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Críticas de Cinemagavia
Críticas ordenadas por:
Perfectos desconocidos
Perfectos desconocidos (2017)
  • 6,5
    29.231
  • España Álex de la Iglesia
  • Belén Rueda, Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Juana Acosta, ...
7
Crítica de Perfectos Desconocidos por Cinemagavia
Perfectos Desconocidos es la nueva comedia, con un carácter un tanto peculiar, del director español Álex de la Iglesia. Tras haber arrasado con su penúltima película “El Bar”, Álex se ha lanzado a hacer un remake de la cinta italiana “Perfetti Sconosciuti” de Paolo Genovese. En este caso, sigue teniendo la misma trama en cuanto a historia y personajes, pero con un toque especial de nuestro querido director.

De la Iglesia nos sorprende, una vez más, con su obra. Esta vez se trata de una comedia negra en la que destacan cosas como: un buen guión; grandes interpretaciones; una exquisita puesta en escena, haciendo que cada plano, cada frase y cada movimiento de los personajes queden inmortalizados de una forma muy original.

Lo que caracteriza la cinta es su versatilidad en los recursos de cámara y en su agilidad narrativa. El director nos introduce en la vida de estas siete personas mostrándonos la relación que tiene cada pareja en la intimidad, lo que resulta de ayuda para sacar nuestras propias conclusiones a la hora de adentrarnos en la idea principal de la obra.

El reparto, con Belén Rueda en lo alto, hace un gran trabajo tratando temas complicados como la relación que se tiene con los adolescentes, los padres, las infidelidades o el rechazo por la orientación sexual, creando prejuicios hacia los homosexuales.

Toda la historia se narra en un acto único. Una noche en la que todas las parejas organizan una cena que coincide con el eclipse lunar, consigue que el cielo se tiña de rojo y la vida de los personajes cambien después de que se sepa toda la verdad sobre cada uno de ellos. ¿Pero tanto importará la verdad?

En la entrevista que hizo Álex de la Iglesia en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad de Complutense, mencionó que él prefiere no conocer la realidad en algunas situaciones, algo que se refleja en la película. ¿Pero qué preferirías tú, taparte los ojos y vivir en la caverna de Platón, o enfrentarte a la realidad pese al dolor que te pueda provocar?

Lo mejor: el toque humorístico que tiene una historia tan triste, además de ser una narración muy simple que hace que uno se lo pase muy bien.

Lo peor: la sobredosis de fantasía que se introduce en el film haciendo que pierda casi toda la seriedad.

Escrito por Elene Batsanadze

https://cinemagavia.es/perfectos-desconocidos-pelicula-critica/
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93 de 122 usuarios han encontrado esta crítica útil
El libro secreto de Henry
El libro secreto de Henry (2017)
  • 5,8
    982
  • Estados Unidos Colin Trevorrow
  • Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Jacob Tremblay, Dean Norris, ...
4
Crítica de El libro secreto de Henry por Cinemagavia
Colin Trevorrow (“Jurassic World”), recientemente despedido de la saga Star Wars, se aleja de las grandes producciones para sumergirse en el oscuro secreto un niño de once años que está dispuesto a hacer lo que sea por ayudar a los demás. El libro Secreto de Henry, protagonizada por rostros tan conocidos como el de Naomi Watts, busca hacerse un hueco en el ranking de aventuras cinematográficas destinadas a todos los públicos. ¿Lo conseguirá?

“Cuando alguien lastima a otros, sí es asunto nuestro”. Este podría ser el mensaje que resume el argumento de la cinta que, con falsa apariencia de ser un drama familiar, se convierte en un crimen perfecto más descontrolado de lo normal donde, ojo, también hay cabida para una buena dosis de incoherencias y artificios. El problema del film, entre otros muchos, es la glorificación del héroe, dotando al personaje de una bondad inexistente que sólo hace más plano al personaje principal; es cierto que el público conecta más rápidamente con él, pero denota el poco riesgo, y originalidad, con el que cuenta el proyecto.

Partiendo de la premisa en la que tenemos que creernos que un dulce y más que racional adolescente es capaz de resolver todo el conflicto central de manera tan violenta, ¿es lógico todo lo que El Libro Secreto de Henry arrastra a su paso? Aun obviando ese dato, de gran peso, la cinta sólo encuentra el equilibrio en los ojos del que prefiere, o no percibe, sentirse engañado. Todo ello precedido por un completo chantaje emocional, como no, a través de la mirada infantil; lejos del brillantísimo tratamiento que pueden tener otras obras contemporáneas como “Verano 1993″ (tampoco esperábamos gran cosa, no vayamos a engañarnos). Recuperando la escena sobre el legado de las personas en el mundo, me gustaría saber las opiniones de los espectadores sobre el futuro legado de la película en cuestión.

Y es que, a pesar de su estelar reparto, entre el que se encuentra la aclamada bailarina de Chandelier (Maddie Ziegler), El Libro Secreto de Henry no destaca precisamente por sus desgarradoras interpretaciones; de hecho, quien consigue deslumbrar sin esfuerzo es el joven y talentoso Jacob Tremblay (“The Room”) que enamora con su ternura natural. A la cabeza, Naomi Watts, a cara lavada si se precia, quien vuelve a encarnar ese personaje de madre superviviente de desgracias al que nos tiene tan acostumbrados; eso sí, muy lejos de la credibilidad de sus antiguas performances.

Si bien es cierto que estamos ante un proyecto ambicioso, el guion resulta confuso consigo mismo, con falta de autocrítica y rodado con poca brillantez. La película intenta dar, equivocadamente en su forma, profundidad a un producto destinado a consumirse como un mero estándar. No niego que encontrará su hueco en la parrilla televisiva, aunque, por el momento, aconsejo a los lectores dejar El Libro Secreto de Henry en la estantería. Lo mejor, y más ridículo, del visionado ha sido ver cómo la propia película creía ser honesta.

Escrito por Antonio Fuentes Belando

https://cinemagavia.es/libro-secreto-henry-la-estanteria/
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una vida a lo grande
Una vida a lo grande (2017)
  • 5,2
    5.715
  • Estados Unidos Alexander Payne
  • Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig, ...
3
Crítica de Una Vida a lo Grande por Cinemagavia
Cuatro años después de la maravillosa Nebraska, el director Alexander Payne regresa con Una Vida a lo Grande, una película algo extravagante dentro de su filmografía, donde usa los parámetros de la ciencia ficción para montar una sátira social mordaz y agresiva. El reparto está formado por un importante elenco de estrellas encabezado por Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau y Kristen Wiig. Una Vida a lo Grande se estrenó en la Sección Oficial del pasado Festival de Venecia.

La primera media hora trata de ser una comedia. Pero hacer una comedia es muy difícil, hay que tener un buen guion y unos buenos actores que lo sostengan. En esta película se olvidaron de los primeros y dedicaron el presupuesto de estos, a contratar a famosos de la comedia estadounidense actual, con la única indicación de seguir haciendo la misma gracia que hacían en otras comedias, una fórmula que era evidente que no iba a funcionar. Además vemos a Matt Damon en una “comedia”, aunque se limita a cumplir en un papel que tampoco le daba margen a algo más.

En el reparto de presupuesto del que hablábamos, esas estrellas también se quedaron con la parte correspondiente a los efectos especiales, algo que si fuese una buena comedia no hubiese entrado a comentar, pero…..

Luego la película se torna una extraña mezcla: discursos de superación, crítica a las fronteras y a la organización del mundo, concienciación sobre el cambio climático… Pero aunque las ideas y las intenciones son buenas, no logra calar como debería. Ha intentado tratarlo todo a la vez y con un discurso más lento en el lenguaje cinematográfico pero muy rápido en la linea de tiempo de la película, pero no consigue hacerlo con éxito.

No se si todas esas ideas estaban desde que se planteó realizar la película, pero lo cierto es que parece más un relleno. Si se hubiese tratado por separado los temas, o no se hubiese querido hacer en clave de humor igual hubiese resultado un buen largometraje.

¿Qué es exactamente Una Vida a lo Grande? Dos días después de verla sigo sin poder responder a esta pregunta.

Una vida a lo grande es el (fracasado) intento de una película grande, que ignoró el consejo de “divide y vencerás”.

Lo mejor: Christoph Waltz, que haga lo que haga brilla.

Lo peor: La poca sustancia que tiene la trama y lo larga que resulta.

Escrito por Juan Anselmo Rodilla

https://cinemagavia.es/una-vida-a-lo-grande-pelicula-critica/
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12 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
American Horror Story: Cult (Miniserie de TV)
American Horror Story: Cult (Miniserie de TV) (2017)
  • 6,4
    1.837
  • Estados Unidos Ryan Murphy (Creator), Brad Falchuk (Creator), ...
  • Sarah Paulson, Evan Peters, Cheyenne Jackson, Billie Lourd, ...
7
Crítica de American Horror Story: Cult por Cinemagavia
American Horror Story: Cult ha dejado de lado todo lo paranormal, lo surrealista, abarcando nuevas tramas, mucho más realistas y actuales. Esta temporada no tiene nada que ver con el resto. Ya pudimos ver algo diferente en la temporada anterior (American Horror Story: Roanoke), pero ésta ha tomado una dirección totalmente novedosa, respecto a la temática de las tramas que siempre han elegido los creadores de la serie, Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Hemos podido ver en las anteriores temporadas como un manicomio o un hotel encantado, se llevaban gran parte del protagonismo de la trama y acompañando a esos tenebrosos escenarios, personajes convertidos en brujas, extraterrestres o también en demonios, haciendo honor al título de la serie, American Horror Story, incluyendo en cada temporada, elementos muy estereotipados del género de terror.

En cambio, el comienzo de esta séptima temporada vuelve a apostar por un topicazo, como son los payasos y el horror que pueden producir éstos en ciertas personas, concretamente en Ally (Sarah Paulson), siendo sus miedos y fobias otro gran personaje de ésta temporada (sobre todo los primeros capítulos) Pero de nuevo Ryan Murphy y Brad Falchuk, vuelven a sorprender, destacando otros tipos de horrores mas realistas y contemporáneos: la subida al poder de Trumpt, el desarrollo de organizaciones y sectas políticas, la manipulación de los medios. También, la homofobia, la lucha de las mujeres por la igualdad, el racismo. También se hace una leve referencia al nazismo, sin llegar a ser tan radical, aunque está muy presente la supremacía blanca.

American Horror Story no es una serie que apuesta por los finales felices o por las historias con un mensaje para concienciar al espectador, todo lo contrario.

En cambio, ha sido en esta temporada cuando lo dicho anteriormente, se ha cumplido. Han expuesto los temas con más controversia de la actualidad, posicionándose en un tercer lugar pero sacando a relucir lo bueno y lo malo de cada cuestión.

Evan Peters, actor que ya ha salido en casi todas las temporadas, en ésta ha sido el personaje clave, Kai Anderson, un joven con grandes pretensiones pero ninguna de ellas llevadas de una forma acertada. Evan Peters, con una actuación magistral, ha interpretado varios personajes dentro de ésta séptima temporada, luciéndose en cada uno de ellos, aportando credibilidad y un gran atractivo.

Por otro lado, los créditos iniciales de esta serie aportan algunas pistas de como se va a desarrollar la historia, pero estéticamente hablando, siempre se superan, son maravillosos y originales, no dejando de menos a ninguno de las siete temporadas de American Horror Story.

En cambio al montaje, esta serie siempre ha destacado por emplear planos estéticamente novedosos y atrevidos, pero en ésta nueva entrega, los primeros planos o planos más generales han sustituido esos planos picados o travellings que tanto empleaban en las anteriores temporadas. Siendo un montaje más natural y realista, como los temas tratados, para darle aún más credibilidad.

American Horror Story: Cult ha sido todo un descubrimiento, una nueva y diferente historia que deja un mensaje para el espectador. En cambio, aunque esta temporada me haya gustado, esta serie siempre se ha caracterizado de ser independiente a lo que el espectador quiere y esto ha sido lo que a mi me ha faltado de ésta nueva temporada, siendo el público, un aliado más en la trama, sabiendo incluso más que algunos personajes de la historia. También, los temas propuestos han sido tratados con más seriedad y conciencia que en las temporadas anteriores, suprimiendo esa parte paranormal o de fantasía que tanto caracteriza a la serie.

Escrito por Sandra Gil Bermejo

https://cinemagavia.es/american-horror-story-cult-critica-temporada-7/
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Square
The Square (2017)
  • 6,4
    7.242
  • Suecia Ruben Östlund
  • Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, ...
9
Crítica de The Square por Cinemagavia
Christian (Bang) es un hombre divorciado, un correcto padre para sus dos hijas y además trabaja como el curador principal de un importante museo de arte moderno. Su vida es feliz, glamorosa y absolutamente barnizada de este “prestigioso aroma de elite cultural”.

En vísperas de la apertura de una nueva instalación llamada “The Square” en que se expresa el concepto de que The Square es un espacio donde “todos deben sentirse seguros y felices y confiar en las personas” Christian sufre el robo de su celular.

Aconsejado por un compañero de trabajo, deciden realizar una “acción de recuperación” aparentemente inocente. Pero como en todo, no hay acción sin reacción y la avalancha de aconteceres se desata, tenga o no que ver de forma inmediata con ese hecho, transformando la vida de Christian en una especie de realidad paralela fatal y donde la racionalización es un concepto más que abstracto y olvidado al diluirse con la realidad sin forma de nuestros días.

Ruben Östlund (“Fuerza Mayor”) lo hace de nuevo, el polémico director ahora seduce hasta las más altas esferas del intelecto y avasalla en Cannes llevándose la Palma de Oro y lo hace desnudando, en pocas palabras, la vacuidad de la modernidad liquida y cuestionando hasta la médula la cultura del arte moderno de una manera mordaz y absolutamente consciente.

The Square se mete de lleno en un tema plagado de exquisitez: “El arte”, y más aún, “el arte contemporáneo”, donde el bluff supera cualquier norma, regla, tendencia, movimiento o expectativa… y sin embargo Ruben Östlund lo hace de una manera magistral, simple, llano y sarcástico.

Si bien es cierto que el tema del acontecer del proceso artístico es una fuente inagotable (tal como el arte mismo) para hacer reflexiones sobre él, y que puede resultar fascinante ingresar a las diversas miradas sobre el tema, The Square, que nutre sus raíces temáticas en ese mundo, toma tal cantidad de perspectivas alternas sin dejar de mirar al centro del arte, que la hacen en sí un complejo y fascinante trabajo de creación artística (sí de ese mismo arte contemporáneo que con tanta hilaridad analiza) entonces, ante nuestros ojos el cazador se convierte aparentemente en presa, pero sale proyectado en tantas direcciones que en este acto va a aligerar un discurso que podría sonar hasta retorcido.

Una jolgoriosa calamidad sigue los pasos de Christian y los problemas llegan a parecer una comedia fatal. El que una persona del aseo barra sin querer algunas piedras de grava de una instalación puede ser un problema demencial de consecuencias internacionales.

Pero al mismo tiempo, la vida del mismo Christian va en acelere hacia múltiples colisiones, tiene problemas de alcoba, un niño lo acusa de haber acabado con la confianza que le tenían sus padres y una lujosa cena termina en un catastrófico performance que rompe todas las reglas… que no se compara a lo que va a suceder con la inusitada campaña de marketing que una agencia diseña para la instalación de The Square.

Ruben Östlund seduce porque usa todas las herramientas que encuentra en este mundo del arte para construir su obra, es vibrantemente actual vibra al ritmo de este momento de este mundo, coloca todos los elementos conociéndolos desde dentro usando tomas que hablan de los diversos ritmos visuales usando la estructura narrativa para jugar se esconde y sale a la luz para dar pinceladas de cinismo y luego se desvanece tensando la neurosis de la vida diaria, la absurda e incuestionada manera en la que las cosas hoy por hoy funcionan para este momento, para el hoy absoluto.

Dentro de la trama y los infinitos reflejos en este alocado y vaporoso ambiente del arte entre brincos, gruñidos, performances, millenials, redes sociales, recaudaciones de fondos, escándalos, multimillonarios patrones de museo que están más interesados en atacar las viandas que en enterarse de lo que están comiendo y mucho menos aún en entender el tema de la exposición, la aceptación y aplauso de “lo que sea” simplemente porque se está dando dentro de los muros del museo, aunque sea algo que ni el propio artista entienda. Niños stalkers, la crónica indiferencia ante el mundo o ante el otro por dejarse absorber por la realidad alterna del celular… cada latido es un compuesto de este mundo y en este concierto desconcertante, cada latido cuenta.

Paralelo a la figura de Christian tenemos a toda la fauna del mundo del arte el artista que vive como Hefner, prácticamente en pijama y bata, la periodista ambiciosa y fan de Christian: Anne (Elisabeth Moss ) con la que Christian sostiene una de las escenas más icónicas de toda la cinta.

Ahí los artilugios del lenguaje construyen un entramado conceptual que sería la mezcla entre un cuadro de Escher, el jardín de las delicias y la Escuela de Atenas para acabar explotando en un simple letrero de neón al fondo que dice “No tienes nada”.

Así de sutil y deliciosamente perverso puede ser el mundo de Östlund. Esta sorprendente situación va a ver su culminación en una pelea por… un condón y nuestro asombro va y viene sin disminuirse .

Claro que también tenemos la perturbadora presencia de Oleg (Terry Notary) en el culmen de tirarle a la cara a todos los posers en una cena de gala alguna que otra cosa y provocando que el “lado salvaje” invada hasta la médula aún a los más emperifollados asistentes. Y el juego sigue el espacio sigue reflejándose una y otra vez hasta el infinito formando simetrías por siempre.

Al final como bien dicen, nombre es destino y The Square es un espacio, contenido en un cuadrado luminiscente en una plaza que acaba volviéndose dentro de sí, se duplica en espejo y juega alborozada con ella misma, delira embrujada en su propia imagen, pero no todo lo que el espejo refleja está al frente… y atrás de él existe el mundo al revés.
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Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/the-square-pelicula-critica-ostlund/
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24 de 35 usuarios han encontrado esta crítica útil
Overdrive
Overdrive (2017)
  • 4,4
    299
  • Francia Antonio Negret
  • Scott Eastwood, Freddie Thorp, Ana de Armas, Gaia Weiss, ...
4
Crítica de Overdrive por Cinemagavia
Los medio hermanos Foster: Andrew (Scott Eastwood) y Garrett (Freddie Thorp) tienen una profesión exótica y peligrosa, roban autos de lujo de colección. Uno de sus “trabajos” los llevará a Francia, a Marsella para ser exactos, acompañados de Stephanie (Ana de Armas) la novia de Andrew. Sin saber en lo que se meten, roban un Bugatti Type 57 de 1937 que acaba de ser comprado en una subasta por Morier (Simon Abkarian) un gangster de Marsella, quien de inmediato va sobre ellos. Para quitárselo de encima le proponen hacerle un trabajito y robar para él un Ferrari 250 GTO 1962 de la colección de su archienemigo Klemp (Clemens Schick) un alemán bastante rudo.

A ver, empecemos por el principio, ha quedado claro que las películas de autos y torque han sido un éxito desde hace años con la serie de “Fast and The Furious” y con el film “Baby Driver” de este año. Y desde luego a partir de esos elementos: Autos, chicas y carreras, se ha desplegado un infinito de “variaciones sobre un tema”o “vamos a copiar que nadie se opone”.

Qué puede hacer a Overdrive distinto? Básicamente, si somos francos, nada. Es una película cien por cien palomera diseñada para ver exquisitos modelos de autos fotografiados lujosamente en el escenario mágico de las carreteras de Marsella.

Y no es por demeritar las producciones Estadounidenses ubicadas en Norteamérica o “#casicualqueirlugardelmundo, pero hay algo definitivamente llamativo en los escenarios europeos; simplemente desarrollar la trama en ellos les da un sabor diferente.

Así sucede con Overdrive, es difícil escapar a lo terriblemente fashion que puede ser para los protagonistas, que además son jóvenes y guapos, colocarlos simplemente en la playa o en una plaza; parecen un shooting de revista de modas. Definitivamente Ana de Armas es la más nueva versión de un monumento a la belleza sexy y perversa.

Obviamente la cinta además de la clara referencia a la saga de “A Todo Gas”, (a la que tanto los escritores como Eastwood han estado ligados) está sostenida por la presencia de los “hermanos Foster” (Eastwood y Thorp) y su casi threesome con De Armas, además de los múltiples autos clásicos, dignos de la colección de El Sultán de Brunei.

La trama es intrascendente y obvia hasta lo básico, hay que lucir los autos, rodearlos de un falso clima de “intriga internacional bañada en poder proveniente del lado oscuro” y el tema está hecho.

Pero eso sí, dándole un matiz “chic”, provocar algunas persecuciones a gran velocidad con espectaculares choques, tener algunas líneas de diálogo de “hazlo o te mueres” o el favorito de todos los tiempos: “este es mi último trabajo y me salgo”, agrega algunas peleas a golpes para sacar el lado “macho” y desde luego también los bonitos “momentos de pasarela” para lucir rostro y cuerpazo.

La diferencia en el renglón valores de la película, más que en el trabajo de Antonio Negret, apunta en dirección a la producción de Morel y su larga experiencia con Luc Besson además de su trabajo en la factura de Thrillers, así que tiene bien definido el público que busca y el tono “diversión pura” a base de velocidad y autos y la absoluta certeza de que aunque no se tenga un guión, ni siquiera medianamente inteligente, se pueda seguir siendo divertido. (No, no vas a encontrar la respuesta a las preguntas de la existencia en esta película, pero vas a pasarla bien…)

Si no hay mucha historia (o al menos no muy bien construida y muy austeramente escrita) Qué vas a encontrar aquí? Preciosos Autos clásicos, vistas panorámicas de Marsella y sus alrededores con carreteras demenciales, de esas que han sido un sueño para cada niño que jugaba con sus Hot Wheels: caminos angostos, precipicios, mar, montaña y autopistas bifurcadas que atraviesan túneles, todo para correr modelos que son una finísima muestra de la excelencia automotriz.

Dos prototipos del macho-man moderno: seductores, con sentido del humor retorcido, cínicos y despreocupados, con inclinaciones a la fiesta, al sexo y a meter todas las revoluciones que pueda dar el motor en una pisada de acelerador.

Dos chicas fanáticas de los autos, sexys, pero deseosas de representar a la mujer empoderada: que roba coches y puede ser “ruda y ambiciosa” aunque luzca fenomenal en bikini, quiera casarse y además (maravilla!) no hay que preocuparse si sabe usar un arma o por si sabe cambiar una llanta.

Obviamente los “malos” son un compendio aumentado de los clásicos villanos poderosos; podrían ser la versión oscura y no científica de “La malvada garra siniestra” de “Los Peligros de Penélope” (1969): Son insensibles, con acentos exagerados, viven en mansiones/fortalezas, poseen capacidad ilimitada para hacer cosas malas y se jactan de relatarlo. Pero lo mejor de todo: tienen el suficiente desparpajo para cambiar de bando según sus malévolos intereses sin justificación alguna, (privilegios del poder, ya te digo).

Todo esto transita en medio de una trama donde no hay que hacer el menor esfuerzo para entender que todo sucederá según las predicciones dadas en los cinco primeros minutos de la historia, eso sí con menos acción que la que se habría visto en cualquiera de los copycats de “Fast And The Furious”.

Overdrive, al final de cuentas es como un lustroso catálogo de alguna tienda departamental exclusiva: lindas fotos, autos de lujo, bellas modelos que recrean la pupila… Te entretiene. Pero al acabar de verlo se cierra la cuarta de forros. Quedan algunas imágenes bellas en la retina… pero a ciencia cierta, el contenido ya se ha olvidado.

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/overdrive-pelicula-critica/
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La higuera de los bastardos
La higuera de los bastardos (2017)
  • 5,2
    556
  • España Ana Murugarren
  • Carlos Areces, Karra Elejalde, Jordi Sánchez, Pepa Aniorte, ...
7
Crítica de la Higuera de los Bastardos por Cinemagavia
La Higuera de los Bastardos de Ana Murugarren tiene desde el principio una atmósfera de cuento cruel para pasar por un género tan nuestro como el esperpento y retomar, como en una montaña rusa, al cuento siniestro. La historia es un paseo por la Guerra Civil y sus años posteriores donde no se nos ahorra la crudeza de la represión ni la mezquindad de los personajes. Como en todas las situaciones de conflicto, la guerra española fue el caldo de cultivo para que afloraran lo mejor y lo peor de los sentimientos humanos.

En La Higuera de los Bastardos, la mayoría de los personajes tienen su parte oscura bien a la vista. Sin embargo, y esto es uno de los mayores logros de la cinta, no generan un rechazo total en el espectador. No son malvados de TBO, planos y maniqueos. Quien asiste a sus miserias llega a entenderlos dentro de su oscuridad.

En el Getxo de 1938 Rogelio (Karra Elejalde), un falangista irredento asesina a un maestro republicano y a su hijo mayor. La mirada del hijo pequeño de la víctima causará una reacción inusitada en él. Como si de repente descubriera la inutilidad de todos los conflictos al quedar convencido de que el niño de diez años lo asesinará de mayor para vengar a su padre y hermano. Cegado por esta idea descubre que el niño ha plantado una higuera en el lugar donde han sido enterrados sus familiares. Conminada por la mirada muda del niño Rogelio se toma como una promesa el cuidar de la higuera.

Tomado por un loco primero y luego por un visionario religioso el personaje de Karra Elejalde verá pasar ante sus ojos las primeras décadas de la dictadura franquista sin moverse de higuera. Asistiendo al desencanto de muchos falangistas y su eterna revolución pendiente hasta llegar al desarrollismo económico de los 60 con los tecnócratas del Opus.

Los actores consiguen dar carne a unos personajes con los que sería fácil caer en la interpretación impostada. Los biotipos políticos y humanos están perfectamente encarnados por ellos. El falangista que cree ciegamente en la Nueva España para desencantarse lentamente (Elejalde), el soplón Ermi que hace de su cinismo su forma de vida (un soberbio Carlos Areces), el pícaro que ve de la nueva situación política un lugar donde medrar (Jordi Sánchez) y el niño bien jugando a soldado, cruel y discrecional en sus decisiones (Mikel Losada).

Es Losada el más forzado de los actores. Su intento por hacer despreciable su personaje le hace ser en puntos de la película muy exagerado. Entre tanto hombre destaca una Pepa Aniorte en estado de gracia. Su Cipriana es una rara avis en este universo masculino cruel. Una mujer religiosa sin estridencias y que ve desde una distancia irónica y cínica lo que sucede ante sus ojos. La habilidad de Aniorte para colocar las frases en el punto adecuado es uno de los disfrutes de la película.

Junto a los actores, como uno más, está el paisaje del norte al que la directora ha convertido en un protagonista mudo de la historia. Este muestra lo peor de sí mismo (la oscuridad, el frío, la lluvia interminable) y lo mejor cuando la cinta evoluciona por sus tonos de cuento macabro a astracanada y viceversa. Con el oscuro paisaje ocurre como con los protagonistas de la historia. Aun sabiendo lo poco agradables que resultan a priori, es inevitable no sentir interés y, en algunos casos, hasta fascinación.

Una película que gustará a los que no soportan las películas españolas sobre nuestra guerra y a aquellos que quieran dejarse llevar por los relatos con un punto de oscuridad atractiva. Como Tim Burton hubiese descubierto Simón del desierto.

Escrito por David González

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10 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sentido y sensibilidad
Sentido y sensibilidad (1995)
  • 7,1
    36.324
  • Reino Unido Ang Lee
  • Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman, ...
8
Crítica de Sentido y Sensibilidad por Cinemagavia
Decía el genial Billy Wilder que si una película no le atrapaba en el primer minuto dejaba de verla. Pues bien, Sentido y Sensibilidad firmada por el taiwanés Ang Lee (Óscar a la mejor dirección con “Brokeback Mountain”, “Tigre y Dragón” “La vida de Pi”) nos atrapa desde el minuto cero por la belleza de sus imágenes, por su cuidada y luminosa fotografía (Michael Coulter), y por la excelente BSO (Patrick Doyle) amén desde luego por la magnífica interpretación de los actores, casi todos ellos viejos conocidos por haber participado en varias películas de la exitosa saga “Harry Potter”.

Emma Thompson, gran admiradora de Jane Austen fue la encargada de realizar el guion ganador de un Óscar de la película. Se ciñe bastante a la novela homónima, pero de alguna manera se centra más en los personajes principales, obviando elementos superfluos que no aportaban nada al resultado. El profundo conocimiento que tiene de la obra de Jane Austen, trasciende en el resultado de la cinta, además, al escribir el guion pensando en los actores, como en el caso de Huhg Grant en el personaje de Eduard Ferrars, joven de escasa personalidad, obligado por el honor a mantener una antigua relación, el resultado es francamente bueno.

Después de la muerte de su padre, las hermanas Dashwood junto con su madre, quedan desahuciadas de su casa, pues debido a la costumbre de la época, la propiedad la heredará un hermano fruto de un matrimonio anterior de su padre. Casi en la indigencia se trasladarán a una casa que les arrienda un familiar lejano, que a su vez les presentará a sus amistades, y con ellas, llegará el amor y la decepción.

En el reparto de papeles Emma Thompson se reservó el papel de Elinor Dashwood, la hermana prudente, madura, reflexiva, cumplidora del decoro aun siendo sabedora del injusto rol al que se ven sometidas las mujeres en la Inglaterra del siglo XIX. Observadora de la exaltación que hace su hermana del amor y el dolor, su lealtad y compromiso la llevarán a un sufrimiento inmenso, y mantenido en secreto. Su interpretación es sencillamente magistral.

Marianne Dashwood, interpretada por una jovencísima kate Winslet, es una joven soñadora, espontánea, vibrante, amante de la naturaleza, ansiosa de un amor épico; su espontaneidad chocará con las rígidas costumbres victorianas, a las que a duras penas se somete. Cuando se enamore mostrará su amor sin ambages, y cuando llegue la decepción, caerá en picado en las más profundas simas del dolor.

Mención importante merece el personaje del coronel Brandon, interpretado por el recientemente fallecido Alan Rickman, a quién pudimos ver interpretando al odiado profesor “Snape” en la saga de Harry Potter, y en “Eye in the sky”, entre otras. Aquí interpreta al coronel, hombre discreto, caballero intachable que oculta un misterioso pasado y que en seguida se enamorará de la belleza y vitalidad desbordante de Marianne, que se desentenderá de él completamente debido a “su avanzada edad”; en silencio, será testigo del amor y sufrimiento de Marianne por J. Willoughby.

En Sentido y Sensibilidad vamos a ver un exquisito retrato de la época victoriana, debido al importante trabajo tanto en vestuario, ambientación, como una fotografía maravillosa, con unos primeros planos a contraluz del sol dignos de figurar en los mejores museos. Los sentimientos van a tener un protagonismo importante, la amistad, el deber, la lealtad, la sensibilidad y el amor, que como en toda novela victoriana, al final triunfará, pero como detalle curioso, al igual que en la novela, no veremos ningún “beso de película” en la cinta, el triunfo del amor lo veremos llegando suave y despacito, como siempre vienen las cosas buenas.

En definitiva, Sentido y Sensibilidad es una película maravillosa, donde van a disfrutar los amantes del género victoriano así como los amantes del buen cine en general, pues lo tiene todo, buen guion excelente interpretación, banda sonora armoniosa, y una fotografía espléndida. Supera con creces la novela.

Escrito por Luz Nogues

https://cinemagavia.es/pelicula-critica-sentido-y-sensibilidad/
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Liga de la Justicia
Liga de la Justicia (2017)
  • 5,6
    18.923
  • Estados Unidos Zack Snyder
  • Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, ...
8
Crítica de Liga de la Justicia por Cinemagavia
Tras de la muerte de Superman (Henry Cavill), como vimos en el polémico desenlace de “Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia“, y de que el mundo entero entrara en depresión, Bruce Wayne (Ben Affleck) ante una terrible amenaza que puede destruir toda la vida en la tierra, decide recuperar su fe en la humanidad y llama a sus “amigos”, comenzando por Diana Prince (Gal Gadot). Con ella a bordo, se dan a la tarea de reunir a otros metahumanos para formar un equipo y así encuentran a Aquaman, bajo el nombre de Arthur Curry (Jason Momoa), y a Cyborg, Victor Stone (Ray Fisher), un joven que se ha dado por muerto y después materialmente se topan con Barry Allen (Ezra Miller) que no es otro más que The Flash. Todos juntos se deben enfrentar a un poderoso villano: Steppenwolf, quien quiere sumir al planeta en un caos de proporciones monstruosas. Este será el punto de partida de Liga de la Justicia, la nueva película del director Zack Snyder

Tal vez lo más divertido en torno a Liga de la Justicia es todo lo que sucedió antes de que viera la luz, como todos los sitios de noticias apuntaron durante el año, la cinta debió lidiar con múltiples retrasos y arduos procesos en la producción desde compromisos de los actores principales en otras películas hasta detalles tan increíbles como el bigotazo de Henry Cavill. Henry estaba en secuencia en otra película por la que, según lo que dicen varios sitios de noticias del espectáculo, tenía estipulado por contrato que debía tener y conservar el bigote.

Dicho que las producciones coincidieron en tiempo Henry no podía rasurarse y las primeras tomas de su participación eran un “Superman Bigotudo” esperando que la post producción arreglara el desastre. Así también se menciono en varios artículos (e incluso se llegaron a postear fotos) de Henry usando el traje negro de Superman en lugar del tradicional azul, que si con cabello largo que si con barba, la presencia de Henry Cavill fue todo una odisea de cambios de look . Si a eso aunamos a los problemas con el director los líos en la producción fueron titánicos, dignos de ser resueltos por la Liga de la Justicia entera.

Para colmo de males Ezra Miller, quien protagoniza a Flash, se vio envuelto en los comentarios de la prensa rosa cuando abrió al mundo el arcón de sus preferencias sexuales. Ben Affleck tampoco permaneció fuera del ojo del huracán pues los rumores de que tal vez sean las últimas veces que use el traje del murciélago comenzaron a fluir y para terminar las cosas, la historia no daba mucho para lucir a los personajes.

Director cambiado, muchos dólares perdidos y escenas refilmadas, al fin llega a las pantallas y el resultado es honestamente decepcionante.

La trama es deshilvanada y el peso del villano es absolutamente intrascendente como para forzar a los superhéroes a desplegar su poder. Los perfiles de los personajes se recargan obviamente en “cómo echamos de menos a Superman” y se da con toda la intención del mundo el mayor tiempo posible en pantalla a la Mujer Maravilla que diera el trancazo con las taquillas en el verano. Gadot es magnífica en pantalla, conquista y no hay ojo que se le despegue; pero su acción aquí es limitada por la pobreza de la trama.

Batman después de su locura temporal en Batman contra Superman parece el niño regañado al que no le queda más que tratar de componer el daño que causó, y qué mejor que ver cómo le hace para invocar a Superman.

Cyborg (Fisher) carece por completo de línea en la película podría estar o no estar y su efecto sería completamente el mismo. Victor Curry (aliasAquaman) (Momoa) da la impresión de que entró al equipo más que por ganas, para servir de enlace para llevar fans a su película en solitario; pero la presentación de su mundo submarino es tan débil que ninguno de sus amigos “bajo del mar” se recuerda al final de la película.

Aunque considerando todas las adversidades que debieron transitar, se explica que hay que bajar los estándares de expectativas cinematográficas, sí es obligado decir que técnicamente los efectos especiales (que son muchos) son burdos, sobre todo considerando que acabamos el verano, la época donde se ven más efectos especiales en el cine.

Caramba, como para cerrar esperaría uno algo un poco más “elaborado”. La producción final pareciera que lo que quería era acabar como diera lugar y que las cantidades de recursos ya se habían gastado en las primeras versiones para llegar al grado de que por ejemplo, las pelucas de algunos personajes sean una de las grandes incógnitas de la película, nadie tenía un cepillo a la mano o qué pasó?

Dejando esas obviedades al lado, se entiende que la meta será conquistar al público infantil y juvenil que en general no exige demasiado en estos renglones de guión y producción, tiene suficientes explosiones y peleas como para complacer a las masas.

Sin embargo no todo es malo. DC presenta a su equipo triunfador, sus cartas fuertes, que han logrado audiencias a lo largo de los años y que era una reunión esperada como la de sus competidores en Marvel, siempre reunir a los super héroes es una buena jugada y aprender que pueden dejar a un lado un poco de la oscuridad y seriedad de las cintas anteriores para incorporar algo de sentido del humor siempre se agradecerá.

Recursos tienen porque la formación de los nuevos protagonistas esta en ciernes, así que Flash y Aquaman se encargan de propiciar los momentos de alivio cómico, eso está bien. Y para cereza del pastel debes esperar a ver la escena después de los créditos que realmente deja con la idea de que la nueva cinta puede mejorar si se organizan un poquito.

La situación más relevante es que después de Wonder Woman las expectativas sobre esta Liga eran muy altas, parecía que el camino penoso de DC se había limpiado, borrando el desacierto de Batman contra Superman.....
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Crítica escrita por Fabian Quezada Leon
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7 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Punisher (Serie de TV)
The Punisher (Serie de TV) (2017)
  • 7,2
    5.959
  • Estados Unidos Steve Lightfoot (Creator), Andy Goddard, ...
  • Jon Bernthal, Ben Barnes, Ebon Moss-Bachrach, Amber Rose Revah, ...
8
Crítica de The Punisher por Cinemagavia
Frank Castle/the Punisher (Jon Bernthal) de quien viéramos su debut dentro del universo Marvel en la segunda temporada de Daredevil es un personaje creado por Gerry Conway, John Romita Sr. y Ross Andru en 1974 y básicamente su saga trata de la historia de un ex marine que ha pasado por un traumático trance en el que ha visto morir asesinada a su familia como consecuencia del abuso de poder de un importante funcionario del gobierno. Desde entonces, Frank ha “muerto para le mundo”. Desesperado por encontrar respuestas y vengarse de todos aquellos involucrados comienza a rastrear a un escurridizo hacker: David Lieberman (Ebon Moss-Bachrach) que se hace llamar Micro y que también carga con un tortuoso pasado que al final de cuentas los va a hacer acercarse. Como si sus problemas no fueran suficientes, la agente de Seguridad Nacional Dinah Madani (Amber Rose Revah) les sigue la pista muy de cerca. En un giro del destino los caminos de todos se cruzaran en una peligrosa intersección.

La historia de Marvel, que ya había visto sus encarnaciones en pantalla grande, ahora encuentra una interesante plataforma para lanzarse con todo. La trama del antihéroe vengador que viene a saldar cuentas, se hace una realidad con la perfecta selección de Bernthal para el rol principal. Bernthal posee todos los matices que van desde el asesino despiadado hasta el hombre profundamente atormentado y melancólico, la quintaescencia de lo que Punisher es.

Pero vamos por partes, Punisher tiene todos los ingredientes del perfil de personaje de Marvel, no es un super héroe porque no tiene superpoderes, sin embargo el corte de solitario, atormentado, violento, letal, con un caustico sentido del humor, sobreviviente de la ira del destino y además experto marine, le dan la altura para colocarlo con en el panteón de los paladines oscuros.

Frank es el protagonista multi dimensional pero siempre marcado por la violencia, que constantemente es puesto al límite de las decisiones y de las situaciones, donde de vez en vez el conflicto se hace más grande porque Frank cede a sus impulsos éticos en lugar de arremeter a sus enemigos con ira salvaje y exterminadora. Es un solitario por antonomasia que desea profundamente tener una vida común, esa es su tentación más fuerte para desviarse de su objetivo: añora a su familia hasta el extremo pero encima de eso debe exterminar a todos aquellos que le hicieron daño.

En esencia, de entrada se podría catalogar a Punisher como una serie más donde la violencia y los caminos tortuosos explotan en varias direcciones; pero he aquí que la precisa selección del protagónico y la fuerza de la trama escrita dan el toque distintivo. Steve Lightfoot mantiene la línea estructural de la historia centrada en pocos personajes y se pone atención en ir complicando la trama dando giros para apretar las pinzas del asunto relacionado al protagónico. Las tramas alternas se desarrollan sin molestar a la historia central, corren de forma tal que no resulta difícil ver que eventuales entrecruzamientos sucedan de un momento a otro, de este modo no parece una situación forzada sino una maligna obra del destino que juega implacable con los personajes. Frank lleva el peso central pero sus co protagónicos apuntalan perfectamente toda la historia.

Alrededor de ellos también se enlazan varias situaciones que colocan la historia en un contexto actual, la presencia de corrupción en el sistema, de guerras en medio oriente, de tratos entre los poderosos para librarse de cargas indeseadas, y la puesta en extremo de las malentendidas libertades y garantías norteamericanas, aunados a un aspecto punzante en la sociedad estadounidense; la presencia y existencia de los veteranos; esos seres que conforman casi una tribu social de desplazados, con una relación complicada con las riendas del poder por el cual dieron todo lo que pudieron por defenderlo.

Después del primer episodio en el que comienza con la infaltable escalada de violencia flash backs sangrientos y venganza, vamos conociendo a los que rodean la trama, una agente de ascendencia Persa/norteamericana que está profundamente dedicada a resolver un caso donde un aliado fuera asesinado, un personaje de apoyo para el protagonista: “Micro”, que puede ser una pieza clave para Frank, su mejor amigo, Curtis (Jason R. Moore) quien cree que Frank murió hace años y que tras regresar de la guerra dirige un grupo de “ayuda terapéutica para veteranos” su segundo mejor amigo Billy Russo (Ben Barnes) y finalmente su enemigo Rawlins (Paul Schulze) quien se mueve en las sobras del poder y que orquestó toda la desgracia de Frank.

El guion demuestra que puede manejar la saga de violencia y aventura pero también dar profundidad a los caracteres de los personajes. La extraña relación de amistad entre Micro y Frank es solo la punta del iceberg de todas las coincidencias que suceden en el extraño mundo que se mueve alrededor de Frank Castle y como estas mismas van a irse desarrollando para en efecto, complicar más las cosas.

Los puntos malos es que para profundizar la herida de Frank se dejan espacios de introspección que al compararlos con la acción pueden hacer que se perciba como un rompe ritmo y que cueste un poco sentir que ya empezó. Lo otro es que el villano no actúa lo suficiente lo que impulsa la trama es las consecuencias de lo que “ya pasó en Kandahar” pero las maldades del principal villano no se dejan sentir.

Aunque ya que va tomando curso el drama y las tensiones se incrementan para ir descubriendo nuevos engaños y disputas en medio de intensas secuencias de violencia gráfica.......
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Escrito por Fabian Quezada Leon
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13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
El autor
El autor (2017)
  • 6,4
    10.921
  • España Manuel Martín Cuenca
  • Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre, Adelfa Calvo, María León, ...
8
Crítica de El Autor por Cinemagavia
El Autor, basada en la primera novela de Javier Cercas, “El Móvil”, está dirigida por Manuel Martín Cuenca, y cuenta con Javier Gutiérrez, como protagonista, junto a María León y Antonio de la Torre, los mexicanos Adriana Paz y Tenoch Huerta y la malagueña Adelfa Calvo. Llega a las carteleras de cine españolas tras su participación en la Sección Oficial del reciente Festival de Cine de San Sebastián y recibir el prestigioso Premio Fipresci en el pasado Festival de Toronto. Además, El Autor ha sido seleccionada en el World Cinema del Festival de Busan, en Corea del Sur, considerado el festival más importante de Asia.

A la hora de hacer una crítica, es complicado encontrar las palabras que expresen exactamente lo que quieres decir sin dar lugar a dobles lecturas. Y el duro proceso de encontrar esas palabras lo que refleja El Autor, lo fundamental que es a la hora de poner en pie un proyecto, que cada personaje tenga un habla veraz, auténtica. Una forma de hablar ligada a su pasado, que represente su presente, y que no se limiten a ser unas frases en la boca de un actor o de una actriz recitadas con mayor o menor credibilidad. Porque es el objetivo principal de una película, que el espectador se olvide de que es una representación y crea que lo que está viendo es real.

El guion es el pilar de toda película, sin un buen guion no puede haber una buena película. El Autor cuenta con ese buen guion. Un guion mimado, cuidado, en el que no hay una palabra o una coma fuera de lugar, todo está donde debe estar. Es decir, donde estaría si fuese real. No existe ninguna fisura, ningún descuido… en definitiva, es un guion redondo.

Es complicado atribuirle un género cinematográfico a la película. Si tuviésemos que compararla con alguna película, sería una mezcla entre “La ventana indiscreta” de Hitchcock y “La Mejor Oferta” de Giuseppe Tornatore. Pero compararla no hace justicia, porque es una película única.

Otro de los discursos que sostiene la película es que la vida de uno mismo siempre es dura, pero si se ve desde fuera, todos tenemos episodios o personajes alrededor que nos hacen reír. Ir a ver esta cinta con la predisposición de ver una película de humor es un error, ya que no lo es. Es una película que retrata la vida de un hombre, con todos los momentos divertidos que esta pueda tener, pero sin buscar la risa a través chiste fácil. Un humor como el de Almodóvar en “Volver” o como el de Guillermo Fesser en “Cándida”. Justo cuando parecía que el humor español estaba encajado en tópicos sobre andaluces y chistes de cromañón, llega El Autor, con humor que no se podría definir con otra palabra que no sea “puro”.

Pero ese mimo se ha aplicado a todos los aspectos de la película, porque para sostenerla, es necesario un increíble elenco actoral. Todos y cada uno de los actores están brillantes en sus actuaciones. Pero la actuación de Javier Gutiérrez en particular es soberbia. Ya en “La Isla Mínima” nos demostró que es capaz de encarnar papeles dramáticos y alejarse de esos papeles cómicos con los que se dio a conocer (aunque en está cinta aparezca cierta vis cómica). Con El Autor se vuelve a postular como candidato para llevarse a casa el que sería su segundo premio Goya.

En definitiva: una película hecha con muchísimo cariño a la propia cinta y al mundo de contar historias, una de esas imprescindibles.

¿Lo mejor? Una magnífica actuación de Javier Gutiérrez. Y la crítica de Antonio de la Torre a esa extraña manía de poner a personajes de obras españolas, nombres en inglés.

¿Lo peor? Por ponerle alguna pega, la música.

Escrito por Juan Anselmo Rodilla

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6 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
La reina Victoria y Abdul
La reina Victoria y Abdul (2017)
  • 6,0
    2.427
  • Reino Unido Stephen Frears
  • Judi Dench, Ali Fazal, Stephen Graham, Adeel Akhtar, ...
7
Crítica de La Reina Victoria y Abdul por Cinemagavia
Stephen Frears dirige La Reina Victoria y Abdul, una fábula de amistad y apertura dada entre la monarca y (un tal vez no tan inocente pero sí muy estimable) súbdito y al tiempo pone en manifiesto varios asuntos importantes, la carga de una corona, lo abrumante de la agenda y el protocolo y desde luego todos los matices de lo que la discriminación y la ambición pueden abarcar. La Reina Victoria y Abdul está escrita por Lee Hall (“Billy Elliot”) y basada en el libro de Shrabani Basu: “Victoria y Abdul: La historia verdadera del confidente más cercano de la reina” relata las cosas “casi como sucedieron” y se dejan ver los entreverados de la tenebra de la intriga palaciega y lo completamente solo que puede estar quien sea que ostente un puesto de alta jerarquía.

Son los últimos días del largo reinado de su majestad la Reina Victoria. La monarca podrá estar en sus 80 y tantos, ser como ella misma lo dice: malhumorada, ambiciosa, gorda y tal vez desagradablemente adicta al poder, pero no está loca! Al contrario, conserva toda la fuerza y determinación que la han hecho una figura que marcó una época.

Emperatriz de medio mundo, Victoria vive sometida a las rígidas reglas del protocolo que su cargo le demanda y en ocasión del jubileo de 1887, celebrando sus cincuenta años en el trono, la colonia inglesa en la India decidió mandar a Inglaterra a dos súbditos: Mohammed (Adeel Akhtar) y Abdul Kareem (Ali Fazal ) para entregar a la reina una moneda conmemorativa.

Los dos elegidos arriban desde la India a Londres para cumplir la encomienda. Ceñidos por el riguroso protocolo desean llevar a cabo su misión y regresar a casa, pero Abdul “burla las reglas” de no mirar directamente a los ojos a la soberana, desde ahí surge entre ellos una amistad que desafiará todos los pronósticos y que marcará definitivamente la figura majestuosa de Victoria.

Judi Dench repite con maestría la encarnación de la célebre reina inglesa tras de haberla representado veinte años atrás en la cinta “Mrs. Brown”, donde nos entregó un pasaje íntimo en la vida de la soberana. Dench conjunta a la perfección el carácter, la presencia y la gracia de una reina y por ello su actuación como Victoria le valió su primera de muchas nominaciones al Oscar.

Dench es una figura mítica como Victoria, así que el reto para compartir protagonismo con ella debe ser una prueba gigantesca para cualquiera, pero Fazal lleva a cabo la tarea con la ligereza y astucia que Abdul requería, es seductor, simpático, pero tiene un dejo de sinvergüenza.

El guionista Lee Hall muestra de una manera directa todos los cánones que marcan el espíritu inglés victoriano, la fidelidad a las reglas de protocolo, el manejo de la política, el humor y las costumbres netamente británicos, con pinceladas agudas y elegantes, como cuando ante una queja sobre lo rasposo de la ropa en Escocia, Victoria responde que “en Escocia todo raspa”. Hall va dejando ver la imagen más pura de la monarquía destilada a lo largo de la película.

Sin embargo Victoria aún siendo la máxima figura de poder había envejecido, estaba presa de su propio cargo y linaje y debía de vivir siempre desconfiando de todos los que le rodeaban, expuesta a ser devorada hasta por su propio hijo que esperaba impaciente el trono.

A la llegada y súbita popularidad de Abdul era obvio que el círculo inmediato de la reina se estremecería, comenzando por el primer ministro: Lord Salisbury (Michael Gambon), la Baronesa Churchill (Olivia Williams) y el médico particular de la reina; el Dr. Reid, (Paul Higgins) además del príncipe heredero “Bertie” (Eddie Izzard) todos temblando ante los súbitos privilegios que el sirviente estaba ganando por su cercanía con la reina.

Para presentar el comienzo de la relación entre Victoria y Abdul se elige un pomposo banquete donde su majestad, harta de tanta presión, se esfuerza todo lo que puede por acabar el suplicio lo antes posible, pero en esa cena las miradas del súbdito y la soberana se cruzan, gesto que no pasa desapercibido para ella. A partir de ahí Victoria lo llama para su servicio personal y la cercanía y el intercambio de culturas comienzan a tejer su magia al estilo del hechizo de las sagas orientales… para fascinación de Victoria, aunque Abdul no revela al cien por ciento su verdad a la reina.

La relación en la vida real de Victoria con su Munshi fue “borrada” de los anales de la casa real y no fue hasta hace poco que se descubrió al mundo, en parte por los cuadernos de la propia soberana escritos en urdu.

Lo seductor de esta relación es la manera en la que él se acerca a su Majestad y en una manera inocente la va seduciendo, le contagia su fascinación por su cultura, sus tradiciones, su lengua: el Urdu y … el Corán.

Victoria se deslumbra porque ese hombre, un sirviente venido del confín de la tierra y del cual ella es soberana, no la ve como un monstruo de poder, sino como una mujer terriblemente abrumada y sola.

El sentido de mostrar la esencia de la amistad platónica entre un hombre joven y la reina en sus últimos años va reforzando los lazos sentimentales de la película para poner en perspectiva los planos en los que cada uno ve la vida y las extenuantes confrontaciones que representa “el deber real” hasta el grado de no encontrarle una justificación aparente y es ahí cuando la verdad sale del sitio menos esperado para dar la respuesta a Victoria, cuando ella cuestiona el porqué de sus obligaciones de soberana, Abdul le responde simplemente que está ahí para servir.

La relación entre ambos es mucho más allá de la simple empatía, es una complicidad, al grado tal que va a afrontar duras pruebas que la pondrán a prueba, (como sucede con las relaciones de cualquier par de amigos) y ante las cuales solamente aplicando el criterio y ejerciendo el perdón se puede triunfar y salir aún más fortalecido.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Asesinato en el Orient Express
Asesinato en el Orient Express (2017)
  • 5,8
    18.845
  • Estados Unidos Kenneth Branagh
  • Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, ...
7
Crítica de Asesinato en el Orient Express por Cinemagavia
Basado en la novela clásica de Agatha Christie (1934) y en la adaptación realizada por Sidney Lumet (1974), Kenneth Branagh se lanza a dirigir y actuar en Asesinato en el Orient Express para presentarnos a un magnífico reparto: Johnny Deep, Penélope Cruz, Michelle Pfeiffer, Judi Dench, Willem DaFoe, en lujosas locaciones y cuidado diseño de producción. El nombre de Hercules Poirot es una referencia obligada cuando se piensa en grandes detectives legendarios engendrados en la literatura y este relato nos presenta una de sus más elogiadas investigaciones. Producto de la creatividad de Agatha Christie.
El famosísimo Hercule (Branagh) y su bigote legendario han pasado unos días en Jerusalén, donde Poirot ha resuelto uno más de sus casos; el robo de una reliquia y del cual son sospechosos un Sacerdote, un Rabino y un Imán.

Observador y previsor, Hercule como siempre ha dado en el clavo y desenmascara al culpable. Invitado por un amigo y pensando ingenuamente que va a tener unos días de descanso, Hercule se embarca de último momento en el lujosísimo Expreso de Oriente, en el cual va una exótica variedad de pasajeros unidos secretamente por un terrible y oscuro pasado. Nadie sospecha que a bordo, entre ellos, va un asesino que representará todo un rompecabezas para que el afamado detective lo resuelva antes de que tal vez se cometa un nuevo crimen.

Branagh demuestra que es un talentoso actor y que el carácter suspicaz y agudo de Poirot le sientan de maravilla. Dirige la obra, que implica amplias restricciones dado la arena cerrada en la que se desarrolla y deja que el personaje y su punzante intelecto se encarguen del resto.

Obvio, la novela de Christie es un enorme clásico y su pluma desarrolló a un icono de las novelas de crimen y detectives, y esta versión es de una exquisita factura, pero también es cierto que el género detectivesco (a la manera clásica) se ha quedado ya un poco “estático” si lo comparamos con el ritmo de la gramática visual moderna.

La trama de Asesinato en el Orient Express requiere tiempo para ir desarrollando los hechos y haciendo análisis, meditando, deduciendo, volviéndose eventualmente sobre los pasos para desmenuzar a profundidad, (elemento muy poco usado en la actualidad) y que al momento de la narración pesa sobre la fluidez de la cinta para un público más acostumbrado a la acción estilo ametralladora. La explicación para entender los motivos de las mentes criminales aquí no se presenta como un proceso fácil ni instantáneo. Esto restringirá de alguna manera la popularidad con el “grueso” del público.

Si se toma el precedente de la obra de Lumet, aunque el elenco de esta nueva versión es estelar, no llega al grado de luminaria arrasadora que conjuntaba la versión del 74, donde cada personaje era interpretado por una leyenda. Albert Finney como Poirot, Ingrid Bergman, Sean Connery, Vanessa Redgrave, Richard Widmark, Lauren Bacall, Anthony Perkins, Jacqueline Bisset, Michael York y Wendy Hiller son algunos de los nombres. Y ahí van a comenzar a brincar las comparaciones.

En cuanto a la trama, la llegada de los personajes a abordar el mítico tren es una parte importantísima, tanto para gozar del exquisito lujo y vestuario (De Alexandra Byrne) como para memorizar cada nombre y rostro, porque en el alud de pasajeros obviamente está el asesinado y el asesino. Pero son tantos, que un segundo perdido y el esquema de relaciones quedará confuso. Lo que queda muy claro es que todos tienen una segunda agenda entre manos, lo que los convierte de entrada en sospechosos.

Por eso ayuda remitirse a los prototipos que representan: Deep “El Gangster”, DaFoe “El Profesor” ,Pfeiffer “La viuda”, Cruz “La misionera”, Colman “La Sirvienta”, Dench “ La princesa Dragomiroff”, Ridley “La institutriz”, Gad “El Mayordomo” y Odom Jr. “El Doctor”. Cada uno tiene un breve tiempo en la trama y por ello demanda completa atención si se quiere jugar a las deducciones con Poirot, pero a nivel general todos los datos acaban por ser demasiada información y muchas vueltas para hacer hipótesis.

Al suceder un percance y efectuarse el asesinato, las cosas se encierran aún más pues todo el escenario disponible es dentro del tren con eventuales salidas al exterior en medio de la nieve y la nada. La acción física decrece mientras que el diálogo, la formulación de hipótesis, los interrogatorios y las situaciones tensas crecen, (como dicta el género literario) pero esto hace que el ritmo de la película sea demasiado introspectivo. Esto contrapuesto a la manera de contar cinematográficamente de hoy en día, que es mucho más acelerada, puede hacer que la parte media de la trama sea pesada al seguir a Poirot en sus interrogatorios con los “sospechosos”.

Un punto singular es el hecho de que siguiendo la moda de inclusión de Hollywood, se introduzcan en esta versión, adaptada por Michael Green, ciertas variaciones en los personajes para incluir un cartel de razas más “amplio”

Al final Asesinato en el Orient Express con todo lo que tiene a nivel de producción, de cinematografía, la presencia de Branagh y su tremendo bigote, no logra colocarse como un renacimiento de las cintas de detectives y en aras de ser leales al ritmo y marcos de la historia, se enfoca en el discurso deductivo pero queda baja en acción.

Tener tantos personajes también le provee de cierta dificultad de empatizar e inclusive de “identificar” quién es quién, y cuando se llega al último tercio de Asesinato en el Orient Express y se presentan las resoluciones, se quedan en el tintero otras muchas líneas que se dibujaron a lo largo de la trama, dando la sensación o de que se hará una continuación, (con Asesinato en el Nilo) o de que en realidad se tiraron líneas en el argumento que ni el mismísimo Poirot hubiera sido capaz de solucionar.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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4 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El fiel
El fiel (2017)
  • 5,2
    349
  • Bélgica Michaël R. Roskam
  • Matthias Schoenaerts, Adèle Exarchopoulos, Sam Louwyck, Stefaan Degand, ...
7
Crítica de El Fiel por Cinemagavia
Cuando la tragedia está presente desde tu infancia, Michaël R. Roskam, director de las películas "La Entrega" y "Bullehad", ha vuelto a apostar en El Fiel por la combinación de crimen, drama y romance, con la ayuda de los guionistas Thomas Bidegain, Noé Debré, Michaël R. Roskam y volviendo a a contar con la colaboración de Matthias Schoenaerts, actor presente en sus otros dos largometrajes.

El fiel comienza con un flashback de la vida de Gigi de pequeño, insinuando que sus decisiones del presente, estarán marcadas por sus vivencias del pasado. Gigi lleva una vida aparentemente normal, ocultando que en realidad es un gánster y un asesino. Llegando a involucrar a Bibi, piloto de coches, en su mentira, ocultándole a ella también su trabajo.

El film está dividido en tres actos, comienza primero desde el punto de vista de Gigi, mostrando el planteamiento de la historia: como conoce a Bibi, como se enamoran y como el trabajo de Gigi supone un gran problema para su relación.

La segunda parte, se centra más en los pensamientos y actos de Bibi, y es aquí cuando ésta intentará ayudar a Gigi, de forma inconsciente, para que deje sus negocios.

La última parte de la película supone el desenlace de la vida de ambos protagonistas, en ésta parte, vemos la desesperación y agonía que sufre Bibi, llegando incluso a ser arrastrada a la peligrosa y mala vida que rodea a Gigi.

La vida y el trabajo de Gigi se podría decir que representa el camino equivocado, como pueden unos actos no muy afortunados desembocar en una predecible tragedia, en cambio, para Gino, éste estilo de vida, le llena y le completa, como es en el caso de Bibi, sus carreras podría representar la sensación que le produce a Gigi sus negocios ilegales. Bibi representa el camino correcto, la constancia y esfuerzo por conseguir sus sueños mediante un trabajo duro, no siendo tentada por la vía fácil para hacer las cosas.

Tanto Matthias Schlendert como Adèle Exarchopoulos representan sus personajes de una forma muy creíble, además de transmitir al espectador esa conexión y química existente entre ambos, llegando a empatizar con la vida de estos.

En cuanto al montaje, me parece conveniente la división hecha en el film, debido a que la importancia de los personajes va cambiando y alternando en las diferentes etapas de la historia. El ritmo narrativo de El Fiel en ocasiones es algo lento, sobre todo en la última parte, haciéndose incluso algo pesado, quizás, por el intento de Michaël R. Roskam de querer conseguir enganchar al espectador y mantenerlo expectante y deseoso de saber como va a terminar la historia.

Las escenas que muestran los actos delictivos de Gigi son bastante sobrecogedoras y están muy bien planteadas. En esta ocasión, las imágenes son las que ganan, la trama adquiere mayor fuerza visual, acompañado de una gran banda sonora y dejando en un segundo plano al guion.

Michaël R. Roskam, de nuevo, ha querido introducirnos en una historia, ya popular para él, como es la mezcla de crimen y romance, donde la tragedia juega un papel principal, llegando a las vidas de los personajes, cuando ellos solo quieren vivir el deseo y el amor que sienten entre ambos.

El director muestra la perspectiva de una vida llena de desgracias y delincuencia, con otra donde la suerte ha jugado a su favor, chocando cuando ambos se encuentran, siendo arrastrados por la fatalidad y el drama.

Escrito por Sandra Gil Bermejo

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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Toc Toc
Toc Toc (2017)
  • 5,6
    8.860
  • España Vicente Villanueva
  • Paco León, Rossy de Palma, Alexandra Jiménez, Oscar Martínez, ...
4
Crítica de Toc Toc por Cinemagavia
La nueva adaptación de la archiconocida, y ampliamente representada, obra de teatro Toc Toc llega a nuestros cines acompañada por una buena dosis de humor y un reparto estelar entre el que destacan rostros tan conocidos como los de Paco León, Óscar Martínez, Rossy de Palma y Alexandra Jiménez, entre otros. Nuevamente, Vicente Villanueva (Nacida para ganar, Lo contrario al amor) apuesta por la comedia en esta maniática cinta, con cierto toque afrancesado, basada en el texto del dramaturgo francés Laurent Baffie.

Sin tiempo que perder, Toc Toc arranca con una breve y simpática presentación individual del elenco haciendo acto de sus manías; marcada por un montaje ligero que juega con tiempos y tiros de cámara y muestra el intento de desprendimiento de la pieza teatral. Tras estas pinceladas, los protagonistas irán confluyendo uno a uno en la consulta del doctor, donde que nadie más que ellos se presentan; hecho que les hará pensar en la posibilidad de una posible terapia de grupo en la que tendrán que unir fuerzas para combatir sus enfermedades.

Villanueva, que apuesta acertadamente en humanizar el largometraje, plasma unos personajes cuyos trastornos sólo han provocado su propio aislamiento del mundo. Es por ello que Toc Toc contacta tan gratamente con el público (al menos con el espectador medio); sin embargo, la cinta no encuentra la estabilidad intentando explotar la mina de oro, por lo que el intento queda superfluo. En este error también puede influir la calidad del sobrevalorado texto original. Todo esto, sumado a la escasa visión de un director que no sabe manejar los códigos, da lugar a un film convencional, predecible y redundante.

Otra de las sombras de Toc Toc es su desequilibrio formal, que perjudica gravemente al ritmo y al marco de la película; uno de los ejemplos claros es el abuso de los planos detalle, que deberían ser usados sólo para remarcar las manías de algunos personajes. En cuanto a la labor actoral, el conjunto transmite complicidad y moderación; aunque individualmente este barco haría aguas. A pesar de todo, el largometraje es una película de actores y, en líneas generales, todos cumplen su función.

Definitivamente, la película es una mera producción estándar, hueca e innecesaria. Si al menos consiguiese mantenernos enganchados todo el rato… Lamentablemente, es en su último tramo donde Toc Toc resulta más apaciguada (¿síndrome de Estocolmo?). Villanueva le pone empeño, pero sus largometrajes están lejos de su labor como cortometrajista. Una vez más, nos topamos con un film que le debe sus “grandes logros” a la fuente principal. Una vez vista, me temo que tendré que ir al psicólogo.

Escrito por Antonio Fuentes Belando
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6 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El guardián invisible
El guardián invisible (2017)
  • 5,7
    10.165
  • España Fernando González Molina
  • Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella, Itziar Aizpuru, ...
8
Crítica de El guardián Invisible. Película vs Novela por Cinemagavia
Película
El Guardián Invisible, ambientada en el valle del Baztán trata sobre los asesinatos rituales de unas jóvenes de la localidad de Elizondo, que aparecen muertas a la orilla del Baztán, y cuya investigación será encargada a la inspectora Amaia Salazar, nacida en ese mismo municipio, con un pasado del que lleva toda la vida huyendo, y que la atrapará de nuevo y se entremezclará con la investigación de los crímenes.

Dolores Redondo con sus palabras hizo un retrato casi fotográfico de los paisajes y bosques navarros, y aquí, junto con la lluvia y el río toman el protagonismo, de tal manera que se convierten en un personaje más de la trama, ya que los bosques, la lluvia incesante, que todo lo anega, que todo lo cala, y el río que fluye, limpia y purifica, son de alguna manera hilo conductor y parte imprescindible del argumento. La fotografía, realizada por Flavio Martínez Labiano es una parte importantísima de la cinta, realmente las imágenes de los bosques, y del río son espectaculares, así como el sonido hechizante del agua. Los saltos al pasado de la protagonista también están excelentemente tratados, ahí se nota un cuidado trabajo del encargado de montaje.

Aunque es una adaptación bastante fiel a la novela, exceptuando algún detalle, en la que el lector verá reflejados en la pantalla los escenarios tal y como se los había imaginado al leer la obra, a veces la historia no fluye como debería, quedando algunas escenas un poco inconexas, sin saber bien como se ha llegado ahí. Esto desluce algo una película, qué pese a este detalle, es un thriller con un excelente ritmo, que mantiene al espectador en tensión en todo momento; la protagonista realmente hace un trabajo excepcional, bordando el papel de inspectora tenaz de la policía, aparte de mujer atormentada por drama familiar, y los demás actores también ejecutan un excelente trabajo, consiguiéndose al final que la atmósfera inquietante llegue al espectador y le haga pasar un rato sobrecogido y entretenido.
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Novela
Un asesino implacable, unos bosques primigenios que desprenden un halo inquietante, los mitos y leyendas de un pueblo navarro y una inspectora de policía con un pasado encarnado en el valle del Baztán, constituyen los cuatro pilares fundamentales en los que se sustenta esta primera obra de Dolores Redondo perteneciente a la Trilogía del Baztán.

Como el propio nombre de la trilogía indica, esta novela de género negro, escrita con una prosa sencilla, pero con un ritmo trepidante, en la que los acontecimientos se irán sucediendo de una manera vertiginosa, con algunos saltos al pasado oculto de la protagonista, que serán vitales para la comprensión del desarrollo la obra, está ambientada en el valle del Baztán (pirineo navarro) protagonizada por la inspectora Salazar, de la policía foral de Navarra.

En la localidad navarra de Elizondo aparecerán los cuerpos de algunas jóvenes, con una puesta en escena similar, colocados de la misma forma cerca del río Baztán (uno de los afluentes del Bidasoa). Para la resolución de estos crímenes rituales Amaia Salazar, nacida en Elizondo, con un gran drama familiar arraizado precisamente allí, y que ya lucha con el sentimiento de pesar que le produce una maternidad que se le escapa, deberá utilizar todos los instrumentos que el sistema policial ponga a su alcance, pero sin dejar de lado los mitos y leyendas las que ella por su pasado ancestral está ligada.

Aquí se entrelazarán lo racional con lo irracional, el método de la policía con las costumbres arraigadas de un pueblo navarro; el análisis exhaustivo de cada prueba, de cada indicio, con las intuiciones de la protagonista, el odio contra natura de una madre despiadada con el amor por una nueva vida.

Una novela intrigante, una riqueza descriptiva casi fotográfica del territorio, y un profundo conocimiento de la investigación policial consiguen que el lector se imbuya en la trama intentando encontrar al asesino. La autora ha esgrimido con impresionante destreza unos hechos que magnetizan a los seres humanos desde el inicio de los tiempos. Al final de la novela se resolverán los crímenes que se plantean, pero quedarán flecos que se irán resolviendo a lo largo de las dos entregas siguientes de la trilogía.

El Guardián Invisible ha sido todo un éxito editorial que ha catapultado a la fama a Dolores Redondo, asimismo ha sido traducida a treinta idiomas, y, además, ha ocasionado un fenómeno turístico importante, ya que numerosos lectores acuden a recorrer los escenarios de la trilogía, en un llamado “turismo literario” sin precedentes en España; de hecho, en la página web de la escritora se pueden reservar las visitas guiadas.

En suma, una lectura sumamente recomendable para los amantes del género, y para los que gustan de ver recogidos en los libros los paisajes que les enamoran.

Escrito por Luz Nogues
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una razón para vivir
Una razón para vivir (2017)
  • 5,9
    658
  • Reino Unido Andy Serkis
  • Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, ...
6
Crítica de Una Razón para Vivir por Cinemagavia
Robin Cavendish (Andrew Garfield) es un despreocupado joven que se enamora perdidamente de Diana (Foy). Aún con las suspicacias de la familia de ella sobre su futuro deciden casarse y marcharse en un viaje esplendoroso a África. Tenían toda la vida por delante y Diana le da la noticia de que están esperando un bebé.

Repentinamente, a sus 28 años, Robin se enferma de polio y queda paralizado del cuello para abajo.

Sin escuchar los avisos sobre la inevitable y rápida muerte de Robin, y tras la frustración inicial, ambos deciden enfrentar esa situación para tener una vida juntos y ver crecer a su hijo.

De esa manera los Cavendish inician su aventura en la que además, apoyados por los hermanos de Diana, (Tom Hollander, haciendo papel de gemelos ayudado por la magia digital, lo cual sin duda fue una licencia poética de Serkis) y con la creatividad de Teddy Hall (Hugh Bonneville) implementarán una silla transportadora que ayudará a miles de pacientes paralizados por la polio.

A decir verdad, Una Razón para Vivir es el prototipo de la “feeling good movie”: los actores principales son bellos, las locaciones incomparables, el diseño de producción impecable y la fotografía es dulce; además el tema principal, (la lucha contra la adversidad y el desafío de las posibilidades humanas) es uno de los temáticas consentidas del público. Sí, no hay nada feo en toda la película, es cierto.

Lo que habría que apuntar es que Serkis es muchísimo mejor actor que director. Gracias a él la presencia y la vida de sus más famosos personajes han llenado la pantalla. Todos recordamos su impecable Gollum y su famoso “my precious”.

Sin embargo, acá no logra hacer proyectar por completo a su protagonista esa alma que trascienda la pantalla, lo cual es singular, porque el año pasado vimos a Andrew Garfield en “Hasta el Último Hombre” (Hacksaw Ridge) dirigido por Mel Gibson y su desempeño le valió una nominación a mejor actor protagónico.

Pareciera que las libertades y la enorme creatividad de Serkis, quien ha conseguido a pulso su renombre actoral protagonizando sin que aparezca su rostro real en pantalla en sus creaciones digitales, explotando al máximo su ilimitada capacidad de gesticular y moverse, se vieron demasiado tímidas y reservadas al momento de manejar a sus actores.

El contenido temático de Una Razón para Vivir, ya de por sí, dirige al espectador a la empatía ante la tragedia, y sin duda se espera poder paladear la influencia de Serkis en la actuación de Garfield (máxime si se basa fundamentalmente en sus reacciones faciales) pero eso no sucede en la medida que uno podría imaginar.

Garfield se esfuerza, porque casi toda la película solo puede actuar con su rostro, pero la trama no se inclina por los malos ratos, sino por los triunfos. Dando la impresión de que el objetivo de toda la historia es mantener los ojos húmedos por el legítimo sentimiento de compasión, (regalado por el tema) y dejando de música de fondo hacer vibrar la admiración por la determinación y la gran historia de amor que se presenta. No se tocan otras complicaciones, el dinero no es problema y todo parece resolverse mágicamente, todos los personajes enfrentan todos sus sin sabores armónicamente, casi todo el tiempo.

Obviamente se entiende que la película es un homenaje familiar hacia la figura de Robin Cavendish (El productor es su hijo) y está bien, pero en el trayecto se dejan sin respuesta varias incógnitas sobre la vida de los personajes para presentar solo lo “lindo” “lo sano”, “lo aséptico”. No hay casi lugar para los malos momentos.

Es cierto que Garfield y Foy (quien viene de hacer nada más y nada menos que a la mismísima Reina Isabel II en The Crown) lucen en pantalla, pero la vida de los Cavendish al momento que Robin se libera de la cama del hospital, se va a su casa y comienza a “vivir como cuadripléjico” debió de ser mucho más intensa, entre su relación personal y sus viajes, su empeño en contribuir al bienestar de los demás pacientes con polio y su vida familiar.

Con ello se hubieran podido explorar muchos de los resultados que el tener un enfermo de ese tipo en casa causa en los demás miembros de la familia, sin embargo acá eso es solo una pálida sombra.

Los personajes en la introducción se presentan de manera muy rápida y sin dar tiempo para profundizar en ellos. Luego sobreviene la tragedia de la enfermedad y la amenaza de muerte; pero una vez superados los primeros momentos siempre, el motor es “la adversidad se supera, se quiera o no”.

La enfermedad de Robin pasa de ser una tragedia a un vehículo para montar la historia de “ejemplo de vida”.

En efecto, Cavendish se las arregló para sobrevivir y “tener una vida”, ver crecer a su hijo, viajar, e incluso quedarse en la mitad de la nada en España e improvisar un campamento flamenco…

Al llegar al tercio final de Una Razón para Vivir hay un cambio de giro, en una rápida sucesión transcurren los años. Sin dejar la sensación de “bienestar” de lado, la trama se dirige al deseo de Robin de tener una muerte digna (ha sido el caso documentado más largo de vida prolongada por un respirador artificial)

De esta forma, en medio del intachable buen ambiente que se respira en sus vidas, Diana y su hijo deben acatar al final lo que Robin desea. Y de esa manera, siguiendo de una manera fiel las reglas de protocolo a la inglesa, la decisión de Cavendish se efectúa y en 1994 muere asistidamente.

Al final, Una Razón para Vivir se sostiene por su trama de “superación personal”, su marcado “feeling good” y un poco también por la utilización de “los momentos sensibles”, pero en definitiva esta razón para vivir es un tibio comienzo en la dirección para Serkis.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Feliz día de tu muerte
Feliz día de tu muerte (2017)
  • 5,5
    9.319
  • Estados Unidos Christopher Landon
  • Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, ...
7
Crítica de Feliz Día de tu Muerte por Cinemagavia
Tree (Rothe) es una estudiante universitaria en Bayview University. Es la estereotípica versión de la chica “fiestera, engreída y popular”, miembro de la realeza estudiantil en la fraternidad Kappa y como toda chica de ese estatus debe guardar las apariencias, o dicho de otra manera solo debe “enfiestarse con la especie social/popular que le corresponde” pero cuando justo el día de su cumpleaños, tras de una noche muy loca y alcohólica, despierta en el cuarto de Carter (Broussard) un desconocido de aspecto nerd, Tree escandalizada sale huyendo para regresar a “su vida”. Lo que Tree ignora es que esa fecha será “especial” pues será el día de su muerte. Lo que tampoco sabe es que revivirá una y otra y otra vez en el mismo día (y bajo las mismas circunstancias) hasta que logre dar con la identidad de su asesino.

Feliz Día de tu Muerte es el segundo film en este año sobre caprichosas abejas reinas de la popularidad que reviven una y otra vez, en una especie de homenaje macabro al “día de la marmota”. Primero tuvimos “Si no despierto” (Before I Fall) de la directora Ry Russo-Young en julio de este año y ahora ésta. Hay más de una similitud entre ambas, pero curiosamente aún con todo esto encima, resulta que Feliz Día de tu Muerte usa un sentido del humor un poco más negro y es definitivamente más festiva (con todo y los asesinatos) que “Si no despierto”.

Ambas protagonistas tienen nombres casi monosilábicos (Tree/Sam) ambas son presentadas como populares/malcriadas/pertenecientes a un grupo selecto, ambas vuelven a vivir una y otra vez su muerte y ambas deben encontrar la causa y enmendar sus errores, aunque con diferentes resultados. Ambas repiten una y otra vez el día y para no aburrirse hacen cosas extravagantes, ambas saben de la fecha por su celular, ambas se despiertan para ir a la escuela y asistir en la noche a una fiesta, ambas hacen bully, y en su ruta de revivir el día de su muerte, ambas recapacitan y hasta encuentran el amor. Ambas creen que han resuelto las causas de su muerte pero hay una sorpresilla guardada. Ambas ven morir en todas las arenas de posibilidades a otros seres cercanos a ellas. Ambas tienen un “novio equivocado” etc, etc, etc.

Una vez dicho esto, regresamos al principio. (Como el logo de Universal al principio de la película). Feliz Día de tu Muerte entra al escenario sin pretender más que ser una historia de asesinatos y slashers. Con universitarios involucrados

Ok, no es “Scream” pero tiene su ondita, sobre todo gracias a la protagonista (Rothe) que transita por todos los estadios emocionales y físicos para lograr terminar, materialmente, de re-vivir su muerte.

La presencia de un asesino enmascarado como bebé regordete y con un solo dientecito (que es mascota del equipo de la escuela) da el tono macabro para seguir las travesuras del asesino, que al final del día se las ingenia para cometer los crímenes sin importar el número de veces que Tree haya vivido y muerto.

De esta manera la muerte tiene su pequeña cajita de sorpresas en esta trama.

Además, conjuntamente al terror, Feliz Día de tu Muerte condimenta las diversas situaciones con humor muy negro, sin olvidar desde luego la lista de los “must” de toda película de asesinatos seriales: máscara, cuchillo descomunal, ambiente adolescente o universitario, malvadas reinas de popularidad, affaires ilícitos y fiestas salvajes donde a los “pecadores sexuales” se les castiga irremediablemente.

Y obvio, esconder al asesino en los lugares más oscuros e inusitados posibles para que en un segundo atraviese a sus víctimas y deje fluir la sangre por doquier. (Aunque hay que reconocer que aquí los asesinatos no son muy sangrientos).

La parte “novedosa” es el homenaje a atrapados en el tiempo ad infinitum (Homenaje descubierto sin pena alguna en un guiño de la misma película a “Hechizo en el tiempo o El día de la marmota, como se llamó en inglés”).

La anécdota real de la trama es muy pequeña pero las maneras de diversificarla a lo largo de los días en que se vuelve a vivir la abre a infinitas posibilidades, pero es precisamente en esas repeticiones que se dejan varios hilos sueltos. Y se cae en los dèjá vu (conste que en la película dan una exótica explicación a esto…).

Es evidente que al ser prioritario para Tree descubrir al asesino, se tenga claro que cualquiera podría haberla matado porque el personaje francamente es insoportable. De esta manera al hacer la lista de sospechosos, pareciera no tener fin, todos levantarían la mano para ser los primeros en turno para terminar con ella. Así que se cae en otra de las reglas de las cintas de asesinos seriales: no se puede confiar absolutamente en nadie.

Entonces Tree con meros fines detectivescos al principio, trata de cambiar el destino jugando a las probabilidades para dar con el asesino antes de que él de con ella. Bueno, su táctica no es muy efectiva para evitar su destino, pero sí para mostrarnos a los otros personajes e irlos descartando como asesinos en potencia.

Christopher Landon y su escritor Charles Lobdell (X-Men Comics) al tomarse y re-tomarse el día varias veces, tienen oportunidad de acelerar la acción pero al mismo tiempo de verla de diferentes ángulos e introducir pequeñas variaciones que van formando el resultado final. Obvio ya se sabe que va a pasar, es cierto. Pero también es cierto que las secuencias ya conocidas se pueden cambiar y con ello los resultados finales se transforman y eso va a servir para que Tree descubra finalmente al asesino.

Feliz Día de tu Muerte finalmente no es la originalidad hecha película, pero tiene todos los elementos para divertir, no se toma demasiado en serio a ella misma, Tree es asesinada una y otra vez hasta que consigue su final feliz y puede despertar sin remordimientos después del cumpleaños más mortal de su vida.

Escrito por Fabian Quezada Leon

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2 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Lovers
The Lovers (2017)
  • 5,5
    347
  • Estados Unidos Azazel Jacobs
  • Debra Winger, Tracy Letts, Tyler Ross, Aidan Gillen, ...
8
Crítica de The Lovers por Cinemagavia
La directora y guionista Azreal Jacobs en la película The Lovers parece dar respuesta a los lamentos dados por Rosanna Arquette en su documental Buscando a Debra Winger (2002), donde se preguntaba por qué la actriz dejó la profesión en el cénit de su carrera. Ahora Azreal Jacobs la devuelve a la pantalla grande, como protagonista absoluta junto a Tracy Letts, en una comedia romántica e ingeniosa sobre la relación de una pareja casada.

Obviamente los nuevos compañeros presionan a ambos para tomar de una manera total la decisión de “decirle al otro” que ese matrimonio se acabó. Cada uno lo medita y hacen sus planes… pero la intempestiva noticia de que su hijo Joel (Ross) va a pasar unos días a casa acompañado por su novia Erin (Sula) y el saber que el final de su matrimonio esta cerca, reviven entre ellos una súbita y ardiente pasión que termina por darle un giro completo a la relación.

Entrar a la cotidianidad desgastada de un matrimonio de años siempre es un asunto embarazoso. En The Lovers se explora de una manera cruel pero divertida, (por lo difícil que puede ser), el ser infiel con una relación alterna que ha durado varios años. Qué sucede en la mente del infiel? Qué lo hace regresar a su “hogar” donde ya no hay nada vivo? Y sobre todo, por qué no se opta por ninguna de las dos partes?

Hoy por hoy la mayoría podría pensar que la infidelidad es un asunto sobrevaluado, nos hemos acostumbrado a que al final “el ganador se lleva todo”. Pero no siempre es así, a veces el ganador no existe, ni se lleva nada aunque suba su apuesta.

Debra Winger regresa a la pantalla en esta comedia trágica, donde en medio de las cenizas se encuentra de repente con una partitura que marca las extrañas variaciones sobre un tema. En el des-concierto de la vida matrimonial hay silencios, estridencias y también ritmos ocultos. Pero sin duda lo intenso del planteamiento de esta cinta es cuánto puede pesar aquello de que: “nada es más apetecido que lo prohibido”.

Cuando entramos por separado a la intimidad de Michael y de Mary, la primera pregunta que nos asalta es por qué siguen juntos, si cada uno ya ha encontrado un “sustituto” desde hace tiempo? Dónde se les escapó la pasión y quedó la mera convivencia? La costumbre deviene en una indefinida zona de confort en donde lo mordaz es que ahí no existe confort alguno.

Jacobs escribe y dirige este cuento de tedio moderno con sobriedad, donde a cada paso la insatisfacción con lo que se tiene acecha desde muchos ángulos detrás de la “educación y las buenas maneras” y cobijada por la mentira.

Pero este drama no solo es un dueto, es un cuarteto en el que las voces de las parejas de Michael, Lucy (Walters) y de Mary; Robert (Guillen) también han tenido su propia “aria”: el saberse y vivir como “el otro” sin importar sus propios sentimientos, siempre a la espera de que sus caprichosas “medias naranjas” decidan su siguiente paso.

Y cuando precisamente la situación pide a gritos una definición, se introduce un elemento detonador, la llegada del hijo y que Michael y Mary deciden “firmemente” acabar con esa farsa.

Sorpresivamente verse sobre el vacío excita el deseo dormido y entre accidente y arrepentimiento recomienzan el juego de la pasión… pero la ruleta aún debe dar otras vueltas para definir el juego y declarar que “ya no hay lugar para más apuestas”… aparentemente.

Pero es precisamente ese detonante y esa situación que nos revela la verdadera alma de los protagonistas, son unos ludópatas de la infidelidad hasta la médula, ambos no pueden dejar de apostar y sin esa emoción sus vidas carecen de sentido.

Resulta evidente que antes de encontrar esa chispa a ninguno de los dos les importaba un comino lo que pasara en esa casa, fuera de las meras reglas de convivencia básicas (y casi ni esas)

Ambos son la representación viviente de “Y No me importa nada” (como diría una canción ochentera de Luz Casal) y es esa sutil pero fuerte línea la que sostiene todo el argumento, han llegado al punto de no retorno en el campo de la indiferencia, qué caso tendría romper algo que no tiene ningún valor? A quién le dolería? Ciertamente a ellos no, y tampoco a nosotros, que nos hemos convertido en sus cómplices. Sería un pase de página sin sabor.

Por eso el demonio de la tentación hace girar la ruleta de nuevo, hay un tapete liso para poner apuestas, pero ahora si hay algo por lo cual apostar, entonces independientemente de sus vidas paralelas, de sus parejas paralelas se enfrascan en el reencuentro para acabar en un camino sin salida (o tal vez la única salida) y la resolución es profundamente ruda, contundente, el todo por el todo.

The Lovers es Tan descarnada e inexplicable como el querer puede ser.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La gran enfermedad del amor
La gran enfermedad del amor (2017)
  • 6,5
    5.550
  • Estados Unidos Michael Showalter
  • Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, ...
7
Crítica de La Gran Enfermedad del Amor
Cuando tu familia es el principal inconveniente que te impide estar con la mujer que amas, Michael Showalter dirige La Gran Enfermedad del Amor una película romántica envuelta entre humor y drama, que destacará por su ingenioso guion escrito por Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani, donde la religión será una gran barrera que superar.

La Gran Enfermedad del Amor no se queda en una simple comedia romántica envuelta en un toque dramático, sino que va más allá.

Kumail Nanjiani, un conductor de Uber, conoce a Emily en una de sus actuaciones como cómico. Y aquí surge la magia, aunque la relación no se quiera definir desde un principio como algo serio, ambos irán conectando poco a poco.

Paralelo a la trama, encontramos la familia de Kumail, de origen pakistaní, cuyo deseo es llegar a cumplir las tradiciones de su religión con su único hijo soltero, Kumail, y encontrar a una mujer con quien poder establecer un matrimonio concertado.

Kumail, aunque esté presente en su familia, se encuentra mentalmente alejado de ésta, él no quiere seguir estrictamente las tradiciones que impone su religión, al contrario, él quiere a su país pero no entiende muchas de sus costumbres y constantemente son mencionadas, chocando con la cultura occidental que ofrece la vida de Emily y su familia.

Kumail lleva una doble vida respecto a su familia y Emily, ya que estos ignoran la postura que tienen el uno del otro, causando una crisis entre Kumail y Emily.

A partir de este momento se podría decir que finaliza una primera parte de la película: dos personas que se han enamorado pero las diferencias culturales entre ambos han superado cualquier amor que pudiera existir entre ellos dos.

De nuevo, Kumail y Emily vuelven a aparecer juntos en escena, pero esto se debe a la extraña enfermedad que sufre Emily, llevándola un coma inducido durante una larga temporada.

Kumail deberá pasar tiempo y enfrentarse a los padres de Emily, los cuales no estaban muy contentos con la actitud que había tenido Kumail con su hija.

En medio de la grave situación en la que los tres se encuentran, Kumail conocerá a una Emily completamente desconocida a través de las historias y anécdotas que sus padres le detallarán, haciendo que Kumail se enamore completamente de Emily.

A demás, éste descubrirá el tipo de relación que mantienen los padres de Emily con esta, ya que es completamente diferente en su caso. Esto le dará fuerza para enfrentarse a su familia y darle a conocer como realmente quiere vivir su vida y con quien quiere hacerlo.

El humor en La Gran Enfermedad del Amor es ingenioso, irónico y natural, nada de sobreactuado, dotando de credibilidad a la película, ya que es una historia que constantemente sucede en la realidad y esa mezcla de comedia y drama, ha tenido muy buen resultado, ya que en la vida real, estos dos géneros rodean e intensifican nuestras experiencias del día a día.

En el tema de la religión, hay un gran toque cómico, mostrando desde otra perspectiva las tradiciones tan marcadas, impuestas en la familia de Kumail. Éste constantemente hacer humor sobre su religión, de manera respetuosa pero más natural y menos estricta.

Los actores han hecho una excelente actuación, llegando a identificarte con algunos de ellos, ya sea por los sueños o expectativas que quieran conseguir, son personajes con carisma y cercanos, creando un vinculo con el espectador, haciéndole complice de las mentirijillas que Kumail utiliza con su familia, Emily y los padres de ésta para ocultar realmente quien es.

El director ha querido llevarnos a su terreno, pues aunque la temática es repetitiva, el guion ha jugado a favor, siendo brillante y ocurrente, cambiando totalmente una historia que ya hemos visto en contadas ocasiones sobre una pareja de enamorados enfrentados por diferentes culturas.

Escrito por Sandra Gil Bermejo

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11 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil