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Críticas de Gabriel
Críticas ordenadas por:
The Amazing Spider-Man
The Amazing Spider-Man (2012)
  • 5,8
    46.995
  • Estados Unidos Marc Webb
  • Andrew Garfield, Emma Stone, Rhys Ifans, Denis Leary, ...
4
Absolutamente innecesaria
Me disponía a disfrutar de una nueva visión de uno de nuestros superhéroes más queridos. Por esperar, lo básico: acción, espectacularidad, algo de imaginación y un nuevo toque o un punto de vista diferente u original.
Pero nada de eso he encontrado. Siento discrepar de los que ven en este nuevo Spiderman algo destacable, pues a mi no me lo parece.
Una historia que no desvela nada nuevo, un protagonista sin carisma (uno de los puntos más negros), y un relato que ya sabíamos sin aportar ni espectáculo ni emoción.

En definitiva, una nueva vuelta de tuerca que aporta bastante poco.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El invitado
El invitado (2012)
  • 6,1
    21.340
  • Estados Unidos Daniel Espinosa
  • Ryan Reynolds, Denzel Washington, Brendan Gleeson, Vera Farmiga, ...
5
Aprobado justito, pobre bagaje para Denzel Washington
Rancio debut en Hollywood de Daniel Espinosa con un thriller que promete al inicio, pero que acaba defraudando por su inconsistencia argumental, su pésimo montaje y sus confusas escenas de acción.

El siempre solvente Denzel Washington es de nuevo lo mejor del film pues a pesar de que esté lejos de su mejor personaje, su presencia siempre llena la pantalla. Gracias a sus miradas, sus silencios y su credibilidad hacen que Tobin Frost, un legendario traficante de información, sea lo más destacado entre la mediocridad generalizada.

El papel de guardián de piso franco para la CIA de Ryan Reynolds le va justito. En su descargo hay que decir que no es un rol para lucirse pero su inexpresividad debería empezar a preocuparle. Sin duda le falta un hervor ( a pesar de mi admirada "Buried", película absolutamente de director).

Lo peor no es ya el argumento super trillado sino la fatídica técnica empleada. Luchas, tiroteos y persecuciones embarulladas y difusas en las que el espectador ha de adivinar quién es quién, distan de estar muy lejos de un ejercicio de clase depurada y técnica destilada. Cualquiera podría filmar así: fotografía quemada, montaje superpuesto,etc. En fin una propuesta más de tantas.

Creo que Denzel Washington debería afinar más en su ejercicio de productor ejecutivo. Por su parte, a Daniel Espinosa se le puede perdonar porque es la primera, pero en el futuro debería de preocuparse menos de adaptarse a las estrellas y tejer mejor una historia coherente, eficaz y atractiva.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Grupo 7
Grupo 7 (2012)
  • 6,5
    32.641
  • España Alberto Rodríguez
  • Antonio de la Torre, Mario Casas, Joaquín Núñez, José Manuel Poga, ...
7
Antonio de la Torre, nuestro Robert de Niro del momento
No sé si es bueno, adecuado o justo destacar a un actor por encima del equipo artístico y técnico de un film, pero creo que Antonio de la Torre merece este reconocimiento individual, al menos en este humilde espacio de mis críticas.

"Grupo 7" es una muy buena película española, un thriller policíaco, con la Expo de Sevilla '92 al fondo como gran telón omnipresente.
Se tratan temas de corrupción que salpican en todos los ámbitos y en todas las jerarquías. El enfoque realista, el día a día de estos policías en los barrios marginales está muy logrado, junto con la recreación de la Sevilla de los años 80 y principios de los 90. En definitiva, una gran labor artística y de dirección.

La guinda, como ya he dicho, la pone Antonio de la Torre, con un personaje impulsivo y brutal al principio y algo más reflexivo y genialmente silencioso en una posterior evolución. Gran trabajo actoral, por tanto, que recoge esa gama de matices. Bravo, Antonio.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los vengadores
Los vengadores (2012)
  • 6,9
    77.083
  • Estados Unidos Joss Whedon
  • Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, ...
9
Formidable ensamblaje de superhéroes dentro de un gran espectáculo
No era fácil juntar, aunar y exhibir a tantos superhéroes, tan diferentes y con sus diferencias entre sí, otorgándoles además, sin pasarse de metraje, a cada uno su cuota de protagonismo (narcisismo podríamos decir en el caso del genial Robert Downey Jr./Iron man, capaz de destacar incluso en superproducciones de este calibre, donde el actor no es lo principal).

Pues Joss Whedon lo hace, no bien, sino muy, muy bien. Desde un guión que reparte minutos equitativamente, un montaje que es una maravilla intercalando héroes y episodios, a lo que hay que añadir un sonido brutal, este director nos brinda un film que hace las delicias tanto del espectador ávido de grandioso espectáculo como del fan del cómic más exigente. No defrauda. Espectáculo con mayúsculas.

Tiene también la habilidad de sacarles partido a los personajes que tiene menos “chicha”, como queda claro en la primera aparición de la siempre bella y deseadísima Scarlett Johanson (genial interrogatorio).

Definitivamente, es un caso de superproducción muy trabajada y con ganas de deleitar al público desde el respeto, y aunque todo es mejorable (quizá la colaboración de Iron man y Capitán América, con palanquitas incluídas) a mí, esta aventura de superhéroes y villanos (¿es Loki es mejor malo posible?) me sabe a regalo y a disfrute total en una butaca de cine, algo que hoy por hoy no es fácil.

Si hay más “Vengadores”, que siga Joss Whedon.
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9 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cabo del terror
El cabo del terror (1962)
  • 7,5
    7.493
  • Estados Unidos J. Lee Thompson
  • Gregory Peck, Robert Mitchum, Polly Bergen, Lori Martin, ...
7
Ocho años y cuatro meses
Hay en “El cabo del terror” muchos elementos que hacen de ella una buena película, aunque sin llegar a la excelencia. Es cine negro, hay mucha tensión y aparecen dos de los mejores actores de la historia del cine. Sólo por ello merece ser tenida en cuenta. Martin Scorsese la incluye en su lista de 85 películas imprescindibles, pero se debe, más que a la película en sí, a la actuación de estos dos magníficos actores.

Desde las primeras imágenes se aprecia la exquisita planificación y el dominio absoluto de Robert Mitchum con la cámara. Encarna a un tipo chulesco, listo y altivo que ha aprendido leyes mientras estaba en prisión y ahora, recién salido, pretende usar todos los recovecos que le permite la ley para impartir “su justicia”. Sin duda, un tipo de personaje, el de dudosa moral, que se le daba muy bien a Mitchum.

En contraposición, Gregory Peck, abogado elegante, serio, educado, equilibrado y familiar. El formidable tour de forcé entre estos dos mastodontes de la interpretación, cada uno en su rol, está asegurado.

El film va de menos a más, desde la tranquilidad de una pequeña ciudad del sur de Estados Unidos hasta el clima de pesadilla que envuelve el último tercio.
Lo mejor es el logrado ambiente de tensión que transmite y la descripción del personaje de Mitchum, del que podemos percibir el odio y el rencor cocinado a fuego lento. Destaca también la banda sonora de Bernard Hermann, colaborador habitual de Hitcochck, que proporciona el ambiente inquietante que requiere el film.
En el otro extremo, donde más flaquea es en algunos aspectos de la narración, que a pesar de su solidez, no llega siempre a la exquisitez.

Posiblemente, es la mejor película de J. Lee Thompson, especialista en películas de acción y bélicas, que alcanzó gran éxito con “Los cañones de Navarone” (1961).

A pesar del tiempo transcurrido, se mantiene como un buen ejemplo de thriller psicológico, creando en el espectador la sensación de desasosiego, injusticia e indefensión (como dice el policía, “o sobran leyes o no tenemos suficientes”).
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hojas de otoño
Hojas de otoño (1956)
  • 6,7
    362
  • Estados Unidos Robert Aldrich
  • Joan Crawford, Cliff Robertson, Vera Miles, Lorne Greene, ...
7
Película buena, distinta, y una estelar Joan Crawford
Todo en ella es bueno: la película, la actriz, y la inusual historia. Porque las cosas como son, la peli es un poco rarita, más teniendo en cuenta la fecha de su realización (1956), pero eso no es necesariamente malo ni bueno, sino diferente, algo que bien gestionado (como es el caso) puede convertirse en algo muy favorable.

El comienzo es directo, sin rodeos, como mandan los cánones. Una mujer cuarentona, segura, trabajadora, se preocupa por su soltería; es decir, una perfecta descripción de nuestra protagonista, la siempre estelar Joan Crawford. Un día, en un restaurante alborotado, conoce a un chico más joven que ella y comienza una relación de amistad.

Los temas principales del film son la edad (eterna obsesión), las oportunidades perdidas y… el amor por encima de todas las adversidades. Aldrich nunca ha sido un director al uso. Aunque sus films beben de los clásicos, siempre hay algo que le diferencia (¿Qué fue de Baby Jane?, El beso mortal,etc). Aunque por momentos pueda parecer una película romántica, un melodrama o incluso un thriller, quizá es un híbrido de todo ello con sorpresas incluídas. Ciertamente, esta amalgama de géneros dificulta que sea una película redonda pero quizás ahí reside su modernidad, en la mezcla de estilos y en la confrontación de situaciones.

Por supuesto, Joan Crawford (de la que sólo puedo ser un fan empedernido) está majestuosa. Mujer madura en busca de la oportunidad perdida, el amor se le resiste. Con miedo a ser engañada y sin confianza por su edad, desconfía de toda propuesta amorosa. El papel es perfecto para ella. Sin perder su atractivo, pero sin disimular el paso de los años, puede ser la amante madura perfecta. Sin duda, una actriz sin igual.

En definitiva, una película distinta pero notable, que se sale un poco de los cánones, con un final rápido e inesperado, no por ello menos recomendable.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
La herencia Ferramonti
La herencia Ferramonti (1976)
  • 6,1
    269
  • Italia Mauro Bolognini
  • Anthony Quinn, Fabio Testi, Dominique Sanda, Gigi Proietti, ...
7
Historia vs técnica
Basada en el romance homónimo de Gaetano Carlo Chelli, “La herencia Ferramonti” es un buen ejemplo del melodrama europeo de los 70, conformado por un buen reparto y con ciertos toques de erotismo, marcado por el fin de la censura.

Hay en ella dosis de sexo, traición, familia, dinero, poder, alianzas, negocios, infidelidad, … La baza principal del film es la bellísima Dominique Sanda, con algunos desnudos integrales incluídos, que obtuvo el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes por su brillante papel de Irene. Sanda interpreta a la hija de un pequeño comerciante, que contrae matrimonio con Pippo (Luigi Proietti), hermano de Mario (el apuesto Fabio Testi) y Teta (Adriana Asti), hijos todos de Greorio Ferramonti (un magnífico Anthony Quinn), que los considera indignos de su herencia, en el momento en que se aproxima su jubilación.

La película está ambientada en la Roma de 1880, una ciudad antigua, brumosa, sucia y en donde se respira la corrupción, concretamente en el trato de favor en los negocios de una pequeña burguesía creciente. Centrada en los pequeños comerciantes (la panadería y la ferretería), hay una lucha constante y a toda costa por llegar hasta el poder y el dinero.

La historia, corta y bien llevada por Mauricio Bolognini, se hace interesante por la ambición y/o corrupción que destilan sus protagonistas, especialmente las tres figuras principales (Sanda, Quinn y Testi), que ofrecen un buen nivel interpretativo.
La partitura de Ennio Morricone ayuda a crear el clima propicio entre melancólico y fracasado de una familia que lo pudo tener todo.

La puesta en escena no supone ninguna preocupación para Bolognini, pues la descuida bastante, y en general, no es una película de una técnica depurada (más bien todo lo contrario), de modo que Bolognini lo fía todo a la fuerza de la historia, la intensidad de sus actores y a su vigor narrativo, consiguiendo un resultado más que aceptable y saliendo triunfante del reto.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Artist
The Artist (2011)
  • 7,7
    57.576
  • Francia Michel Hazanavicius
  • Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, ...
10
La excelencia cinematográfica
Se podría calificar a “The artist” como milagro cinematográfico, pero quizá sería injusto con quienes han hecho posible esta gozada visual, porque detrás de ella hay un encomiable trabajo y mucho esfuerzo por sacar adelante un proyecto por el que pocos apostaron en principio.

Aunque parezca mentira, es cine hecho en 2011, en blanco y negro, y mudo, con algunos intertítulos. Hay pocas frases (todo un acierto) pero taxativas, fenomenalmente escogidas. En realidad casi no las necesita, todo se entiende.

Para los amantes del cine clásico, no ha habido nada en muchos años que se parezca, al menos que haya tenido la enorme trascendencia de “The artist” y tan galardonada.
Tarde o temprano lo iba a decir, así que sin más preámbulos allá va: yo también me rindo a la evidencia, me sumo a los que la adoran: “The artist” es una auténtica maravilla, una película que cualquier cinéfilo desea ver y que cualquier director que se precie hubiera querido dirigir.
La trama se centra en el egocéntrico George Valentin (fenomenal Jean Dujardin) una estrella del cine mudo, que se fija en Peppy Miller (genial Bérénice Bejo) una bella aspirante a actriz, al tiempo que su matrimonio va haciendo aguas. Con la introducción paulatina del cine sonoro y su rechazo a ello, su estrella se va apagando, al contrario que su idolatrada aspirante a actriz, que va escalando en su carrera.

Motivos para el elogio: la arriesgadísima apuesta que supone, su perfección técnica, el fantástico envoltorio (desde el vestuario, los logradísimos decorados, maquillaje, peinados, la fabulosa ambientación,…), su temática (aparte de otros, está el cine y el amor, dos temas eternos en el séptimo arte con un tratamiento fantástico ¿qué más se puede pedir?), y sinceramente, hay pocas películas que tengan tantas escenas o secuencias mágicas: la destrucción de rollos de películas; el simbólico encuentro de ellos en las escaleras, él abajo y ella ya arriba; el fiel sirviente esperando junto al coche, la escena del traje con manos, etc..

A los actores, habría que darles a todos un 10, excepto a Bérénice Bejo... que merece mucho más, por su brío, su carisma y su belleza dentro de una extraordinaria actuación. Poseedora de una de las mejores piernas de la Historia del cine, su dulce interpretación resulta encantadora. ¿Cómo es posible que no estuviera nominada a los Oscar? Yo se lo habría dado.

Cada secuencia contiene una escena inolvidable y, prácticamente un homenaje al cine. Viva “The artist”, viva el cine.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
JCVD
JCVD (2008)
  • 6,4
    9.523
  • Bélgica Mabrouk El Mechri
  • Jean-Claude Van Damme, François Damiens, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra, ...
6
Sorpresiva pero no rompedora
Jean Claude Van Damme es uno de los actores más taquilleros del cine de acción, aunque sus obras nunca han destacado por tener buenas críticas. Son pelis de tipos duros que utilizan artes marciales y todo tipo de armas para resolver una injusticia, para rescatar a alguien indefenso, etc. Tras Stallone y Schwarzenegger, auténticos reyes del género, Van Damme ha sido el más mediático en este tipo de cine (por delante de Steven Seagal, que en la película incluso le quita ya un papel).

Posiblemente hastiado, Van Damme ha decidido dar un impulso a su carrera y ofrecer este film con tintes autobiográficos, en donde él es la presa y se muestra como una estrella venida a menos, con graves apuros económicos y con problemas legales para la custodia de su hija.

A pesar de haber cosechado algunas buenas críticas (un logro con respecto a sus películas de acción), y de ofrecer algo distinto, “JCVD” no es la película rompedora que se pretende. Hay como dos partes bien diferenciadas: la parte autobiográfica, sin duda lo mejor, y la trama del robo-secuestro, que es lo peor.
En la primera, destaca la secuencia inicial, con un Van Damme portentoso en pleno rodaje, la famosa confesión y en general, todo lo relativo a su vida, en contraposición al insulso robo-secuestro, que definitivamente estropea la película e impide -en un alarde de poca imaginación- que la película vaya a más.

Por tanto, queda una sensación agridulce para algo que estaba llamado a sorprender y en el mejor de los casos, a ser rompedor. Desgraciadamente, el factor sorpresa queda muy minimizado por el pobre desarrollo de la historia, aun con el descarado toque de "Tarde de perros" (de Sidney Lumet) que el desconocido Mabrouk El Mechri intenta dar. Tampoco la imperturbable, exageradísima y monótona fotografía cuasi monocromática parece hacerle ningún favor ya que acaba por cansar, además de que se aprecia un metraje excesivo.
Como mucho, puede decirse que la idea de partida es buena y original, pero el conjunto no está bien resuelto.

Lo mejor: el intenso monólogo de Van Damme

Lo peor: no saber conjugar la supuesta biografía de Van Damme con una historia atractiva.Desde luego el robo resulta insípido.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Chronicle
Chronicle (2012)
  • 6,2
    22.862
  • Estados Unidos Josh Trank
  • Dane DeHaan, Alex Russell, Michael B. Jordan, Michael Kelly, ...
6
CRONICA DE UN DEBUT SOBREVALORADO
Cuando uno no tiene muchas oportunidades de ir al cine, intenta escoger películas que tengan algo especial: un tema interesante o novedoso, un director de garantía, un actor o actriz que nos enamore, una recomendación o simplemente que ese día nos apetezca esa película.
Yo tengo que reconocer que “Chronicle”, en principio, no estaba entre mis prioridades, pero tras escuchar los encendidos elogios en radio (La claqueta) y otras críticas entusiastas, fue mi opción.

La historia que trata es bastante sencilla: tres adolescentes, por accidente, un día descubren que tienen superpoderes y, poco a poco, a medida que se hacen más fuertes, todo se va complicando, alcanzando dimensiones inimaginables.

La baza fuerte y principal elemento elogiado es el tratamiento. Rodada como un falso documental, la cámara que todo lo graba es un protagonista más, pues todo está visto desde ella. La apariencia de realismo, de cotidianidad está muy logrado y los efectos especiales, sobre todo al fina,l están muy bien hechos, a pesar de ser una película relativamente pequeña.
Los actores, jóvenes aparecidos en series no muy conocidos todavía, realizan unas interpretaciones dignas de elogio y para ser una opera prima, Josh Trank debería estar bastante contento.

Sin embargo, pienso que tanto elogio es inmerecido. Sinceramente, no veo que sea para tanto, incluso salí algo decepcionado del cine, sin duda por las enormes expectativas creadas, que en este caso no creo que le hagan un favor muy grande, aunque eso sí, en taquilla está funcionando muy bien.

Sin tener en cuenta la misteriosa aparición de los superpoderes (algo que no interesa contar, pero que tampoco hace falta), hay un déficit en la evolución del personaje principal, Andrew (Dane DeHaan), que se oscurece prácticamente de un día para otro.
Se aprecia el desparpajo narrativo, su efervescencia y la mezcla de géneros y temas (exclusión social, poder, pérdida de autocontrol,…), así como su corta duración, pero considero que “Chronicle” no es revolucionaria, ni da otra vuelta de tuerca (si acaso media vuelta) como se ha querido vender.

Es un muy buen debut, para un director como Josh trank de sólo 27 años, con un guión interesante del hijo de John Landis (a veces recuerdan a JJ. Abrams), y con sólo 9 millones de euros tiene mucho mérito, pero de ahí a calificarla de obra imprescindible, creo que dista mucho.

Son claramente superiores las virtudes a los defectos, pero ello por sí solo no asegura que estemos ante una reinvención del género ni una obra que pase a la historia.
Sin tantas pretensiones, me quedo con la excitante y divertida “Kick-ass”.
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18 de 26 usuarios han encontrado esta crítica útil
No tengas miedo
No tengas miedo (2011)
  • 6,2
    4.935
  • España Montxo Armendáriz
  • Michelle Jenner, Lluís Homar, Belén Rueda, Nuria Gago, ...
8
Maestro Montxo: humilde, sabio y comprometido
Estuvo Montxo Armendáriz en Almería el día después de la gala de los Goya 2012, presentando “No tengas miedo” y ofreciendo una charla-coloquio tras el film. Desde luego, la impresión no pudo ser más satisfactoria. La película es buena en sí, pero gana mucho más si quien te cuenta sus detalles y sus secretos es su director.

El argumento gira en torno a Silvia (excepcional Michelle Jenner), una chica de 25 años con graves trastornos, producto de una infancia durísima en la que se ha visto sola, cercada y terriblemente desamparada. Hay flash-backs que nos remontan a cuando Silvia era una niña. De hecho, hay una escena, casi al principio, rodada con exquisito buen gusto (no se muestra al padre), pero sobrecogedora en la que un servidor y su acompañante se preguntaron si tendrían fuerza para seguir viendo el film. Aunque la peli es dura, en adelante se suaviza (relativamente), y la maestría del director de “Secretos del corazón”, consigue un calculadísimo y excepcional equilibrio entre la exposición de los hechos y la inquietud en el espectador, siempre con respeto. Así pues, Armendáriz consigue un logradísimo recorrido por la senda vital de Silvia hasta los 25 años.

Para realizar este viaje a su resquebrajado mundo interior, la cámara se sitúa siempre a la altura de Silvia, de modo que en la infancia hay escenas en que vemos su cara pero no la de sus padres, como queriendo expresar la distancia entre niño y adulto, entre esos padres y esta hija.
“No tengas miedo” está llena de pequeños detalles como éste, que pueden pasar desapercibidos sin una segunda visión o una explicación. Por ejemplo, el dibujo que la niña entrega a su maestra (copiado de una exposición real de niños con el mismo problema) y que ésta no sabe detectar o no le concede mayor importancia.

Comentaba Montxo que al pasar la película en Estocolmo (Suecia), los maestros de allí se asombraban en que la maestra española no supiera reconocer lo que ese dibujo simbolizaba; se trata de un sol con rayos rojos y una niña pequeñita tumbada, sola, aislada, en un campo inmenso. Sin entrar a criticar la labor del docente, parece claro que hay un claro déficit en la formación que reciben los docentes a la hora de reconocer este asunto (y lo dice un diplomado en Magisterio).

Hay, además, una profundísima labor de documentación e investigación de alrededor de año y medio por parte de Montxo Armendáriz y su equipo, incluyendo a los actores principales, que comprendió lectura de informes, novelas, visión de documentales, películas (“Lolita” de Kubrick y sobre todo, "Repulsión" de Polanski), entrevistas a afectados, asistencia a terapias, incluso de padres abusadores en tratamiento.
Todo ello está reflejado en el film y quizá por ello desprende tal grado de veracidad. Tiene también Armendáriz una sensibilidad especial que siempre utiliza al servicio de la historia. Como él mismo decía, no hay nada inventado, todo lo que aparece sucede, por increíble que parezca.
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14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
La invención de Hugo
La invención de Hugo (2011)
  • 6,8
    58.071
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, ...
9
Obra maestra se mire por donde se mire
“Abuelo, me gustaría ver una de tus películas. La invención de Hugo Cabret es un gran libro, podrías hacer una película”.
Esto es, más o menos, lo que la nieta de 11 años le dijo a su abuelito. El abuelito en cuestión, un tal Martin Scorsese de 69 años, leyó el libro y parece ser que sintió la misma fascinación que la pequeña. Y el regalo para su nieta, para los cinéfilos, para cualquiera que ame el cine no ha podido ser mejor.

Scorsese, director y cinéfilo, o cinéfilo y director, ha hecho lo que se llama CINE con mayúsculas, o si se quiere, una obra maestra antológica. No es perfecta, por alguna subtrama. Me estorba el orondo señor y el jueguecito del perrito, alguna ralentización narrativa puntual, pero pocos reproches más se pueden hacer. El resto es alucinante.

¡Qué pasión por el cine!

Me encanta sobre todo cómo se explican los orígenes del cine. Con medios rudimentarios, cómo George Melies (ese otro genio precursor) hacía auténticas virguerías, desde colorear los fotogramas a los asombrosos efectos especiales, las precisas instrucciones al reparto, etc. Pocas veces he sentido tanta emoción. Sientes que estás en pleno rodaje, asistiendo al nacimiento del cine, a la auténtica fabricación de los sueños. Es excepcional.

Creo que podría estar escribiendo horas y horas sobre “La invención de Hugo” y sobre lo que me ha hecho sentir.
Es como descubrir otra vez el cine, como sentir que no está todo visto, como que algo nuevo aún es posible. Además, todo en clave de fábula para que cualquiera, desde los 5 años a los 100 ó más, pueda verla y disfrutar.

El uso del 3D es, sencillamente, alucinante. Scorsese, antes de estrenarla, se la enseñó a James Cameron, y el padre de “Titanic” quedó entusiasmado, hasta el punto de que le parecía muy superior a “Avatar”, considerada la mejor película rodada en 3D.

Podría seguir alabando el film. Los actores, el diseño de producción, la fabulosa banda sonora de Howard Shore, el alma que desprende la historia, cómo está retratada esa maravillosa infancia dickensiana, la manera en que está presentada París, la estación, el autómata, la maravillosa librería de Christopher Lee (que me recuerda al Cementerio de Los Libros Olvidados Carlos Ruiz Zafón), etc, etc.

Las ideas me asaltan a borbotones. Quiero pedir disculpas porque suelo cuidar más la redacción de mis críticas y ordenar más las ideas, pero la ilusión por hablar de esta obra maestra y gritarlo, me ha impulsado a escribir casi compulsivamente.

Absolutamente recomendable para todos. Imprescindible para cinéfilos.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Veinte mil años en Sing Sing
Veinte mil años en Sing Sing (1932)
  • 6,7
    458
  • Estados Unidos Michael Curtiz
  • Spencer Tracy, Bette Davis, Arthur Byron, Lyle Talbot, ...
7
La vida en Sing Sing
“20.000 años en Sing Sing” son los años de condena que suman todos los presos de la famosa prisión estatal de Nueva York, considerada una de las más duras de todo Estados Unidos. Está basada en las memorias del que fue alcaide de Sing Sing durante más de 20 años, Lewis E. Lawes, entre 1920 y 1941, lo cual aporta, como mínimo, realismo.

Allí va a parar el mediático gángster Tommy Connors, soberbio, arrogante y colérico. En la penitenciaría encuentra la horma de su zapato en el alcaide (excepcional Arthur Byron), firme en sus convicciones y dispuesto a que su nuevo inquilino acepte las normas de su nueva residencia, siempre desde la comprensión y lo razonable.
Todo va discurriendo según lo previsto hasta la visita de Fay Wilson (Bette Davis, única vez que actúo junto a Spencer Tracy).

Viendo “20.000 años…” surge la inevitable comparación con “Soy un fugitivo”, obra maestra absoluta, con elementos comunes pero infinitamente superior. La trama de “20.000 años…” no está tan elaborada como cabía esperar, al menos a mí me deja algo frío. Espero algo más que nunca acaba de llegar, aunque hay que reconocer la solvencia del conjunto y la potencia visual implementada por el gran Curtiz.

El elenco artístico es de un nivel excepcional. Tracy, un actor conocido por derrochar ímpetu en sus actuaciones, lo hace aquí también, en un trabajo soberbio y muy convincente. Bajo el manto de la fiereza, esconde un buen corazón y su insobornable palabra de honor (clave del film), sin renunciar a la testarudez y a su temida superstición. En cuanto a Bette Davis, su primera aparición aquí resulta estelar, a pesar de su juventud. Brillante, muy rubia y guapísima, es la chica por la que Tommy daría su vida. Como dice un compañero, una auténtica muñeca de porcelana (imposible definirla mejor). Y me ha llamado la atención la magnífica actuación de Arthur Byron (el alcaide), siempre con una mirada comprensiva pero firme, con dotes de mando pero sin alzar la voz, siempre haciéndose respetar por medio de la razón.

El director de “Casablanca” siempre ha tenido un estilo de trabajo rápido y efectivo, con una gran economía narrativa muy efectiva y de gran calidad que favorece el ritmo del film. Llena de detalles la narración con pequeños guiños y simbolismos (quizá el más evidente es el canario enjaulado), un marcado estilo visual lleno de sombras, rejas, cerraduras, etc que dan la pretendida sensación de opresión.

Aunque para mí, la mejor sigue siendo “Soy un fugitivo”, no cabe duda de que “20.000 años en Sing Sing” es una de las cintas más logradas en cuanto a la descripción de la vida en un penal de los años 30.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Al límite
Al límite (2010)
  • 5,7
    10.802
  • Estados Unidos Martin Campbell
  • Mel Gibson, Ray Winstone, Bojana Novakovic, Danny Huston, ...
5
Mel contra el mundo
No hay nada como un comienzo impactante para que una película provoque interés en el público. Y a fe que el inicio de ésta lo es. El desarrollo posterior, por desgracia, peca de ampuloso y de contener una trama con un misterio cifrado que se mantiene durante tanto tiempo que acaba por provocar desafección, además de que, cuando se descubre el pastel, la tarta no parece tan jugosa.

Cuenta una historia que ya hemos visto cientos de veces, con lo cual, la originalidad no es su punto fuerte. Mel Gibson trabaja bien y aguanta fenomenalmente el peso de todo el protagonismo.
Lo malo es que este cuento de un hombre despechado (con toda la razón, por supuesto) que se pelea contra todo el mundo y parte del Universo, está muy visto. Quizá si la trama hubiera sido más concreta, más específica (en definitiva, más elaborada) y no con la ambición de abarcar tanto, todo sería más creíble y accesible. Ante todo esto, surge una pregunta: si le quitamos el elevado presupuesto que debe tener y la presencia de una estrella como Mel Gibson, ¿en qué se diferencia de una película de serie B?

Las escenas de acción están muy bien rodadas, se nota el buen hacer, y por momentos, Mel Gibson recuerda, con unos años de más, su gloriosa etapa de “Arma letal”, pero esto es quizá lo más positivo que se puede decir, lo cual no es demasiado. Una lástima, pero con un guión tan famélico y previsible poco más se podía hacer. Además le sobra metraje: ¿por qué 117 minutos?
En definitiva, para pasar el rato con Mel.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Anastasia
Anastasia (1956)
  • 6,7
    1.855
  • Estados Unidos Anatole Litvak
  • Ingrid Bergman, Yul Brynner, Helen Hayes, Akim Tamiroff, ...
7
La vuelta al trono de Ingrid Bergman
“Roma, ciudad abierta” tuvo la culpa de que Ingrid Bergman decidiera marchar a Italia, para rodar con Rossellini, el director que la había maravillado con dicho film, sin ni siquiera conocerlo. Durante el rodaje de "Stromboli" comenzó una relación con Rossellini y quedó embarazada. Al estar casada, el escándalo no se hizo esperar, fue declarada "persona non grata" en América y la bella actriz sueca permaneció siete largos años alejada de Hollywood, por el rechazo del público norteamericano.

“Anastasia”, película que tiene mucho en común con la propia vida de Ingrid Bergman (recuperar su identidad y el sitio estelar que le corresponde tras un largo periodo), le devolvió de manera estelar a lo más alto del star-system y fue recompensada con el Oscar, en su quinta nominación.

La historia de Anastasia recrea la leyenda de la hija menor del zar Nicolás II, según la cual sería la única superviviente de la matanza perpetrada por el ejército bolchevique contra la familia Romanov. Tras años, amnesia y moribunda es encontrada por el exiliado general Bounine (genial Yul Brynner), quien, tras comprobar su asombroso parecido con la hija del zar, la convertirá, con grandes sacrificios, en la gran Duquesa Anastasia, con objeto de alcanzar una apreciable y cuantiosa herencia.

Aunque sólo fuera por el retorno de la bellísima actriz a Hollywood tras tanto tiempo, esta obra ya merecería la pena. Pero no es sólo eso. La producción es distinguida, elegante y placentera. Anatole Litvak, director de origen ruso (por tanto comprometido con el film), lleva a cabo una dirección más que acertada. Arropado por un fantástico trabajo técnico que va desde una brillante fotografía, un vestuario encomiable, un formato scope sabiamente utilizado, una partitura de Alfred Newman pegadiza y un diseño de producción majestuoso, Litvak revive un pequeño cuento de hadas insertado en la historia del siglo XX, pero sin olvidar las embestidas del realismo.


Respecto a Ingrid Bergman, de la cual me declaro fan incondicional, poco se puede decir que no se haya dicho ya. Es arriesgado aseverarlo, pero quizás después de “Casablanca” no la había visto tan bella, al menos en esta etapa de esplendorosa madurez. Su simple presencia, tras su prolongada ausencia de Hollywood, ya justificaría la película, pero si además aparece con sus mejores galas (radiante vestido blanco) en el palco de un teatro, la satisfacción es completa. No es su mejor interpretación, pero tiene varios momentos muy destacados como cuando, entre risa y llanto, acepta sin estar nunca segura, que es la gran Anastasia.

Aunque el final es algo repentino, estamos ante un film altamente recomendable, que los amantes del cine clásico y los admiradores de la belleza genuina de Ingrid Bergman no deben perderse.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
La dinastía de los Forsyte
La dinastía de los Forsyte (1949)
  • 6,6
    123
  • Estados Unidos Compton Bennett
  • Errol Flynn, Greer Garson, Walter Pidgeon, Robert Young, ...
7
Greer Garson, una bella mujer, una magnífica actriz
Superproducción de la Metro basada en el best-seller “A man of Property”, de John Galsworthy, con la que inició la famosa serie La Saga de los Forsyte, con ingredientes tan suculentos como amor, pasiones y violencia (sobre todo dialéctica) donde retrata la encorsetada vida familiar de la alta clase inglesa de finales del siglo XIX.

Incluye un suculento reparto de lujo con el siempre apuesto Errol Flynn, Robert Young, Walter Pidgeon y la guapísima Janet Leigh, todavía muy jovencita. La estrella es Greer Garson; no en vano el título original del film es “That Forsyte woman”, que alude a esa mujer Forsyte. Aparece radiante, con una gran gama de vestidos que cualquier actriz querría vestir.
Garson es una notable actriz del Hollywood clásico que se mueve como pez en el agua interpretando personajes de época y mujeres fuertes de exquisitos modales pero con determinación de hierro. Aquí interpreta a Irene, bellísima soltera de cierta edad, muy codiciada, profesora de piano independiente, un espíritu libre que quedó marcada por un antiguo romance.
El apuesto Soames Forsyte (Errol Flynn), ilustre miembro del distinguido clan Forsyte, rico, ambicioso y estricto, persigue a Irene para conseguirla en matrimonio, pero ella duda. Acostumbrado a conseguir siempre lo que quiere por la vía económica, no cederá en su empeño.

No cabe duda de que el film es exquisito en su cuidado y todos los detalles de producción, como demuestra el hecho de que fuese nominada al Oscar al vestuario en color en 1950. De corte clásico, al estilo “Lo que el viento se llevó”, aunque lógicamente de proporciones y calidad menores, ensalza los sentimientos por encima del poder y la tradición. No llega a convertirse en un drama pasional imborrable como otros films de sagas familiares, en parte por un desajuste en su montaje, que precipita los momentos finales en un desencadenamiento casi repentino que desequilibra la historia (mucha presentación y nudo pero escueto desenlace).
Otro factor que no convence del todo es la elección del actor que interpreta a Philp Bosinney, auténtico pilar desestabilizador. Robert Young no me parece el actor adecuado que posea esa presencia y esas cualidades amatorias casi hipnóticas que hagan suspirar; tampoco su actuación parece nada del otro mundo. Aunque sobre gustos no hay nada escrito.

Quitando esas dos salvedades, es una película de época muy apetecible, imprescindible para seguidores de Errol Flynn, pero sobre todo de la bellísima y adorable Greer Garson.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El demonio bajo la piel
El demonio bajo la piel (2010)
  • 5,6
    5.096
  • Estados Unidos Michael Winterbottom
  • Casey Affleck, Jessica Alba, Kate Hudson, Bill Pullman, ...
6
Blanco por fuera, negro por dentro
La verdad es que Michael Winterbottom lo tenía difícil. Partir de una novela tan oscura como “El asesino dentro de mí”, del prestigioso escritor Jim Thompson, y convertirla en una película atractiva para el espectador no era tarea nada fácil, al menos adoptando el punto de vista de Lou Ford, el protagonista. Imagino que el director de “Genova” calcularía el riesgo y aceptó el desafío, confiando en su habilidad para ofrecer una historia diferente, al tiempo que visitaba uno de los pocos géneros que le quedaban por tocar, el cine negro.

No es una película fácil ni agradable, más bien todo lo contrario. El personaje de Casey Affleck no tiene ningún asidero donde el espectador pueda sentirse mínimamente cómodo. La labor de este joven actor es absolutamente genial; otra cosa es que el personaje de Lou Ford provoque un grado de rechazo más que considerable, lo que sin duda puede influir en el ánimo del espectador al realizar una valoración global de la película.

Ford trabaja como ayudante del sheriff en un pequeño poblado de la América profunda llamado Central City. Convertido en narrador mediante su voz en off, Ford es tranquilo, pausado y frío. Affleck se imbuye del espíritu de ese pequeño pueblo, y pasa de un registro a otro con suma facilidad, realizando una actuación notable.

El resto del reparto está también a una altura considerable: Jessica Alba, Kate Hudson y Elias Koteas, auténtica mosca cojonera, con asombroso parecido al mejor Robert de Niro, tanto en lo físico como en su actuación. Todo hace pensar que los actores son buenos y además hay un buen director de actores detrás (blanco y en botella…).

Por lo demás, la reconstrucción del condado es minuciosa, detallista y convincente. Nada está de más y no se escapa ni un detalle, desde los bares de carretera a las casas, todo funciona. La atmósfera plomiza y machacona, junto a la banda sonora concuerdan a la perfección con la esencia de la historia. Como suele decirse, el escenario (Central City), es casi un personaje más.

Y luego está la controvertida historia. Una aparente normalidad que no es tal. Sexo, sadomasoquismo, mentiras, violencia, muerte,… Una mezcla de lo más impuro del ser humano con una superficie tan cristalina como un podrido interior.
Sólo la recomendaría por sus actuaciones, ya que se hace algo espesa y además da miedo de hasta dónde puede llegar el ser humano con o sin un móvil aparente. Echo en falta más dinamismo narrativo entre tantos meandros de violencia. Eso sí, si WInterbottom quería que nos metiéramos en la mente de ese lobo con piel de cordero llamado Lou Ford, tanto por exceso como por defecto, lo ha conseguido.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los descendientes
Los descendientes (2011)
  • 6,5
    43.231
  • Estados Unidos Alexander Payne
  • George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, ...
5
En contra (razonadamente)
Es difícil ir contracorriente cuando ya desde la crítica estadounidense, que actúa como avanzadilla del resto de críticas planetarias, todo son elogios y parabienes. Si además, a “Los descendientes” se le recompensa con premios (Globos de Oro y probablemente Oscar) y conecta bastante bien con la mayoría del público, pues miel sobre hojuelas.

No obstante, creo que el pequeño sector de público (vistas las críticas y las taquillas) a los que “Los descendientes” no nos acaba de iluminar, también tenemos derecho a opinar.
Para mí, la película va claramente de más a menos, en sentido descendiente. El comienzo es rápido, con una voz en off que nos pone al día en un momento. Todo está muy bien explicado, de manera clara, en orden cronológico, con toda la información que el espectador necesita: en Hawai, un padre heredero rico, ante una grave situación de índole familiar, se ve en la tesitura de (re)educar solo a sus dos hijas menores, al mismo tiempo que debe tomar una decisión trascendental de carácter inmobiliario y financiero.

Hasta aquí, todo bien, pero a medida que la narración avanza, el film se ralentiza en parte por sus pausadas transiciones (paisajes idílicos, sí, pero altamente repetitivos casi en cada cambio de secuencia), su limitadísima y cansina banda sonora, compuesta sólo de hits hawaianos (una o dos canciones está bien, pero todo el film, es, francamente, de hastío), su previsibilidad, y una trama que, a pesar de su tragedia, no deja de ser insulsa en su mayor parte (hay varios momentos destacables, pero resultan insuficientes y aislados). Todo ello, unido a unas altas expectativas generadas por lo bien valorada que está “Los descendientes”, hicieron que yo no saliera todo lo contento del cine que esperaba.

Lo mejor, las actuaciones, posiblemente las femeninas, con un Clooney correcto, aunque lejos de merecer el Oscar. La mezcla de humor-drama a veces funciona, pero está tan intercalada, se ven tanto las costuras del guión y la intencionalidad de Alexander Payne, que resulta artificial.

En definitiva, sí, es una película que se deja ver, cuya originalidad reside en su ambientación, pero yo no la catalogaría de película del año, ni mucho menos. El paraíso está en otras películas.
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14 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Balas o votos
Balas o votos (1936)
  • 6,7
    413
  • Estados Unidos William Keighley
  • Edward G. Robinson, Joan Blondell, Barton MacLane, Humphrey Bogart, ...
6
Robinson vs. Bogart
Destacada película de cine negro de la década de los 30, aunque lejos de los títulos consagrados del género como obras maestras tipo "Hampa dorada", "El enemigo público", "Soy un fugitivo" o "Scarface".

Como era habitual en el cine Warner de esta época, Edward G. Robinson, con su personalidad arrebatadora, es la estrella y Humphrey Bogart y Joan Blondell los secundarios. Robinson, en un papel menos convincente de lo habitual, se sitúa a uno y otro lado de la frontera que marca la ley, siempre con sus métodos expeditivos, aunque lo hemos visto más feroz otras veces. Mantiene una relación más de admiración que de cariño con la siempre luminosa Joan Blondell (acaso un romance parece imposible), una actriz con unos ojos como dos soles.
Es por ello que el film, en mi opinión, hubiera resultado mucho más consistente y rico si Robinson y Bogart hubieran intercambiado los papeles, pero la estrella indiscutible por entonces era Robinson, al que solían darle los mejores papeles, con más caché y relevancia que nadie.

El tema del film es la lucha contra el crimen. La corrupción, la extorsión, los asesinatos y demás fechorías mafiosas están escandalosamente extendidos por todo Estados Unidos. Para ello las autoridades, desbordadas ante esta oleada de maldad, ultiman un ambicioso plan, nombrando "ipso facto" a un alto cargo policial, Mclaren, el máximo responsable de la lucha contra el crimen, con plenos poderes y máxima confidencialidad.

El film resulta entretenido y tiene ritmo, pero no llega a la profundidad de otros coetáneos suyos y, bajo mi punto de vista, descubre sus cartas demasiado pronto, lo que claramente le resta emoción y un plus de intensidad que habría resultado conveniente para un mayor suspense.

Como era habitual en los 30, la Warner sigue con su valiente política de producir films de denuncia social de la corrupción de todos los estamentos (autoridades, jueces, banqueros, etc), con un marcado estilo realista – a veces se basaban en noticias de prensa- , lo cual le daría unos magníficos resultados tanto artísticos como económicos.

Como amante del cine negro, y especialmente de la década de los 30 y 40, he de decir que "Balas o votos" no está entre mis favoritas (cualquiera de las mencionadas en el primer párrafo las supera), pero siempre es un placer ver a Edward G. Robinson y Humphrey Bogart en oscuras tramas, y más si hay cierto pique entre ellos, como es el caso. Además está Joan Blondell, así que sólo queda disfrutar del espectáculo.
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
El puente
El puente (1959)
  • 7,7
    2.511
  • Alemania del Oeste (RFA) Bernhard Wicki
  • Folker Bohnet, Fritz Wepper, Michael Hinz, Frank Glaubrecht, ...
7
Bofetadas de realidad llegado el momento de la verdad
"El puente" es una de esas películas que tienen cierto prestigio en Filmaffinity (nota media de 7,8), poco conocidas para el gran público, pero sí para los cinéfilos más inquietos; casi una película de culto. Y lo cierto es que tengo que darles la razón, una vez más a los compañeros de críticas porque "El puente" es una película "especial", desde luego una maravilla en su género y en su época.

"Die Brücke" es muchas cosas. Es una reflexión acerca de la guerra, de hasta dónde es posible llegar y del poder de los mandos, cuando hay tantas vidas en juego. También habla del poder de seducción de las armas, aunque sea efímero, el sentimiento de superioridad sobre otros (no hay más que ver la escena del viejo que llega al puente para advertir a los chicos).
Entronca con "Napola" (Dennis Gansel, 2004) en el hecho de la conversión de los perfectos alemanes, máquinas de batalla para el frente, solo que aquí, a causa de la urgencia de la guerra, la instrucción es efímera, algo que en "Napola" estaba muy bien desarrollado y perfectamente explicado.

Para los que no hemos estado en ninguna guerra, y quiera Dios que no estemos, todo lo que contiene "El puente" es guerra. Transmite total veracidad. Su realismo transita de tal manera por cada fotograma, la situación de guerra es tan palpable, tan repentina, sin espera y en crudo, que deja sobrecogido. Sólo los más avispados pueden tener capacidad de reacción. La guerra está aquí. Matar o morir. Salvar el pellejo.

Muestra con toda crudeza la realidad de la guerra. El paso de niño a hombre por la acción de las armas y por imperativo bélico: muerte, destrucción, sinsentido, terror,...
Todo estalla de pronto, sin escapatorias, y no es una pesadilla: está pasando aquí y ahora. Quien viva para contarlo siempre lo tendrá presente; imposible alejar tanta tragedia a tan temprana edad. Sólo queda no repetir errores e intentar ser mejor persona, algo nada fácil.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil