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Críticas de KillerCarrot
28 de octubre de 2021
191 de 239 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esta es una historia que trata sobre cómo una persona normal puede llegar a ser honorable… y por qué.
Gawain es un joven inexperto, y en su camino por convertirse en caballero irá enfrentándose a una serie de retos que van a poner a prueba su honorabilidad.
Pero no os confundáis: en «El caballero verde» la épica no se construye a base de duelos taquicárdicos y obstáculos imposibles, sino de un viaje de conocimiento y aprendizaje lleno de sutilezas, ninguna de las cuales es casual, con una puesta en escena majestuosa y un guion inteligente.
David Lowery se toma algunas licencias para adaptar el poema del siglo XIV a su conveniencia, y lo hace con respeto, con consciencia y con un inmenso sentido artístico. Se agradece comprobar que es posible recuperar el tono oscuro de «Excalibur» (John Boorman, 1981) para hacer una peli de caballerías con vocación de cine de autor y no de mero entretenimiento comercial.
Como único punto negativo, los profanos en la materia de Bretaña juegan con desventaja a la hora de ver «El caballero verde» (problema que los anglosajones, más familiarizados con las leyendas artúricas, no tienen), ya que a veces Lowery se pasa un poco de críptico.
Si bien considero que no dar explicaciones masticadas es una cualidad positiva en el arte, también creo que las obras deben ser autosuficientes, deben contener toda la información necesaria para que los espectadores puedan interpretarlas sin depender de fuentes externas. Y aquí, si sabes cuatro cosas sobre la materia de Bretaña aprecias más aún la grandeza de esta peli, pero en caso contrario su riqueza queda oculta, a veces casi inaccesible, y la frustración de no poder atar algunos cabos puede llevarte a rechazar «El caballero verde».
Entonces, del mismo modo que el caballero verde desafiaba a los ociosos caballeros de la mesa redonda, que al haber pasado la época esplendorosa de las gestas y las aventuras habían cambiado su valentía y virtudes por la vida fácil y acomodada, Lowery nos desafía a todos nosotros, los perezosos y bulímicos consumidores de cine modernos, a despertar y volver a apreciar el séptimo arte en su magnitud.
Pues ya sabéis lo que toca: haced como Gawain y atreveos a ser espectadores como Dios manda…
Que la santa virgen mantenga vuestros cinco dedos fuertes,
vuestros cinco sentidos agudos.
Que sus cinco alegrías os inspiren.
Que las cinco llagas de su hijo os den fervor
y que las cinco virtudes del caballero iluminen vuestro camino.
La frase: «¿Por qué la grandeza? ¿Por qué la bondad no es suficiente?»
El personaje: el amable joven que conoce el camino a la capilla verde (Barry Keoghan; no olvidaréis su cara si habéis visto «El sacrificio de un ciervo sagrado»).
La escena para el recuerdo: la portentosa entrada del caballero verde al banquete de la mesa redonda. Se nota que es la escena a la que el director dedicó más tiempo y mimo.
www.cinequanon.cat
Gawain es un joven inexperto, y en su camino por convertirse en caballero irá enfrentándose a una serie de retos que van a poner a prueba su honorabilidad.
Pero no os confundáis: en «El caballero verde» la épica no se construye a base de duelos taquicárdicos y obstáculos imposibles, sino de un viaje de conocimiento y aprendizaje lleno de sutilezas, ninguna de las cuales es casual, con una puesta en escena majestuosa y un guion inteligente.
David Lowery se toma algunas licencias para adaptar el poema del siglo XIV a su conveniencia, y lo hace con respeto, con consciencia y con un inmenso sentido artístico. Se agradece comprobar que es posible recuperar el tono oscuro de «Excalibur» (John Boorman, 1981) para hacer una peli de caballerías con vocación de cine de autor y no de mero entretenimiento comercial.
Como único punto negativo, los profanos en la materia de Bretaña juegan con desventaja a la hora de ver «El caballero verde» (problema que los anglosajones, más familiarizados con las leyendas artúricas, no tienen), ya que a veces Lowery se pasa un poco de críptico.
Si bien considero que no dar explicaciones masticadas es una cualidad positiva en el arte, también creo que las obras deben ser autosuficientes, deben contener toda la información necesaria para que los espectadores puedan interpretarlas sin depender de fuentes externas. Y aquí, si sabes cuatro cosas sobre la materia de Bretaña aprecias más aún la grandeza de esta peli, pero en caso contrario su riqueza queda oculta, a veces casi inaccesible, y la frustración de no poder atar algunos cabos puede llevarte a rechazar «El caballero verde».
Entonces, del mismo modo que el caballero verde desafiaba a los ociosos caballeros de la mesa redonda, que al haber pasado la época esplendorosa de las gestas y las aventuras habían cambiado su valentía y virtudes por la vida fácil y acomodada, Lowery nos desafía a todos nosotros, los perezosos y bulímicos consumidores de cine modernos, a despertar y volver a apreciar el séptimo arte en su magnitud.
Pues ya sabéis lo que toca: haced como Gawain y atreveos a ser espectadores como Dios manda…
Que la santa virgen mantenga vuestros cinco dedos fuertes,
vuestros cinco sentidos agudos.
Que sus cinco alegrías os inspiren.
Que las cinco llagas de su hijo os den fervor
y que las cinco virtudes del caballero iluminen vuestro camino.
La frase: «¿Por qué la grandeza? ¿Por qué la bondad no es suficiente?»
El personaje: el amable joven que conoce el camino a la capilla verde (Barry Keoghan; no olvidaréis su cara si habéis visto «El sacrificio de un ciervo sagrado»).
La escena para el recuerdo: la portentosa entrada del caballero verde al banquete de la mesa redonda. Se nota que es la escena a la que el director dedicó más tiempo y mimo.
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SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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11 de octubre de 2019
175 de 221 usuarios han encontrado esta crítica útil
La secuencia con la que abre "Vivarium" incluye un nido, dos crías de pájaro y algunos huevos aún por abrirse. La cría más grande echa los huevos fuera del nido. Luego empuja a su hermano pequeño hasta echarlo también. La madre alimenta al único superviviente, que al crecer se descubre que es de otra especie: es un cuco.
Con las pistas que nos da el primer minuto ya podemos adivinar que la película va a jugar a crear un relato de terror con la metáfora de dos elementos principales: los cucos y los viveros (título de la peli). Los cucos son animales parásitos, es decir, que para sobrevivir tienen que aprovecharse de otra especie perjudicándola; los viveros son lugares preparados para criar animales.
¿Cómo nos sentiríamos los humanos si no estuviéramos “arriba de la pirámide”, si otra especie se aprovechase de nosotros como nosotros lo hacemos de tantas otras? Yendo más allá, a la vez Lorcan Finnegan emplea la imagen de las urbanizaciones como viveros del peor tipo de parásitos: los humanos (¿somos nosotros los parásitos máximos, los que se construyen un mundo a medida a costa del propio planeta?). Y, además, dentro de todo esto añade una crítica al aislamiento de los suburbios, a la familia y la vida ideales que nos impone la sociedad, y a nuestra incapacidad para salir adelante.
Por todo lo que quiere decirnos, “Vivarium” es una película circular y en cierto modo previsible, lo cual hace que su formato de hora y media se antoje largo, pero gracias a sus inquietantes gags y al nivel de las interpretaciones (sobre todo la de Imogen Poots, que es quien carga con la parte más dramática) el resultado acaba siendo lo bastante satisfactorio.
www.cinequanon.cat
Con las pistas que nos da el primer minuto ya podemos adivinar que la película va a jugar a crear un relato de terror con la metáfora de dos elementos principales: los cucos y los viveros (título de la peli). Los cucos son animales parásitos, es decir, que para sobrevivir tienen que aprovecharse de otra especie perjudicándola; los viveros son lugares preparados para criar animales.
¿Cómo nos sentiríamos los humanos si no estuviéramos “arriba de la pirámide”, si otra especie se aprovechase de nosotros como nosotros lo hacemos de tantas otras? Yendo más allá, a la vez Lorcan Finnegan emplea la imagen de las urbanizaciones como viveros del peor tipo de parásitos: los humanos (¿somos nosotros los parásitos máximos, los que se construyen un mundo a medida a costa del propio planeta?). Y, además, dentro de todo esto añade una crítica al aislamiento de los suburbios, a la familia y la vida ideales que nos impone la sociedad, y a nuestra incapacidad para salir adelante.
Por todo lo que quiere decirnos, “Vivarium” es una película circular y en cierto modo previsible, lo cual hace que su formato de hora y media se antoje largo, pero gracias a sus inquietantes gags y al nivel de las interpretaciones (sobre todo la de Imogen Poots, que es quien carga con la parte más dramática) el resultado acaba siendo lo bastante satisfactorio.
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SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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57 segundos
19 de noviembre de 2018
102 de 116 usuarios han encontrado esta crítica útil
Canciones, polvo, mesas de póquer, sartenes, indios (americanos), un pollo, oro, los ladridos de un perro, dos tipos de personas, la muerte.
Anoche me enganché a un libro antiguo. Era del 1873. Se trataba de una recopilación de relatos ambientados en el lejano oeste titulado “The Ballad of Buster Scruggs and Other Tales of the American Frontier”. La edición era de lujo, con tapa dura, y cada relato estaba introducido por una magnífica ilustración de una escena que aparecería en él. Encontré música, colores, humor, drama, filosofía, acción…
Ah, no, que no era un libro de verdad. Los hermanos Coen nos la han vuelto a colar; como cuando nos aseguraban al principio de “Fargo” que aquella historia estaba basada en hechos reales, ahora juegan a fingir que “The Ballad of Buster Scruggs” es la adaptación de un libro.
Entonces, unificados por el marco incomparable del salvaje oeste americano se dan cita seis relatos que componen una completa antología de lo que es el cine de los hermanos Coen. Y no se echa en falta ninguna de sus señas de identidad: un envoltorio atractivo, un guion consistente y a rebosar de líneas memorables, actores que disfrutan con sus personajes (algunos con incontinencia verbal, otros casi mudos)…, y por encima de todo un omnipresente humor negro.
La película es irregular, pero no porque tenga capítulos buenos y capítulos mediocres, sino porque mezcla en sus seis cortometrajes todos los registros de los Coen, desde la comedia histriónica hasta la tragedia griega.
A cada espectador le va a gustar más un relato u otro, pero no hay uno solo que deba menospreciarse; al menos a mí me pareció que todos ellos tienen potencial para dejar huella. (Mis favoritos: “The Ballad of Buster Scruggs”, “The Gal Who Got Rattled” y “The Mortal Remains”.)
La frase: «La inseguridad… es apropiada para asuntos de este mundo. La seguridad se nos revela en el más allá. Creo que la seguridad respecto a lo que vemos y tocamos pocas veces está justificada, si puede estarlo. En la historia, desde nuestro pasado, ¿qué seguridades han perdurado? Y aun así nos precipitamos a buscar otras nuevas, buscando su consuelo. ¿Seguridad?..., es el camino fácil.»
El personaje: Buster Scruggs (Tim Blake Nelson) es el más carismático; por algo le llaman el Pájaro Cantor de San Saba, entre otras cosas.
La escena para el recuerdo: los tiroteos están todos magníficamente filmados, son tensos y divertidos, pero a parte de eso destacaría la negociación entre el personaje de Tom Waits y un búho.
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Anoche me enganché a un libro antiguo. Era del 1873. Se trataba de una recopilación de relatos ambientados en el lejano oeste titulado “The Ballad of Buster Scruggs and Other Tales of the American Frontier”. La edición era de lujo, con tapa dura, y cada relato estaba introducido por una magnífica ilustración de una escena que aparecería en él. Encontré música, colores, humor, drama, filosofía, acción…
Ah, no, que no era un libro de verdad. Los hermanos Coen nos la han vuelto a colar; como cuando nos aseguraban al principio de “Fargo” que aquella historia estaba basada en hechos reales, ahora juegan a fingir que “The Ballad of Buster Scruggs” es la adaptación de un libro.
Entonces, unificados por el marco incomparable del salvaje oeste americano se dan cita seis relatos que componen una completa antología de lo que es el cine de los hermanos Coen. Y no se echa en falta ninguna de sus señas de identidad: un envoltorio atractivo, un guion consistente y a rebosar de líneas memorables, actores que disfrutan con sus personajes (algunos con incontinencia verbal, otros casi mudos)…, y por encima de todo un omnipresente humor negro.
La película es irregular, pero no porque tenga capítulos buenos y capítulos mediocres, sino porque mezcla en sus seis cortometrajes todos los registros de los Coen, desde la comedia histriónica hasta la tragedia griega.
A cada espectador le va a gustar más un relato u otro, pero no hay uno solo que deba menospreciarse; al menos a mí me pareció que todos ellos tienen potencial para dejar huella. (Mis favoritos: “The Ballad of Buster Scruggs”, “The Gal Who Got Rattled” y “The Mortal Remains”.)
La frase: «La inseguridad… es apropiada para asuntos de este mundo. La seguridad se nos revela en el más allá. Creo que la seguridad respecto a lo que vemos y tocamos pocas veces está justificada, si puede estarlo. En la historia, desde nuestro pasado, ¿qué seguridades han perdurado? Y aun así nos precipitamos a buscar otras nuevas, buscando su consuelo. ¿Seguridad?..., es el camino fácil.»
El personaje: Buster Scruggs (Tim Blake Nelson) es el más carismático; por algo le llaman el Pájaro Cantor de San Saba, entre otras cosas.
La escena para el recuerdo: los tiroteos están todos magníficamente filmados, son tensos y divertidos, pero a parte de eso destacaría la negociación entre el personaje de Tom Waits y un búho.
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6 de enero de 2018
78 de 100 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ambiciones, adicciones, olor a ron y frambuesa, una rama.
Tras poco más de tres años de publicarse el libro autobiográfico de Molly Bloom, la reina del póquer, podemos ver su adaptación al cine. ‘Molly’s Game’ recuerda inevitablemente a ‘El lobo de Wall Street’, pero al no ser tan excesiva gustará a más tipos de público.
Tenemos a un personaje fuerte que nos enseña con el cinismo procedente los tejemanejes de uno de los sectores más podridos de la sociedad. Y se agradece que lo haga con este humor y a un ritmo tan endiablado, ya que pararse a pensar mucho en ello resultaría estremecedor.
El guion es inteligente, las actuaciones de premio, la dirección dinámica... Como punto no del todo positivo, me queda la sensación de estar dando demasiadas vueltas en el mismo sitio y pasar de puntillas por los temas que dejarían peor a la protagonista.
Y una advertencia: id al cine bien despiertos, ya que entre la voz en off y los diálogos acelerados apenas hay momentos en los que pasan más de cinco segundos sin que alguien diga nada.
La frase: «Es increíble lo rápido que se avanza cuando no se cobra por horas», dice un psiquiatra.
El personaje: el único irlandés (Chris O’Doud) que juega a póquer con los rusos.
La escena para el recuerdo: la partida en la que un error te invierte la racha.
www.cinequanon.cat
Tras poco más de tres años de publicarse el libro autobiográfico de Molly Bloom, la reina del póquer, podemos ver su adaptación al cine. ‘Molly’s Game’ recuerda inevitablemente a ‘El lobo de Wall Street’, pero al no ser tan excesiva gustará a más tipos de público.
Tenemos a un personaje fuerte que nos enseña con el cinismo procedente los tejemanejes de uno de los sectores más podridos de la sociedad. Y se agradece que lo haga con este humor y a un ritmo tan endiablado, ya que pararse a pensar mucho en ello resultaría estremecedor.
El guion es inteligente, las actuaciones de premio, la dirección dinámica... Como punto no del todo positivo, me queda la sensación de estar dando demasiadas vueltas en el mismo sitio y pasar de puntillas por los temas que dejarían peor a la protagonista.
Y una advertencia: id al cine bien despiertos, ya que entre la voz en off y los diálogos acelerados apenas hay momentos en los que pasan más de cinco segundos sin que alguien diga nada.
La frase: «Es increíble lo rápido que se avanza cuando no se cobra por horas», dice un psiquiatra.
El personaje: el único irlandés (Chris O’Doud) que juega a póquer con los rusos.
La escena para el recuerdo: la partida en la que un error te invierte la racha.
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SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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20 de octubre de 2016
49 de 61 usuarios han encontrado esta crítica útil
Padre divorciado egoísta adicto al dinero y al trabajo, hija que echa en falta el modelo paterno, viaje en tren, infectados, bates de béisbol.
Nos encontramos ante la típica relación paternofilial con apocalipsis zombi de por medio. Con zombis de hoy en día, es decir, infectados contorsionistas que corren mucho y por lo tanto suponen un auténtico peligro para el ciudadano moderno, que ya no se deja atemorizar por simples muertos lentos y torpes.
La novedad esta vez es que las personas que quedan sin infectar tienen que conseguir sobrevivir en un espacio cerrado y en movimiento: un tren que viaja de Seúl a Busan. Y los trenes repletos de zombis dan su juego. Un ritmo correcto (con momentos realmente adrenalíticos incluidos) y unas cuantas situaciones interesantes, pero en líneas generales no se aleja mucho de los tópicos: encontraremos personajes planos, asistiremos a una sucesión de muertes no demasiado sorprendente, reviviremos situaciones mil veces vistas de interacción con los zombis, nos sorprenderemos de cómo los protagonistas van ganando confianza y destreza en el arte de matar, volveremos a descubrir que los peores monstruos son los humanos “normales”, etc.
En conclusión, sí, aún pueden darse nuevos envoltorios a la misma peli de zombis que tantas veces hemos visto. Es buena, pero a estas alturas le echo de menos el punto innovador que sí he encontrado este año también en Sitges en “Melanie. The Girl With All the Gifts”. Lo que “Train to Busan” tiene realmente de original es que se complementa con “Seoul Station”, una película de animación simultánea a esta que a su vez le hace de precuela. Y ambas las firma Yeon Sang-ho, el director de “The Fake”, recomendabilísimo thriller sobre sectas que en el año 2013 ganó el premio a mejor película de animación en el Festival de Sitges.
A los incondicionales de los zombis les parecerá bastante satisfactoria. Para el resto del mundo, será una película del género que no está mal pero que podrían ahorrarse sin ningún problema.
cinequanon.cat
Nos encontramos ante la típica relación paternofilial con apocalipsis zombi de por medio. Con zombis de hoy en día, es decir, infectados contorsionistas que corren mucho y por lo tanto suponen un auténtico peligro para el ciudadano moderno, que ya no se deja atemorizar por simples muertos lentos y torpes.
La novedad esta vez es que las personas que quedan sin infectar tienen que conseguir sobrevivir en un espacio cerrado y en movimiento: un tren que viaja de Seúl a Busan. Y los trenes repletos de zombis dan su juego. Un ritmo correcto (con momentos realmente adrenalíticos incluidos) y unas cuantas situaciones interesantes, pero en líneas generales no se aleja mucho de los tópicos: encontraremos personajes planos, asistiremos a una sucesión de muertes no demasiado sorprendente, reviviremos situaciones mil veces vistas de interacción con los zombis, nos sorprenderemos de cómo los protagonistas van ganando confianza y destreza en el arte de matar, volveremos a descubrir que los peores monstruos son los humanos “normales”, etc.
En conclusión, sí, aún pueden darse nuevos envoltorios a la misma peli de zombis que tantas veces hemos visto. Es buena, pero a estas alturas le echo de menos el punto innovador que sí he encontrado este año también en Sitges en “Melanie. The Girl With All the Gifts”. Lo que “Train to Busan” tiene realmente de original es que se complementa con “Seoul Station”, una película de animación simultánea a esta que a su vez le hace de precuela. Y ambas las firma Yeon Sang-ho, el director de “The Fake”, recomendabilísimo thriller sobre sectas que en el año 2013 ganó el premio a mejor película de animación en el Festival de Sitges.
A los incondicionales de los zombis les parecerá bastante satisfactoria. Para el resto del mundo, será una película del género que no está mal pero que podrían ahorrarse sin ningún problema.
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