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Críticas de astimegoesby
Críticas ordenadas por:
Buenos días, tristeza
Buenos días, tristeza (1958)
  • 6,8
    1.868
  • Estados Unidos Otto Preminger
  • Jean Seberg, David Niven, Deborah Kerr, Geoffrey Horne, ...
7
La soledad del payaso
Adaptación "hollywoodiense" por parte de Otto Preminger y la Columbia, del celebérrimo libro de la escritora francesa, Françoise Sagan.

El resultado de "Buenos días, tristeza", cuyo guión fue escrito por Arthur Laurents, es algo más ligero y menos duro que el contenido de la obra literaria.

El rodaje se desarrolló en Francia, y para su narración, Preminger requirió a Georges Perinal, responsable de la fotografía, que alternase el blanco y negro de las melancólicas escenas del tiempo presente, con el deslumbrante color de los flashbacks.

Mención especial merecen los elegantes modelos de Givenchy lucidos, en esta ocasión, por Kerr y Seberg y, cómo no, distinguir al maestro de los títulos de créditos, Saul Bass, de nuevo dejando su sello inconfundible en este trabajo del director de origen alemán, quien volvería a recurrir a sus servicios para que creara los inolvidables gráficos de su siguiente propuesta, "Anatomía de un asesinato" (1959).
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paquirri, su vida y sus amores (TV)
Paquirri, su vida y sus amores (TV) (2009)
  • 3,5
    488
  • España Salvador Calvo
  • Antonio Velázquez, Luz Valdenebro, María Ruiz, Manolo Caro, ...
2
Sol y moscas
'Biopic' dedicado a Francisco Rivera, Paquirri, el personaje que reune todas las miserias de esa España vieja, decrépita, palurda, cotilla y pestilente que se niega a morir. La España que sobrevive en las páginas de las revistas del corazón, en la telebasura y en las plazas de toros. La España que se aferra al sol y las moscas, a la sangre y al chismorreo, a la haraganería y la superficialidad, a la religión y a la televisión. La España que alimenta Telecinco. La España de la que se alimenta Telecinco. "A los 25 años de su desaparición... hemos querido contar una ficción muy pegada a la realidad", asegura Manuel Villanueva, director general de Contenidos de Telecinco. Pero ¿a qué realidad se refiere Villanueva? Desde luego no a una realidad progresista que mira al futuro. La suya, hacer una autopsia a Paquirri a los 25 años de su muerte, es una realidad cañí.
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19 de 31 usuarios han encontrado esta crítica útil
Jubal
Jubal (1956)
  • 6,8
    854
  • Estados Unidos Delmer Daves
  • Glenn Ford, Ernest Borgnine, Rod Steiger, Valerie French, ...
7
Cabalgando a lomos de la mala suerte
JUBAL tiene a su favor numerosos factores que lo acreditan como uno de los grandes westerns del último periodo dorado del género en el cine norteamericano. Desde el primer instante se percibe en sus imágenes una extraordinaria presencia visual que se hace evidente en un espléndido uso del cinemascope, la vitalidad cromática de todas sus imágenes, la ausencia de subrayados, la precisión y trazos psicológica de todos los personajes de la película, que permiten que de forma constante el interés de la historia vaya in crescendo y con cuya progresión en todo momento nos veamos interesados por lo que se nos relata, por los vaivenes de los seres que pueblan la historia, enmarcados además en una mirada serena y en un espacio físico que adquiere en esta película una enorme fuerza y protagonismo. Y como un simple ejemplo para ratificarlo podríamos citar las bellísimas secuencias en las que Jubal confiesa en plano medio y teniendo como fondo destacado la presencia de un lago, las terribles circunstancias que le sucedieron con siete años de edad, viendo como moría su padre al tratar de salvarlo de perecer ahogado, mientras su madre le miraba sin mediar interés alguno y finalmente confesándole que deseaba que muriera –fue un hijo no deseado-. Mas allá del carácter terrible de la confesión hecha a Naomi, y de la fuerza de Glenn Ford imprime a su personaje, la efectividad de la secuencia estriba precisamente en su plasmación con un fondo visual que rememora con exactitud el terrible hecho, integrándolo dentro del conjunto de la película.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yo vigilo el camino
Yo vigilo el camino (1970)
  • 7,0
    925
  • Estados Unidos John Frankenheimer
  • Gregory Peck, Tuesday Weld, Estelle Parsons, Ralph Meeker, ...
7
POR EL AMOR DE UNA MUJER
Con ser muy interesante la historia que nos relata, lo mejor de I WALK THE LINE proviene de la intensa, asumida, sentida incluso, puesta en escena aplicada por un Frankenheimer que solo en momentos contados incurre en algunos de los efectismos visuales de la época, pero al mismo tiempo apuesta claramente por un clasicismo a la hora de filmar sus secuencias. Junto a ello es notable la utilización del formato panorámico y los planos / contraplanos adquieren generalmente en este película una sensación de dolorosa veracidad, un carácter confesional, y en todo momento definen el interés de su realizador a la hora de mostrar el cariño que le merecen, pese a todo, el conjunto de sus personajes.

En voz callada, Frankenheimer logra uno de sus más interesantes títulos de toda su carrera –ciertamente abundante en ellos pese a su irregularidad-, y para ello además cuanta con la inestimable prestación de un Gregory Peck que asume en su personaje la que quizá sea una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Las miradas en primer plano que expresan claramente la angustia del personaje, o la petición encima de la escalera a Alma; “vente conmigo” (la expresión de Peck en ese momento es memorable) son muestras perfecta de ello, como lo es ese desarrollo de un personaje con una mayor sensibilidad, pero que en el fondo tiene los mismos atavismos machistas que sus convecinos –en un momento determinado le dice a Alma: “no te pegaré”, pero posteriormente contradice su intención-. Por su parte Tuesday Weld se ofrece como el otro polo de atracción, y hay que señalar que aporta su carismática belleza y una sensibilidad muy especial, quizá como condición de partida al haber atraído al aparentemente rudo sheriff.

En cualquier caso, creo que I WALK THE LINE, punteada en todo momento con las canciones de Johnny Cash –es una pena que no se reflejaran subtítulos a las letras de dichas canciones-, queda como una película sincera, hecha con el corazón, de argumento sencillo y que define a partir de una historia de creación, elementos de una sociedad que vivía en la opulencia del progreso, pero que en lugares como este, están absolutamente al margen de la modernidad, y aún utilizan códigos de comportamiento tan lejanos a las tendencias más actuales pero difíciles de erradicar en unas sociedades rurales. Un marco en el que nuestro protagonista poco margen tenía para haber logrado triunfar en sus planes.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Baby Doll
Baby Doll (1956)
  • 6,8
    1.384
  • Estados Unidos Elia Kazan
  • Carroll Baker, Karl Malden, Eli Wallach, Mildred Dunnock, ...
7
Cherchez la femme
"He buscado un lugar en el infierno, con una casa en ruinas y cinco juegos de muebles sin pagar."
Esta frase en boca del personaje interpretado por Karl Malden, nos da una clara idea de la profundidad de los guiones que se elaboraban cuando genios provenientes del mundo del teatro, se ofrecían a firmar un relato para el celuloide, como en esta ocasión ocurre con el trabajo de Tennessee Williams.

Con anterioridad a este trabajo, Williams había firmado, también para Kazan, la legendaria "Un tranvía llamado deseo" (1951) y, con posterioridad y junto a Gore Vidal, escribe el libreto "De repente.el último verano" (1959), para Joseph L. Mankiewicz.
Tanto en estas obras citadas, como en "Baby Doll", el estilo de Williams trasciende la pantalla, para impregnar al espectador del peculiar carácter onírico que infunde a sus narraciones.

En el caso concreto de "Baby Doll", el tándem formado por Kazan y Williams nos adentra en un ambiente cálido, sensual y decadente en el sur de los Estados Unidos, con la presencia fantasmal de los trabajadores negros de los campos de algodón.
En ese contexto se nos presenta Karl Malden, que habita con su joven y atractiva mujer (Carroll Baker) y una tía medio sorda en una casona prácticamente derruida. Una promesa nupcial efectuada a su suegro, es el detonante de la reprimida actitud del personaje de Malden y que se subraya elocuentemente en una secuencia insólita de voyeurismo ubicada en el prólogo (en la que se encuentra el famoso plano de Baker durmiendo en una cuna). En este sentido, la declaración de Malden en un momento dado es categórica: "No hay tortura comparable a la que puede sufrir un hombre ante una mujer fría. No existe ninguna peor."

Elli Wallach hace su debut cinematográfico en este filme, interpretando al terrateniente que administra las plantaciones de algodón de la zona y que se las tendrá que ver con Malden, por ser el principal sospechoso de provocar un incendio que le favorecería en la venta del producto típico de la cuenca del Mississippi.
Precisamente, es Wallach quien interviene en la más tórrida secuencia de "Baby Doll", cuando en el jardín de la casa de Malden, asedia a una estimulante Carroll Baker, haciendo que el mercurio del termómetro se dispare hasta su máxima cota.
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19 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pinky
Pinky (1949)
  • 6,7
    315
  • Estados Unidos Elia Kazan, John Ford
  • Jeanne Crain, Ethel Barrymore, Ethel Waters, William Lundigan
6
Raices
Melodrama antiracial de aceptable construcción, pero minimizado en su bienintencionado mensaje a causa de la elección de Jeanne Crain en el papel principal, no porque su interpretación sea mala (todo lo contrario), sino porque el personaje necesitaba una actriz de piel más oscura que la palidez de la hermosa actriz californiana para otorgar mayor credibilidad a la historia.

El film adapta la novela "Quality" de Cid Rickets Summer que ancla sus objetivos en el acrecentamiento del sentimiento del orgullo y fidelidad a la esencia de uno mismo, a sus raíces y en definitiva, a su propio ser, mediante el sacrificio y la lucha personal en pos de una situación justa.

Gran dirección de actores de Elia Kazan, que consiguió que sus tres protagonistas principales fuesen nominadas al Oscar.
Mención especial para las dos Ethel, la sensacional Barrymore y la no menos excelente cantante y actriz Ethel Waters.
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10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Vivan los novios!
¡Vivan los novios! (1970)
  • 6,0
    1.285
  • España Luis García Berlanga
  • José Luis López Vázquez, Laly Soldevila, José María Prada, Manuel Alexandre, ...
7
Macho alpha
¡Vivan los novios! fue rodada en 1970 en una zona costera española y en ella José Luis López Vázquez interpreta un arquetipo clásico del franquismo: El caballero entrado en años, con una prometida no demasiado exuberante (valga el eufemismo) y mojigata, y un montón de responsabilidades plomizas y aparatosas, que se ve enfrentado a las nuevas costumbres lúdicas de la juventud, con atención especial para las turistas extranjeras y su desinhibición en todos los aspectos. En ese sentido, las imágenes del film pueden remitirnos a cualquier producción nacional del pre-destape, con guiris enseñando caderas, escotes y pantorrillas al siempre necesitado macho ibérico fruto del sistema de valores (cuyo lema era la consabida “decencia”) de la dictadura. Sin embargo, el film de Berlanga va más allá incluso de su habitual narración de la crónica de un fracaso, en este caso los infructuosos intentos del protagonista por trajinarse a una de estas tentaciones en bikini, y termina hablando de la impotencia ante la imposibilidad de escapar de nuestra casilla social (marcada de modo notable por la edad y el aspecto físico), de esquivar las trampas comunitarias que nos impiden llevar a término nuestros más íntimos deseos y entregarnos a la melancolía que caracteriza a los sueños de la adolescencia, un asunto ya tratado directamente por el director en Novio a la vista (1954).
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14 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Juntos hasta la muerte
Juntos hasta la muerte (1949)
  • 7,6
    1.373
  • Estados Unidos Raoul Walsh
  • Joel McCrea, Virginia Mayo, Dorothy Malone, Henry Hull, ...
8
Yo sí lo sé
Desde la descripción que se nos hace de Todos los Santos, hasta el emocionante final en el Cañón de la muerte, todo lo relacionado con lo fúnebre, con el fin de algo, con la muerte, impregna toda la película.
Prácticamente no existe un sólo plano de la acción que acontece en Todos los Santos, en la que Walsh no encuadre una ciudad en ruinas, muerta. Unos personajes espectrales en una película de marcado carácter fúnebre, como años más tarde haría Clint Eastwood en Sin perdón (1992).
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El matrimonio de Maria Braun
El matrimonio de Maria Braun (1979)
  • 7,4
    1.880
  • Alemania del Oeste (RFA) Rainer Werner Fassbinder
  • Hanna Schygulla, Klaus Löwitsch, Ivan Desny, Gisela Uhlen, ...
7
Semper fidelis
En esta parábola sobre el Milagro Económico, Fassbinder presenta una Alemania de posguerra travestida en la figura de una mujer libre, inteligente y poderosa que al final es superada en sus estrategias porque ha sido una transacción más en un mundo hecho para el negocio y la especulación donde no cabe el amor. Para Peter Märthesheimer, coguionista de la película, "Maria Braun es una heroína cinematográfica valiente y perseverante que se abandona completamente a sus sentimientos, pero que también está capacitada para actuar en la vida porque es astuta, hábil y consciente de la realidad". Esta apasionante historia de una mujer que se aferra al recuerdo de su matrimonio mientras su país intenta olvidar su pasado ha sido considerada como la síntesis genial de las obsesiones del mítico Rainer Werner Fassbinder.
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18 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
La tía Tula
La tía Tula (1964)
  • 7,5
    2.711
  • España Miguel Picazo
  • Aurora Bautista, Carlos Estrada, Enriqueta Carballeira, Irene Gutiérrez Caba, ...
7
El sexo débil
Tula es una mujer sola, que toma sobre sus espaldas a toda un familia de forma desinteresada, sin pensárselo dos veces, como si fuera su deber. Pero un deber asumido con amor, sin pedir nada a cambio, desinteresadamente.
Esa fuerza de Tula, sin embargo, es una fuerza ficticia, no porque carezca de coraje, sino porque es un valor sostenido por algo, no es exclusivamente suyo, se apoya en unos valores asumidos por educación y en unos condicionantes sociales.
Esa fuerza con muletas resulta ser más dañina que provechosa, pues no es sino una cobardía, que aparenta fortaleza exclusivamente por el andamiaje de una educación esterilizadora que, además, conlleva una sexualidad reprimida.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Shoah
Shoah (1985)
  • 8,4
    3.570
  • Francia Claude Lanzmann
  • Documentary
5
Mejor sin subtítulos
Creo que Callejeros o Mi Cámara y yo le hubieran sacado más partido al tema. Es excesivamente larga, tendenciosa y anticinematográfica. Se regodea demasiado en el dolor y no va al origen, a la causa. Mucha telerrealidad y poca historia.
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16 de 83 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Bloke - Coslada Cero (TV)
El Bloke - Coslada Cero (TV) (2009)
  • 4,8
    155
  • España Manuel Estudillo
  • José Pedro Carrión, José Manuel Seda, Carlos Fuentes, Aleix Rengel, ...
2
El rodillo
Después de ver 'El Bloke. Coslada Cero', reconozco que me sentí intranquilo, incómodo, desasosegado. ¿Estamos rodeados de mafiosos? ¿Se está convirtiendo nuestra vida en un libro de Mario Puzo, en una película de Scorsese? ¿La podredumbre se ha apoderado de todos los estratos de nuestra sociedad? No lo digo por el suceso puntual vivido por la población madrileña, Dios me libre: el famoso caso del sheriff Ginés se encuentra actualmente bajo investigación. Lo digo porque cuesta entender que la televisión pública española encargue, financie y finalmente emita semejante bazofia.

¿TVE no es capaz de producir un producto tan mediocre? ¿Tiene que encargarle semejante miseria a una productora privada? ¿Es ésta TVE la misma que puso en marcha 'El hombre y la tierra', 'Estudio 1' y retransmitió los Juegos Olímpicos de Barcelona? Es difícil asumir que nuestra televisión pública se encuentre tan deteriorada, y esté tan debilitada, como para necesitar ayuda externa para realizar un espacio tan esperpéntico. Porque 'El Bloke. Coslada Cero' resulta inconsistente, oportunista, desangelado, mal dirigido e interpretado, repleto de tópicos policiales, absurdo desde los créditos (una copia cañí del arranque de Los Soprano y Taxi Driver), hasta el plano final. Resumiré en dos detalles patéticos, pero significativos, la torpeza del engendro. Primero, cuando los confidentes de los policías utilizan el famoso "presuntamente". Tronchante. Segundo, cuando Melchor Miralles, responsable de la producción externa, aparece en un cameo que reduce todo a la categoría de un juego de vanidades (y pelas).

Recuerden que éste es un país de malpensados. Ante lo flojo del producto, y tras contemplar las técnicas utilizadas por la (presunta y supuesta) mafia de Coslada, alguien podría creer que con estos 'encargos', la televisión pública 'abona' una cuota a determinadas empresas de comunicación, cubriéndose así las espaldas a posibles críticas. O alguna maldad similar. Les recuerdo, por si no lo saben, que 'El Bloke. Coslada Cero' es un encargo de TVE a Mundo Ficción, la productora de Unidad Editorial (El Mundo).

Pero tal vez 'El Bloke' sólo sea el fruto, podrido, de la colaboración entre dos grandes empresas audiovisuales, una pública y otra privada. El tiempo, es decir, cuando TVE deje de tener publicidad y comience la espantada del personal, nos dirá si se escondía algo más tras estos bodrios financiados con dinero público.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los misterios de Laura (Serie de TV)
Los misterios de Laura (Serie de TV) (2009)
  • 5,5
    3.536
  • España Javier Holgado (Creator), Carlos Vila (Creator), ...
  • María Pujalte, Fernando Guillén Cuervo, Oriol Tarrasón, César Camino, ...
3
Se ha escrito un pestiño
"Los misterios de Laura', una serie cómico-policíaca "amable y divertida, para toda la familia", según la directora de programas de TVE. Es evidente que en TVE deberían revisar el término "para toda la familia". Asesinatos, infidelidades, venganzas... "Martín, ¿no hay suficientes mujeres en el mundo que te tienes que tirar a una sospechosa de asesinato?", dice la protagonista a su compañero.

María Pujalte es Laura, una policía-ama de casa que aparenta tener cierto retraso intelectual. Simplona, torpe, despistada, inoportuna, glotona, algo desaliñada... Pero sólo lo aparenta. En realidad Laura es muy lista. Bajo esa supuesta estupidez se esconde un sabueso implacable. Si el planteamiento no es muy original, sobre todo si han visto 'Colombo', el desarrollo de la historia es aún peor...

La mezcla de géneros, en este caso policíaco y comedia, es compleja: para obtener buenos resultados es necesario dominar ambos. La parte supuestamente cómica ralentiza la policíaca hasta límites soporíferos. El resultado es una versión unipersonal de 'Hermanos y detectives', con detalles de 'Se ha escrito un crimen', protagonizada por la hermana de Colombo. Y poco más.
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33 de 66 usuarios han encontrado esta crítica útil
U.C.O. (Unidad Central Operativa) (Serie de TV)
U.C.O. (Unidad Central Operativa) (Serie de TV) (2008)
  • 5,2
    453
  • España Agustín Crespi (Creator), Miguel Ángel Bernardeau (Creator), ...
  • Miguel Ángel Solá, Ana Torrent, Sancho Gracia, Esther Ortega, ...
3
A lo mejor suena la flauta
Un guardia civil hipersensible, inteligente, sereno, razonable, perspicaz... y además viste de paisano. Hay pocos motivos más para felicitaciones. Ni para comparaciones con 'CSI', por ejemplo. El primer capítulo de 'UCO' comienza con la desaparición de una chica. Cuenta, a paso de tortuga, quién es su familia, quién el camionero que la acompañó los últimos días que fue vista con vida, la complicada relación del capitán con su hija... Soporífero: después de treinta minutos no ha pasado nada excitante. «CSI» suele arrancar con música potente, una situación tensa y un muerto. Pero no comparemos...

El muerto de 'UCO' tarda más de media hora en aparecer. Demasiado tiempo para una serie policíaca. Por eso mejor no hablar de los mediocres actores secundarios, la plomiza ambientación, el insípido sonido... y sólo es digno de alabar un guión correcto, pero desajustado, que tarda mucho, muchísimo en adquirir un ritmo interesante. Cuando aparece la madre muerta y comienza la búsqueda de su hija enferma ya es demasiado tarde. Cualquier interés se ha perdido y lo mejor es meterse en la cama y olvidar lo que se ha visto.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Buda explotó por vergüenza
Buda explotó por vergüenza (2007)
  • 7,2
    6.237
  • Irán Hana Makhmalbaf
  • Nikbakht Noruz, Abdolali Hoseinali, Abbas Alijome
7
Más ideas que imágenes.
En esa metáfora político-social en que los niños reproducen en sus vidas las actitudes aprendidas de los mayores se advierte una dosis de denuncia a la intransigencia talibán, al machismo o a la violencia de su régimen dictatorial. Pero también se critica el dominio americano posterior que les impide mantener su propia idiosincrasia y tradición, algo que se desprende de la secuencia final en la era en que unos agricultores trillan el grano: entonces una sombra deja evidencia de esa necesaria renuncia al propio ideal y cultura, como la niña a ir a la escuela, para poder sobrevivir y ser libres. Es el fracaso talibán y también americano, dos maneras de imponerse y sojuzgar la inocencia de unos niños que sólo quieren ir a la escuela y que les cuenten historias sencillas.
Abundan los primeros planos en busca de la expresividad de un rostro inocente que conmueva, que convenza al espectador. Convencerle, ¿de qué? Pues de que tras la guerra y la derrota de los talibanes, todo sigue igual y se hace necesaria una nueva explosión que les permita recuperar la fe y la libertad. La cámara oscila entre unos momentos en los que decide mirar y contemplar una realidad cotidiana e intrascendente, y entonces dota a las imágenes de una inocencia y poesía, y otros en los que opta por denunciar los estragos de la guerra y de la realidad de una infancia perdida, y entonces la sinceridad y pureza de la imagen se siente traicionada por el mensaje, y la película pierde intimismo y sutilidad.
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Llámame Peter
Llámame Peter (2004)
  • 6,2
    2.595
  • Estados Unidos Stephen Hopkins
  • Geoffrey Rush, Charlize Theron, Emily Watson, John Lithgow, ...
7
Si me pregunta que me interprete a mí mismo, no sabría qué hacer. No sé quién o qué soy
Este proyecto no hubiera obtenido ninguna relevancia si no fuera por el extraordinario trabajo de Geoffrey Rush, quien se muestra brillante en cada una de las secuencias del largometraje. No es de extrañar que Rush dudara a la hora de aceptar este papel, pues es tal la complejidad de su actuación que la película podría haberse convertido en un producto del montón si no fuera por su presencia.
No nos encontramos ante un biopic amable acerca de Peter Sellers, pero tampoco se puede concluir que el relizador y los guionistas se ensañen demasiado en los aspectos más turbios de su existencia, sobre todo cuando nos referimos al humillante trato que de él recibían sus hijos o sus esposas. Se incide en su faceta de mujeriego, quizás con demasiada insistencia, siendo más interesante desde una vertiente exclusivamente dramática todo lo relacionado con el carácter posesivo de su madre y, sobre todo, la obsesión de este genial cómico por encontrar su verdadera personalidad, oculta en la variedad de sujetos que interpretó durante su carrera. Sin embargo, no se hace referencia a su adolescencia, de ahí que el espectador pueda no llegar a entender la conexión de Sellers con su protectora progenitora o el hecho de que acudiera tanto a la consulta de un vidente, pues siempre se sintió atraido por las ciencias ocultas.
Determinados elementos estéticos están muy conseguidos, empezando por los títulos de crédito iniciales, presentados por medio de dibujos animados, o la reproducción de míticos pasajes de algunos de los largometrajes en los que participó Sellers, algunos de ellos introducidos en su vida real de forma ficticia.
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El General
El General (1998)
  • 7,1
    2.982
  • Reino Unido John Boorman
  • Brendan Gleeson, Adrian Dunbar, Sean McGinley, Maria Doyle Kennedy, ...
7
«Nosotros contra ellos»
Boorman deja de lado el aburrido rollo nacionalista y, al narrar la vida de Martin Cahill (Brendan Gleeson), nos descubre una Irlanda más compleja, más interesante, poco conocida entre nosotros.
Lo primero que salta a la vista, en El general, es la sobriedad. Los paisajes impresionantes y la vegetación frondosa brillan por su ausencia. Como la acción transcurre en Dublín, apenas vemos escenarios naturales. Ahora bien, sobriedad, en el caso de Boorman, no significa pobreza, sino condensación y rigor (confróntese el robo a la joyería O’Connor). En la parte final, la condensación acentúa la atmósfera amenazante que se cierne sobre Cahill.
En El general conviven, pues, la atención a lo real y la dimensión mítica.
Cahill se convierte en un personaje de leyenda, pero su filiación no hay que buscarla entre los gánsteres de Hollywood, sino en la historia de Irlanda. Cahill responde al arquetipo de cierta categoría de irlandeses que aparecen en el país desde hace siglos: un jefe celta que se levanta contra el Estado y la autoridad, un rebelde enfrentado a la colonización británica y a la opresión de la Iglesia. Porque Irlanda ha sufrido dos colonizaciones, ambas nefastas: la británica y la de la Iglesia Católica, aunque los nacionalistas se empeñen en ocultarlo, al considerar mala la primera colonización y buena la segunda.
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2 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Galatasaray-Dépor (One day in Europe)
Galatasaray-Dépor (One day in Europe) (2005)
  • 5,4
    815
  • Alemania Hannes Stöhr
  • Megan Gay, Luidmila Tsvetkova, Andrei Sokolov, Oleg Assadulin, ...
5
¡Árbitro, la hora!
El guión tiene un ritmo irregular e intenta discurrir entre lo cómico y lo dramático, pero lo más deficiente es la construcción de unos personajes que vagan por calles y comisarías, sin sangre en las venas ni reacciones convincentes. Los actores interpretan sus papeles como muñecos envarados, con artificio y sin naturalidad: sólo el minuto de escena de Tosar, o la encarnada por el peregrino húngaro que llega a Santiago y el taxista gallego del mismo capítulo tienen cierta fuerza y empaque como para que el espectador empatice con ellos y se meta en la historia; el resto no hacen sino contribuir a que se desee que Dépor o Galatasaray metan pronto un gol que evite la prórroga, y termine así el partido... y la película. Fallos de guión, de casting o de dirección de actores: en cualquier caso, el resultado son cuatro historias mínimas sin fuerza —quizá con la excepción de la protagonizada por el húngaro—, con ciudades y mentalidades que caen en lo tópico (no falta la francesa de origen argelino o el turco emigrado a Alemania), y con el fútbol como un invitado de piedra que nunca llega a integrarse en la propia película. Además, la puesta en escena resulta pretenciosa, con planos que apuntan sin ambages la dirección que seguirá la historia y otros que carecen de sentido narrativo.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El señor de la guerra
El señor de la guerra (1965)
  • 6,9
    2.075
  • Estados Unidos Franklin J. Schaffner
  • Charlton Heston, Richard Boone, Rosemary Forsyth, Guy Stockwell, ...
7
Lo viejo y lo nuevo.
El film de Schaffner es una magnífica muestra de aventura histórica caracterizada por el riguroso equilibrio entre la vertiente exterior y sus matices psicológicos, que entremezcla sensualidad y putrefacción, amor sincero con oscurantismo y represión, lealtad con traición. Y lo hace además en un entorno físico sutilmente envuelto de aromas mágicos, en donde en muchos momentos no sabemos si realmente la atracción del guerrero por Bronwyn en realidad ha desatado la ira de los dioses paganos. La película destaca por la espléndida y física labor de su reparto –a las excelencias de Heston hay que sumar la presencia de un cómplice Richard Boone-, por la articulación dramática y casi telúrica que ofrece el en ocasiones recargado cromatismo fotográfico propuesto por el gran Russell Metty, o el espléndido uso de la pantalla ancha, en una narración de corte clásico que no incurre en las debilidades narrativas que sí hicieron acto de presencia en la posterior y más conocida PLANET OF THE APES (El planeta de los simios, 1968). Dentro de su planificación destaca en sus secuencias de interiores –que tienen como marco la torre propiedad del guerrero protagonista-, una abundancia de motivos religiosos que Chrysagon irá paulatinamente dejando de lado, imbuido progresivamente de ese elemento pagano que previamente ha ido rechazando, pero del cual emana la mujer que ama. Todos estos detalles no oscurecen en modo alguno el brillo de las secuencias en donde la aventura física cobra protagonismo, centradas sobre todo en el asedio que sufren por parte de los frisios unidos a los lugareños, que conforman un bloque narrativo ejemplar. Pero incluso en esas imágenes, el espectador adquiere conciencia de que, aunque nuestro protagonista logre vencer, su mundo y su propia andadura vital es prácticamente un halo espectral.

En una película bañada de tantos elementos de interés, hay sin embargo algunos que impiden que su conjunto alcance esa categoría de obra maestra que en algún momento llega a apuntar. Con ello me refiero a algún abrupto corte de secuencia, a la poca convicción que a mi juicio tiene la secuencia de la ceremonia pagana, o el fondo musical impuesto a las secuencias del asedio y ataque al torreón. Pocas reservas son, sin embargo, para una película espléndida, dolorosa en algunos momentos y que, reitero, estimo contiene la mejor interpretación cinematográfica de Charlton Heston.
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8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Edge of the World
The Edge of the World (1937)
  • 6,9
    92
  • Reino Unido Michael Powell
  • Niall MacGinnis, John Laurie, Belle Chrystall, Finlay Currie, ...
7
La isla.
Puede decirse que en THE EDGE… se dan cita dos películas que no siempre confluyen con la debida coherencia en el resultado final. Por un lado tendríamos el desarrollo de una línea argumental más o menos esquemática, que en realidad interesa poco y de la que con el paso de los años, en realidad solo nos puede atraer por su carácter etnográfico o en la dureza de los rostros de sus moradores. Mucho más sin duda que en la escasa entidad de sus rasgos psicológicos, al que la certera labor de su cuadro de actores no llega a configurar como tales personajes. A ello cabría unir esa constante sensación de asistir a una historia que discurre a trallazos, descuidada en sus matices y apresurada en su resolución –ni siquiera la historia vuelve a tiempo presente en sus compases finales-.

Sin embargo, ello no nos debería llevar a omitir el caudal de aciertos de un conjunto. THE EDGE… resalta por el enorme protagonismo e impronta telúrica que alcanzan esos montes escarpados, los acantilados o el incesante sonido del mar, hasta erigirse como el auténtico protagonista del film. Y con ello, debemos destacar numerosas elecciones formales extendidas al conjunto de sus secuencias. Sobreimpresiones, un montaje acusado, e incluso el abierto desprecio por los raccords, son elementos que contribuyen a delimitar el conjunto con una personalidad innegable y un aporte de fascinación realmente notable. Algo que, unido a la propia modernidad formal del conjunto, nos remite al hecho casi innegable de tener que admitir que esta película se erige como referente indudable para títulos posteriores tan aparentemente dispares como STROMBOLI (1950, Roberto Rossellini) o RYAN’S DAUGHTER (La hija de Ryan, 1970. David Lean). Es por ello, que pese a sus irregularidades, momentos como la llegada de los visitantes a la isla, la secuencia de la escalada que costará la vida al joven Robbie o la secuencia del funeral de este, puedan definirse como auténticamente modélicas y de lo más valioso jamás filmado por Powell.
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