Quinta obra de Welles, primera con la Republic Pictures, productora con la que tuvo gran libertad para dirigir. Dicha libertad se traduce en una hipérbole de sí mismo: tiene este film grandes dosis de ese expresionismo barroco en la puesta en escena (un cartón-piedra que enfatiza la faceta wellesiana de exageración de los elementos). Este estilo hiperbólico no se matiza en esta obra sino que simplemente al tener Welles más libertad lo expande a toda la trama. Y es que parece que la palabra “hipérbole” se va a convertir en la base para empezar a hablar del arte de Welles. Uno de los actos que lo acusan es la forma tan descarada de hacer pensar al espectador que está poniendo en dialogo dos formas artísticas, cuando en realidad se está enrocando en el teatro (dudando de la permeabilidad de este) para escapar de su erróneo pensamiento del cine como ortodoxia.
Si por algo este film puede entrar en los anales (aparte de por ser su primera obra “expresionista” en el completo sentido de la palabra) es por ser un auténtico prodigio en cómo realizar una obra de arte en cada plano; pues los constantes claroscuros, la difuminación de las formas entre las sombras y la poesía barroca que se respira forman un conjunto de planos que parecen tocados por la manos divinas.
Admito que Macbeth supone uno de los puntos más importantes en la evolución del discurso de Welles, pero en algunos momentos se roza el tedio, y no me termina de llegar como otras obras anteriores aparentemente “hollywoodienses” pero que para mí son profundas, transgresoras, y bastante expresionistas para estar tan cohibido, como por ejemplo una de sus obras maestras The Lady from Shanghai.

Me es grato ver que la figura de Eric Rohmer esté presente todavía en tantos directores de la era contemporánea, y no precisamente por la narrativa de sus historias intimistas (que también), sino por la forma tan densa de filmar. Aunque el estilo de esta película no es completamente Rohmeriano, ya que Baumbach le añade un par de cosillas "cosecha propia":
-Las relaciones familiares deben ser tan crudas como la espesa y oscura fotografía.
-Anular todo lirismo posible.
Al igual que en la notable "The Squid and the Whale", toda la película es un largo y profundo psicoanálisis de cada personaje, lo cual se agradece hoy en día cuando el único cine intimista que se proyecta es telenovelesco y vulgar.
En el reparto todo el mundo destacaría una de las únicas apariciones de Kidman en territorio indie o el primer papel serio de Black, pero yo sin ninguna duda me quedo con la cruda y realista interpretación de Jason Leigh.

Tras su demasiado correcta "The Changeling", Eastwood vuelve a un registro donde siempre se ha sentido cómodo con "Gran Torino". Aquí nos narra la historia de Walt Kowalski, retrogrado veterano de la guerra de Corea que se ve enfrentado al paso de los tiempos y a la sociedad multicultural en su América querida. "Gran Torino" habla del paso del tiempo, de una herencia optativa, de las heridas de la guerra. Ejemplo claro de que Eastwood en el cine, al igual que Rachmaninov en la música, ha sido una figura reaccionaria: no supo adecuarse a la ortodoxia del modernismo ni lo está haciendo en el posmodernismo, siempre impregna sus obras de un clasicismo que empieza a ser repetitivo. Sin embargo, al igual que me apasiona el "Concierto para piano nº2", también me es imposible encontrar fisuras en una filmografía tan redonda como la de Clint.
Interpreto "Gran Torino" como un testamento cinematográfico (que probablemente no sea oficial) consciente de serlo:
1)Eastwood siempre se ha caracterizado por el profundo análisis histórico de su América natal que imprime en todas sus obras, siempre haciendo presente su pensamiento acerca de muchos hechos de los que no está orgulloso. No obstante en "Gran Torino" se situa en la actualidad para no solo hacer su canto proobama, sino para transmitir un mensaje mucho más significativo: parece como si nos quisiera decir que tras años de lucha por una América justa se va con la conciencia tranquila de que ha caido en buenas manos, en las de una sociedad que ya ha aprendido tras años de ceguera.
2)El legendario director dibuja un personaje que es una síntesis (parodia si quieren) de sí mismo. Crea a un Kowalski con pequeños trozos de todos los personajes que ha ido interpretando a lo largo de su filmografía, como si quisiera resumir lo que han supuesto esos personajes en su propia personalidad.
En definitiva, que Eastwood se despide de alguna forma, con una obra aparentemente menor, y es dicho encasillamiento lo que le permite un campo de creatividad y de expresividad mucho más extenso que un film más pretencioso como podría ser "The Changeling"