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Críticas de Buscapé
Críticas ordenadas por:
El quinto elemento
El quinto elemento (1997)
  • 6,6
    93.812
  • Francia Luc Besson
  • Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Luke Perry, ...
6
El Blade Runner francés
Recuerdo que cuando asistí al cine en el 97' a ver ésta película, por un lado tuve la sensación de haber vivido un espectáculo visual sin precedentes y por otro, el de ser una tomadura de pelo donde el guión estaba tan simplificado, que parecía escrito por un niño.

Luc Besson, aquel que consiguió hacer una obra tan intimista, poética y divertida como era "El Gran Azul", aquí deja de lado toda esa pasión por contar una historia con buen pulso y pasión, para ofrecer un producto de factura hollywodiense pero al estilo francés.

Lo primero que destaca, es el diseño de producción: un homenaje o copia, (según se quiera mirar) de lo visto en Blande Runner, pero con mucha más luz y tonos pastel: el Manhatan repleto de coches voladores, la música del argelino Cheb Khaled "Alech Taadi" combinado con el score del siempre solvente Eric Serra dan como resultado un combinado realmente atractivo: tecno, ambient, ritmos industriales, étnicos...

Es decir: es un producto Blockbuster pero con un envoltorio de lujo: con Moebious moviendo los hilos de la dirección artística.

Las interpretaciones son pasables, destacando únicamente Milla Jovovich, cuya belleza deslumbra por encima de todo. Bruce Willis se limita a copiar el personaje que le dio fama en Die Hard y Gary Oldman perpetrando una de las peores interpretaciones de su carrera. No me molesto en mencionar al lamentable Chris Rock, que aquí resulta totalmente fuera de lugar.

En resumen: una película que no esconde lo que quiere ser, (el taquillazo del verano del 97') pero con un equipo de artistas detrás que dejan la sensación que con un guión mejor trabajado, se podría haber conseguido una película de más entidad.
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0 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alien, el octavo pasajero
Alien, el octavo pasajero (1979)
  • 8,1
    118.338
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Sigourney Weaver, John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, ...
10
Gritos ahogados en la catedral gótica llamada Nostromo
Ya no recuerdo cuándo fue la primera vez que vi esta película, siendo un niño, me quedé atrapado en las laberínticas estancias de esa catedral gótica llamada Nostromo.

La película no es solamente un slasher espacial, es una obra de arte que ha conseguido vencer el paso del tiempo, manteniendo el tipo y resultando hoy día una auténtica delicia visual en Full HD. Porque al contrario que Aliens El Regreso u otras cintas de la época. Si hay algo que le sienta de maravilla es esa ambientación retro-futurista. Estancias oxidadas, cables y tuberías por doquier. Humo y niebla que atesta los estrechos pasillos de "la casa encantada". La textura de la imagen añade matices y una riqueza visual que por ejemplo, la cinta de Cameron no tiene.

Aquí el verdadero enemigo de los tripulantes, no es el alien, si no la Nostromo. Que parece ir mutando en un ente vivo destinado a convertirse en el ataúd donde sólo se podrán escuchar los gritos.

La cinta tiene dos vertientes artísticas completamente opuestas: el arte neo-futurísta de H.R. Giger en el diseño de la "Derelict", la nave varada en el planetoide olvidado, donde se fusiona formas orgánicas con máquinas, dando como resultado un aspecto de pesadilla. La escena del Space Jockey le hizo ganar un oscar a los mejores efectos visuales. Y no es para menos. Porque treinta años después Prometheus intentó construir su propia odisea galáctica sobre esa misma escena y fracasó estrepitosamente.

Por otro lado, tenemos el diseño de producción de la Nostromo, con su aire retro-futurista, descuidado y oxidado. La influencia de ésta última en el arte y los video-juegos ha sido de tal calibre que no hay video-juego que no se sienta la influencia de ese ambiente mal sano y oxidado: Dead Space I quizás sea el mejor ejemplo de lo que consiguió Scott con su Alien.

Si Kubrick con una Odisea en el Espacio consiguió elevar la ciencia ficción al concepto más puro del arte: la poesía. Scott sumergió con Alien y Blade Runner la ciencia ficción al infierno frío, deshumanizado y cruel. Pero en una oscuridad elegante y bien realizada que seduce y te hace ver que en el terror también hay cabida para la belleza.

Comparada con Aliens El Regreso: ambas son grandes películas, pero James Cameron cuidó mucho menos el diseño de producción, (debido a su exiguo presupuesto) y por lo tanto se nota que ha envejecido peor que Alien El Octavo Pasajero.

Del diseño de la criatura, poco más hay que decir: sacado del conjunto trabajos englobados en la exposición "Necronomicon" del suizo Giger. Scott decidió eliminar los ojos para dar un aire aun más aterrador.

Hasta la frase de presentación era sugerente y despiadada "En el Espacio, nadie podrá oír tus gritos"
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Human Centipede (First Sequence)
The Human Centipede (First Sequence) (2009)
  • 5,1
    14.335
  • Países Bajos (Holanda) Tom Six
  • Dieter Laser, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie, Akihiro Kitamura, ...
6
Brutalidad sin límites
La película nace de una idea enfermiza ¿Sería posible que tres seres vivos pudieran sobrevivir unidos los tres por sus respectivos aparatos digestivos y excretores?

Por supuesto, hay que ver la película para poder ser conscientes de lo que Tom Six pretende exponer: una salvajada sin control que alimenta el sadismo más primario.

La saga Saw al lado de ésta película, es un versión Disney.

No recuerdo otra película que traspasara los límites de la locura: quizás Schramm, Saló o Calígula. O incluso el El Cien Pies Humano 2.

Pero lo que tiene éste filme es una realización soberbia: fotografía minimalista y fría. Interpretaciones funcionales. Donde sólo brilla con luz propia el villano. Cuyo acento germano da un cariz aun más retorcido, sobre todo cuando espeta sin pestañear ese "I hate human beings"

Las víctimas de su depravada y mórbida mente, se limitan a seguir los pasos que marca el psicópata. Inermes todos ellos ante lo que les espera. Sólo podemos contemplar el grado de desesperación humana.

Lo dicho: morbo, depravación, parafilia, psicopatía, aburrimiento, obscenidad... La única manera de opinar sobre esta película, es enfrentarse a su visionado. Una ardua tarea para las entrañas y los nervios a flor de piel. Es sin lugar a dudas, como montarse en la montaña rusa. Cuando todo se acaba, te quedas con la sensación de levitar en el asfalto antes de echar la papilla y derrumbarte.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aliens: El regreso
Aliens: El regreso (1986)
  • 7,4
    81.729
  • Estados Unidos James Cameron
  • Sigourney Weaver, Paul Reiser, Lance Henriksen, Michael Biehn, ...
10
Jaque a la reina
Hablar de Aliens no es hablar de un clásico, es hablar de una obra maestra. Lo que hace grande a éste Aliens el Regreso, es que siendo una secuela de la obra maestra de Scott, consigue desmarcarse del terror psicológico de la primera parte para adentrase en el cine bélico. No es ni mejor ni peor película que su predecesora, es simplemente diferente. Aporta otros matices y un género distinto.

La película atravesó penurias en su presupuesto, ya que con unos exiguos 6 millones de dolares, Cameron consiguió realizar una obra que no sólo no fusila el encaje original si no que lo engrandece y lo convierte en un universo rico y variado.

Es cine de acción, pero entre tanto tiro, testosterona y mala leche, hay lugar para una historia sobre el amor de una madre a una hija: tanto de Ripley como de la reina Alien. Cada cual defendiendo su especie a muerte.

Encomiable el increscendo que va generando Cameron en la primera hora de metraje, donde no aparece ni un sólo bicho. Generando una tensión y suspense que desata posteriormente de manera magistral.

Mucho se ha dicho de que si Cameron plagió la novela de Startship Troopers o se basó en cómics sobradamente conocidos para plagiar escenas y la historia misma. Nada más lejos de la realidad: la película tiene una personalidad propia. Tanto es así, que ha influido a cientos de películas de acción, video-juegos, (con mejor o peor fortuna) y a dejado mella en la cultura popular.

Mención especial a la BSO escrita por James Horner, que aquí combina compases y rítmos militares con pasajes bellos y sutiles, donde más se remarca ese amor de madre a hija. No hay que olvidar que Horner casi llega a ser despedido por no poder cumplir con las exigencias de Hellen Enn Hurt y Cameron, porque éste último se pasaba todo el rato cambiando escenas que arruinaban el trabajo de Horner. Y este sin tiempo para llevar las partituras a la copistería para poder entregarlas a tiempo a la sinfónica, grabar y tener lista la peli. Un infierno que gestó una enemistad que se zanjaría con Titanic y se consolidaría con la pasable Avatar.

Mención especial al tema "Resolution and Hyperspace" donde se remarca los dos aspectos del filme: vertiginoso y a la vez emocional. Reusado en cientos de películas, sobre todo en Die Hard, (la escena final)
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dune
Dune (1984)
  • 6,4
    39.941
  • Estados Unidos David Lynch
  • Kyle MacLachlan, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Patrick Stewart, ...
10
Padre!!! Padre... El durmiente ha despertado!!!
Criticada, defenestrada y repudiada por su mismo director. Dune ha seguido los mismos pasos, (aunque con muchisima menos consideración y relevancia) que Blade Runner.

Dos films descuartizados y fracasados en su momento, que con los años maceraron y se han convertido en clásicos u obras de culto.

Pero el caso de Dune es distinto: por un lado tenemos a David Lynch, que se enroló en el proyecto totalmente convencido e ilusionado y que acabó saliendo de él echando pestes y renegando por los continuos recortes e intrusismo de Dino de Laurentis. Y por otro la ardua tarea de adaptar un libro de la complejidad de Dune, cuya mayor virtud es el collage de situaciones, personajes y filosofías.

Demasiado complejo para resumir en dos horas. Pero aun así, y a pesar de que los más fanáticos de la novela aborrezcan ésta película, David Lynch logró captar la esencia del libro. Con momentos tan acertados como el Agua de Vida, las interpretaciones de Lady Jessica, Moigamm, el Duque Leto o el Varon Harkonen.

Cualquiera que haya leído el libro, se dará cuenta que en la película subyace esa idea de impotencia por plasmar toda la literatura de Frank Herbert pero sí la ilusión por captar su esencia y universo. Mención especial a la dirección artística a cargo de Moebius, que años después volvería a repetir en El Quinto Elemento.

El tema "Prophecy Theme" de Brian Eno consigue elevar ciertas partes de la película a un nivel cuasi poético y etéreo. Donde el mensaje mesiánico de Paul Atreides adquiere el cenit de un personaje que nace de la nada para convertirse en un semi.dios.

También tenemos a Chani, interpretada por Sean Young. Mujer que a pesar de sus trastornos mentales, ha conseguido ser inmortalizada en dos de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos.

Hasta el pesado e histriónico Sting no desentona del todo en la obra final.

Fue un fracaso y aun hoy hay fanáticos del libro que la critican a muerte, porque más que sentarse a disfrutar de todo lo que ofrece David Lynch, no asumen lo imposible de reflejar la complejidad de los diálogos internos de los personajes originales.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hellraiser
Hellraiser (1987)
  • 6,1
    10.830
  • Reino Unido Clive Barker
  • Andrew Robinson, Clare Higgins, Ashley Laurence, Sean Chapman, ...
9
Deidad del amor...
“Anhelo hablar con el fantasma de algún antiguo amante que murió antes de que naciera el dios del amor.”
John Done, “Deidad del amor”

El compás de apertura del libro "El Corazón Condenado", del mismo director que ya nos hace intuir qué es lo que nos vamos a encontrar: terror, perversión, maldad, Angela Carter en su versión más ladina y brutal.

Porque eso es lo que ofrece Hellraiser: una historia de amor enfermizo, pasiones prohibidas, mentiras y engaños... donde la búsqueda por el placer infinito, inalcanzable... sumerge a su personaje principal en un abismo de tortura extrema física y psicológica.Y por otro lado tenemos a Julia, amante de Frank, la típica madrastra malvada de los cuentos clásicos. Sólo que aquí los matices son aun más pronunciados y y las texturas sucias se mezclan con el sudor y el olor al incienso rancio que emana la película.

La composición filmica que hace Clive Barker de su propio libro es brillante, ofreciendo al mismo tiempo brutaldad, sangre y vísceras y por otro lado, logrando transmitir un mensaje de perversión en su grado supremo: el sado-masoquismo, la vulnerabilidad de Kristy y los cenobitas. Un combinado estilístico y estético que ha logrado influenciar en todos los géneros del arte, (desde el rock industrial hasta las performance extremas en Picadilly Circus). Aquí hay una mezcolanza de todos los géneros: tenemos influencias de H.R. Giger, Lovecraft, Carter y cientos y cientos de autores y artistas plasmados en el celuloide impregnado de una elegancia malvada y perversa.

La música de Cristopher Young con su tema "Resurrection", mezclando acordes leves e intimistas con compases despiadados, logran transmitir ese vals sobre el que se mece la película: perversión y gusto por la sangre como símbolo de cenit sexual máximo.

Se recomienda leer el libro y ver la película para poder apreciar en toda su plenitud un relato que años más tarde el mismo Trent Reznor lograría homenajear en su canción "Sin" (pecado)
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Legend
Legend (1985)
  • 5,8
    10.260
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Tom Cruise, Mia Sara, Tim Curry, David Bennent, ...
5
Un hermoso fracaso...
Porque eso es lo que es la película: una dirección artística que quita el aliento, una idea original que podía haber sido fascinante y rompedora. Pero allí donde Jim Henson dio en el clavo con Dentro del Laberinto, Ridley Scott fracasa de tal manera, que no es fácil perdonarle los errores de bulto que años después volvería a repetir con Prometheus, pero sin un Tim Curry que salvara la película.

La idea del guión no es mala en absoluto: duende enamorado de princesa y ente maligno que los acecha constantemente. Si la historia hubiera sido mejor perfilada y orientada hacia el público adulto, ahora mismo tendríamos un clásico.

Pero las incongruencias del guión, las escenas cursis de Tom Cruise y Mía Sara, que no tienen ninguna química por el simple hecho de que sus personajes son meras marionetas al servicio de una puesta en escena brillante, pero hueca. Hay momentos que no hay guión, solo un conjunto de escenas preciosistas y tenebrosas pero incongruentes.

Años después se intentó enmendar el despropósito realizado originalmente, añadiendo más escenas de Darkness y orientando la película ligeramente hacia el público adulto. Pero aun ni con esas podemos evitar que la película se caiga por su propio peso.

Pero si hay algo que hay que reconocer es la labor de Rob Bottin, el verdadero artista de la película al crear la mejor encarnación del Demonio que jamás el cine haya dado: Tim Curry bajo capas y capas de silicona, logra salvar su mirada inquietante y soltar unas frases dignas del mejor guión: "Los sueños de la juventud son los arrepentimientos de la madurez" semejante frasecita espetada por Tim Curry a una Mia Sara que cobra fuerza y entidad cuando realmente es abrazada por la oscuridad, hacen que siempre quieras volverla a ver. Pues a pesar de sus terribles defectos, tiene momentos que son joyas escondidas: la influencia que ejerció sobre la saga Zelda es más que obvia. Y la soberbia interpretación de Tim Curry salvan una película que se ha convertido en una rareza, (a pesar de repetir en parrilla televisiva todos los años) y hoy día es considerada por muchos como obra de culto.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Drácula de Bram Stoker
Drácula de Bram Stoker (1992)
  • 7,6
    84.622
  • Estados Unidos Francis Ford Coppola
  • Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, ...
8
Verde lascivo, rojo pasión: el conde
Para Coppola ésta película fue su renacer: venido del estrepitoso fracaso de The Cotton Club y la obra menor "El Padrino III", a Coppola ya no le quedaba más crédito en Hollywood... Pero como todo ave Fénix, supo renacer de sus cenizas para entregarnos una de las mejores adaptaciones de "Dracula".

Mucho se ha escrito criticando el histrionismo del conde, la penosa actuación de Keanu Reeves o las escenas pasadas de moda como la de las lágrimas y el conde llorando. O esa sentencia cursi "Océanos de tiempo..." escenas menores que no logran empañar la catedral gótica que logra construir su director. Lector y fan de la novela original: nos entrega el corazón y esencia de la novela. Algo que pocos consiguieron, y tomando ciertas partes poéticas de la versión de Werner Herzog.

Pero la realidad es que el verdadero espíritu del libro se encuentra en la dirección artística, (el primer tramo es sencillamente brillante): efectos especiales artesanales, estilo neo gótico, el histrionismo del conde y Van Helsing, el lascivo erotismo que emanan cada poro de la película.

Sexualidad contenida al servicio de una historia que no decae en ningún momento y te lleva directamente a las entrañas del conde y su castillo.

Atención al tema "The Begining" compuesto por Wojciech Kilar: uno de los mejores temas que combinan retorcimiento, maldad, amor, pasión, rabia, sutileza y desesperación por aquello que se ha perdido,enhebrados entre coros de una belleza que pasma. Eso si es un amor más allá del tiempo.

Tras el éxito de Coppola, otros intentaron igualarle (como la lamentable Frankenstein de Kenneth Branagh) y fracasaron en su superficial intento de fusilar una novela escrita con el corazón condenado: Mary Shelly debe estar retorciéndose en su tumba.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dentro del laberinto
Dentro del laberinto (1986)
  • 7,2
    29.714
  • Reino Unido Jim Henson
  • Jennifer Connelly, David Bowie, David Goelz, Toby Froud, ...
8
La llama inolvidable...
Descubrir a Bowie gracias a esta película, cuando tan sólo era un niño allá por el 88 y darme cuenta que a pesar de los miles de visionados, no ha perdido ni un ápice de su esencia original.

La película ofrece lo que todo adulto, niño, adolescente desearía de la vida: huir todo lo lejos posible hacia un mundo donde todos los deseos fueran cumplidos. Y a la vez las consecuencias de ese egoísmo.

A medio camino entre El Mago de Oz y Alicia en el País de las Maravillas, la película sabe ganar personalidad propia y reinventar los cuentos clásicos.

Los temas que trata la película están perfectamente perfilados para adaptarse a la mente de un niño y de un adulto: la película navega constantemente en una dualidad entre claroscuros con un Bowie que es capaz de mostrar un rostro inquietante e incluso siniestro pero a la vez, tiene ese toque irónico, divertido y carismático que te hacen identificarte con él.

Ahí donde Ridley Scott fracasó estrepitosamente con "Legend" al no saber combinar las dos facetas de su película: faceta adulta y faceta infantil. Jim Henson da una lección magistral de lo que es hacer cine para niños y adultos.

Artesanía circense, dirección artística de infarto y un ritmo trepidante. Su influencia aun hoy sigue presente en películas tan buenas como El Laberinto del Fauno o incluso videojuegos como Simon The Sorcerer. Una factura técnica deliciosa.

Mención especial a su banda sonora a cargo de Bowie: Within You, Underground, As the World Falls down, Chilly Down... Auténticas joyas musicales y con unas letras que transmiten el sentimiento real de Jareth.

Sencillamente Mágica
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La gran belleza
La gran belleza (2013)
  • 7,5
    32.263
  • Italia Paolo Sorrentino
  • Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Serena Grandi, ...
7
Poesía y decadencia: hijas bastardas.
Uno de los mejores regalos que me han hecho, es recomendarme ésta película.

La historia de un escritor dado de vueltas de todo, que asiste y participa de la vida más superficial de Roma. Impedido para volver a escribir, hastiado de todo y de todos, pero a la vez empapado de todos los placeres superficiales de la vida: sexo, fiestas, alta alcurnia y baja cama... El personaje nos sumerge en un emocionante viaje por la nocturnidad romana, plena de personajes bizarros, hipocresía, complacencia y hedonismo.

Y en el hedonismo, el infierno de la insatisfacción que cercena su creatividad.

La película es todo un collage de referencias cinéfilas, formando un ente con una personalidad que asombra por el cuidado de las escenas, las interpretaciones, todo perfectamente coreografiado para llevarnos más allá de esa espiral descendiente hacia el hartazgo, mostrando la superficialidad como un monstruo hermoso y a la vez mezquino y muerto.

Escenas y frases para la eternidad, una película que se degusta como el buen vino: se saborea poco a poco y vas notando como hacia el final, te atrapa y ya no puedes olvidarte de lo que has visto.

Sencillamente sublime aun incluso después de mostrarnos el lado amargo de un personaje que parece tenerlo todo y sucumbir a si mismo: desubicado, sólo y decepcionado.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El secreto de Thomas Crown
El secreto de Thomas Crown (1999)
  • 6,0
    16.055
  • Estados Unidos John McTiernan
  • Pierce Brosnan, Rene Russo, Denis Leary, Frankie Faison, ...
6
Entretenida!
A primera vista, lo que en un principion parece una pelicula más de domingo, acaba tornándose en un interesante juego del gato y el ratón.
La pelícua está más orientada hacia el público femenino, con un Pierce Brosnan carismático e ingenioso. Y por otro lado está Rene Russo, que intenta hacer de contrapunto al gentlement millonario.

La gracia de la película es lo bien que están resueltas las situaciones de tensión y el amor por el arte que destila la pelicula.

Los puntos flojos del filme son obvios: esas escenas coreografiadas entre Brosnan y Russo le restan credibilidad a lo que se supone que tiene que ser el juego del gato y del ratón.

Otro aspecto poco agraciado es su BSO, excesivamente istrionica y precocinada. Aunque la canción de Nina Simone hacia el climax final es brillante.

La parte "romántica" del filme es lo que la hace un entretenimiento inofensivo y pasable a la película. Siendo sus partes fuertes cuando se apuesta por avivar la tensión y enseñar un poco de cultuta pictorica.

Por lo demás, Brosnan más John Mctiernan hacen un tándem perfecto. Entretiene pero no te mata.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El fantasma del paraíso
El fantasma del paraíso (1974)
  • 7,0
    3.862
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Paul Williams, Jessica Harper, William Finley, George Memmoli, ...
10
Swan... Cisne... o la muerte del rock
Una de las mejores películas de Brian De Palma!

Quizás uno de los mejores homenajes al rock, la locura y el divismo del star system...

La película te cuenta la historia de Winslow Lynch, un pianista ingenuo y poco agraciado que lucha por hacerse un hueco en "El Paraíso", el xanadú personal de un genio musical venido a menos por su egolatría megalomaníaca, donde todo lo que toca lo puede convertir en mierda o en autentico oro.

Brian consigue retratar al milímetro el decadente ambiente del show bussiness, donde sólo importa la imagen, lo absurdo y estrambótico y donde el deseo por destruir la creatividad de un artista entregado sólo oculta una forma cruel de autodestruccion.

A medio camino entre "El Retrato de Dorian Grey", "El Fantasma de la Ópera" y "Fausto". LA película va más allá de todos ellos para ofrecer una visión cómica y honesta de lo que una vez fue el rock en su estado puro: exceso, idolatría, egotrip, glamour y situaciones alocadas que logran convertir a la peli en todo un referente del rock, todo ello sin pretenderlo... Porque he ahí la grandeza de la peli: mezcla una banda sonora original absolutamente brillante y apasionada con un mundo de locura y diversión.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
70 minutos para huir
70 minutos para huir (1988)
  • 6,1
    886
  • Estados Unidos Steve De Jarnatt
  • Anthony Edwards, Mare Winningham, John Agar, Lou Hancock, ...
8
Polvo serán, mas polvo enamorado.
El cine postapocalíptico es de entrada tachado de serie Z y denostado como un subgénero donde solo los más freaks son capaces de apreciar esas "bizarradas psicotrónicas"

Está claro que no es más que un tópico, sobre todo si hablamos de "Miracle Mile" donde el apocalípsis nuclear sólo es una excusa para contarnos una historia de amor totalmente atípica y desesperada.

Chico tímido e intelectual conoce a chica en un museo, se produce la conexión instantánea y deciden citarse en la "Milla Milagrosa" la noche siguiente... Cuando el prota va al bar donde se han citado es ya tarde y ella ya se ha ido... Pero él escucha una llamada de una cabina telefónica, donde un militar le advierte desesperado de que el apocalipsis nuclear se ha desatado y nadie es consciente de que el mundo se acabará en unas pocas horas.

A partir de ahí, se inicia un viaje a la locura por parte del personaje para encontrar a su pareja y tratar de huir del juicio final, huir hacia el polo sur.

La película tiene aires de telefilme ochentero, pero su encanto está ver cómo poco a poco la sociedad va degenerando y el caos lo domina todo. Y como entre tanto caos, violaciones a plena luz del día, muerte y desesperación. Un hombre lucha por reencontrarse con el amor de su vida.

Recomendable para amantes del cine postapocaliptico. No es tan buena como "El Día Después" pero ofrece una mirada inusual a un cine que hace mucho tiempo se dejó de hacer.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vestida para matar
Vestida para matar (1980)
  • 6,7
    5.884
  • Estados Unidos Brian De Palma
  • Michael Caine, Angie Dickinson, Nancy Allen, Keith Gordon, ...
8
Sensualidad y perversión.
Nunca entenderé por qué se ha tenido tan denostado a Brian De Palma... Un tío que en su haber tiene joyas como "El Fantasma del Paraíso", "Carrie", "Doble Cuerpo" o "El Precio del Poder" no puede caer en el olvido.

"Vestida para matar" llama la atención por dos cosas: una la ambientación erótica, sexual y elegante de la puesta en escena y otra por Michael Cane, con esa mirada inquietante y torcida.

La ambientación sin llegar a ser gótica, logra captar la esencia del cine negro, destacando por encima de todo la escena del museo, (homenajeada perfectamente en El Secreto de Thomas Crown 1999) o el mismo opening con el sueño de Angie Dickinson...

Erotismo, buen gusto y elegancia incluso en los momentos de mayor tensión con Nancy Allen poniendo el contrapunto a un Cane que se come lo que se le ponga por delante.

Recomiendo encarecidamente ver posteriormente "Doble Cuerpo" una película que bien podría ser considerada una secuela espiritual de "Vestida para Matar": paranoia, ambigüedad, perversión y erotismo.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Superstition
Superstition (1982)
  • 5,5
    121
  • Canadá James W. Roberson
  • James Houghton, Albert Salmi, Lynn Carlin, Larry Pennell, ...
10
Espeluznante
Y mira que me he visto cientos y cientos de películas del género, pero nunca me he encontrado con otra que igualara el grado de brutalidad de ésta.

La pelicula trata de una bruja, cuyo espíritu vaga por un lugar maldito y se encarga de despedazar a todo aquel que se le ocurra adentrarse en la casa o los alrededores.

Los años no la han hecho envejecer muy bien y hacia el último tercio de la película, se le achaca un poco de lentitud.

Pero aun navegando por el terreno del terror de bajo presupuesto, la pelicula logra aterrorizar con su villano. Una bruja sacada de cualquier cuento de terror de los hermanos Grimm. Nada de.florituras, pero si muchos detalles y juegos con las sombras y las garras del ente demoniaco. Se.combina gore sucio y crudo con el juego de sombras donde se puede intuir que la bruja es un ser espeluznante. Las garras, su voz y la forma de aniquilar a todo aquel con quien se encuentra hacen de ésta pelicula una de las.mejores de terror de todos los tiempos.

Pude.contactar con uno de sus guionistas Michael O. Sajbel a traves de facebook y fue sorprendente descubrir que la mayor parte de las veces, la bruja era él.mismo disfrazado porque les faltaba presupuesto. Lo que hace aun mejor la pelicula.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hecho en el cielo
Hecho en el cielo (1987)
  • 5,7
    529
  • Estados Unidos Alan Rudolph
  • Timothy Hutton, Kelly McGillis, Maureen Stapleton, Ann Wedgeworth, ...
6
Entre el cielo y el infierno
La película resultaría otra pastelada más de los 80' de no ser porque tiene una atmósfera hipnótica, actuaciones más o menos solventes, banda sonora perfecta (Neil Young forever :) y Mark Isham.

Lo mejor de la película es esa odisea que tienen que realizar los dos personajes a largo de su vida para reencontrarse. Él a través de todo EEUU y ella su personal odisea con las relaciones.

Y aunque el final puede antojarse predecible, no lo es en absoluto. La película navega todo el rato en la incertidumbre y es lo que le da ese toque especial.

Mención especial para Tom Patty con su cameo en el bar, Nail Young como conductor del camión, Mark Isham como el teclista... y de Debra Winger como el ente que rige el destino de las almas.

Es una buena peli, con momentos muy ingenuos pero que combina otros muy acertados.

Frustración, idealismo, inocencia, dolor, tristeza...

En resumen: solo para romanti@s del buen cine.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil