lado, están las críticas tan positivas que hemos ido viendo y, sobre todo, los nombres involucrados en el proyecto. Vamos a dejar de lado todo lo relacionado con las críticas positivas porque sabemos que, en muchas ocasiones, algunas de ellas no tienen por qué ser parciales. Pero lo que sí es un hecho es que en El Niño hay nombres de mucho peso en el cine español de los últimos años.

En mí caso, más que la campaña publicitaria, qué no es más que intentar venderte un producto a toda costa, lo que me más me llamaba la atención de El Niño era su reparto. No es ninguna novedad decir lo buenos actores que son Luis Tosar, Eduard Fernández y Sergi López pero no puedo por menos que recordarlo y decir que cumplen a la perfección con lo que se espera de ellos. La mala noticia es que no son ellos los que articulan el eje conductor de la película porque de eso se encarga el debutante Jesús Castro y la realidad es que no hay color.

Y esto es lo peor que tiene El Niño porque no es una mala película pero se queda a medio camino de ser algo grande. Y todo por hacer protagonista de la cinta a alguien que no tiene la fuerza suficiente para hacerlo. La realidad es que la película está bien filmada y desarrollada, la historia es atractiva y tiene unas secuencias de acción que certifican que los seis millones de euros de presupuesto con los que contaba la película están muy bien invertidos pero todo esto no impide que cada vez que los actores veteranos desaparecen de la acción, la cinta cojea.

Las cosas como son, pero los componentes de la pareja protagonista son tan atractivos como inexpresivos. Desconozco a que se debe la elección de Jesús Castro para el papel de El Niño (hay por la red opiniones para todos los gustos y la mayoría van en la misma línea) pero darle tanto protagonismo es un gran error que provoca que la película no llegue a ser el estimable thriller que llevaban meses vendiéndonos.

A pesar de todo, creo que es una película que merece la pena ver. Tiene un lastre bastante importante a nivel interpretativo pero eso no quita para que lo demás sea de lo más destacable que hemos visto en el cine español en lo que va de año.

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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rebeca
Rebeca (1940)
  • 8,3
    34.142
  • Estados Unidos Alfred Hitchcock
  • Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, ...
9
La alargada sombra de Rebeca
Rebeca marcó un antes y un después en la carrera de Alfred Hitchcock porque fue la primera película que rodó en Estados Unidos. Hitchcock llegó a América de la mano de David O. Selznick, el productor de Lo que el Viento se Llevó, y su entrada se produjo por la puerta grande ya que Rebeca se llevó el Oscar a la mejor película. Rebeca es una adaptación de la novela homónima de Daphne du Maurier y esta no será la única que encontraremos en la filmografía de Hitchcock ya que tanto La Posada de Jamaica (1939) como Los Pájaros (1963) estarán basados en escritos de la autora inglesa.

Uno de los grandes aciertos de Rebeca es Joan Fontaine. Decir que una actriz nos ofrece una interpretación creíble no debería ser ninguna novedad pero la verdad es que Joan Fontaine va más allá y nos regala una segunda señora de Winter apocada e insegura que siente que nunca podrá estar a la altura de la deslumbrante Rebeca. Pero, hay que reconocer, que, en este caso, el mérito no es sólo de la actriz. Hitchcock era único creando atmósferas y se propuso hacer todo lo posible por crear un ambiente, tanto dentro de la película como fuera de ella, que hiciera palpable todo lo que el personaje de Joan Fontaine tenía que trasmitir. Así, por ejemplo, el rodaje no fue muy fácil para la actriz, quien lo pasó bastante mal por culpa de los desplantes que le hacía Laurence Olivier. Este malestar de Joan Fontaine fue fomentado por Alfred Hitchcock (le dijo que todo el equipo la odiaba) para provocar en ella un estado muy similar al de su personaje.

Además de grandes interpretaciones, en el cine de Hitchcock hay una serie de constantes que también vamos a ver en esta película como son el consabido giro argumental y las tramas perturbadoras con connotaciones sexuales casi enfermizas. Es cierto que en Rebeca esas connotaciones sexuales no son tan explícitas como en obras posteriores pero no cabe duda que la relación entre la inquietante Danvers (Judith Anderson) y la difunta Rebeca era de lo más insana. La verdad es que no es de extrañar que hayan corrido ríos de tinta sobre Hitchcock y como representaba a las mujeres en el cine porque queda patente que la visión que el director tenía del género femenino estaba muy viciada.

Rebeca es una obra maestra nacida del talento de uno de los directores más grandes que haya existido nunca. No sólo la recomiendo, es que debería ser obligatorio su visionado para cualquiera que se autodenomine aficionado al cine.

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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Satanás
Satanás (1934)
  • 6,5
    1.226
  • Estados Unidos Edgar G. Ulmer
  • Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners, Julie Bishop, ...
6
El terror tiene dos caras
Durante los años 30 hubo una pareja de actores del cine de terror que despuntaban por encima del resto, Boris Karloff y Bela Lugosi. Por separado, eran un importante reclamo en taquilla por lo que era cuestión de tiempo que la Universal les hiciera coincidir en la misma película. Finalmente, acabarían trabajando juntos en ocho ocasiones entre las que se cuentan El Cuervo, La Sombra de Frankenstein o la película que ocupa esta entrada, Satanás, que fue la primera película en la que compartieron pantalla.

Satanás se inspira en el cuento El Gato Negro, escrito por Edgar Allan Poe en 1843. La verdad es que hay poco del cuento en la película así que aprovecho y os lo recomiendo porque seguramente sea uno de los más escalofriantes que escribió Poe. Como digo, relato y película no tienen mucho que ver pero si en algo coinciden es en el terror que provocan ambas historias. La verdad es que, y sin que sirva de precedente, el título que se le puso en España al traducir el original es mucho más acertado que el que tenía en origen porque el tema del satanismo tiene mucho más peso en el desarrollo del film que el gato negro al que alude el título.

La mala noticia es que esta película tiene una serie de fallos que hacen que el resultado final no sea precisamente redondo. El guión apunta maneras pero no está muy bien hilvanado. Además, los personajes no tienen casi profundidad de manera que entre el guión pobre y los personajes a medio esbozar, hay momentos en los que casi ni comprendemos que es lo que pasa en pantalla. Si a todo esto le unimos que el clímax final es demasiado apresurado, tenemos como resultado una película que quiere abarcar mucho pero que se limita a arañar la superficie. Y es una auténtica pena porque hay unos cuantos detalles que podrían haber conseguido que Satanás fuese una auténtica cima del cine de terror de todos los tiempos.

Entre esos detalles a destacar que podemos ver en Satanás está la presencia de temas tan atrevidos y escabrosos, como la necrofilia o los rituales satánicos pero, sobre todo, la escena final del enfrentamiento entre Boris Karloff y Bela Lugosi. Cómo ya os podéis imaginar, no hay violencia explícita en la película pero, de todos es sabido, que muchas veces no hace falta enseñar ni una sola gota de sangre para conseguir aterrorizar a los espectadores y esta escena es de esas. Pero no penséis que esa escena final a la que aludo es lo único terrorífico de la película porque tan inquietante es esta como la de la ceremonia satanista o la de la primera visión del sótano de la mansión de Karloff.

A pesar de todos sus fallos, Satanás es una película altamente recomendable que gustará a los amantes del cine de terror de los años 30, a los fans de Karloff y Lugosi y a los que devoran cualquiera de las producciones de la Universal en su época dorada.

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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El doble asesinato en la calle Morgue
El doble asesinato en la calle Morgue (1932)
  • 6,4
    900
  • Estados Unidos Robert Florey
  • Bela Lugosi, Sidney Fox, Leon Ames, Bert Roach, ...
7
Respetando la esencia de Edgar Allan Poe
La película se inspira en el relato escrito en 1841 Los Crímenes de la Calle Morgue y, aunque se toma unas cuantas licencias con respecto al original, creo que capta muy bien la esencia de la obra de Poe. Estamos ante una película tan macabra como truculenta pero que en ningún momento cae en la vulgaridad de mostrar y no sugerir. Esto mismo pasa en los escritos de Poe, quien era capaz de hacernos sentir los horrores más inimaginables sin tener que recurrir al efectismo sanguinario. El Doble Asesinato en la Calle Morgue es una película atrevida, o al menos, lo que nos llegó de ella porque la propia productora, la famosa Universal, recortó parte del metraje para eliminar algunas escenas especialmente violentas. Viendo el resultado final, en el que hay tramos verdaderamente impactantes, es inevitable pensar que, en su origen El Doble Asesinato en la Calle Morgue tuvo que ser una película aterradora.

Bela Lugosi estaba en lo más alto de su carrera cuando rodó esta película y se nota. El año anterior había protagonizado Drácula (Tod Browning) y en este mismo año rodaría dos películas clave para el género de terror: La Legión de los Hombres sin Alma (Victor Halperin) y La Isla de las Almas Perdidas (Erle C. Kenton). Su papel en El Doble Asesinato en la Calle Morgue es el de un mad doctor de manual, malvado como pocos y con la máxima de que el fin justifica los medios como bandera. Su experimento es especialmente siniestro y, precisamente, en su laboratorio es donde asistiremos a los momentos más perturbadores del film. Clave en ese experimento es el simio que lo acompaña, quien protagonizará una serie de escenas bastante estimables que podemos considerar precursoras de lo que veremos en 1933 en King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack).

Pero Lugosi no es el único talento que participó en esta película ya que detrás de las cámaras trabajaron figuras tan importantes en el cine de terror de los 30 como Karl Freund, director de La Momia y Las Manos de Orlac o Carl Laemmle Jr., productor de Drácula, Frankenstein o El Hombre Invisible entre otras. Concretamente, creo que la presencia de Karl Freund, quien conocía de primera mano el Expresionismo alemán, fue vital para la película ya que es innegable lo que le debe la película a esta corriente cinematográfica que se desarrolló en las primeras décadas del siglo XX.

Cómo os podéis imaginar, os recomiendo ver la película. Quizá no sea una de las adaptaciones cinematográficas de Edgar Allan Poe más conocidas, pero, sin duda, merece ser reivindicada porque tiene un montón de cualidades que cualquier aficionado al género apreciará.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La mansión de Drácula
La mansión de Drácula (1945)
  • 5,3
    311
  • Estados Unidos Erle C. Kenton
  • Lon Chaney Jr., John Carradine, Martha O'Driscoll, Lionel Atwill, ...
6
Los viejos rockeros nunca mueren (o sí)
Los años 30 fueron, objetivamente, los años dorados de la Universal pero ello no significó que durante los 40 no siguieron dando guerra. Precisamente fue durante esa década en la que popularizaron una nueva fórmula, la del cóctel de monstruos. El cóctel de monstruos no es más que la reunión de algunos de los monstruos clásicos de la Universal en la misma película. La primera película de estas características fue Frankenstein y El Hombre Lobo (1943) a la que siguieron La Zíngara y los Monstruos (1944) y la que hoy nos ocupa: La Mansión de Drácula (1945).

Esta película es un claro ejemplo de que ya, en aquellos años, intentaban explotar económicante las fórmulas exitosas sin plantearse si el modelo seguía dando de sí o no. En mi opinión este tipo de películas eran totalmente prescindibles pero, por pura nostalgia, de vez en cuando apetece verlas.

Dentro de lo poco que aporta el género, la película tiene alguna cosilla interesante. Por ejemplo, la evolución del Dr. Edelmann, quien, cuando acaba convirtiéndose en una especie de Dr. Jekyll/Mr. Hyde, nos ofrece un mad doctor de lo más interesante. También es un auténtico acierto Lon Chaney Jr. como Lawrence Talbot, siendo su conversión en hombre-lobo uno de los momentos más destacables del film. De todos modos, si me tengo que quedar con un pasaje, me decantaría por la escena de los aldeanos sedientos de venganza y provistos de antorchas, todo un clásico en estas películas.

En el lado contrario está John Carradine, que no emociona nada como Drácula, o Poni Adams, cuyo personaje de la jorobada Nina acaba pareciendo cómico. La presencia de la criatura de Frankenstein es prácticamente testimonial para sumar monstruos al reparto y es una pena tener entre el reparto al gran Lionel Atwill y que aparezca tan sólo en un par de escenas.

En conjunto, es una película bastante floja cuya pretensión parece ser más la auto-parodia que producir terror entre los espectadores. No aporta nada, es más de lo mismo y ni siquiera los monstruos que aparecen en ella son memorables. Ideal para nostálgicos del género.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blood Lake: Attack of the Killer Lampreys (TV)
Blood Lake: Attack of the Killer Lampreys (TV) (2014)
  • 2,4
    177
  • Estados Unidos James Cullen Bressack
  • Shannen Doherty, Christopher Lloyd, Jason Brooks, Zack Ward, ...
2
Lampreas asesinas descerebradas
Decir The Asylum es decir cine de (muy) bajo presupuesto, con efectos especiales de saldo, argumentos delirantes y viejas glorias pasadas de moda que aceptan cualquier oferta de trabajo porque de algo que hay que vivir. Decir The Asylum es hablar de títulos tan casposos como Transmorphers o Mega Piranha, ya que es muy habitual en esta productora adelantarse a los estrenos de los grandes estudios ofreciendo su propia versión de la historia pero con mucho menos dinero y demasiada imaginación. Pero la productora The Asylum está también detrás de títulos tan conocidos por los fans de la serie B como Mega Shark vs. Giant Octopus o, sobre todo, la saga Sharknado. Lo malo es que, en general, sus películas son auténticos bodrios sólo soportables por los amantes de este tipo de cine y precisamente uno de los últimos bodrios que esta productora se ha sacado de la chistera ha sido la que hoy nos ocupa, Lago Sangriento o Blood Lake: Attack of the Killer Lampreys.

Lo más llamativo de esta tv movie es la cantidad de rostros conocidos que vemos desfilar por ella y lo anormalmente increíble que es todo lo que en ella pasa. El reparto lo encabezan Shannen Doherty, uno de los rostros más reconocibles de la televisión de los 90 gracias a su participación en series como Sensación de Vivir o Embrujadas, y Jason Brooks, también estrella televisiva de los 90 al que pudimos ver en Días de Nuestra Vida y Los Vigilantes de la Playa. Pero no van a ser las únicas caras conocidas porque también vais a poder ver a Christopher Lloyd, el inolvidable Doc de la saga Regreso al Futuro, haciendo el típico papel de político que no asume la situación, tan habitual en este tipo de producciones.
Detalle friki donde los haya es el cameo de Jeremy Wade. Jeremy Wade es el conductor de un programa documental que en España emite Discovery Max llamado Monstruos de Río. En este programa, Wade viaja por el mundo en busca de peces fluviales que, por sus características, poco tienen que envidiar a los protagonistas de algunas cintas de terror acuático. En este caso, en la película, el papel de Wade está inspirado en su propia profesión ya que interpreta a un experto en lampreas. Curiosamente, en la quinta sesión de Monstruos de Río, hay un capítulo dedicado a las lampreas llamado Vampires of the Deep.

Como decía, la película tiene un argumento totalmente increíble. Ya sé que en este tipo de películas suelen pasar cosas absolutamente surrealistas pero es que lo de esta tv movie es de traca por una simple razón: se supone que las lampreas son normales. Me explico. Lo habitual en una monster movie protagonizada por animales es que estos sean animales potencialmente peligrosos (tiburones, cocodrilos) o animales que sufren algún tipo de mutación que los hace ser más peligrosos de lo que suelen ser. Pero, en este caso, no ocurre nada que justifique la actuación de las lampreas. Desconozco si las lampreas pueden llegar a atacar al ser humano pero lo que dudo mucho que puedan hacer es pasearse por la calle y recorrer una distancia considerable de terreno en el que no hay ni una gota de agua. Y lo que es peor, todas estas situaciones tan increíbles se desarrollan sin el menor sentido del humor. Y por ahí no paso. Yo puedo creérmelo todo en este tipo de producciones pero lo que no tolero es que pretendan darle seriedad y empaque a un producto que no lo tiene. En este tipo de películas hay dos caminos, el serio y el cachondo, y hay que tener mucho talento detrás para conseguir hacer una monster movie seria que no acabe dando pena. Evidentemente, este no es el caso.

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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lucy
Lucy (2014)
  • 5,2
    39.281
  • Francia Luc Besson
  • Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked, ...
5
Locura visual
"Lucy" es un thriller repleto de acción con unos cuantos toques de ciencia-ficción. La película es una auténtica locura en la que lo visual prima por encima de lo demás. Para mi gusto, el espectáculo que nos presenta Luc Besson es demasiado aparatoso pero el resultado convence y, por momentos, entretiene. Y digo que entretiene por momentos por una sencilla razón, porque llega un momento en que la incoherencia que tenemos delante aburre. La realidad es que la película en su totalidad es como una especie de metáfora del efecto de las drogas en el organismo, al principio te engancha y te atrae pero llega un momento en que todo deja de tener sentido y quieres que se acabe y eso mismo pasa con "Lucy".

En la parte positiva hay varios aspectos. Además del citado apartado visual, la estructura de la película es muy beneficiosa para su desarrollo, ya que se intercala la trama de carácter científico protagonizada por Morgan Freeman con la de la evolución del personaje de Scarlett Johansson, sirviendo una de antesala para la otra. También las escenas de acción son bastante llamativas y se nota que detrás de ellas hay un experto en el tema pero una de las facetas de la película que más me ha gustado ha sido su aire a lo "Kill Bill". Tanto la búsqueda de venganza de Scarlett Johansson como algunas de las escenas de acción protagonizadas por los secuaces de Choi Min-sik, al menos a mí, me traen ecos de la película de Quentin Tarantino.

Lo malo es lo que digo, que llega un momento que tanta locura, cansa. Quizá por ello, la duración de la película no es excesiva y es algo que se agradece. Es una película vistosa pero prescindible que sólo recomiendo a los que disfruten con las películas repletas de acción e incoherencias.

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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El retorno del vampiro
El retorno del vampiro (1943)
  • 5,7
    73
  • Estados Unidos Lew Landers
  • Bela Lugosi, Frieda Inescort, Nina Foch, Miles Mander, ...
6
Nadie luce los colmillos como Bela Lugosi
Bela Lugosi vuelve a meterse nuevamente en la piel de un vampiro y nos regala una de sus mejores interpretaciones en los años 40. Y lo mejor de todo, es que el resto acompaña porque "El Retorno del Vampiro" es una película de lo más interesante. ya es bien sabido que la década dorada del cine de monstruos clásicos fue la de los años 30. En los 40 la fórmula parecía estar agotada y la mayoría de producciones de esos años no merecen la pena por eso es de lo más estimulante encontrarse con películas como "El Retorno del Vampiro", que tratan el tema con seriedad y son capaces de crear una atmósfera de lo más creíble.

La verdad es que es innegable la deuda que "El Retorno del Vampiro" tiene con "Drácula" (Tod Browning, 1931) pero, en vez de limitarse a hacer una copia o un reinterpretación de esta película, "El Retorno del Vampiro" tiene la solidez suficiente como para ser un film con entidad propia que gustará a los fans del género.

Posiblemente, las interpretaciones sean uno de los pilares de esta película ya que se nota que los actores estaban comprometidos con el film. Además del gran Lugosi, en esta cinta encontramos rostros conocidos por los aficionados al cine de terror como son Frieda Inescort (The Alligato People, The She-Creature) o Nina Foch (Cry of the Werewolf), incluso el director Lew Landers tiene en su haber títulos tan interesantes como "El Cuervo" (1935) o "Que viene el coco" (1942).

Como detalles a destacar, la presencia de un licántropo (Matt Willis) como sirviente del vampiro, lo cual nos ofrece la posibilidad de ver un par de transformaciones, la ambientación, sobre todo la del cementerio, y la confrontación entre los que creen y los que no creen en los vampiros, confrontación de la que se acaba haciendo partícipe al espectador.

En general, película bastante recomendable. Está bien construida, tiene coherencia y Lugosi está en plena forma en el tipo de papel en el que era especialista.

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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La taberna del irlandés
La taberna del irlandés (1963)
  • 6,9
    4.125
  • Estados Unidos John Ford
  • John Wayne, Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, ...
8
Bienvenidos al paraíso
Si pensamos en John Wayne, nos vienen a la cabeza un montón de grandes películas enclavadas en el género americano por excelencia, el western. Pero John Wayne no era sólo un tipo de duro al que el revólver y el sombrero de cowboy le sentaban como un guante, también era capaz de regalarnos papeles con una vis cómica que ya quisieran tener muchos de los que, hoy en día, se autodenominan comediantes. La Taberna del Irlandés, es un claro ejemplo de este talento para la comedia que tenía el legendario actor.

La principal fortaleza de esta película es el contar con un reparto tan atractivo que, además, tiene tan buena química entre sí. Las escenas entre John Wayne y Lee Marvin son dinamita pura, y no sólo porque casi siempre acaben a golpes entre sí, pero las escenas que comparten John Wayne y Elizabeth Allen no se quedan atrás. La verdad es que la tensión sexual que se plantea entre ambos personajes es de los pilares de la película y sus enfrentamientos dialécticos son dignos de cualquiera de las muchas comedias de lucha de sexos que hemos visto a lo largo de la historia del cine. Recomiendo especialmente la escena en la que ambos personajes se retan nadando, una delicia.

También hay que destacar un par de personajes secundarios porque, tan sólo con su presencia, le dan un punto exótico muy atractivo a la película. Me refiero a César Romero y Dorothy Lamour quienes, además de exotismo, aportan glamour y algunos de los momentos más cómicos de la cinta.

Hay un elemento, totalmente ajeno a la película en sí, que es esencial: el escenario. Desde el primer momento, planea en el ambiente la sensación de que en esta parte del mundo la vida tiene otro ritmo y John Ford es muy hábil poniéndolo de manifiesto desde el principio: con la música, con las localizaciones de ensueño… De esa manera nos sentimos igual que el personaje de Elizabeth Allen, quien, poco a poco, va cayendo bajo el influjo de la isla y sus gentes.

La Taberna del Irlandés no es ninguna obra maestra aunque yo ya he perdido la cuenta de veces que he visto esta película. Es cine clásico sin muchas pretensiones, bien hecho, divertido, entretenido y para lucimiento de sus protagonistas pero tiene encanto y viene de perlas para viajar al paraíso sin levantarse del sofá de casa. Recomendable por completo.

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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Guardianes de la galaxia
Guardianes de la galaxia (2014)
  • 6,9
    56.825
  • Estados Unidos James Gunn
  • Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, ...
7
Mi nueva franquicia Marvel
Hay dos cosas que me han convencido de que "Guardianes de la Galaxia" va a ser mi franquicia de cabecera del universo Marvel: la nostalgia que destila y su humor gamberro. Lo de la nostalgia se ve desde el primer momento, con el prólogo ambientando en los años 80 y, sobre todo, con la selección musical. Desconozco quién habrá sido el encargado de elegir las canciones que aparecen en la película pero esa selección me ha remitido inmediatamente a la que suele hacer Quentin Tarantino. De hecho, la canción Hooked on a Feeling de Blue Swede también pudimos disfrutarla en esa maravilla que es "Reservoir Dogs".

Sobre el humor, qué decir. En este tipo de cine de héroes y superhéroes abundan mucho los graciosos pero no tanto la gracia y esta vez los actores hacen gracia de verdad. No es que sean unos bufones ni la película una comedia pero el halo de gamberros y perdedores que tienen los personajes hacen que conectes con ellos desde el primer momento. La verdad es que la película es fresca en ese sentido porque da la sensación de estar libre de las habituales solemnidades de este género. En ningún momento se nos presenta a los personajes como unos héroes, son unos pringaos (ellos mismos se autodenominan así) que, en el fondo, tienen buen corazón y deciden luchar por lo que creen que es justo.

En general, me parece un buen inicio de saga. Nos dan a conocer lo justo de los personajes como para que nos interese su devenir en esta entrega pero, también, como para que queramos saber más de ellos en siguientes películas. Creo que "Guardianes de la Galaxia" mezcla de manera inteligente humor, acción y personajes carismáticos y, por ello, va a tener buena acogida entre los que estamos un poco hartos de ver más en lo mismo en este tipo de películas. Qué cuenten conmigo para la segunda parte.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aullidos
Aullidos (1981)
  • 6,1
    3.787
  • Estados Unidos Joe Dante
  • Dee Wallace, Patrick MacNee, Dennis Dugan, Christopher Stone, ...
6
Film de culto por derecho propio
Raro es el año en que no coinciden en cartelera películas de temáticas similares. Por ejemplo, este año se estrenarán dos películas sobre la figura de Hércules, el año pasado encontramos dos con asaltos ambientados en la Casa Blanca… Si alguna vez os habíais preguntado si esto pasaba hace años, ya os adelanto que en 1981 se dio la feliz coincidencia de ser estrenadas dos de las películas de licántropos más reconocidas de todos los tiempos: "Un Hombre Lobo Americano en Londres" de John Landis y "Aullidos" de Joe Dante.

"Aullidos" tiene dos partes diferenciadas pero muy bien interconectadas. Por un lado, está la parte inicial, en la que la mítica Dee Wallace (E.T., el Extraterrestre, Robocroc) pasa las de Caín por culpa de un asesino en serie. Ojito a la escena en la cabina del sex-shop que tiene un punto feista de lo más malrollero (muy del gusto de cintas de los setenta como La Matanza de Texas), feísmo que volveremos a encontrar más adelante, ya en la otra parte, la ambientada en “La Colonia”, que es en la que todo lo relacionado con la licantropía aparecerá en escena.

Algo en lo que esta película es sobresaliente es en cuanto a los guiños a los fans del cine de terror. Lo más destacable es el nombre de algunos de los personajes, que son tomados de los de algunos reconocidísimos directores de cine de terror: George Waggner (El Hombre Lobo,1941), Erle C. Kenton (La Mansión de Drácula, 1945) o Freddie Francis (Drácula Vuelve de la Tumba, 1968). Incluso el nombre de un personaje femenino, el de Belinda Balaski, es Terry Fisher que nos hace pensar, inevitablemente, en el gran Terence Fisher (Drácula, 1958). A esto hay que añadir la presencia de rostros tan relacionados con el cine de terror como son John Carradine (La Mansión de Frankenstein, La Mansión de Drácula), Kevin McCarthy (La Invasión de los Ladrones de Cuerpos), Kenneth Tobey (El Enigma de Otro Mundo, It Came from Beneath the Sea) o Dick Miller, ese actor al que siempre esperamos ver en cada película que rueda Joe Dante y que siempre ha sido un habitual del cine de Roger Corman. Precisamente Roger Corman protagoniza un cameo en la película y es que Joe Dante se inició en el mundo del cine de la mano del genio del cine de bajo presupuesto.

Otro aspecto sobresaliente es la apariencia de los hombres-lobo y, sobre todo, la principal trasformación que veremos en pantalla. Para mi gusto es demasiado larga pero eso no le resta espectacularidad a lo que vemos. La verdad es que, en ese sentido, tanto Aullidos como Un Hombre Lobo Americano en Londres marcaron un antes y un después. Una lástima que ahora los licántropos más modernos sean hechos enteramente por ordenador o, directamente, se opte por convertirlos en lobos porque esos efectos especiales que algunos consideran tan rudimentarios eran todo un logro digno de admiración (y más sabiendo el rídiculo presupuesto con el que contaba Rob Bottin para realizar su trabajo).

En resumen, me parece una más que estimable cinta de terror de los años ochenta que demuestra que su director Joe Dante es un buen conocedor de las reglas del cine de terror de todos los tiempos. Imprescindible para amantes de la serie B y del cine de licántropos.

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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil