Leí hace poco de un crítico importante una frase sobre esta película que engloba mi sentimiento hacia ella:

"¿Quién habría sospechado que una truculenta y perturbadora investigación policíaca para descubrir a un asesino en serie tendría un parecido tan asombroso con una obra de arte?

- Yo nunca lo sospeché y fue precisamente eso lo que elevó el grado de sorpresa al ver esta película, pero en seguida de verla uno puede afirmar con toda seguridad de que en verdad se trata de una obra de arte.

La oscuridad nunca brilló tanto, el viaje comienza desde los títulos de crédito experimentales, es un viaje sin retorno.

El asesinato es la forma de arte que sugiere el guión, magistrales muertes perfectamente diseñadas y estilizadas, el crimen se justifica según el asesino que solo mata a altos pecadores que toman a los pecados capitales como formas de vida. (Muchos dicen que las muertes de la trilogía Destino Final son las más espectaculares del cine, pues no, no existe más oscuridad, poesía, intención, impresión y espectacularidad que las muertes propiciadas por nuestro genial asesino serial de se7en).

La película La Celda del director Tarsen Singh intentaba mostrar la mente del Asesino, pero tan solo resultó un desfile de buenas imágenes aunque vacía, pues la verdadera mente del asesino queda plasmada en la figura de Kevin Spacey (irreverente, trasgresor y siempre dando cátedra sobre actuación).

La oscuridad se vuelve protagonista también, junto con los desbordados de Brad Pitt y Morgan Freeman en sus mejores papeles. La oscuridad es el resultado de la fotografía del siempre genial fotógrafo iraní Darius Khondji, que plantea un juego de claroscuro que llega a estremecer. La dirección artística posee también un papel decisivo, la fealdad y el horror viven en cada centímetro de cinta.

El guión de Andrew Kevin Walker y la excelente dirección del ya aclamado David Fincher hacen de esta película una obra levemente superior a El silencio de los corderos. La visión de Fincher nos introduce perfectamente en el crimen, quién es quien verdaderamente gana la batalla, pues ya no existen buenos ni malos, pues en esta época cada cual hace la suya sin importar lo demás.

Se7en recupera un género que se venía infantilizando y le otorga alma, le da la sabiduría propia de la calle. Y consigue así construir el mejor de los thriller, con poesía visual y con inteligencia. Esto se demuestra pues creó toda una forma de abordar el género que se ha utilizado hasta el hartazgo pero siempre fallido y casi sin valor (quizás su mejor discípulo sea el personaje Jigsaw de la película Saw, aunque por supuesto jamás superará al maestro).

El mundo se oscurece para que sea más fácil ver la luz.

En este filme de fines de Siglo XX hace una vez más su aparición el Diablo, quién tomará prestado el cuerpo de Al Pacino para adentrarse en el mundo de los mortales. Aquí el Diablo busca a su hijo, pero no solo para convertirlo en el Anticristo sino para mostrarle entero el mundo que nos toca.

"El Derecho es el nuevo sacerdocio", por eso la historia tiene todo un trasfondo basado en el Derecho. Desnudando por completo el sistema lúdico de las leyes, donde el dinero y el poder son el único dios. El filme nos hace frente desde el discurso, donde el reino material reina sobre el afectivo, donde el libre albedrío es el nacimiento de cada acción. El pecado debe ser pagado, pero nos muestra que el poder hace que paguen los que estén parados más bajo en el escalafón.

El mundo es un caos, un cambalache de morales, ideas y sentimientos. ¿Alguien puede dudar que el Siglo XX fue enteramente mío? pregunta el Diablo y yo de ninguna forma puedo afirmar lo contrario. El filme muestra que todo el mal que pesa sobre nosotros es culpa del diablo pero intenta hacernos ver que el diablo es una fuerza humana que nace dentro de cada individuo y Kevin Lomax (un cumplidor Keanu Reeves) lo lleva a flor de piel.

Lomax vendería su alma por la gloria y en cierta forma John Milton es quién le da esa oportunidad. Milton (Pacino le da vida al Diablo más creíble e increíble) dueño de la más importante firma de abogados contrata a Kevin Lomax para desempeñar el papel de "Abogado del Diablo" ofreciéndole el mundo en sus manos.

"La culpa es un costal de ladrillos, solo tienes que soltarlo" y es Keanu Reeves quién carga con dicho costal. Se nos muestra mentiras de la religión y es en los últimos 30 minutos donde se desnuda la verdad. Al Pacino muestra que tan Diablo puede ser, haciéndonos sudar con un largo monólogo y haciéndonos reflexionar sobre lo que vemos y lo que damos por sentado. Si mezcláramos las palabras de un Shakespeare del siglo XX con el flujo ideológico de Fausto surgiría una obra muy similar a ésta.

La religión coloca las reglas en oposición: "mira pero no toques, toca pero no pruebes, prueba pero no tragues". Los pecados capitales son desnudados como los vicios más comunes en nuestro tiempo, siendo harto conocida la frase final pronunciada por Pacino: "Vanidad, definitivamente mi pecado favorito"

Taylor Hackford sorprende con esta impecable realización, con una excelente sucesión de imágenes y una buena fotografía, sabe usar muy bien los efectos especiales, pero más importante dónde usarlos. Detrás tiene un sólido guión aunque con altibajos (pero todo es para mantener el suspenso ante la genial eyaculación). Hackford tiene una carta ganadora: la figura de Al Pacino, donde cuarto filme es mérito suyo.

Hackford pertenece a la generación de directores que saben manejar las técnicas del cine comercial (acción, efectos especiales) con historias inteligentes e intrincadas, teniendo como as en la manga el obligar al espectador a volver a verla.

Reconozco que me encanta jugar con las palabras y este título daba para eso. A pesar de no ser la mejor película de los 90 la afirmación en cierta medida no deja de ser cierta.
Y es que la frenética actriz Franka Potente es junto con Tom Tykwer culpable del toque potente y dinámico de la película.

Ya a partir del despliegue de los títulos (una masa de gente formando el nombre de la película: Lola rennt) uno intuye que esta película no va a ser ?normal?. Y es así, Corre, Lola, corre (nombre que supongo parte de una parodia del conocido corre, Forrest, corre) es una propuesta arriesgada, impactante, innovadora, original y por sobre todo divertida.

Tom Tykwer (digno aprendiz de la generación MTV) desde el guión y luego en la dirección rompe con el tiempo lineal y advierte la utilización de varios puntos de vista para una situación o distintos desenlaces para un mismo conflicto, todo esto con un ritmo frenético y con fuerte contenido visual.

La historia es por demás sencilla: Lola (la loca chica de pelo colorado dentro del cuerpo de Franka Potente) recibe una llamada de su novio quién debe entregar en veinte minutos cien mil marcos a un gangster pero que ha perdido la bolsa del dinero en el metro. Lola debe conseguir el dinero si quiere volver a ver a su novio? el tiempo corre, convirtiéndose en el villano principal de la película? y para llegar a tiempo a Lola solo le queda correr.

Está llena de efectos narrativos y visuales del mundo del videojuego, es así que cuando uno muere debe reiniciar el juego si quiere seguir. Se utiliza la animación y varios trucos técnicos como el ligero movimiento de cámara o la utilización de cinta en color y en blanco y negro.

Es una carrera contra el tiempo y contra los obstáculos que va poniendo Tykwer en la historia.

Tu mente no dejará de correr con Lola mientras estés aferrado a la silla con los ojos fijos en la pantalla.

Hubo una vez un hombre que se animó a rodar todo tipo de extrañezas y luego de habernos regalado esa exquisita rareza que fue "The Manchurian Candidate" quiso regalarnos una historia que fuera directo al corazón y vaya que lo logró.
Ese hombre es John Frankenheimer, que nos ha hecho detestarlo algunas veces, pero siempre existirá "Birdman of Alcatraz" para hacernos cambiar de parecer, con un gran guión y una fotografía delicada construida en una sobria gama de grises.

Es así que la historia del hombre de los pájaros se transforma en una historia sobre la libertad aunque para este hombre es la celda el único espacio que posee para alcanzar la libertad. Es la historia de Robert Stroud un condenado que descubre en un pájaro el concepto de redención.

Stroud (maravillosamente interpretado por Burt Lancaster en uno de sus más memorables papeles) nos muestra que la rehabilitación no es tan solo acatar las reglas carcelarias esperando por una futura libertad condicional sino que además es una búsqueda de volver a ser digno... y es mediante su dignidad que este hombre conoce su pasión por las aves, conoce el amor dentro de la celda y llega a contraer matrimonio.

Toma prestadas las alas de sus aves para volar dentro de su celda y de a poco va encontrando un lugar para desarrollarse, desarrollándose junto a su búsqueda un inteligente drama, que dentro del género carcelario uno de los escalones más altos tiene escrito su nombre junto a mi parecer con "The Shawshank Redemption" de Frank Darabont.

Es notable y muy apreciable la "actuación" del primer gorrión, que logró con ayuda de Stroud convertirse de pichón en un gorrión adulto que tuvo que aprender a volar y descubrir que la vida afuera es dura por lo tanto vuelve para no morir solo. En cierta medida veo la utilización de este gorrión como un precedente al ratoncito de "The Green Mile" también de Darabont.

El hombre de Alcatraz se convierte en símbolo de la Voluntad, de la voluntad como arma para no enloquecer en un mundo duro y autorrealizarse como hombre superando la realidad que le tocó vivir.

La redención es posible.

Fue en total orgullo para mí ver esta película pues me hizo descubrir que aún no he perdido la imaginación. Pues al ver las caras de la gente que salió conmigo del cine en donde la estaban reponiendo vi gente desconcertada o escuché comentarios del estilo: "no se resolvió nada", "¿y los muertos por qué aparecían?", "no entendí nada".

Pues lo que falta es imaginación para cerrar las puertas que nos va abriendo Bergman, se trata de que no todo lo que nos den debe estar digerido, en parte debemos ser nosotros quienes podamos masticar las escenas y asimilarlas.

Esta obra fue el testamento que firmara la mano de Bergman dejando como único heredero a la rica historia del cine... nada más.

Cada toma es deliciosa, fotografiada genialmente por el maestro Sven Nykvist (quién se llevara otro oscar), cada imagen es un deleite, son tres horas de puro ensueño, cada imagen se proyecta a través de la pantalla directa a nuestra mente y quedándose alojada por siempre en nuestros recuerdos.

La historia es notable, teniendo detrás al propio guión de Bergman, en posición en parte autobiográfica. Cuenta los hechos y sentimientos de un año decisivo para la vida de dos hermanos, propiamente Fanny y Alexander. Viviendo dentro de una familia aristocrática de la Suecia de principios de siglo XX. La historia parte de un rico relato de navidad (digno de Dickens) contado desde la visión de los niños y luego se va transformando en un relato más duro a partir de la muerte del padre de los dos protagonistas y el aterrador nuevo matrimonio de su madre con un obispo protestante odioso, transformando esta parte de la historia en una narración sombría pero igualmente genial.

La película se mueve por territorios surrealistas como un etéreo sueño eterno y la imaginación se transforma en espectador participativo teniendo que darle su sitio a cada imagen, a cada palabra. Esto lo deja como legado el cine de Bergman y lo hace partícipe en la frase final que la abuela leyera a Alexander (cuando la vean préstenle atención).