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Críticas de Tomine
Críticas ordenadas por:
Los miserables
Los miserables (2012)
  • 7,3
    41.157
  • Reino Unido Tom Hooper
  • Hugh Jackman, Russell Crowe, Eddie Redmayne, Anne Hathaway, ...
3
"Para ganar un Oscar al mejor actor hay que llorar y sufrir y gritar mucho" (Billy Wilder y Billy Bob Thornton)*
(...)

Mientras los historiadores tienden al consenso en lo que respecta a las fechas bisagra de las primeras épocas, el paso de la Edad Contemporánea a la Edad Confusa sigue siendo objeto de discusiones. En el campo del Sine (antes llamado Cine), varios fueron los motivos que impulsaron este giro de 180º en la calidad el arte, que pasó de ser generalmente notable a hundirse en el subsuelo del subfango. La Edad Confusa, a pesar de lo prolífico de su producción, se caracteriza por una uniformidad tendente a la monomanía. Así pues, las carteleras de los sines ven cómo semana tras semana obras con las mismas carencias/defectos comparten espacio, siendo sustituidas por otras con similares fallos/penurias. Ante lo desolador del panorama, los críticos profesionales se ven obligados a esconder la cualidad sustancial de su época, multiplicando por 2, 3 y hasta 4 las notas de las películas a fin de fingir ante el público vivir en un mundo mejor. Un ejemplo de esto es la película "Los miserables", adaptación de una novela perteneciente a la Edad Contemporánea, que en su salto a los nuevos tiempos, pierde cualquier atisbo de profundidad, solidez y emoción para convertirse en un digno miembro de la la nueva era. Su director, premiado con uno de los Ostras de la Academia (antes denominados Oscars), se ve ante una cruzada: cómo alguien que no es un gran director puede resolver la responsabilidad de sacar adelante una obra de primera fila. La respuesta a esta disyuntiva es la habitual: simplificar el problema del cine desatendiendo los aspectos en los que no se da la talla y enfatizando otros hasta el paroxismo para conseguir la impresión de "grandeza" demandada. El resultado es así no un tour-de-force, sino un batiburrillo de primeros planos que no dialogan bien entre sí, henchidos por rostros sobreactuados (no es bueno el actor que llora sino el que hace llorar, y a pesar de que algunos de los presentes tienen calidad, están pésimamente dirigidos), llevado a cabo del principio al final sin la mínima sensibilidad, con un nulo sentido de la dosificación y donde las canciones pierden su razón de ser por haber sido hurtadas de su posición en la estructura estética, los cimientos, de la obra. Y para concluir el desdoblamiento de este arrogante historiador, me permitiré decir que este no es el nivel para una película de la primera división del cine mundial. Sea de la edad que sea.



*Los dos lo dijeron en sendas entrevistas.
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50 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil
Senderos de gloria
Senderos de gloria (1957)
  • 8,5
    51.238
  • Estados Unidos Stanley Kubrick
  • Kirk Douglas, George MacReady, Adolphe Menjou, Ralph Meeker, ...
9
La bengala en la noche
El artista tiene una cualidad que no tienen las personas normales, y es una hipersensibilidad emocional (no es una redundancia). Esta cualidad es lo que les permite trasladar los sentimientos de la vida a un objeto concreto, sea un cuadro, el celuloide, un videojuego, una construcción o el sonido de una flauta. Por eso el verdadero artista es tan escaso y tan admirable, por la dificultad de ese hecho: la transformación de algo intangible (la "realidad" humana proyectada por el cerebro) en algo concreto.

Todos sabemos lo que es una película. Es un fragmento rodado en que aparecen actores, hay un encuadre, un montaje, y se dicen unas cosas. Así que cualquiera puede hacer una película (mala). Lo difícil es hacer una obra de arte, dicho de la manera menos elitista posible. La obra de arte es el resultado de la eliminación infinita de posibilidades para que sólo quede una, que es la válida. Ese resultado final será el que más óptimamente exprese al receptor el objeto que el artista proyecta. Esto es, no se hace cine para extraer una emoción, sino que se concibe una emoción y se ejecuta cine para hacerla vivir en la mente del espectador.

Hay directores de talento que hablan orgullosos de lo "concisos", prácticos y rápidos que son sus actores y su narración, de cómo van al grano. Otros subrayan ufanos sus eternos planos secuencia y lo "reflexivo" de su cine contemplativo. Todo esto es equivocar los términos. Como lo es creer que el "buen" director es el que opta por el término medio. No. El buen director es que con más pureza exprese la idea. El que se acerque más a esa perfección. Por eso el buen director no es ni "conciso" ni "reflexivo", simplemente "es".

Stanley Kubrick era un artista, y por eso no "narra" una "historia" "bélica" con unos "personajes". Stanley Kubrick MATERIALIZA una IDEA creada por el HOMBRE sobre el MIEDO, el PODER y la INTEGRIDAD, no hay moraleja ni discurso porque lo que ves es cristalino y puro como la idea misma. Cuando el actor mira hacia arriba y cambia el plano y vemos la bengala y se oyen metralletas de fondo, el hecho de que mire en ese momento, el sonido sea ese y la luz sea esa exactamente, proyecta en nuestra mente la idea de miedo profundo a morir, es como si ya no hubiera ni actor ni personaje, como si nosotros fuéramos los que van a morir y lo estuviéramos experimentando. De hecho el personaje sólo es un medio para hacer palpable esta realidad, nosotros no estamos observando la vida de otro, estamos experimentando la "nuestra" a través del objeto artístico.

La formación de Kubrick como fotógrafo se expresa en algo más que una pose o unos vicios, o un énfasis mayor en un aspecto del cine. Se expresa en la búsqueda de la "verdad" de la imagen, pero no verdad como "realismo", sino como materialización VERDADERA, sin interferencias que la hagan falsa, sin poses, sin escuelas, sin estética, sin maniera, pero concreta como las aristas de un cristal, que se acaban en ellas y no siguen más allá de su necesaria y palpable geometría.
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62 de 64 usuarios han encontrado esta crítica útil
Río Rojo
Río Rojo (1948)
  • 7,8
    11.235
  • Estados Unidos Howard Hawks, Arthur Rosson
  • John Wayne, Montgomery Clift, Walter Brennan, Joanne Dru, ...
7
El ojo del toro
Imaginemos un colador de aluminio a través del cual se hace pasar una sustancia moldeable, silicona, por ejemplo, con una pistola de presión. En un símil cinematográfico, el colador es el estilo, la silicona es la historia -o el pretexto-, y la pistola es la fuerza creadora.

El director tiene el deber de elaborar el colador, SU colador, no el de otro ni uno estándar, en un proceso que normalmente lleva varios años. Debe escoger el material filtrado (barro, arcilla, silicona, cal, etc, con sus infinitas variantes) y, en el proceso de ejecución, controlar la fuerza de colado.

Una obra maestra, o más claramente, una película "perfecta" se caracteriza por el empleo del colador más apropiado al material en cuestión, de forma que el resultado aparezca a los ojos del público como a) inevitable, lógico b) natural, suelto y c) vivo, nuevo.

El camino al éxito es un proceso doble, de a) intensidad, la necesaria para que el objeto transmita una emoción y b) precisión, la necesaria para dar en el blanco, "to hit the bull's eye".


Durante un tiempo me he preguntado por qué directores inteligentes de innegable talento como John Ford o Howard Hawks no conseguían alcanzar, a mi juicio, el 10 a lo largo de una amplia carrera. (Esta crítica se autodestruirá en el caso de que encuentre esas películas, pero lo dudo).

La conclusión, cierta o no, a la que he llegado, es que, a pesar de que en sus entrevistas transmiten lo contrario, los dos son directores "miedosos". En mi opinión, y ya centrándome en el autor de "Río Rojo", parte de una concepción visual franca, honesta y vigorosa, de la imagen y el montaje, que en el resultado final se ve "castrada" por una capa añadida de intelectualidad humilde y contención prudente. Esta capa (a la que llamaremos "interferencia") es añadida antes o después del filtro (colador), con lo que el resultado final (forma moldeada) sufre su incidencia. Se produce entonces una disonancia, una alteración de la naturalidad del proceso, donde la interferencia, que NO es parte del estilo, se erige como la cualidad más visible del film, impidiéndole llegar al 10.



PS: Esto es una crítica seria (y este PS una interferencia).
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28 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Duelo al sol
Duelo al sol (1946)
  • 7,6
    10.945
  • Estados Unidos King Vidor
  • Jennifer Jones, Gregory Peck, Joseph Cotten, Lionel Barrymore, ...
8
O. Selznick had them like the horse of Espartero
He aquí una película porno sin genitales. Ah, fue un soplo de aire fresco, una brisa, después de otra sesión con el mingafría incorregible de Howard Hawks. El cine lo puedes hacer bien, mal o regular, pero hay que hacerlo. Amigo, hay que hacerlo.

Nunca he visto la sexualidad hecha arte como la vi aquí. ¿Actuaciones malas? Es la contundencia de la vulgaridad, la fuerza de las bajas pasiones. La película gira en torno a la pasión desenfrenada de dos seres que renuncian a su cerebro. Debe ser, pues, una vorágine incontenible de rojo, sudor y coca cola. Y "ojo, no es tan fácil", dice Vicente Aranda. No lo es.

Eso sí, muy mal el productor por meterse en el trabajo de... bah, por esta vez lo dejamos. O. Selznick se echó novia y quiso celebrarlo. Y yo brindo por él.


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PS: Howard Hawks es un gran director. En otra ocasión hablaré largo y tendido de por qué él y John Ford viven, en lo que a mí respecta, en el "casi" permanente.
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38 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
Harakiri (Seppuku)
Harakiri (Seppuku) (1962)
  • 8,5
    9.746
  • Japón Masaki Kobayashi
  • Tatsuya Nakadai, Rentarô Mikuni, Akira Ishihama, Shima Iwashita, ...
10
El miedo al hecho en sí mismo
Sales a la calle y allí están: edificios de ladrillo, vidrio y acero, que alguien construyó, en los que probablemente ni has pensado las mil y una veces que has pasado por delante de ellos, ni te has preguntado si eran buenos o malos, si se podrían mejorar; si, por lo contrario, son tan geniales que tú, ni aun estudiando durante cien años, serías capaz de emularlos. Lo máximo que has dicho de ellos es “quedamos a las tres, en ese bar tan bonito”, o “tan feo”, o “en la biblioteca tan grande”, “tan pequeña”, o “tan cómoda”, o “en la biblioteca de la esquina”, sin más.

Entras en el cine y allí están: actores hablando, moviéndose, siguiendo una pauta que llamamos guión, iluminados por un foco o dos o por el sol, pero en el fondo nunca has pensado en ello, ni en si cortando el plano tres décimas antes la escena sería mejor, si esa luz es la adecuada o no lo es; si ese actor, con esa luz y esa disposición de todos los elementos ante la cámara consigue algo. Lo máximo que llegas a decir es “qué peli tan chula, es mejor que la novela”, o “me ha llegado, Citranito está muy bien”, o “qué bodrio, es infame, no vayáis a verla”.

Todo cambia cuando dejas de ser espectador y te conviertes en artífice, y de golpe te das de lleno con las líneas, la composición, la tectónica, la orientación, el equilibrio asimétrico, el confort, los presupuestos y sobre todo, la terrible concreción del dibujo, que no miente, que revela de un plumazo todos sus errores o lagunas ante una mente entrenada, y que no te permite fallar. La cosa en sí misma es así, y no de otra forma.

En efecto, todo cambia cuando coges la cámara y diriges al actor y colocas el foco y luego ves lo que has rodado y sientes que no está. Que le falta algo a esa mirada, a esa frase, que todo es falso, impostado, o inexpresivo, o que el tono es inadecuado. Que la sensación producida en la primera transición debería ser otra, y vuelves a la cámara y al foco y al actor y lo repites hasta que esté exactamente como debe estar, y no de otra forma.

El miedo se produce cuando concretar algo es enormemente difícil.

Mis máximos respetos para el maestro Kobayashi, que decidió que esa era la luz y esa la duración, que ese era el encuadre de los primeros planos, y el ritmo de los combates, que esa era la intensidad de las miradas, y ese el desenlace, que tuvo la autoexigencia y el talento necesarios para llegar a ese resultado final, y no a otro, que decidió que esta película tenía que ser así, y no de otra forma.
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64 de 70 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cómo se hizo 'El resplandor'
Cómo se hizo 'El resplandor' (1980)
  • 6,6
    691
  • Estados Unidos Vivian Kubrick
  • Documentary, Jack Nicholson, Stanley Kubrick, Danny Lloyd, ...
7
El valor del trabajo
Esto no es un 'making of' corriente.

Todo el trabajo empleado en la construcción de 'El Resplandor' está destinado a descubrir algo. El documental consigue reflejar el momento, el instante, en que una decisión intelectual se convierte en cine, aquél en que la intención se transforma en emoción. El documental es corto, la película también, pero la duración de esa búsqueda, que se puede prolongar indefinidamente, se siente aquí. Ése es el valor de estos 35 minutos.
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21 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
La invención de Hugo
La invención de Hugo (2011)
  • 6,8
    58.064
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, ...
5
Desandando el camino
Un escalofrío escaló mi nuca cuando hojeé una famosa revista de cine, o similar. Y es que todos los críticos de la publicación, el 100%, habían evaluado a “la invención...” con la máxima nota. Ante esto, uno no sabe qué escribir, si una crítica de la película o una crítica a los críticos españoles, a los que de un tiempo a esta parte se les ha ido la pinza. Sí, la pinza.

Porque vamos a ver. “La invención de Hugo” no es una buena película. Me resulta difícilmente creíble que alguien que guarde en su 'disco duro' visionados de Dreyer, Kubrick, Welles o Berlanga la considere merecedora de un 5 sobre 5, me extraña enormemente que gente que seguramente haya revisado “Taxi Driver” o incluso tal vez “After Hours” no hace demasiado tiempo, eleve a esta peliculita a la altura de la perfección. Es edulcorada y artificial. A la música se la ve venir desde la primera nota. Es muy obvia en sus intenciones evocadoras. Su infografía (sic) es inexpresiva. Todos los momentos oficialmente emotivos son previsibles. Etcétera. Lo mejor que se puede decir de ella es que no es ofensivamente mala como muchos hits de la actualidad.

¿Entonces? No lo sé, y estoy demasiado cansado para averiguarlo. Señores, el arte es una cosa muy compleja, muy cabrona. No llega con tener un corazón de oro y un homenaje tierno entre manos para llegar a algún sitio. Se habla de los sueños, de la magia, como se habla de la belleza del atardecer de una vieja postal, con la barbilla sobre el puño y pestañeando mientras se mira hacia arriba con aire soñador. Se ejecuta el artefacto al modo-de-las-aventuras-literarias-de-descubrimiento-infantil, sin alcanzar en ningún momento lo que a gritos pretende obtener. Me parece muy bien que sea para niños, los criterios de calidad son los mismos que para el cine de mayores. ¿Creen de verdad que Scorsese se ha dejado los marbolubios en el parto de esta película? Qué va. Él también está cansado. Y lleva mucho tiempo desandando el camino.
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233 de 304 usuarios han encontrado esta crítica útil
More Things That Happened
More Things That Happened (2007)
  • 6,2
    328
  • Estados Unidos David Lynch
  • Karolina Gruszka, Peter J. Lucas, William Maier, Krzysztof Majchrzak, ...
8
Non plus ultra
(Esta crítica recoge un revisionado de INLAND EMPIRE y algunos apuntes sobre “More things that happened”).


Era de noche, muy tarde o muy temprano, según se mire, pues rondaban las tres o las cuatro de la madrugada. El recuerdo de la hora lo mantengo todavía, pero si soy sincero en aquellos minutos mirando el televisor no noté el paso del tiempo. Ante mis ojos, Nikki caminaba por el callejón detrás del estudio.

Uno tiene la sensación de que la oscuridad de esta película esconde un abismo. Rostros que se siente que están ahí pero que no se ven con precisión. Cada centímetro de cine dialoga con mi mente y con mi pasado. Cada gesto de un actor dialoga con mis sueños. Piotrek sonríe cuando dice que siempre se le han dado bien los animales. Cambia el plano y vemos la cara de Laura Dern aterrorizada.

Ojalá pudiera describir la naturaleza definitiva del terror de INLAND EMPIRE. La concreción de sus sombras es tan precisa, cristalina, porque no procede de un artefacto fílmico. No creo que se pueda decir que las imágenes de IE producen una determinada emoción. Es más bien que las imágenes son esa emoción, o que ésta se ha materializado en un plano en dos dimensiones.

Aquella noche volvió a pasar. Yo era veinte cines mayor y tres arrugas más viejo. Sólo hacía falta un poco de valor, nada más. Una noche de Diciembre en la que no pudiera dormir. En el momento en que una chica entra en cuadro y le pregunta al espectador, mirándolo de frente “Who is she?”, giré la cabeza hacia la puerta. No estaba en mi habitación. Os digo que no era mi casa.
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68 de 72 usuarios han encontrado esta crítica útil
J.F.K.: Caso abierto
J.F.K.: Caso abierto (1991)
  • 7,5
    25.775
  • Estados Unidos Oliver Stone
  • Kevin Costner, Tommy Lee Jones, Gary Oldman, Joe Pesci, ...
8
Contraficción
Una serie de imágenes rodadas en blanco y negro se unen a otras en color. El encuadre, la escala y los puntos de vista se suceden en fuerte contraste, pero la imagen es nítida en todo momento. El objetivo de esta prueba es crear una mentira verosímil, una ilusión cinematográfica a partir de la estimulación del subconsciente colectivo. Se trata de una evocación. La imaginación del público colabora al configurar la intriga. Lo apasionante del proceso no es tanto la creación de esa tensión como el diálogo entre las dos realidades, o mejor dicho, las dos ficciones.
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43 de 47 usuarios han encontrado esta crítica útil
Volver
Volver (2006)
  • 7,0
    67.877
  • España Pedro Almodóvar
  • Penélope Cruz, Carmen Maura, Chus Lampreave, Lola Dueñas, ...
4
Siempre nos quedará parir (Almodóvar#2)
Bien, no sé muy bien por dónde empezar.

Veamos... La doble escena de Blanca Portillo en el plató de televisión y después con las hermanas, la escena explicativa de Carmen Maura en el parque con su hija y la “célebre” interpretación del tema “Volver” por Penélope Cruz.

Estas tres escenas, para cualquier director bueno, malo, regular, genial o tirandillo, no pueden pasar el corte en la sala de montaje.

No puedes forzar los guiones de esa manera. O mejor dicho: no puedes dejar que el guión, que debería ser invisible, te fuerce la película de una forma tan antinatural. Si tú quieres A, en modo alguno es una opción poner a un personaje diciendo “Es que pasó A, y luego hice A. Por eso ahora te pido A”. “Sé que fue muy duro para ti ser A, pero por mucho A que tomemos, A se nos puede volver en contra”. “Olvida eso, siempre nos quedará A”... Un momento. Me acabo de dar cuenta de que hasta mi manipulador ejemplo en base A es más elegante que sus diálogos empuja-escenas. Será por aquello de la tangencialidad. Porque en el fondo el cabronías de Almodóvar, los dos lo sabemos, no pone a sus Audrey Hepburns a decir “siempre nos quedará A”. Las pone a decir “A”. Sin más.

Ahora hablo en general, y Dios sabe cuánto me aburre esto. Los aspectos de puesta en escena, iluminación, montaje, dirección de actores (¡sí! ¡sorpresa!) y en definitiva todos los destinados a dotar de vida a una imagen son francamente mejorables. Por no hablar del trabajo en los diálogos (“Hola. Estamos rodando una peli. Buscábamos un restaurante para que coma la gente.” “Ah. Y a cuánto por persona, más o menos?” “Pos unos diez euricos”. “Ah, pues mira. ¿A qué hora sería?”). A todo aquel que haya rodado alguna vez un corto amateur con los colegas, estas líneas le serán familiares. Seguramente, en el segundo corto uno ya habrá corregido estas cosas porque de los errores se aprende. Almodóvar, no sé cuántos Oscars y Goyas después, aún los sigue cometiendo.

La escena de Pe cantando no funciona. No sé si es porque la chica hasta se muerde el labio de la “emosión”, porque la actriz en ningún momento se me revela como auténtica en su papel o porque Pedro nunca vio “Río Bravo”. Sólo sé que es un quiero y no puedo.


Almodóvar. Tío. Que ya peinas canas en los huevos. Que a tu edad no puedes seguir siendo tan cutre. Cutre podías ser con “Pepi, Luci, Bom”, no ahora. Ahora ya deberías ser decadente, manierista... Esas cosas que son los genios.

Ya... No hace falta que contestes. Venga, esta ronda la paga Boyero. Por las noches de cine que me prometiste y nunca me diste, Pedro. Por A.
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84 de 140 usuarios han encontrado esta crítica útil
Origen
Origen (2010)
  • 8,0
    153.679
  • Estados Unidos Christopher Nolan
  • Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, ...
4
El origen de todo esto
Se despertó en una calle vacía y silenciosa. No le dio importancia y se dirigió al punto de venta.

- Vengo a por lo de siempre.
- Caballero, lo que usted pide está agotado. Tendrá que volver a despertarse aquí, en este mismo lugar, dentro de 50 años, y probar suerte.

Pero nuestro hombre no quiso salir de allí con las manos vacías, y se fue a su casa con una copia de "Inception" en sus manos.


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A las películas que amplifican sus defectos a través de una pretenciosidad sin límites, sin dejar de ser patéticamente vulgares en su esencia, yo no las llamaría malas películas. Las llamaría pamplinas. Bagatelas, frivolidades ejecutadas no por Nolan ni otro cualquiera, sino por una industria infantilizada, en permanente caída al vacío.

Creedme, no me gusta poner etiquetas. Nunca emplearía estos términos en una película de Almodóvar o Lars von Trier, y no me agradan estos directores. El motivo es que sé que sus películas, buenas o malas, son suyas, y que al calificarlas le estoy poniendo un nombre a su voluntad y a su esfuerzo.


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• La figura del superprofesional que todo lo domina y que se adapta con la velocidad del rayo a las retorcidas circunstancias que se supone deberían estar flipando al espectador, ese tío, digo, ya me asquea. Y si todos los personajes siguen ese molde, ni te digo.

• La ultracomercial “Matrix” es diez veces mejor que ésta. Habemus problemón.

• “Trepidancia” de principio a fin. Esa música... chanchan chanchan chanchan chanchan. Sólo falta Jack Bauer.

• Narración descarriada. Ritmo desbocado. Duración injustificada. Expresividad nula.
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153 de 227 usuarios han encontrado esta crítica útil
La cinta blanca
La cinta blanca (2009)
  • 7,2
    35.758
  • Alemania Michael Haneke
  • Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Leonard Proxauf, Burghart Klaußner, ...
6
Tesis ("Reflexionando II")
El director nº1 se sentaba en la mesa de la izquierda, desde donde atendía amablemente a los periodistas. Sujetaba con las dos manos la Palma de Oro, que le habían otorgado unas horas antes. Su blanca cabellera le daba un aspecto de druida ancestral.

- Señor K. ¿De qué trata su película?
- Mi principal objetivo era presentar cómo se interiorizan valores considerados absolutos si son inculcados desde la infancia. De cómo la consideración de un valor o creencia como absoluto, sea este político o religioso, puede llevar al terrorismo y, por extensión, a lo inhumano. Por otro lado, la película, a pesar de desarrollarse en contexto alemán, no habla solamente del nazismo; la interpretación se extiende a una observación crítica del modelo del ideal, pero del ideal pervertido.


El director nº2 se sentaba en el taburete de la derecha, en el otro extremo de la sala de prensa. Respondía las preguntas mientras ordeñaba una vaca, que había sido trasladada al recinto a petición suya. Su blanca cabellera le daba un aspecto de friki anacrónico.

- Señor Y. ¿De qué trata su película?
- Es sobre una mujer en problemas.
- ¿Podría explicarse más?
- No.*


(*) Los personajes y los textos de esta crítica son ficticios. Cualquier parecido con la realidad es pura alevosía.
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159 de 215 usuarios han encontrado esta crítica útil
Avatar
Avatar (2009)
  • 7,2
    164.351
  • Estados Unidos James Cameron
  • Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, ...
3
Malos tiempos para la lírica
“Qué bonito”, decía el chavalín que tenía a mi derecha cada vez que los muñecos protagonistas entraban en un paraíso de magenta y cian. Supongo que esa es la aportación de Avatar a los 1000 avatares o películas que la precedieron, idénticos a él en carácter, tono y expresión. El barniz.

Tiene gracia que la película que iba a revolucionar el cine sea en realidad una pieza absolutamente trillada y convencional, mil veces vista, hecha con el sobadísimo molde spielbergiano para el cine de acción. Los directores americanos son una banda de flipaos compitiendo por ver quién la tiene más grande. Y todos follan igual.*


(*) No incluyo aquí al autor de INLAND EMPIRE, película que sería la referencia revolucionaria de principios de siglo de no haber sido hecha en una época culturalmente decadente, cada vez más perdida y vulgar.
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161 de 243 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vampyr, la bruja vampiro
Vampyr, la bruja vampiro (1932)
  • 7,4
    4.116
  • Alemania Carl Theodor Dreyer
  • Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, ...
10
El misterio de Vampyr
[En la noche en que doné mi sangre, soñé que leía un libro de vampiros. Mientras hacía esto, uno me mordió.]

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Vampyr representa la concreción de un enigma. En ella no sólo el protagonista dobla una esquina, también lo hace el objetivo. La Forma entera de esta película se empapa de la retórica de lo desconocido.

El misterio de la película nunca procede de su tema ni de su simbología, sino de la secuencia calculadísima de su visualización. El espectador se sitúa ante la pantalla en un estado eterno de descubrimiento.

El montaje tradicional establece una conexión de complicidad con el espectador, donde éste sobreentiende situaciones, posiciones, tiempos y realidades, llenando los huecos. Vampyr no permite esto. Es a través del tratamiento individualizado de cada centímetro de película como se llega a la más alta imaginación. Un segundo de cine, un segundo de sueño. Y en algún lugar entre los dos, el mundo de Vampyr.
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61 de 73 usuarios han encontrado esta crítica útil
Malditos bastardos
Malditos bastardos (2009)
  • 7,8
    150.828
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, ...
4
La caída paulatina de los hombres con talento
Y otra vez más. He perdido la cuenta del número de veces que, en esta década de caos y decadencia fosforescente, he salido de la sala negando con la cabeza y mirando al suelo, diciendo que no, Quentin (o el que toque). Que tú tienes talento. No caigas tú también en la mediocridad pandémica, infinita, que todo lo cubre y todo lo idiotiza.

Ya... Lo sé, es un cliché. El victimismo y tal. Esto ya no es lo que era, the times they are a-changin' and I am lost overhere looking for a reason to live one. Pero es que, por increíble que parezca, una verdad no deja de ser cierta a través de la repetición. Y tal vez haya que preguntarse por qué esta década que está acabando ha sido la peor en la historia del cine. Los motivos no caben en una crítica de 3000 caracteres, así que este no es el sitio. Aquí sólo me cabe la queja, las tres palabras desapasionadas del que está cansado de verlos caer, uno tras otro, en ese lago de hojas grises o de directores que vagan sin rumbo.

Y uno se dice: joder. Si estos tíos fueron buenos; muchos de ellos fueron grandes en su día. Y uno piensa que gente como Tim Burton, Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Martin Scorsese, Brian de Palma, Clint Eastwood, Julio Medem y Roman Polanski deberían ser focos de la cultura. Guías para el cine, que, hijas de su tiempo, le dijeran al mundo: mirad, gente. Esta es la imagen del 2000, la foto de estos días. Miradla bien, porque dentro de unos años os recordará a esta época. Sólo hay calidad en ella, y en virtud de mi condición y del don que me ha sido concedido, sólo yo puedo hacerla. Sólo hay calidad en ella.
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257 de 419 usuarios han encontrado esta crítica útil
La regla del juego
La regla del juego (1939)
  • 8,0
    6.925
  • Francia Jean Renoir
  • Marcel Dalio, Nora Gregor, Jean Renoir, Roland Toutain, ...
8
1"
1. Un actor entra por la izquierda, hablando.
2. La actriz en primer plano parece que sonríe.
3. Alguien dice algo “en off”, y los dos están a punto de interrumpir su acción para atenderlo.
4. Suena una música al mismo tiempo.
5. Se discute.
6. La cámara se mueve imperceptiblemente.
7. Una figura aparece por el fondo con actitud frívola.

Y antes de que me dé tiempo a explicar por qué la mezcla y sucesión de estos elementos hacen que ese segundo tenga vida,

8. Un actor entra por la derecha, hablando.
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61 de 83 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eyes Wide Shut
Eyes Wide Shut (1999)
  • 6,8
    58.226
  • Reino Unido Stanley Kubrick
  • Tom Cruise, Nicole Kidman, Sydney Pollack, Marie Richardson, ...
10
Mesa roja de billar francés
F.
Noche.
Máscara.
Pico.
Puerta.
Eyes.
U.
Voces.
Yo.
Ella.
Ellos.
Wide.
C.
Frío.
Miedos.
Sueños.
Sombras.
Shut.
K.
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41 de 71 usuarios han encontrado esta crítica útil
La piel suave
La piel suave (1964)
  • 7,5
    2.856
  • Francia François Truffaut
  • Jean Desailly, Françoise Dorléac, Nelly Benedetti, Daniel Ceccaldi, ...
7
Vida(s)
Quería trasladar un trozo de vida al celuloide. Empecé con un estilo documental y el resultado no era bueno. Al final decidí conservar el aspecto inmediato y fresco de las imágenes al vuelo y las monté a lo Hitchcock. El éxito fue total. El resultado era fluido, natural y al mismo tiempo preciso, el distanciamiento emocional desapareció y verdaderamente la sensación era la de la misma existencia. Sin embargo de ahí surgió la duda, y mientras veía la película y respiraba la continuación de un día normalmente extraordinario, con sus miedos reales y su intensidad cotidiana, con su tan igual palpitar, tan igual, me pregunté si la idea inicial mereció la pena, si el esfuerzo nada fácil de esa traducción me llevó verdaderamente algún lugar.
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28 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
Conejos (Rabbits) (Miniserie de TV)
Conejos (Rabbits) (Miniserie de TV) (2002)
  • 6,1
    1.559
  • Estados Unidos David Lynch
  • Scott Coffey, Rebekah Del Rio, Laura Elena Harring, Naomi Watts
6
Something
La cámara de cine nunca fue un objeto, sino un filtro entre dos mundos.
Piensa en concepto de peso. Un gramo, un kilo o una tonelada de cine. De esa sustancia luminosa. ¿Te ves capaz de llenar esto, muchacho?

[Son las ocho de la tarde y va a anochecer. A las dos de la mañana el teléfono sonará sin que yo pueda oírlo.]

Ya queda menos.
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43 de 57 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rompiendo las olas
Rompiendo las olas (1996)
  • 7,5
    22.406
  • Dinamarca Lars von Trier
  • Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge, Jean-Marc Barr, ...
5
El filtro de Lars von Trier
Pensemos en una imagen convencional de celuloide. Su apariencia es sólida y compacta, los colores son firmes, la dosificación de la luz uniforme y la impresión de imagen es global, como si todas las partículas en las que se subdivide estuvieran jerarquizadas al servicio de la Imagen madre, que es la existe mirando al centro, a una esquina o tangencialmente por el rabillo del ojo.

A partir de “Riget”, von Trier propone un nuevo tipo de imagen cinematográfica pseudo-digital, que no es sólida sino líquida. El objetivo es eliminar el filtro existente entre la emoción del figurante y la del espectador, que ya no lo percibe como un cuerpo pintado sino como una mitocondria sensible.

En una imagen analógica común, los ojos no sienten si no se iluminan con un foco. En una granulada, son las partículas que subdividen la imagen las que sienten por ellos. Las personas registradas ofrecen espontáneamente una fuerte sensación de foco emocional y dejan de ser elementos de un bodegón.

Mi cinco a “Rompiendo las olas” se debe, entre otros motivos, al abuso en el montaje, su uniformidad asfixiante y a la tiranía del plano corto, aspectos que podrían ser analizados por separado. Todo esto no impide mi reconocimiento al director como creador de una nueva materia cinematográfica, lo suficientemente desarrollada para poder ser llamada estilo.
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45 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil