Aún recuerdo el día en que vi esta película. Cuando salí del cine todo era diferente. Todo tenía un color y un sentido distintos. Las personas simbolizaban el milagro de la vida y la ciudad, inmensa entonces ante mí, el teatro donde transcurría todo.
La vida (y la muerte) tomaron un significado distinto.

Y lo lograste tú, Isabel. Tú, con esta maravillosa película. Tú y esos ojos de Sarah Polley, que reflejaban el abismo oscuro en el que se precipitaba. Ese abismo que no perdona, que no nos da segundas oportunidades.

Tú. Con esa sensibilidad que desprende. Eso sí, lejos de cualquier sentimentalismo y lágrima fácil. Tú, jugando sólo con una realidad que alguien sufre cada día. Ver como el mundo se apaga, se detiene, se desvanece.
Tú. Con esos pequeños monólogos, que son los gritos de una Ann que guarda todo su dolor para no contagiárselo a los que la rodean.
Tú. Porque nos muestras cómo el amor nos llega, sin prevenciones ni prejuicios. Sólo llega. Sin más. En una lavandería, ¿por qué no?
Tú. Que me haces llorar cada vez que la veo. Porque me siento débil, indefenso, condenado a un destino que nos une a todos. Pero del cual saco fuerzas para ver la luz del sol, para sentir que hay algo afuera. La vida en su máxima expresión. Ves el camino ya recorrido, pero te atreves a ver el que te queda aún por recorrer. Y el vitalismo recorre toda mi sangre, y me prometo que agotaré cada segundo en encontrar la felicidad, antes de que la muerte gane la batalla.

Tú, Isabel. Tú. Y sólo puedo agradecértelo. Porque ahora soy otro. Es increible como una historia ficticia de 100 minutos puede cambiar a alguien. Pues tú lo has conseguido.

Y ahora guardo a esa Ann en el recuerdo, siempre ligado al rostro de Sarah. Y a Mark, a Scott, a Deborah...
Gracias a ti, Isabel, he aprendido a ser feliz. Muchas gracias.

Señores, ante ustedes, una gran joya.
Maravillado me quedé tras visionar "Y tu mamá también". ¡Cuánta calidad hay comprimida esta película! A lo mejor, muchos sólo la ven por su alto contenido sexual, pero, ¿por qué dejarnos llevar sólo por la superficial? Las escenas de sexo están muy bien, pero quien se quede con solo eso no ama este arte que es el cine.
Porque esa naturalidad que desprende el film es increíble (es como si le hubieran puesto una cámara enfrente a dos hombres y una mujer sin que estos sean conscientes de que les están filmando. Esto se ve de manera clara en la escena que precede al trío, mientras bailan.)
Gael García Bernal y Diego Luna hacen unas interpretaciones majestuosas. Y nuestra Maribel también, y eso que a mí esta mujer no me gusta como actriz. Pero aquí, está muy bien.
Una "road movie" que trata la adolescencia como el escenario previo a la verdadera vida, aquella que golpea y te derrumba cuando ni siquiera aún acabas de despertar del sueño de la inocencia. Y una mujer, cuya vida se desmorona, que busca una redención a su culpa, una justificación a su vida.
Brillante. Increíble. Maravillosa. ¿Qué más halagos se le puede decir?

La prolífica realización del irlandés Ken Loach incluye películas tan ejemplares como absolutamente imprescindibles como “Tierra y libertad”, “Pan y rosas”, “Felices dieciséis” o “Solo un beso”.
Ken Loach es un director comprometido, atrevido, audaz y perseverante. Lleva haciendo cine desde 1967 y es un viejo maestro de este arte, por lo que ya no tiene que rendir cuentas con nadie. De ahí puede nacer la explicación lógica parar esa, para nada encubierta por el propio director, subjetividad de la que está bañada su última película, por la cual obtuvo la Palma de Oro en la última edición de Cannes, por encima de las favoritas “Babel” o “Volver”.
En “El viento que agita la cebada”, los buenos son los pobres irlandeses oprimidos por la Corona Británica (los malos) que les niega la libertad y los extorsiona en esa cárcel en la que se han convertido sus tierras bajo dominio británico. Loach no engaña a la historia, pero tampoco admite redenciones. Ofrece su punto de vista, desde su alma irlandesa que le empuja a retribuir cierto homenaje a esos irlandeses que lucharon por la ansiada independencia.
Pero como ya se ha comentado, a Ken Loach poco le importa que se pueda advertir esa subjetividad. De este modo, Loach vuelve al campo de batalla tras “Tierra y Libertad”, que versa sobre la Guerra Civil Española. Y esa desunión, esa ruptura de los lazos parentescos, la división de aquellos que tienen la misma sangre nacional (que no, ideológica) es un punto clave para el enlace entre dos películas que podrían seguir caminos paralelos.
Y ahí es quizá donde nos encontramos al Loach más agresivo. Cuando, sin piedad, nos ofrece esa división en el seno irlandés entre los que aceptan el pacto alcanzado con la Corona Británica (que no les admite la independencia, pero sí mayor libertad) y aquellos que quieren seguir con la ensoñación hasta alcanzar la realidad que propulsó el nacimiento del movimiento armado. Las dos últimas escenas de la película, absolutamente estremecedoras, no dejan lugar a la complacencia. Españoles enfrentados en “Tierra y libertad”. Irlandeses enfrentados en “El viento que agita la cebada”. Las historias bélicas tienden a repetirse…
Muchos dicen que la Palma de Oro que Ken Loach obtuvo en Cannes por este film fue, en realidad, un premio a todo el conjunto de su prolífica filmografía. Si fuera así, a pesar de ser algo injusto pues en un festival se premian las películas, no las filmografías; Ken Loach se merece el gran halago de la industria cinematográfica por su buen cine. Pero es muy probable que este film no sólo sea el colofón a un gran trabajo como director, sino una muestra más de su gran talento. Y que su premio sea totalmente merecido.

"C.R.A.Z.Y." es lo que pretende ser: un alegato desenfedado en favor de la libertad y el rechazo a la opresión, en este caso, familiar.
La jugada a Jean - Marc Vallée le sale perfecta, aunque su propósito se caiga en un metraje demasiado extenso. Con una historia profunda (aunque,quizá, no tan desarrollada como la fuerza de la historia se merece) y con una agilidad en su narración muy moderna y eficaz, la historia poco a poco se va dulcificando hasta intentar calar al espectador con unas premisas ya predispuestas desde el principio pero que solo cogen forma hacia el final de la película. Hay partes, sobre todo del final (como ese viaje a Jerusalem) abosulatemente superfluas, pero el director logra que el espectador las acepte, como logra con todo el film.
Porque, no nos engañemos. La historia ya la hemos visto muchas veces (hijos incomprendidos por sus padres, disputas internas...) pero Vallée, que parece ser consciente de eso, le añade un toque muy especial que se encuentra en su narración moderna y en esa banda sonora, brillante en el film y absolutamente necesaria, que actúa como un personaje más de la historia.
Podría ser la típica película de sobremesa de Antena 3. Pero también podría ser la gran película del año. No sé. Esta película me dejó tan desconciertado como la propia perspectiva de su vida que tiene el protagonista, que debe tomar un camino que sabe, no debe elegir. Y su felicidad, o la del padre, son las dos directrices que le deben guiar a la hora de tomar rumbo a su vida en esa bifurcación que ante él se abre.
En todo caso, muy recomendable.

Esta película pretende reflejar (y lo hace) los estereotipos más comunes (y odiados seguramente por ellos) de los homosexuales.
Pero también es una película divertida y tierna. Una película fácilmente digerible, aunque parece destinada un público muy selectivo, porque no me imagino a un heterosexual poco cinéfilo disfrutando de esta película.
De todos modos, las interpretaciones son más que correctas y la historia fluye de forma ágil y entretenida, pensando que, con la existencia de películas como está, uno no sabe si se consigue la igualdad deseada por los homosexuales o se abre algo más la brecha que los distancia, porque todo parece reunir los tópicos establecidos que, casi siempre, logra marginarlos.
Pero pronto caemos en la cuenta de que no. Esta película busca la igualdad y dar como normal algo que la mayoría ya entendemos como tal.