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Críticas de luis a
Críticas ordenadas por:
El bajel trágico
El bajel trágico (1923)
  • Suecia Victor Sjöström
  • Jenny Hasselqvist, Matheson Lang, Victor Sjöström, Maria Di Zazzo, ...
8
EL PULSO DE UN PIONERO
Cuando en 1923 Victor Sjostrom aborda el rodaje de "El bajel trágico" no es exactamente un recién llegado al mundo del cine. En su cuadruple faceta de escritor, productor, actor y director, ya había cosechado enormes reconocimientos desde que en 1912 había comenzado sus labores de director. Terje Vigen, Los proscritos, El monasterio de Sendomir y sobre todo La carreta fantasma lo habían consagrado como un excelente interprete y director. La omnipresente "fábrica de sueños" ya se planteaba su futura contratación que apenas tardaría un año. Por ello El bajel trágico supone la última realización del director sueco en su país antes de trasladarse a la MGM donde rodará joyas tales como El que recibe el bofetón, La mujer marcada o El viento, antes de regresar de nuevo a realizar sus últimos films a Europa en 1930.
Lo mejor que puede decirse de El bajel trágico es que está a la altura de los films citados. Sjostrom, aquí actor principal, escritor y director, profundiza en la humanidad de unos personajes siempre a merced de su debilidades. No es el triangulo amoroso lo que desatará en esta ocasión el drama, sino aquéllas. Con estilo pausado, Sjostrom describe ferreamente a sus personajes y va encajando las piezas del conflicto , apoyado por una fotografía contrastada en interiores, y naturalista en los estupendos exteriores marinos. El resultado final es una obra de altura donde los planos son colocados con mimo y donde la historia fluye aparentemente de modo natural.
En suma una oportunidad de reconciliarse con uno de los mejores cines europeos del siglo XX, el que transcurrió de 1915 a 1925 en los Países Nórdicos.
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Daybreak
Daybreak (1948)
  • Reino Unido Compton Bennett
  • Ann Todd, Eric Portman, Maxwell Reed, Edward Rigby, ...
8
COMPTON BENNETT: UN DESCONOCIDO EN CASA
No es Robert Compton Bennett el ejemplo más reconocido del cineasta inglés siquiera probablemente fuere profeta en su tierra. Su debut en el largometraje con su singular El séptimo velo le permitió situar una carrera dentro de cierto nivel artesanal, tipo medio industrial que le llevó a codirigir la famosa Las minas del rey salomón, versión 1950, título por el que los cinéfilos más inquietos le suelen recordar. No es este su título más redondo peso a no negarle su encanto, sobre todo vistas el resto de adaptaciones de la serie de R.H. Haggard. Compton Bennett se sintió más atraído por las diversas formas del melodrama, y más estrictamente por el criminal. De las películas que conozco, al menos cinco pueden adscribirse al género con mayor o menor derivación hacia el noire. Dos de ellas me parecen francamente buenas: el Septimo velo y la que ahora me ocupa, sin olvidar los elementos dramáticos de otro de sus films para mí, más interesantes, Momento desesperado
Daybreak es un triangulo amoroso ideado por su productor, Sidney Box, y esa ilustre desconocida que fue Muriel Box. Pero es un triangulo que remite a senderos poco trillados de la sociedad inglesa. Al potente comienzo sigue una narración en flashback que describe a los personajes como atrapados paulatinamente en la tela de una araña que ellos mismo han creado al definir sus relaciones internas y que inexorablemente les conduce a su fin. Y esa referencia al destino, remite a otro ilustre cineasta y a una película que guarda ciertos puntos de conexión con la presente, la langiana, Encuentro en la noche, aunque también la sombra de títulos como Furia, colea en torno a la narración. La impecable prestación que a su personaje confiere Eric Portman contrasta con la fragilidad e inseguridad que se adueña del desempeñado de modo competente por Ann Todd. La transformación progresiva del decorado principal que pasa a ser de un remanso de paz a una jaula sofocante, esta trabajada progresivamente a raíz de un magnifico uso del espacio. Notable es igualmente el recurso a lo que no acontece dentro del plano principal o se intuye fuera del campo visual. También el uso del sonido se refleja de modo estupendo para generar tensión dramática, sobre todo en la última fase de la proyección.
En suma, una película especial para aquellos cinefilos que no se conforman con revisar las listas de los diez mejores de...
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Tea-Horse Road Series: Delamu
Tea-Horse Road Series: Delamu (2004)
  • China Tian Zhuangzhuang
  • Kuirong Wang
8
El documental de Tian Zhuangzhuang
Hay en el cine de Zhuangzhuang una querencia por el estilo documentalista aunque las películas que rueden tengan un componente de ficción. Las imágenes que recorren películas como El guerrero y el lobo deben más al interés de su director por reflejar la lucha del hombre ante una naturaleza todopoderosa que a los recovecos de un guíon fantasioso. Y lo mismo cabe decir de las pulidas impresiones que reflejan ese amor prohibido en su remake de Primavera en una ciudad pequeña. No es por tanto extraño pensar que sus mejores películas, al menos para mí, tienen un sesgo marcadamente documental. Es el caso de El ladrón de caballos o sobre todo de esta magnífica travesía a través de las montañas del Himalaya que es Delamu. Recordando sus imágenes uno tiene la impresión de transportarse a otro mundo, de la misma manera que los pioneros Schoedsack y Cooper a mediados de los años veinte se vieron inmersos en una aventura en el tiempo en su maravillosa obra Grass. Hay planos en este film de una belleza sobrecogedora, pero hay sobre todo una lección de vida. Un film para recordar
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The Flowers and the Angry Waves
The Flowers and the Angry Waves (1964)
  • Japón Seijun Suzuki
  • Akira Kobayashi, Eimei Esumi, Akiyoshi Fukae, Tamio Kawaji, ...
8
DINAMITAR UN GENERO: SEIJUN SUZUKI
Cuando Suzuki abordaba el rodaje de esta película llevaba ocho años de carrera y ya había dirigido 30 films, algunos de ellos de los más notables dentro del género negro, cualquiera de las variantes niponas que elijamos. Ese mismo año realizaría otros dos films. Sirva solo ello para demostrar tanto la agilidad como la versatilidad del cineasta japonés, pues no le hizo ascos a ningún genero. Ninguna de las tres películas que rodó este año puede adscribirse al mismo. Hana To Dato, es un filme de aventuras, en cierto modo un chambara, aunque no uno convencional. Suzuki y convencional no son términos que corran parejos, por más que en alguna ocasión el director se dejare vencer por argumentos manidos. Encontramos todos los elementos de un film de aventuras tradicionales: luchas, traiciones, romance, poder... pero nos movemos en un terreno resbaladizo pues los personajes principales no se van a comportar del modo que esperamos. Un chambara que deleitará a los amantes del género por lo que de peculiar tiene, al que hay que añadir el buen uso del color como recurso dramático que Suzuki utiliza
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El señorito Primavera
El señorito Primavera (1921)
  • 6,5
    25
  • Estados Unidos Cecil B. DeMille
  • Wallace Reid, Gloria Swanson, Wanda Hawley, Theodore Roberts, ...
8
LA COMEDIA Y EL SR DEMILLE
Más conocido por sus films pseudohistóricos y por los movimientos de masas y decorados ampulosos que en ellos se contenían, De Mille fue un director bastante minimalista en el fondo. De hecho los mejores momentos de su cine se encuentran ahí, por ejemplo en la relación amorosa que poco a poco va calando entre los personajes de Gary Cooper y Paulette Goddard en Los Inconquistables o en las miradas que se cruzan a lo largo del metraje de Buffalo Bill entre de nuevo Cooper y Jean Arthur. Las muestras de romanticismo, muchas veces exacerbado, cuando no de delirio que pueden encontrarse en momentos de Sanson y Dalila o esa joya poco conocida que es The godless Girl, también encuentran acomodo puntual en el terreno de la comedia, muchas veces cultivado por el director de Massachusetts, como por ejemplo en la más que interesante Madame Satán. El señorito Primavera es una muestra del talento de De Mille para la comedia y para los momentos intimistas. Amparada en el terreno clásico del equívoco y de las relaciones sociales, estamos ante una comedia que trasciende el slapstick propio de su tiempo para dar una versión ácida pero jocosa de aquéllas. Mención aparte para esa Gloria Swanson en el papel de esposa atribulada y confusa por el comportamiento equivoco de su esposo, en la linea del Erotikon que Stiller realizase un año antes. Film muy recomendable para aquellos que encasillen a De MIlle como autor de espectáculos tipo Rey de Reyes o Los diez mandamientos.
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Hardly Working
Hardly Working (1980)
  • 6,4
    26
  • Estados Unidos Jerry Lewis
  • Jerry Lewis, Susan Oliver, Roger C. Carmel, Deanna Lund, ...
8
EL REGRESO DE JERRY LEWIS
Tras la crisis en todos los sentidos que supuso la experiencia de El día que el payaso lloró, film que continua por expreso deseo de su autor invisible, y que quizás tras su reciente fallecimiento, vea la luz, Lewis tardó más de siete años en ponerse tras la cámara, si excluimos la rumoreada That's life que no conozco que nadie haya visto u oido.
Y lo hizo de una manera harto peculiar reivindicando la figura del payaso que su film anterior había contribuido a enterrar. El amante del cine de Lewis encontrará en este film un compendio de su técnica en el funcionamiento del gag, del humor absurdo, de la lucha contra los elementos y la tecnología, su fragmentación tradicional que reduce casi todos sus films a una sucesión de sketches más o menos afortunados. A los que no les guste Lewis, el presente film no les ayudará a entender a una de las figuras más emblemáticas de la comedia del absurdo
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Cuando levanta la niebla
Cuando levanta la niebla (1952)
  • México Emilio Fernández
  • Arturo de Córdova, María Elena Marqués, Columba Domínguez, Tito Junco, ...
8
EL CINE NEGRO DE INDIO FERNANDEZ
He de admitir que siento poca devoción en general por el cine de Emilio Fernández, al que encuentro excesivamente relamido. No obstante todos los recelos que en consecuencia pudiera tener respecto en la presente película se disipan a los diez minutos. Aquí sabe conjugar a la perfección fondo y forma, deja a Arturo de Cordoba y a su mujer la composición de unos magníficos personajes, bien acompañados por la bellleza de Maria Elena Marques y la presencia de ilustres secundarios como Tito Junco y Julio Villareal, y crea una de las mejores muestras del cine negro mejicano. Mención aparte merece la impresionante fotografía del gran Gabriel Figueroa
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Cry of the Hunted
Cry of the Hunted (1953)
  • 6,3
    23
  • Estados Unidos Joseph H. Lewis
  • Vittorio Gassman, Barry Sullivan, Polly Bergen, William Conrad, ...
8
LEWIS Y LA MIXTURA DE GENEROS
Ya están lejanos, afortunadamente los tiempos en que Josep H Lewis era un ilustre desconocido para los cinéfilos del mundo. Películas como Mi nombre es Julia Ross, Relato criminal, El demonio de las armas o Agente especial vienen a ser citadas como referentes del thriller o del cine negro clásico americano. Sin embargo aun faltan muchos títulos del mencionado para reivindicar y que sean igualmente conocidos, pues no desmerecen de los anteriores. El presente es uno de ellos. Rodado en 1953, solo cinco años antes de su despedida del cine para centrarse en la televisión donde aun trabajó casi diez años más, Cry of the hunted comienza claramente como un film negro para ir evolucionando al cine de denuncia social, y la aventura final, en unos paisajes de estremecedora belleza, rodados en un magnífico y perfilado blanco y negro. Poco importa la resolución final del film, sino el gusto por la fluidez de la narración y la descripción psicológica de los personajes, identificados entre civilización-ciudad y libertad-naturaleza. Una película que además se ve favorecida por los parámetros de la "serie b" en cuanto a la concisión exigida para su duración.
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Crepúsculo
Crepúsculo (1945)
  • 6,8
    22
  • México Julio Bracho
  • Arturo de Córdova, Gloria Marín, Julio Villarreal, Manuel Arvide, ...
9
ACERCA DEL CINE NEGRO MEJICANO
La reciente revisión y reivindicación del cine clásico mejicano,con continuas muestras y ciclos en lugares como el MOMA de Nueva York, ha hecho por extensión fijarse a la crítica moderna en el cine negro desarrollado en el periodo comprendido entre 1940 y 1955. Gracias a esta labor se han podido revisar joyas tales como el film que ahora nos ocupa, y otras muchas de talentos, ya reconocidos en su día, pero hoy ciertamente olvidados, como Roberto Gavaldon ( La otra, 1946; En la Palma de tu mano, 1951; La noche avanza, 1952)) , Emilio Fernández (Cuando levante la niebla, 1952) o Julio Bracho (Distinto amanecer, 1943). Crepúsculo participa de los caracteres del cine negro americano clásico: la pulsión amorosa como detonante del crimen y la tragedia que acecha a los personajes; la dualidad de los mismos, la fotografía contrastada en blanco y negro (en este caso estupenda), pero añade un plus de voluptuosidad, en la medida en que en el cine mejicano no regía los estrictos mandatos del celebre código Hays adoptado por los Estudios de Hollywood. Un film plenamente efectivo con una magnífica interpretación de uno de los mayores genios que en ese arte han existido, Arturo de Cordova, que desde aquí conviene reivindicar. Imprescindible.
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Himmel ohne Sterne (Sky Without Stars)
Himmel ohne Sterne (Sky Without Stars) (1955)
  • Alemania del Oeste (RFA) Helmut Käutner
  • Horst Buchholz, Erik Schumann, Eva Kotthaus, Georg Thomalla, ...
8
EL CINE DE HELMUT KAUTNER
Autor de al menos un decena de magníficos títulos en su filmografía (excluyendo su extensa contribución a la televisión alemana a partir de comienzos de los años 60), entre mis preferidos, cito sin orden de preferencia, Wir machen musik, Romanze in moll, La paloma, Bajo los puentes, El último puente, El general del diablo, El rey loco, La roja, el nombre de Kautner se añade a la lista de los ilustres creadores desconocidos del cine europeo. Cielo sin estrellas vino a realizarse en la etapa central de su carrera cinematográfica. A pesar de la innegable orientación política del film, no es la finalidad principal del film ésta, a no ser para servir de marco a un melodrama romántico en el mejor sentido del término. Un amor por encima de todas las posibles barreras que pervivirá sobre todo y pese a todos. Magnificamente narrado el film incide igualmente sobre la fuerza del destino y el azar de las emociones, tema tan querido a cineastas alemanes como Murnau o Fritz Lang. Una película notable y poco conocida de un cineasta igualmente notable y poco conocido
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Cielo despejado
Cielo despejado (1961)
  • 7,3
    25
  • Unión Soviética (URSS) Grigori Chukhrai
  • Nina Drobysheva, Yevgheny Urbansky, Natalya Kuzmina, Vitaly Konyaev, ...
8
LA INCOMODIDAD DE GRIGORI CHUKHRAI
Sus dos primeras películas habían encumbrado a Chukhrai no sólo como uno de los estandartes del nuevo cine soviético, sino como de uno de los potenciales más seguros del cine mundial. Quizás ello le hizo confiarse en poder realizar una película demasiado abierta para el régimen de la URSS, aun a pesar de la muerte de Stalin. La revisión del concepto de héroe y de la politica stalinista con la sanción al culto de la personalidad, era un material en exceso delicado para el tiempo de la realización del film. Pese a la gran calidad del resultado final, con una soberbia fotografía y montaje, y una cuidada planificación, el film fue prácticamente secuestrado de las pantallas, y apenas visto en su día. Ni siquiera ese falso final feliz pudo disimilar su carácter revisionista tanto de la figura del héroe (el propio director podía considerarse un héroe de guerra al haber sido condecorado hasta en cinco ocasiones por actos de valentía durante la segunda guerra mundial) como de la política de Stalin. Tras este film y el posterior Pamyat que estuvo más de cuatro años sin exhibirse, la carrera de Chukhrai se vio sensiblemente reducida. Al margen de los films mencionados, solo consiguió acabar cuatro más. Una lástima
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Cécile est morte!
Cécile est morte! (1944)
  • Francia Maurice Tourneur
  • Albert Préjean, Santa Relli, Germaine Kerjean, Luce Fabiole, ...
8
TOURNEUR Y LA CONTENENTAL
Maurice Tourneur había vuelto a Francia a comienzos de los años 30 y a partir de entonces había alcanzado un importante nivel en la Industria cinematográfica gala, con éxitos tales como Les gaites de l'esquadron y Las dos huerfanitas. En 1940 con la capitulación de Francia las tres quintas partes del país se encontraron directamente bajo control alemán, y las dos terceras restantes bajo un control indirecto a través de un Gobierno títere. El cine francés quedó bajo la influencia no sólo política sino económica del régimen alemán, más aún cuando Alfred Greven decidió fundar la Continental aprovechándose de sus contactos y de la necesidad del Pueblo francés de consumir productos franceses. Con la mitad de los técnicos cinematográficos exiliados y otra buena parte proscritos sino muertos o encarcelados, Greven mostró una inusitada visión del negocio concediendo oportunidades a incipientes directores, que luego fueron puntales del cine francés, como H. G. Clouzot o André Cayatte y afianzando la carrera primeriza de otros como Christian-Jaque o Georges Lacombe. Tourneur era precisamente uno de los más experimentados directores franceses del momento, motivo por el que no es de extrañar que fuere el elegido para dirigir la compañía. Si bien se calcula que apenas el 10 % del cine producido en Francia durante la ocupación fue producido por la Continental, la lista de títulos de esta productora son harto significativos: Le dernier de six y la ferme aux loups (Lacombe), Les inconnus de la maison (Decoin) , Lo quiso el azar y Au bonheur des dames (Cayatte) L'assessinat du Pere noel y La sinfonía fantastica (Christian-Jaque), El asesino habita en el 21 y El cuervo (Clouzot), Picpus y Les caves du Majestic (Richard Pottier), La mano del diablo y Le val de l'enfer de Tourneur.
Dentro del espectro de cine rodado por la Continental el cine negro-policiaco y el melodrama romántico eran esenciales, y buen aparte de los films citados cabía asignarlos a uno u otro género. Maurice Tourneur en esta época rodó cuatro films, siendo el último el ahora referido. Curiosamente el año anterior, el personaje de Maigret interpretado igualmente por Albert Prejean había dado lugar a un notable film, Picpus.
Para entonces Maurice Tourneur sabía manejar con precisión todos los mecanismos del film de intriga, como prácticamente los de cualquier género, de lo cual se beneficia la película, aunque lo que más llama la atención es el pozo de amargura que la narración deja entrever, fruto sin duda de las circunstancias de la configuración y origen del film. Vista sin prejuicios la película como la antes citada Picpus, están a la misma altura, sino a una altura superior de otra adaptación de Simenon con Maigret de preguerra, La nuit du carrefour de Jean Renoir con patina de gran obra.
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Carmen
Carmen (1926)
  • Francia Jacques Feyder
  • Raquel Meller, Fred Louis Lerch, Gaston Modot, Jean Murat, ...
10
FEYDER,MEYER Y CARMEN
Pocos mitos hispanos han trascendido mundialmente como el mito de Carmen, prototipo de la mujer fatal o desde otro punto de vista, de los riesgos de la pasión amorosa. Al tiempo de la presente película al menos diez producciones internacionales habían abordado ya la historia de la tabaquera, el guardia y el torero. Muchas más lo harían a partir de entonces. De entre todas ellas la versión de Feyder es con diferencia,en mi opinión, la que mejor adapta el mito. Feyder que ya tenía notoria experiencia en dramas aventureros, como por ejemplo su versión de La Atlantida, traspasó precisamente al film una vertiente aventurera en que es notoria la importancia del paisaje como elemento dramático. Raquel Meller en aquél tiempo en el cenit de la fama, cumple sobradamente el encargo de interpretar a Carmen. No deja de ser curiosa la elección de una cantante reconocida para la interpretación de Carmen en un film mudo cuando su experiencia cinematográfica era escasa (apenas cuatro films). No obstante la elección resultó acertada, incluso para su carrera ya que de aquí inició la artista una gira por los Estados Unidos, que entre otras cosas llamó la atención de Charles Chaplin que años después le ofrecería sin éxito el papel protagonista de Luces de la ciudad. De todo ello se benefició notablemente la película. Como nota curiosa cabe destacar la episódica presencia de Luis Buñuel en un papel de contrabandista
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Mountains on Fire
Mountains on Fire (1931)
  • Alemania Karl Hartl, Luis Trenker
  • Luis Trenker, Lissy Arna, Claus Clausen, Luigi Serventi, ...
9
SOBRE LUIS TRENKER
La figura de Trenker es más valorada desde el punto de vista deportivo que cinematográfico, pese a haber desarrollada en esta última faceta múltiples y longevas facetas, que van desde compositor musical hasta productor, guionista, director y actor, desde 1921 en que se produjo su encuentro con Arnold Frank hasta principios de los 70 donde en alguna serie de televisión aun se le puede ver como actor. Sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, como soldado destinado en los Alpes dolomitas, línea de frente en la confrontación entre austriacos e italianos, así como las de escalador avezado y campeón de esquí, se plasmaron primero en una novela, y después en esta producción que recoge precisamente el conflicto bélico vivido en esa zona, entonces austriaca, luego italiana. Dada la bisoñez de Trenker en aquél momento en la dirección de ficciones, se buscó un aliado en el entonces también casi debutante, Karl Hartl (autor de la posterior y muy reivindicable Oro) para que la ayudare en las soluciones dramáticas vividas por los soldados desplazados en aquélla fortaleza natural . Conjuntamente logran un film que todavía sorprende por la ferocidad de algunas escenas, que recuerda a la previa Sin novedad en el frente, pero sobre todo por las espectaculares tomas en exteriores de los paisajes en que transcurre una acción, en ocasiones trepidante.
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Beau Geste
Beau Geste (1926)
  • Estados Unidos Herbert Brenon
  • Ronald Colman, Neil Hamilton, Ralph Forbes, Alice Joyce, ...
9
LA AVENTURA MUDA
No seré yo quien reste méritos al posterior film de William Wellman, que me parece una joya, pero buena parte de sus méritos devienen de este primigenio film, poco conocido, que constituye una estupenda muestra de la pujanza del género de aventuras dentro del cine mudo americano. De la mano de un ajustado Ronald Colman, la Paramount lanzó la casa por la ventana con una figuración alta incluso para la época, confiando las manos del Proyecto a Herbert Brennon un irlandés, pionero en el mundo del cine, que para entonces ya llevaba cerca de cien títulos en su haber, y actualmente prácticamente desconocido, a no ser por este film y su Peter Pan de 1924. Este es uno de los ejemplos curiosos en que todo se conjuga para que el resultado final supere las expectativas generadas por el grupo de personas que lo han hecho posible. Magnífica fotografía de Roy Hunt y ajustada interpretación del elenco designado, Brennon sacó un estupendo partido al contraste entre interiores y exteriores como expresión del alma atormentada de los héroes del relato. Un reconocimiento especial a la labor de Noah Beery, aunque la composición que del mismo personaje hizo Brian Donlevy años más tarde la supera.
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Au nom de la loi
Au nom de la loi (1932)
  • 6,2
    22
  • Francia Maurice Tourneur
  • Marcelle Chantal, Régine Dancourt, Gabriel Gabrio, Charles Vanel, ...
9
DE REGRESO A FRANCIA
Tras un exitoso paso por los Estados Unidos donde estuvo trabajando por quince años dando a luz a joyas como El último mohícano o Victory, Maurice Tourneur continuó en Francia su carrera siguiendo los patrones que habían guiado su carrera, no despreciando género alguno, aunque teniendo predilección por algunos, como el criminal, que ya había tocado en los USA con películas como Alias Jimmy Valentine o Victory. No en vano el primer film rodado en Francia tras su vuelta, fue una película procesal, Acusssez levez-vous. Dos años más tarde alumbra este para mí magnifico film policiaco, variante procedimental, en que básicamente sigue el quehacer de un grupo de agentes al servicio de la ley en una lucha contra el crimen, en este caso, traficantes de drogas. Con la ayuda del autor de la novela que servía de base material, Tourneur levantó un film bien armado a nivel estructural, brioso y que se benefició de su aprendizaje del uso de la luz y del montaje en los estudios americanos, para añadir densidad dramática a los planos y agilidad al resultado final. Un film a descubrir.
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Anni facili
Anni facili (1953)
  • Italia Luigi Zampa
  • Nino Taranto, Alda Mangini, Gino Buzzanca, Clelia Matania, ...
8
EN EL CENTRO DE LA TRILOGIA
Quizás no se sabe por qué razón la presente muestra del innegable talento de Zampa para la comedia y la sátira social, que conforma el eslabón entre años díficiles (1948) y Gli anni rugenti (1962) es una de sus películas olvidadas, a lo que seguramente ha contribuido las dificultades de su visionado, lo cual resulta extraño pues las otras dos muestras de esta trilogía temporal, se encuentran entre lo más apreciado de su ciertamente irregular filmografía, y de lo más distribuido. El título no debe llamarnos a engaño, los pretendidos cómodos años, si los comparamos con los de la época fascista o la época de la guerra, no son sino una irónica revisión de las trampas a las que un hombre y su familia pueden verse arrastrados en la época de prosperidad por el poder que todo lo controla. Un guiño al Lampedusa que escribió "Hace falta que algo cambie para que todo siga igual". Un relato de plena actualidad sobre la época del pre miracolo que ralla a la altura de otras magnas obras de Zampa como Proceso a la ciudad, Vivir en Paz o Un americano in vacanza
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Among the Living
Among the Living (1941)
  • Estados Unidos Stuart Heisler
  • Albert Dekker, Susan Hayward, Frances Farmer, Harry Carey, ...
9
Los argumentos fílmicos de un pionero
En la historia del Cine hay multitud de personajes cuya importancia en la gestación del lenguaje cinematográfico apenas es considerada. Es el caso de Stuart Heisler. No se suele considerar al mismo como un puntal en la Historia del Cine, siquiera se menciona dentro de la particular clasificación de artesanos a considerar. Sin embargo este angelino nacido a finales del siglo XIX, ya en 1913 se había unido a las huestes de Mack Sennet como chico para todo, hasta ascender tras diversos trabajos como ayudante de director en films como Huracán sobre la isla de John Ford, veinte y cuatro años después, tiempo más que considerable que pone de relieve una formación considerable. Among the living es su cuarto trabajo como director. Una serie Z de nulo presupuesto, pero habilísimo guion que sorprenderá a quienes lo vean por la radicalidad de su propuesta, y por la sensualidad que emana del personaje interpretado por una juvenil Susan Hayward. Con un ajustado Dekker en un papel complejo, la película es un muestrario patológico de situaciones propias del género de terror a principio de los años 40, no siendo extraño la reivindicación del mismo por personajes tan dispares como Martin Scorsese o Bertrand Tavernier. Un pequeño film en su concepción, grande en sus resultados, que permite apreciar la máxima de que el dinero no lo es todo dentro de la creación artística
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1860
1860 (1934)
  • Italia Alessandro Blasetti
  • Giuseppe Gulino, Aida Bellia, Gianfranco Giachetti, Mario Ferrari, ...
8
La consagración cinematográfica de Alessandro Blasetti
Antecedente del movimiento italiano denominado "caligrafismo" , se trata de un elegante episodio nacional de patriótica emoción apenas contenida. Espléndidamente fotografiada se beneficia de una exigente planificación y de un metraje inusualmente corto. De este modo Blasetti se consagraba dentro del Cine italiano del Régimen Fascista al que contribuiría ese mismo año con la bastante insulsa, Vecchia Guardia y la posterior y deficiente Ettore Fieramosca.
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