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Críticas de Cinemagavia
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Errementari (El herrero y el diablo)
Errementari (El herrero y el diablo) (2017)
  • 5,9
    2.963
  • España Paul Urkijo Alijo
  • Kandido Uranga, Eneko Sagardoy, Uma Bracaglia, Itziar Ituño, ...
8
Crítica de Errementari por Cinemagavia
Errementari. El Herrero y el Diablo, primer largometraje de Paul Urkijo y película apadrinada por Alex de la Iglesia, es una adaptación fantástica del cuento popular vasco “Patxi errementaria” con una visión mucho más madura, al fin de cuentas “Patxi errementaria” no es más que un cuento infantil. La película se presentó en el Festival de Sitges de 2017 y posteriormente fue galardonada con el premio del público a mejor película en el Festival de cine de San Sebastián.

A medida que me deleitaba con este maravilloso largometraje, me iba dando cuenta de la clara influencia de otro director vasco, Alex de la Iglesia, por lo que no me extraña ni lo más mínimo la apadrinación del mismo. Paul Urkijo ha conseguido adaptar este cuento infantil de una manera muy madura, aportándole ese aura terrorífica que tanto me gusta, toda una obra de ingeniería fotográfica. Quien diría que Errementari es el primer largometraje de este joven director, con la seriedad con la que la ha forjado y con lo satisfecho que nos ha dejado.

A pesar de la madurez del proyecto, Paul consigue meter chispas de humor mediante la maravillosa Itziar Ituño y esas escenas “macabras” típicas de Alex de la Iglesia. Porque, ¿a quien no le gusta ver a una niña torturar a un diablo con unos garbanzos? Todo un deleite imaginativo.

El la actuación de los protagonistas es excelente, los cuales logran ensombrecer a los secundarios, que dejan mucho que desear. La fotografía es probablemente el apartado más llamativo de la producción dándole el ambiente oscuro y tenebroso que necesita.

En Errementari, Eneko Sagardoy, Goya a mejor actor revelación 2018, cumple la función de fantasma. Mediante la proyección de la obra, en todo mi desconocimiento del reparto de la misma, no conseguí en ningún momento ver a este actor pero es en el final cuando se descubre su verdadero papel. El hecho me cogió por sorpresa y mi visión del personaje al que encarna cambió totalmente. Eneko Sagardoy encarna el papel de Sartael, el diablo, el antagonista de la proyección, es tal el trabajo de maquillaje que en ningún momento me di cuenta de quien era el actor que encarnaba a semejante individuo del averno.

Tanto Paul como el equipo de efectos especiales juegan con esta figura. Al comienzo de la producción se nos muestra a este personaje con una apariencia muy poco hostil, como un niño humano, durante la transformación se nos hace imposible saber quienes, ya sea por su apariencia, como por la magnífica actuación y juego de voz. Es al final, cuando Satael decide mostrarnos su versión humana cuando exclame ¡Hostia!

En cuanto me ofrecieron la posibilidad de ver Errementari, acepté sin duda. Desde muy pequeño me han contado la historia de Patxi el herrero, conozco la historia, sabia a lo que iba. El hecho de que en la carátula apareciese en grande el nombre de Alex de la Iglesia, no hizo más que incrementar las ganas que tenía de ver la película. Para mi sorpresa, Paul decide cambiar por completo la historia manteniendo a los personajes más importantes y un poco la trama original. A mi parecer, Paul ha creado una obra muy creativa, adaptando el cuento a un publico más maduro con una visión más original.

Para no destripar la trama os muestro un pequeño resumen del cuento popular, para cuando veáis la película vosotros mismos comprendáis los cambios realizados y las diferencias entre ambos: Patxi es un hombre malvado y el infierno decide mandar tres diablos para que Patxi pague por sus pecados. Este hombre, que era herrero, decide engañar a los demonios que vienen a secuestrarlo, y así consigue librarse. Tan malo fue, que en el momento de su muerte, el infierno no quiso abrirle las puertas por lo que hizo prueba en el cielo. Allí, San Pedro no quiso dejarle pasar, pero por suerte de Patxi, una anciana que pasaba por ahí, que lo conocía, convenció a San Pedro y este logró pasar.

Es necesario mencionar que en el cuento popular, en ningún momento se especifica la época en la que se desarrolla la trama. El paso de Paul por posicionar la historia de “Errementari” tras la Primera Guerra Carlista me parece de lo más inteligente. Da sentido ha conversaciones, se observa la clara influencia de la Iglesia vasca y su actuación en temas políticos. Así pues se nota la presencia de la derrota de los carlistas a manos de los liberales, representado en el ambiente hostil entre el personaje interpretado por Ramón Aguirre, Alfredo un enviado del gobierno, y los vecinos del pueblo.

Para ser el primer largometraje de Paul, Errementari consigue llegar a un nivel no esperado. En cierto modo, consigue plasmar la esencia del cuento popular cambiando completamente de historia. Resulta ser una proyección que no defrauda, con la que Paul nos demuestra que un hombre arrepentido es incluso más terrorífico que el propio Lucifer.

Escrito por Santiago Garayalde Jauregui
https://cinemagavia.es/errementari-pelicula-critica/
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14 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hilo invisible
El hilo invisible (2017)
  • 6,8
    12.289
  • Estados Unidos Paul Thomas Anderson
  • Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Richard Graham, ...
9
Crítica de El Hilo Invisible por Cinemagavia
Paul Thomas Anderson quien nos ha dado: “Boogie Nights” (1997), “Magnolia” (1999), “Embriagado de Amor” (2002) y “Petróleo Sangriento” (2007) nos entrega otro relato de personajes que viven intensos conflictos internos, con secretos que no simplemente se esconden en los pliegues de las creaciones de alta costura, sino en los rincones de sus almas. Anderson es tal vez el único que puede mezclar tantas texturas y líneas en una historia conjuntando el romance, el thriller, la alta costura, las fijaciones más oscuras y un estilo tan refinado como evocador, mientras los personajes desfilan en ambientes tan fríos como glamorosos y esto se condensa en un intoxicante aire que sin pudor transporta a un sitio tan exquisito como letal.

Reynolds Woodcock es la quitaescencia de la excentricidad creativa en el mundo de las grandes firmas de alta costura: es un artista, seductor, temperamental, caprichoso, casi insoportable y con singulares adicciones, entre las que destaca su peculiar manía de esconder mensajes secretos en las entretelas de sus cotizadas creaciones, mensajes ocultos en un monólogo solamente conocido por él, una firma secreta e indeleble que le da un alma particular a cada creación.

Su otra peculiaridad; es un Edipo de ojos brillantes, y secretamente es capaz de lo que sea, absolutamente de lo que sea, por satisfacer el impostergable capricho de no verse abandonado.

El Hilo Invisible al que se refiere el título no es simplemente una hebra invisible, es mucho más, es una hambrienta búsqueda por la satisfacción que al mismo tiempo, severa y represiva, antepone la insatisfacción y las buenas y diplomáticas maneras a la inglesa ante cualquier circunstancia.

El amor o lo que sea, (sin importar su urgencia de ser satisfecho) queda ahogado bajo el peso de la contención y los espejos distorsionantes de las apariencias, de manera que se convierte sutilmente en una obra maestra del crimen.

Lo mejor (y deliciosamente enfermo de todo) es que existen las más oscuras razones para justificar cada uno de los pasos.

Para completar la colección de personajes tan complejos como multidimensionales que buscan amor o lo que esté cercano a eso, Anderson devela la tendencia de su reciente temporada: amores confeccionados para ser portados en la pasarela de la vida por genios con fijaciones edípicas, incapaces de asentarse ni de comprometerse, que desechan a cada temporada (como cambiar el fondo de armario) a lo que les rodea, hasta que acaban atónitos enfrentándose a una tenacidad y vulgaridad propia del ready to wear que inunda y se fija en toda superficie y se impone como moda, incluida la del clausurado y recóndito concepto de amor que Reynolds posee como una obsesiva marca registrada.

Pero en esa pasarela emerge ruborizada y exótica una enigmática y cero sofisticada Alma (Krieps); tan ajena y singular como “la única mesera extranjera en un apartado hotel de un pueblo inglés hasta las cachas”.

Qué podría ser más exclusivo y casi extravagante? Una cosa conduce a la otra y esa fascinante atracción va a irse desbocando desde una incipiente, discreta y contenida lucha bajo la superficie, hasta vuelos que llegan donde solo quienes saben de esos hilos invisibles, conocen.

Alma llega a trastocar el perfecto y gélido ambiente en el reino de Woodcock; sin tener un terreno para sí misma, solo habiendo logrado un lacónico visto–bueno, sumergiéndose en medio de la opresiva relación de los hermanos y flirteando con las posibilidades.

Alma va contundentemente, en medio de su absoluta y frontal franqueza y aparente inocencia, ganando terreno, poseyendo el derecho propio a convertirse en una presencia real, con un sitio propio, por medio de la cual Reynolds pueda tal vez exorcizar sus demonios o vender su alma al diablo.

Además, Alma, es el espíritu que posee a Pigmalión; intercambiando fantasmas, dejándose subyugar por las formas entregándose toda y por completo a las demandas y palpando el placer de la sensualidad de las telas que se ciñen al cuerpo, (aunque estén unidas por alfileres) dentro de la casa Woodcock la dictadura del capricho, la dominación y los fantasmas que no pierden detalle conjuntan una forma de sumisión que forma un translúcido velo bordado con sadomasoquismo.

El Hilo Invisible que hilvana la historia es el sofocante y enfermo misterio que se va uniendo, que va provocando la urgencia de descubrirlo aún sabiendo que al dar la vuelta a la trama puede esperar una enorme sorpresa, pero no podemos parar, caemos en la impecable presencia de Day-Lewis que nunca deja de sorprender: quirúrgicamente perfecto, hecho a la medida, cortando un patrón desde la comedia a la tragedia, de la compulsión a la pasión y de esta a la obsesión letal, con accesorios de comedia o tragedia o una subversiva combinación de ambas; digno de una colección de esas que jamás dejarán de ser un referente.

El hilo fantasma que une al amor es un material tan sutil y dúctil que se transforma y adapta al cuerpo, a la obsesión y a la concepción de quien lo porta. Puede ser glorioso o puede envenenar, puede elevar y someter. Puede correr al mismo tiempo por la senda de la pasión y de la obsesión. Además, puede ser gloria o derrota… conquista o sumisión; pero siempre sin duda será la única fuerza invisible capaz de unir el cielo y el infierno de ese instante en el que se entregan quienes se aman.

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/el-hilo-invisible-pelicula-critica/
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
En la sombra
En la sombra (2017)
  • 6,6
    3.030
  • Alemania Fatih Akin
  • Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Brandhoff, Hanna Hilsdorf, ...
7
Crítica de En la Sombra por Cinemagavia
Puntuación: 6/5

Fatih Akin (“Al otro Lado”, “Contra la Pared”) abandona la comedia juvenil de su anterior largometraje, “Goodbye Berlin”, para ofrecer un retrato del odio y del racismo a través de la denuncia a un tema tan a la orden del día como es el terrorismo. La ira se convierte en el leitmotiv de En la Sombra y que arrastrará al personaje de una sobresaliente Diane Kruger a la violencia como respuesta de la violencia.

El largometraje, dividido en tres capítulos perfectamente diferenciados (Familia, Justicia y Mar), toma como punto de partida el terrorismo para profundizar en el dolor de una madre, Katja (Diane Kruger), que acaba de perder a su marido ex convicto y a su hijo. Mientras que el primer y más desmesurado acto expone el crimen y la ruptura vital que eso conlleva para un peculiar personaje principal, los dos últimos siguen de cerca los pasos de la justicia (ya sea por la vía legal o no) que concluirán en un desenlace que creará, cuanto menos, controversia para el espectador.

“Con la película me enfrenté a una dificultad, que era pintar los colores del dolor, entendiendo el dolor como conjunto de sentimientos que uno vive en diferentes etapas. Al ser padre de dos hijos pude meterme mejor en el personaje de Diane a la hora de crearlo”, declara el director sobre el proceso creativo al que se sometió mientras escribía el guion.

Coherente en su conjunto, pero desmedida e ilógica por momentos, En la Sombra evoluciona en el plano formal durante todo su visionado; ya sea mediante el apartado técnico o la puesta en escena (el paso de la lluvia y la oscuridad al caliente y brillante sol). Todo en el film está medido por unas pautas de dirección muy marcadas; de hecho, el propio director confesó que “desde siempre había querido hacer una película sobre el racismo en Alemania, pero necesitaba madurar hasta poder hacer esa película”.

Sin embargo, cuanto más avanza el visionado, más se pierde la visión del director y, claro, con reconocimientos como los Globos de Oro o Cannes a sus espaldas pues uno espera un resultado superior. Y es que el mayor fallo de la cinta, obviando algún agujero de guion, no es otro que su poca capacidad para profundizar en el relato, provocando que el espectador no consiga emocionarse con la película y hacerla parte de él.

Si hay algo que reivindicar de En la Sombra no es otra cosa que la interpretación de Diane Kruger que, por si acaso algún despistado no se había dado cuenta, demuestra su capacidad interpretativa con esta madre dispuesta a todo para llegar a calmar su angustia. “Diane aceptó rápidamente interpretar el papel una vez que le envié un tratamiento de la película y un documento detallado sobre su personaje. A partir de ahí, empecé a escribir pensando en ella para interpretarlo”, argumenta Akin.

La actriz alemana, que otorga una de las mayores interpretaciones de su carrera, sostiene todo un largometraje donde escasean los momentos en los que la cámara deja de perseguirla. Su personaje, falto de cobardía y víctima de un hecho atroz, caminará por la oscuridad con el fin de lograr su venganza.

En la Sombra consigue salir a flote pese a las carencias narrativas que convierten un profundo discurso intercultural en un drama familiar. El personaje de Kruger no es la única que sale perdiendo una vez visionada la cinta. A pesar de representar un contexto tan real, la absurdez hace acto de presencia en más de una ocasión.

Escrito por Antonio Fuentes Belando
https://cinemagavia.es/en-la-sombra-pelicula-critica/
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6 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Héroes en el infierno
Héroes en el infierno (2017)
  • 6,4
    1.952
  • Estados Unidos Joseph Kosinski
  • Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, James Badge Dale, ...
6
Crítica de Héroes en el infierno por Cinemagavia
Eric Marsh (Josh Brolin) es el jefe de una cuadrilla de hotshots (bomberos que combaten el fuego con fuego, talando árboles, cavando zanjas y creando cortafuegos para parar los incendios descontrolados, armados solamente con una pala, una sierra, y lanzallamas) municipal.

Paralelamente, Brendan McDonough (Miles Teller) un joven metido en problemas y con un bebé en camino, quiere reformarse y tener una profesión para ofrecer una vida digna a su hijo, y en una apuesta arriesgada dados sus antecedentes, Eric Marsh decide contratarle y darle una oportunidad.

Iremos viendo las vidas de los componentes del equipo, el cual, a la vez que se va profesionalizando a través del duro entrenamiento, va fraguando como grupo, creando unos lazos de amistad, sacrificio y redención, que los hará luchar como un solo hombre contra el fuego infernal.

Cuando consiguen la homologación de brigada forestal de élite, se enfrentarán cada vez a incendios más voraces, viajarán durante semanas lejos de sus familias, y estas, sufrirán en casa al saberlos continuamente en peligro, circunstancia que en algunos casos, pondrá en peligro las relaciones familiares.

El último incendio al que se enfrentarán será el de Yarnell Hill, voraz como pocos, y al que los héroes de Granite Mountain Hotshots atacarán sin preocuparse por sus vidas, intentando salvar de la devastación a la población civil.

“Supe” Eric Marsh, (Josh Brolin) es un hombre dedicado a su equipo, lo daría todo por cada miembro de su unidad, y tiene la ambición de llevar a una simple brigada municipal, a convertirse en una unidad de élite en el mundo de las brigadas forestales.

Someterá a durísimos entrenamientos a los componentes de su equipo, no solo para conseguir ser una brigada forestal, sino para rendir al 100 % a la hora de la verdad, cuando haya que batallar ante un incendio.

Asimismo, mantiene una relación muy especial con Brendan McDonough (Miles Teller) , un joven recluta, al que da una oportunidad de integrarse en el equipo, pese al pasado turbio del muchacho.

Esta dedicación por su trabajo le hará dejar un poco de lado a su esposa, y su matrimonio se resentirá.

Josh Brolin tuvo que perder 20 kg. para interpretar este personaje y someterse al duro entrenamiento al que le sometió el director, metiéndose de tal manera en su papel, que los demás actores le llamaban “Supe”, como el personaje que interpretaba.

Brendan McDonough (Miles Teller) es un chico metido en mil problemas, que decide enmendar su vida y solicita entrar en la brigada municipal de bomberos. Necesitará entrenarse a fondo para adquirir la forma física que tienen los demás profesionales, pero con constancia y tesón, lo conseguirá, y con el tiempo, y la ayuda del Jefe, será uno más de la cuadrilla.

Cuando la brigada obtenga la homologación como brigada forestal, y deba salir con el equipo durante semanas, se planteará si seguir en el equipo es algo conveniente para su familia.

Miles Teller ejecuta un trabajo brillante en esta película, dando gran protagonismo a la vida de un chaval que estaba muy perdido, sin autoestima y que sentía no encajar en ningún sitio. Eric Marsh y el resto del equipo le acogen y le dan una oportunidad y eso le cambiará la vida para siempre.

En el papel del jefe de bomberos Duane Steinbrink encontramos a Jeff Bridges.

Este invitó a su rancho de Santa Bárbara al Steinbrink real, se cortó el pelo como él, copió su ropa y se metió en el papel de forma increíble. Jeff el hombre americano por excelencia, y por eso, este papel le viene como anillo al dedo.

Jennifer Connelly interpreta a la mujer del “Supe” Eric Marsh. Es herradora de caballos profesional y gran amante de la naturaleza. Las largas ausencias de su marido, el vivir prácticamente sola, aunque comprende y respeta la profesión de su esposo, le harán plantearse seriamente su relación.

Y por último el Fuego en Héroes en el Infierno es un personaje principal más, que vive, siente, respira y se enoja. Muchas veces se le derrota, se le aplasta, pero otras, se cobrará su tributo en vidas humanas, sangre, sudor y lágrimas.

La verdad es que aunque en principio esta película trata sobre el drama ocurrido en el incendio de Yarnell Hill (Estados Unidos) donde 19 bomberos del Granite Mountain Hotshots del Departamento de Bomberos de Prescott, fueron rodeados trágicamente por el fuego, en realidad trata de mucho más.

Trata de las relaciones humanas, de la superación de una humilde brigada local, de la unidad y la camaradería de los componentes de la cuadrilla. También de la valentía de un grupo de hombres responsables, amantes de su trabajo y de la naturaleza, dispuestos a todos por salvar a sus semejantes.

Aunque Héroes en el Infierno esté basada en hechos reales, y pueda parecer en principio predecible, una película más americana grandiosa de incendios y efectos especiales, el tratamiento que se le da a las relaciones humanas y al modo de vida de una pequeña localidad, la hace diferenciarse del género de películas de grandes desastres de la naturaleza.

Se ha tratado con exquisita delicadeza las personalidades de los protagonistas de la historia real, y nos muestra como eran en realidad, héroes, personas, padres, compañeros, y esto es lo que hace grande y diferente a la película.

El tratamiento de la fotografía que le da el oscarizado por “La Vida de Pi”, Claudio Miranda, merece mención aparte. La fotografía es bellísima, es uno de los mejores elementos de la película. Hay una escena nocturna, iluminada con los faros de un coche, sencillamente maravillosa.

Héroes en el Infierno se salva del típico género de película en general por el cuidado y mimo con que está realizada, el impecable trabajo de todo el equipo en general, y la acertada fotografía.

Realmente es una película .....
........

Escrito por Mari Luz Nogués
https://cinemagavia.es/heroes-en-el-infierno-pelicula-critica/
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Winchester: La casa que construyeron los espíritus
Winchester: La casa que construyeron los espíritus (2018)
  • 4,5
    3.021
  • Australia Michael Spierig, Peter Spierig, ...
  • Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, ...
5
Crítica de Winchester por Cinemagavia
El miedo es uno de los sentimientos más personales que existen ya que no todos tenemos miedo a las mismas cosas. Las películas de terror suelen tener dos vertientes: una basada en fenómenos paranormales (en las que podemos creer o no según las experiencias que hayamos tenido cada uno en nuestras vidas) y otra vertiente basada en algo más terrenal como personas con psicopatías.

Cuando en una película sale el cartel de “Basada en hechos reales” ya es un aliciente que provoca que sienta más miedo por pensar que podría pasarme a mi. Sin embargo el cartel de “Inspirado en hechos reales” es una línea muy fina en la que no se puede creer del todo.

Al comienzo de Winchester sale el cartel diciendo que la película está inspirada en la historia de la viuda del inventor de los rifles Winchester, quien tuvo la casa en continuas obras hasta su muerte, creando habitaciones, pasillos y escaleras que no llevan a ninguna parte.

El fin de la película no es contar la historia de la viuda fidedignamente, sino crear momentos de miedo y de tensión, y conducir al espectador al susto (en algunos casos predecibles y anunciados por la música).

Para amantes del cine de terror, no es una película que nos ofrezca nada nuevo. Sin embargo es una película que cumple su objetivo de asustar en algunas ocasiones.

A favor de la película, diré, que aunque un poco diluido, tiene un discurso en contra de las armas bastante interesante.

¿Del 1 al X?

Demos un voto de confianza y partamos de que toda producción tenga un 10. Sin embargo, algunos aspectos negativos van restando y esa nota se queda en un…

-Los sustos marcados por la música (-2)

-Los elementos y el final fantasiosos, que a mi particularmente no me dan miedo, ya que temo más a la realidad. (-2)

-Cae en elementos tópicos de películas de terror, como los juguetes, los niños, incluso en niño con saco en la cabeza como en “El Orfanato” (Juan Antonio Bayona, 2007). (-1)

Conclusión, si quieres pasar un mal rato con amigos, es válida. Sin embargo no es una película que recordarás ni para bien ni para mal.

Nota: 10-5= 5

Escrito por Juan Anselmo Rodilla
https://cinemagavia.es/winchester-pelicula-critica/
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22 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
La enfermedad del domingo
La enfermedad del domingo (2018)
  • 6,6
    2.670
  • España Ramón Salazar
  • Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, ...
5
Crítica de la Enfermedad del Domingo por Cinemagavia
El silencio es un arma de doble filo que dependiendo de cómo la usemos, provoca un impacto u otro. Puede jugar a nuestro favor diciendo más que las palabras, o en nuestra contra, precisamente por no haber dicho nada.

Lo mismo ocurre en el cine, pero con una salvedad: en la vida real, podemos llegar a saber qué significa un silencio (para bien o para mal), pero en una película de escasa hora y media, si lo único que tenemos son silencios, no tenemos nada.

La Enfermedad del Domingo es una película en la que el silencio es el elemento predominante. Existen grandes películas con esta características como “El Renacido” (Alejandro González Iñárritu, 2015) o “ Los Santos Inocentes” (Mario Camus, 1984), sin embargo en este caso el arma se vuelve contra la película haciendo que no sintamos nada, ni empatía, ni pena con una trama que verdaderamente es muy triste.

En unos temas se desarrolla muy lentamente y en otros puntos muy precipitadamente, el tiempo no es claro a pesar de ser una película en la que deberíamos estar situados en todo momento. Además no se llega a entender por qué los personajes actúan de una determinada manera y se dejan tramas empezadas sin concluir.

Algo que hace mucho más llevadera la película y la espera entre diálogos, es la fotografía en la que se recrea, dando un resultado espectacular en todos y cada uno de los planos. Con una dirección artística a la altura así como el diseño de vestuario. Es posiblemente, la mejor fotografía que haya visto en una película española en los últimos años. Y muy original las transiciones entre escenas utilizando el sonido de cambio de diapositiva, que cobra un especial significado conforme se acerca el final del filme.

Otro gran acierto (por no decir el mejor) y que hace que la película se sostenga, es Susi Sánchez, que hace tan sencillo su papel (sin serlo), que parece que no esté interpretando.

No es una obra maestra ni sienta las bases de un nuevo cine, pero para amantes de la fotografía, aconsejo verla.

Escrito por Juan A. Rodilla
https://cinemagavia.es/la-enfermedad-del-domingo-pelicula-critica/
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20 de 34 usuarios han encontrado esta crítica útil
Todo el dinero del mundo
Todo el dinero del mundo (2017)
  • 6,2
    6.045
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Romain Duris, ...
8
Crítica en Todo el dinero del mundo por Cinemagavia
La trama está basada en uno de los secuestros más conocidos en los setentas, una década marcada entre otras cosas por esas situaciones y por los aerosecuestros. El guión está escrito por David Scarpa, basado en el libro de John Pearson: “Dolorosamente rico: la desorbitada fortuna y las desgracias de los herederos de J. Paul Getty”

Tras del caso de Getty, en 1974, otra multimillonaria heredera: Patricia Hearst era secuestrada y terminaba aliándose al grupo que la secuestrara el llamado “Ejército Simbiótico de Liberación Nacional”.

Después, en 78 llegaría otro tristemente célebre caso que estremeció a la opinión pública: el secuestro y asesinato del ministro Aldo Moro, también en Italia. Entro otros muchos otros casos que llamaron la atención de la opinión pública, en un mundo que era absolutamente diferente al que vivimos ahora.

Al poner en la platea el secuestro de Paul Getty III, Scott expone de manera descarnada pero sin exageraciones no simplemente el hecho del secuestro y de las oscuras circunstancias colaterales del mismo, sino varios elementos alrededor que dieron un tinte definitivo a todo el suceso y que involucran terribles sentimientos humanos. Por esas circunstancias una de las más grandes fortunas que ha existido se vio expuesta al ojo público dejando al desnudo la rampante ambición, avaricia, lucha por la fortuna familiar y las condiciones en las que la droga del poder corrompe todo lo que toca, al extremo de negociar la vida de un nieto, contraponiéndola con las deducciones de impuestos.

La trama resuma por todos lados una descontrolada ambición y la cruda certeza de que en los más altos círculos de poder la vida misma (sin importar la de quién) es simplemente un objeto para hacer trueques, mentir y embaucar a quien se ponga en el camino con tal de salvaguardar los propios intereses.

Paul Getty III tenía 16 años cuando fue secuestrado y no valió ni siquiera que sus secuestradores le cortaran una oreja y la enviaran a un periódico, para que el abuelo cambiara de opinión de inmediato sobre pagar el rescate y se viera forzada una negociación de una rebaja.

Es indiscutible que Scott conoce a la perfección tanto los engranajes que hacen que una cinta sea un éxito, como la manera de ir causando una tensión gradual que va a conducir al film a un clima de thriller, (más retorcido si se piensa que aunque se introduzcan diálogos y dramatizaciones los sucesos son reales) donde no queda ajeno el profundo sentimiento de odio para el gran villano que Scott nos devela aquí y que en la encarnación de Plummer es una roca de frío sadismo.

Rydley también es experto en grandes producciones, lo que inclinaría a pensar que Todo el Dinero del Mundo acabaría siendo un display de efectos especiales, salvamentos heroicos y finales espectaculares, sin embargo mantiene una sobriedad y oscuridad en todos los ambientes, desde los personajes hasta las locaciones que hacen aún más helada (si es que eso es posible) la monumental avaricia de Getty y la desaforada lucha de Gail.

Plummer realiza la encarnación del magnate con precisión quirúrgica, es toda una desalmada barrera de contención con su propia y egoísta agenda, donde el capricho personal era la ley suprema.

Paul Getty III (Charlie Plummer, no no es pariente de Christopher) dice en un momento que ser un Getty no era simplemente ser rico, sino ser de una especie supra terrena y así, cuando en esa sobrada conciencia de ser un ente superior pasea por Roma a media noche, en un barrio lleno de prostitutas y otros pobladores de la vida nocturna, su aspecto es de una suprema confianza. Nada ni nadie puede tocarlo… hasta que unos segundos después cae en poder de sus captores.

Siguiendo el hilo del poder, la madeja se enreda con el secuestro y la vida familiar de los Getty. Aunque se nos da un breve flash back de la vida de Gail Y Paul II y comprendemos que los excesos los pusieron en una situación muy incómoda, Paul Getty I ya es dueño de un imperio y su hijo, nietos y nuera la pasan fatal.

Scott también nos introduce a ese mundo de las familias de crimen italiano; en este caso en principio con unos primeros secuestradores sin experiencia y maldad insuficiente, entre los que está Cinquanta (Romain Duris) y que en medio del episodio criminal se las arreglan para tener una comida campestre, comer pasta y bailar… (es casi Felliniano), para luego ir espesando la trama cuando Paul cambia de “manos criminales” con la familia de Mammoliti (Marco Leonardi) donde no se andan con jueguitos.

Scott hace que la trama y los espíritus de los personajes deambulen entre los oscuros rincones del poder y del alma de Getty, en medio de portentosas mansiones rodeadas de obras de arte, en las que ni las inmensas chimeneas logran dar una chispa de calor. Plummer se inserta en el personaje y domina desde el minuto uno ese reino elitista e intocable que el mismo Getty creó para sí logrando nominaciones (entre ellas al Oscar) por su interpretación.

Michelle Williams demuestra que es una de las actrices más versátiles de su generación pues este 2017 participó en tres cintas completamente diferentes: “El Gran Showman”, “Wonderstruck el Museo de las Maravillas” y esta. Y para el 2018 tiene seis proyectos en preproducción. Su Gail transmite no solo la desesperanza y frustración sino la entereza para seguir luchando hasta el último aliento aunque se esté tomada de un clavo ardiendo.

Mark Wahlberg deja al héroe de acción de lado para realizar un muy buen soporte de contención al drama de esa familia al que sin querer se ve arrastrado. Tratando de encontrar junto a Gail las esperanzas y dilatando los daños sobre el joven Getty.

Romain Duris con su interpretación de Cinquanta es el bandido con honor de esos que aún existían en los 70’s y que son una especie extinta hoy en día.......

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Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/todo-el-dinero-del-mundo-pelicula-critica/
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lady Bird
Lady Bird (2017)
  • 6,6
    19.331
  • Estados Unidos Greta Gerwig
  • Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, ...
9
Crítica de Lady Bird por Cinemagavia
Lady Bird se despierta cada mañana con la esperanza de poder dejar atrás su vida en los suburbios de Sacramento. Es lista, tiene carácter y sabe que puede conseguir lo que se proponga. Pero también es joven y soñadora, a veces demasiado. Esta es la razón por la que siempre acaba discutiendo con su madre. A pesar de esto, Lady Bird no cesa en sus propósitos. Acompañada por su amiga Julie, disfruta del último año de instituto con amores, miedos e ilusiones, pensando en lo maravillosa que será su vida en la universidad.

En su debut como directora y guionista, Greta Gerwig presenta una historia con la que muchos jóvenes se sentirán identificados. Ambientada en 2002, en Lady Bird encontramos un retrato realista de la generación millenial y de todos aquellos que luchan por encontrar su lugar en un momento en el que la crisis ha acabado con muchos sueños y las ilusiones.

Saoirse Ronan da vida a Lady Bird y nos ofrece una interpretación cargada de sinceridad y emotividad que consigue llevarnos a ese momento entre dulce y amargo del final de la adolescencia. La acompañan Beanie Feldstein en el papel de Julie y Lucas Hedges y Timothée Chalamet como Danny y Kyle, los dos intereses amorosos de Christine.

El contrapunto viene dado por los adultos, que ponen la voz de la razón, pero también son inseguros y vulnerables. Ese equilibrio entre inseguridad y madurez queda perfectamente plasmado en la madre de Lady Bird, interpretada magistralmente por Laurie Metcalf.

Gerwig sitúa la acción en un momento en el que el sueño americano comenzaba a derrumbarse y lo hace de un modo ciertamente autorreferencial. La directora elige como escenario la ciudad donde se crió y en ella coloca una mezcolanza de personajes cuyo punto en común es la búsqueda de la estabilidad emocional.

La fuerza dramática con ligeros tintes de comedia del guion es la clave de esta producción. El otro punto importante son los personajes. En cada uno de ellos vemos un reflejo de un momento vital, un perfecto mapa de las emociones humanas.

Con un profundo espíritu independiente, la ópera prima de Greta Gerwig se convertirá sin duda en un referente dentro del movimiento Mumblecore que han puesto de moda otras producciones como Juno o la serie Girls de HBO. En un momento en el que el cine parece centrarse en universos lejanos, fantasía e historias irreales, se agradecen producciones tan personales que ponen la mirada en el momento actual.

Escrito por Diana González Prieto

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6 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cincuenta sombras liberadas
Cincuenta sombras liberadas (2018)
  • 3,6
    3.622
  • Estados Unidos James Foley
  • Dakota Johnson, Jamie Dornan, Eric Johnson, Eloise Mumford, ...
2
Crítica de Cincuenta sombras liberadas por Cinemagavia
Anastasia (Dakota Johnson) y Christian (Jamie Dornan) ven culminar su ardorosa (que no ardiente) pasión en una boda blanca, con la falsa ilusión de que todas las sombras más oscuras de su pasado han quedado… bueno… en la película anterior.

Así que salen de luna de miel a Europa en la única manera en la que los ultramillonarios lo hacen: yates, aviones privados, exclusivos spots turísticos, fashion y glamour al tope….. Estando allá, el señor Grey es avisado que hubo un intento de ataque en sus oficinas.

Al parecer, algunas nubecillas insidiosas se empeñan en oscurecer su romance.

Y sí, Jack Hyde (Eric Johnson) el perverso exjefe de Anastasia (despechado y despedido), reaparece en escena para tratar de arruinarles su lujosísima felicidad y tórridas noches de sexo.

La lúbrica exhibición de “porno para mamás” llega a su desenlace en el esperado momento de “sentar cabeza, planear una familia y ser muy felices por siempre” y para demostrar que pueden sostener una tercera instalación de una trama que se hubiera podido resumir en 20 minutos, nos recetan una especie de larguísimo videoclip de varias de las rolas que posee el soundtrack; (que una vez más cabe decir han sido lo más rescatable de la serie completa).

De esa forma, la trama se resume en un set de varias rolitas cachondas para desenfrenar fantasías, mientras alrededor pasan varios acontecimientos que sirven a manera de plástico de burbujas, para empacar un guión frágilmente construido basado en un texto de una repetición e inconsistencia monumentales.

Basta decir que se empieza con la escena de la boda que podría rivalizar sin pena con la boda de Bella y Edward en Crepúsculo. Encajes, velos, lujo, flores y crema chantilly al por mayor, mientras Ana se abrocha los botones de su traje nupcial.

y hace su entrada y sus votos.

La temática general y el desarrollo de los personajes es tan pobre y lleno de clishes que difícilmente se podría elegir cuál de todos los plots es el más arquetípico en el peor sentido de la palabra.

Es muy fácil que de inmediato surja enorme el pensamiento de: cuánto de manipulación (y profusa entrega de lo esperado) a un público sin exigencias, al que se le conquistó prometiéndoles “noches de pasión desenfrenada” puede caber en casi dos horas? Las posibilidades son… infinitas. Pero sin duda estas Sombras liberadas dan buena cuenta de ello.

Pero, no todo está perdido; llega un momento en el que la película comienza a volverse contra sí misma, o vamos a llamar a “reconformarse”, como una sátira cómica de todo su contenido y abordando ese camino, la comicidad involuntaria puede ser la estrella absoluta. Solo hace falta saber leer entre líneas y puede pasarse un momento sumamente divertido riéndose a mandíbula batiente por el enorme cúmulo de insensatez con el que sin piedad se bombardea a la audiencia.

También, en un deslavado intento por llenar el puntito del “empoderamiento femenino”, Ana posee varios diálogos que reafirman que cuando se es megamillonario no hace falta nada más para “empoderarse” que sacudir la cartera; se pueden dar “respuestas agudas” o tomar actitudes de poder solo porque se ostenta un título que anteriormente no se tenía. Dando como resultado no un empoderamiento, sino una prepotencia exultante.

Si algo hay que reconocerle a Dakota Johnson es que ella es en lo que se sostiene la película, no nos sorprende en nada pero al menos es consistente con su personaje y tiene sus chispazos de buen humor. En lo que respecta a Jamie Dornan poco se puede decir más que, independientemente de sus atributos físicos, el personaje siempre le quedó grande y que si es buen actor, se reservó sus talentos para una mejor ocasión.

Ni hablar de todos los personajes del coro, ni de las situaciones colaterales, porque solo sirven en la medida en la que intentan (siempre sin éxito) atentar contra la calentura de Ana y Christian, todo el elenco restante se convierten en “extras” cuyo rol casi es de “árbol #2” dentro del glamoroso videoclip de lujo extremo y música ambiental para cuando se necesitan justificaciones para tener sexo.

Algo de lo que no puede escapar la película es de tener el final conocido por los lectores de las novelas y fácilmente imaginable por cualquier ser humano que vea cinco minutos de la película 1. Puedes tener sexo a raudales en las maneras más extremas, pero al final triunfa resplandeciente e inmaculado el amor y la familia.

Tal vez no importa que 592 páginas de este volumen en novela escrita posean o no justificación, estructura de sus personajes, crecimiento de la trama o giros inesperados para mantener la tensión… sino que según sus promotores “plantee una “fábula romántica”; cada quién es libre de pensar lo que quiera.

Lo que es indubitable es que el leitmotiv principal de toda la trama, el ingrediente de los juegos sexuales, se ha hecho tan rutinario que ya no sobresalta a nadie, la propuesta del juego de poder entre ambos tampoco es para tirarse de los pelos nos queda muy claro que Ana y Christian no tienen nada más que contarnos, más que incidencias sin relación a la trama sexual y por lo tanto que no dejan de percibirse como “añadidos” casi sin importancia: si Christian canta o no, o si es capaz de derramar una lágrima. Si Ana es la reencarnación de Fitipaldi o si es solo un nuevo modelo de esposa perfecta de Stepford con aditamentos sexuales.

Al final como en toda historia tradicional se casaron y fueron muy, muy felices e inmensamente millonarios. El cuarto rojo se hizo sala de televisión y los juguetes sexuales se donaron al museo del sexo en Holanda. Salieron en portadas de revistas del corazón, compraron una casa en los Hamptons y mientras su incalculable fortuna seguía creciendo, tuvieron todos los hijos que Dios les mandó. La vida es maravillosa!.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La muerte de Stalin
La muerte de Stalin (2017)
  • 6,3
    4.393
  • Reino Unido Armando Iannucci
  • Steve Buscemi, Simon Russell Beale, Jeffrey Tambor, Michael Palin, ...
8
Crítica de La muerte de Stalin por Cinemagavia
Armando Ianucci es principalmente conocido por la adaptación cinematográfica de “In The Loop” que en 2009 fue nominada a los Óscar al mejor guión adaptado. En esa ocasión no lo ganó pero nos permitió ver características de lo que en La Muerte de Stalin asienta como su estilo, algo visceral y con una cámara que recuerda al estilo británico establecido con la serie “The Office“. Cámara en movimiento continuo y algo torpe, predominante en escenas con planos secuencia largos que reflejan ese estilo casi documentalístico pero que, en este caso, deja respirar tranquilamente a sus actores.

Y es que “In The Loop” sacaba algo de la propia narración debido a esto, mientras que en La Muerte de Stalin parece haber aprendido y se ha disminuido con ese estilo saturado. De hecho le ha dado cierto gusto a la película que aportaba al mundo que intentaba construir. Este escenario ancho, con mucho aire en la cámara pero al mismo tiempo claustrofóbico, estresante y acalorado pese al frío de la estepa rusa, no es una tarea para nada fácil y si claramente loable por parte de la dirección de Iannucci.

El ritmo por otro lado es apropiado y la dirección de los actores parece realmente cuidada y bien guiada, nada espectacular pero todo bien en general y sin tacha particular.

Steve Buscemi interpreta a Nikita Khruschev. Un personaje interesante, y aun más intrigante actor que está acostumbrado a ser un personaje que libera tensión, divertido y casi una parodia del personaje que interpreta. Aquí sigue con esa tónica pero dando rienda a un papel más serio donde, en determinadas ocasiones, puedes ver a un hombre de acero de la madre Soviética.

El personaje de Jeffrey Tambor aparece más bien poco y tiene una relevancia mínima en general en todo el film. Ahora bien, es un personaje que de la falta de atracción resulta su carisma y acaba por ser una de las mejores partes que el celuloide contiene. Su papel como Malenkov, hombre destinado a ser el sustituto de Stalin, es de los más sutilmente geniales que he visto en una comedia británica.

En general está escrito con esa acidez que caracteriza a los británicos, pero sin convertir a este en el pináculo sobre el que gira toda la estructura de la película. Que Malenkov no esté en gran parte de la película o que se encuentre siempre en el fondo, que cada vez que hable su voz sea menos profunda y más temerosa que la de los demás son decisiones de caracterización brillantes por parte del actor. La mejor manera que puedo definirlo es como el personaje secundario de su propia historia.

Simon Russell Beale da vida a un personaje interesante pero difícil de tratar. Alguien con una capacidad para hacer acto de presencia de una manera realmente llamativa e imponente que choca directamente con las últimas imágenes suyas en la película. Aunque a veces este tono falla, por lo general es loable su gran esfuerzo por recrear a este, más que difícil, personaje. Si esperas ese toque de humor negro será en él donde lo encontrarás de forma más acertada.

Aparte de estos hay que analizar el trabajo de Andrea Louise Riseborough que se pone en las botas de la hija de Stalin y Rupert Friend que interpreta al hijo de Stalin, son dos figuras que simplemente se ven fuera de la narración (por muy históricos que sean) y en general tienen una participación mucho más parecida al ritmo y la actuación teatral que a la cinemática. Una decisión interesante cuanto menos pero que no ha llegado a convencerme en lo más mínimo generando un humor algo banal que, de haber contexto, podría haber sido interesante pero que al no haberlo cae en saco roto. No hacen nada especialmente malo pero frente a los demás se les ve algo flojos y en ocasiones sobre-actuados.

Ya he comentado con anterioridad determinados detalles como el uso de la cámara pero aquí me gustaría insistir en otros detalles que son simplemente fantásticos. A lo mejor no del todo originales pero que forman un conjunto de decisiones que acaban por dar una vuelta refrescante a La Muerte de Stalin.

Aquí la edición no siempre está en sus mejores momentos con escenas que entre ellas no están conectadas como cabría esperar, pero hay un detalle, un simple detalle que me pareció simplemente genial. La escena se presenta, los personajes entran en parejas o uno por uno dependiendo siempre de su importancia con una frase que les define. Acompañando esa frase una puesta en escena que termina de desarrollar aun más el perfil del personaje. Finalmente un pequeño texto inferior explica su nombre y por otro lado su puesto dentro del régimen.

Es una manera eficaz de introducir a tu personaje y mostrar que en las blancas estepas rusas todos los hombres del poder tienen bajo si una gran sombra sangrienta. No hay ángeles aquí. Idea que se refuerza cuando en la escena funeral aparecen los “hombres de Dios” y actúan como vampiro frente a ajo. Todos eran hombres con una clara tendencia por la violencia desmedida encerrados en caros trajes.

Al final son solo humanos. Y es que parece a veces complicado humanizar a hombres así, pero La Muerte de Stalin encuentra la forma de hacerlo tratándolo de una manera un tanto particular. Todos se tratan como amigos, ves claramente las relaciones que les unen. Aquí el diálogo y las interpretaciones hacen un gran trabajo en convencerte de ello. Todo te lleva a verles de otra forma en algunas ocasiones, casi como si fuesen críos en un patio de colegio. Estas situaciones siguen con una línea ingeniosa y oscura que te devuelve a la realidad de la Unión Soviética. Una fluidez del chiste basada en la contraposición de dos géneros completamente diferentes (técnica predominante en el cine de Sam Raimi) generando una risa de lo más placentera.

La Muerte de Stalin es un conjunto de aciertos y desaciertos. Con detalles muy ........

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Escrito por Guillermo Alonso Vaello
https://cinemagavia.es/critica-la-muerte-de-stalin-pelicula/
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8 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Perdido
Perdido (2017)
  • 5,2
    417
  • Francia Christian Carion
  • Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert, ...
7
Crítica de Perdido por Cinemagavia
Christian Carion (“Feliz Navidad”, “La chica de Paris”) dirige la película Perdido (Mon garçon), un thiller de montaña protagonizado por dos de las figuras más representativas del cine francés actual: Guillaume Canet (“Cezanne y yo”, “Rock and Roll”) y Mélanie Laurent (“Malditos Bastardos”, “Beginners”). La película narra la búsqueda infatigable de un padre por recuperar a su hijo de 7 años desaparecido durante la noche en un campamento para niños en los Alpes.

Rodada en 2 semanas, Canet aceptó el papel sin conocer el guion antes de rodar teniendo que sumergirse realmente en la historia para descubrir cuál era el siguiente paso a seguir.

La trama comienza con la llamada angustiada de Marie a su ex marido Julien para decirle que Mathys, el hijo de ambos, ha desaparecido durante la noche sin dejar rastro. Todas sus cosas están allí salvo su saco de dormir. La madre preocupada cree que el niño se ha fugado porque piensa que le quiere dar una lección por el divorcio. Sin embargo, la policía le saca de su error y le comunica que el niño no ha huido sino ha sido secuestrado.

Marie, cada vez más intranquila, le dice a Julien que el niño parecía estar disgustado cuando lo dejaron en el campamento porque ni siquiera se despidió de ella. El padre corrobora la historia cuando, buscando fotos de Mathys para la policía, descubre en una serie de vídeos caseros la disconformidad del niño que prácticamente es obligado a ir.

Marie, y su actual pareja Grégoire (Olivier de Benoist), habían mandado al chico a aquel campamento para poder tener tiempo para ellos y hablar de su futuro. Pero pronto Julien empieza a sospechar de Grégoire que parece más preocupado por su nueva casa que por encontrar al chaval, dándole razones para pensar que Mathys le estorba en la creación de su nueva familia.

Además, desde el trabajo de geólogo que tantas horas le ha robado para estar con su familia, le comunican que la policía ha estado investigando sus archivos, y que por seguridad le instan a que no tenga contacto con ellos para evitar posibles investigaciones sobre las excavaciones que la empresa ha estado llevando a cabo.

A partir de aquí, Julien comienza un viaje en solitario para tratar de averiguar quién o quiénes son los responsables del secuestro y dónde se han llevado a su hijo antes de que sea demasiado tarde.

Salvo en contadas ocasiones en las que aparecen el resto de actores: una madre que solloza nerviosa y desconsolada, pues ya han pasado muchas horas desde la desaparición de su hijo; un compañero sentimental al que parece importarle poco el estado del niño; o un teniente de policía que trata de calmar a un Julien cada vez más perturbado y violento; el peso de la película termina recayendo casi por completo en la interpretación de Canet.

Como si de una etapa del Tour de Francia se tratara, Perdido sigue en todo momento el camino que Julien emprende para dar con el paradero de su hijo. A falta de una mayor intervención del reparto, el paisaje montañoso se nos muestra como un personaje silencioso que añade dramatismo a su búsqueda. Julien, como buen ‘tête de la course’, nos adentra en todos esos caminos a través del bosque, esas montañas nevadas y ese paisaje invernal que los Alpes franceses nos ofrecen incrementando la angustia y el desconcierto del protagonista.

“Mon garçon” es el título original de la cinta que aquí se ha traducido por Perdido. La película retrata la obstinada lucha de su padre por recuperar a “su chico”. Un niño que acaba de desaparecer en la montaña pero que hace años perdió por estar ausente de una vida familiar que ahora se afana por reconquistar.

Las imágenes de las cintas caseras se entremezclan constantemente en la cabeza del padre, y poco a poco le irán recordando todos los momentos que ha dejado de disfrutar con su hijo. Su desaparición le demuestra que no ha valorado lo que tenía hasta que lo ha perdido.

La búsqueda decidida de Julien por encontrar a su hijo encarna no solo el amor de un padre y su deseo de volver a tenerlo entre sus brazos, sino la angustia de alguien que se siente culpable por haber abandonado a su familia. La tensión por recuperar a ‘son garçon’ se va haciendo cada vez más palpable, y se refleja en una actitud que se torna más violenta a medida que pasan las horas.

Con la confianza de haber trabajado ya con Chistian Carion, Guilleme Canet se puso en manos del director con una fe ciega, el cual tan solo le proporcionó una información básica para la realización del personaje, dejando que fuera el propio Canet el que se desenvolviera por sí mismo a medida que iban sucediendo los distintos acontecimientos. De esta forma, se mantenía la tensión viva para crear un mayor realismo en el comportamiento de Julien que va descubriendo a cada paso cuál es el siguiente a seguir.

Un auténtico desafío interpretativo para Canet que le permite otorgar a su personaje respuestas reales ante la empresa que está llevando a cabo.

Perdido es un thriller que se centra en la culpabilidad de un padre que ahora trata de resarcirse de sus errores emprendiendo por su cuenta una investigación que le ayude a encontrar el paradero de su hijo.

Chistian Carion apuesta por la improvisación de su personaje principal para darle mayor realismo a una búsqueda frenética donde la tensión por recuperar a su hijo sano y salvo pronto se transformará en furia y violencia. Una cinta de suspense que juega con la urgencia de la situación mostrándonos hasta dónde somos capaces de llegar por recuperar a nuestros seres queridos.

Escrito por Manuel Lara Rodríguez
https://cinemagavia.es/critica-pelicula-perdido-mon-garcon/
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los archivos del Pentágono
Los archivos del Pentágono (2017)
  • 6,7
    15.373
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Meryl Streep, Tom Hanks, Bruce Greenwood, Bob Odenkirk, ...
8
Crítica de Los Archivos del Pentágono por Cinemagavia
La historia norteamericana de defensa de los medios estaba por vivir una de sus paginas mas controversiales y en parte se debe a la participación de Graham y su equipo en el Post.

Este hecho pareciera perdido en el tiempo y tal vez dado por sentado para las generaciones más nuevas; sin embargo hoy por hoy, el tema regresa con urticante actualidad cuanto más se recrudecen en el mundo los delirios de poder entre los gobernantes (o aspirantes gubernamentales) que tildan a los medios de “manipuladores” o “enemigos”… en este eterno campo de batalla por ocultar la verdad del manejo político al público.

Sin embargo el matiz actual es diferente, los periódicos han perdido terreno en muchos países debido a la inmediatez de las redes sociales, que han llegado a transformar el campo de la información en un universo donde es más importante la rapidez que muchas veces la veracidad de las noticias o de las declaraciones.

Este campo es en el que nos movemos actualmente; la verdadera prensa que pugna por la verdad, la dispersión de noticias de manera inmediata con fines multilaterales y poco probados y la saturación de opiniones y de “fallowers” de fuentes o personas de influencia.

Es un hecho que hoy en día los debates por las luchas /reivindicaciones y libertades es de un espectro muy amplio y las plataformas de exposición son infinitas, eso ha atomizado como un aspersor el poder de los medios y de la opinión pública, sin embargo, al contextualizar el problema sigue siendo latente y actual. Siempre habrá algo turbio moviéndose bajo el agua del poder, siempre habrá alguien dispuesto a revelarlo y siempre habrá quien quiera saberlo.

Y eso lo aprovechan perfectamente los escritores del guión para hacer sentir que el problema planteado es latente en nuestros días.

Los Archivos del Pentágono está dirigida por Spielberg, más que en un tono de lección histórica o de proclamación de las libertades o las enmiendas constitucionales norteamericanas, como un intenso thriller en el que la acción, (desde un punto que tarda un poco en comenzar plenamente), hasta el final, no se detiene, va precipitándose para llevarnos hacia el desenlace (que aunque no conozcamos la historia norteamericana a la perfección lo adivinamos) Que sirve para recordarnos que aún regímenes tan conservadores y en una época muchísimo más restringida que la de hoy, cayeron por tierra al desvelarse sus trapitos sucios.

Spielberg sabe su negocio y entiende que un tema así, aplicado en forma didáctica hubiera sido un ladrillo para la taquilla, por lo que dinamiza y se apoya en sus figuras protagónicas, un guión que comienza denso pero que después fluye y en el ritmo visual de “cinta de entretenimiento” dedicada al tributo ambiental a una época además de que el score de Williams hace un magnífico apuntalamiento.

La pregunta y la reflexión para el tiempo actual una vez desentrañado el tema y que se logra poner en la mesa gracias al guion es: en qué grado sigue funcionando este sentido ético entre la clase periodística hoy en día?.

Aunque de primera vista resulte obvio que el episodio es netamente norteamericano, circunscrito para su desarrollo a la sociedad norteamericana de hace ya varios años, el comienzo de la trama, si no se está muy referenciado a esa época, puede parecer un tanto difícil y de desarrollo pausado, pero al llegar al punto de explosión del thriller la trama se aviva.

La atención debe enfocarse ademas de en las magníficas actuaciones de Streep y Hanks, en la perfecta sincronización del relato y sus implicaciones en su adaptación en estos días. Sobre todo cuando ya las figuras de poder manejan ellos mismos sus “comentarios” y versiones de la verdad desde sus propios Tweeters.

La ambientación y la fotografía son impecables en Los Archivos del Pentágono, retratando perfectamente ese mundo de la producción periodística que llama a la añoranza: Formando a mano, escribiendo en máquinas manuales y mandando a edición, con oficinas que zumbaban al ritmo de los teclazos y los timbres de teléfono de la redacción, sitios pletóricos de empleados y ese aire de que en ese mundo jamás había ni un segundo de descanso; la adrenalina de los editores, de las plumas reconocidas que llenaban las páginas de opinión de los diarios y que eran leídas por millones de personas.

El complejo mundo de relaciones sociales en los que la vida se sostenía: las familias en el poder, los políticos, los “líderes de opinión” todo está reflejado con un sabor de añoranza. El mundo era otro por completo y no han pasado ni 50 años.

Los Archivos del Pentágono visto por encima puede aparentemente tratar un tema “demasiado local” y ya archivado en el tiempo en este mundo que corre a millones de Theras de velocidad, sin embargo, como en aquella vieja frase” mientras más cambian las cosas, más siguen siendo en el fondo las mismas” hoy y ahora, en este planeta multiplataformas, el eco de la libertad de prensa sigue siendo un tema urticante para algunos, apasionante para otros, pero siempre discutido.

Hoy por hoy en el mundo sigue habiendo personas que saben que ser periodista puede implicar poner no solo su libertad, sino su vida en riesgo. Hoy, desde los centros del poder internacional los principales protagonistas dan su versión de los hechos y las verdades son adaptables/modificadas/transformadas a capricho.

Pero la libertad no puede ser puesta en cautiverio así que “The Post” puede escucharse tan real, veraz y actual como en 1971… Alguien de verdad sabe cuánto han cambiado las cosas después de todo?

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/archivos-del-pentagono-pelicula-critica/
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El instante más oscuro
El instante más oscuro (2017)
  • 6,7
    11.113
  • Reino Unido Joe Wright
  • Gary Oldman, Ben Mendelsohn, Kristin Scott Thomas, Lily James, ...
8
Crítica de El Instante más Oscuro por Cinemagavia
En 1940 el poderío del ejército Nazi y sus ambiciones de apoderarse de Europa estuvieron a punto de cristalizarse. Medio continente se encontraba a su merced y las fuerzas enemigas del régimen habían sido replegadas cercándoles en el norte de Francia o venciéndolas hasta el exterminio.

En Inglaterra, las cámaras, temerosas del avance Nazi e inconformes con el primer ministro, lo obligan a renunciar. El puesto queda en el aire y aún con muchos en su contra el único líder capaz de aglutinar opiniones era nada más y nada menos que Winston Churchill.

Inglaterra temía ser invadida, la gente estaba desmoralizada y Hitler ganaba potencia. Horas oscuras se cernían sobre el mundo. Esas horas que decidirían el destino del planeta necesitaban desesperadamente una respuesta, alguien que aún sabiendo la flaqueza infundiera fuerza, que aún temiendo lo peor, no cediera y que sobre todo, venciera.

2017 será recordado cinematográficamente porque en este mismo año el tema de la segunda guerra encontró un punto nodal en la figura de Sir Winston Churchill.

Y no es para menos, porque definitivamente es uno de los pivotes de la historia del siglo XX. De esta forma, a lo largo del año hemos visto desfilar magníficas interpretaciones de este controversial primer ministro inglés; desde el realizado por Brian Cox en “Churchill” la cinta de Jonathan Teplitzky, o el interpretado por John Lithgow en “The Crown” para Netflix.

Pero sin duda alguna, la figura que sobresale es Gary Oldman en su impecable transformación para encarnar a Sir Churchill en esta cinta absolutamente devota al célebre ministro inglés.

Joe Wright , de quién hemos visto previamente “Orgullo y Perjuicio” (2005), “Expiación, mas allá de la Pasión” (2007) y “Anna Karenina” (2012), realiza un reverente discurso visual y ambiental que es a la vez una declaratoria de su exquisita visión cinematográfica, suntuosa, llena de magníficos escenarios y pletórica de atmósferas. Su ojo fluye en medio de los claroscuros donde los refinados ambientes ingleses se asientan, ya sea en la cámara del rey, o dentro del parlamento, o tal vez en el hogar de los Churchill, o hasta en los bunker del gobierno.

Todo es un dominio perfecto de la estricta flema inglesa, Wright con El Instante más Oscuro se explaya por completo en la re-construcción del mito, del hombre, de la tenebra política… y al mismo tiempo del sombrío clima de la guerra.

Y aunque Gary Oldman es el eje central, la presencia de Kristin Scott Thomas como Clemmie, la esposa de Churchill, Ben Mendelsohn como el rey Jorge VI y Lily James como Elizabeth Layton, su secretaria, arropan a la perfección los matices con los que el personaje va creciendo, mostrándose y dejándonos atónitos ante la historia.

No solo penetramos a la historia, sino que también, guiados por el guión y siguiendo la magnífica interpretación de Gary Oldman, entramos al corazón del espíritu del pueblo inglés. Solo siguiendo el devenir de los acontecimientos que Wright nos va presentando.

El relato toma un breve espacio dentro de la apasionante historia de la segunda guerra, comenzando por el 9 de mayo de 1940 con la “dudosa” elección de Churchill como primer ministro, ya que ni fue la primera opción de su partido, ni tenía una popularidad avasalladora… (y sí un recordado incidente en la batalla de Gallipoli que hacía sombra a su vida y a su carrera) y de ahí nos lleva hasta terminar después del episodio de Dunkerque.

Estamos sin duda frente al segmento de tiempo donde la historia del mundo pudo haber cambiado definitivamente para siempre.

Churchill llega al poder en medio de un ambiente caldeado, lleno de traiciones, desconfianzas y miedos, donde cada día la suerte podía dictarse en contra, ya fuera desde el interior de las cámaras, hasta la precaria defensa que los países europeos hacían de sus territorios ante el avance de las tropas Nazis.

Churchill se sacó la rifa del tigre y la enfrentó con terquedad, habanos y whisky.

El escritor, Anthony McCarten, le pone en las manos a Oldman y a Wright un detonante personaje, sagaz, mordaz y con un genio muy disparejo, lleno de detalles anecdóticos, con una vasta capacidad para seducir a quien se ponga a ver su carácter y desempeño. No podría resultar mejor combinación para narrar una historia de guerra de una manera hipnótica. Al final todos caemos frente al líder.

Y es que en definitiva, la cinta va apretándose en torno a que la decisión de un hombre significa la vida (en mucho más que el sentido existencial) de toda una nación. Un paso en falso puede significar despeñarse con costos humanos exorbitantes. Sin embargo Churchill no tenía mucha madera de andar ni pidiendo permiso, ni arrepintiéndose públicamente, aunque estuviera al final de la línea entre capitular o pelear.

Más bien proyecta la perfecta la impresión de que quien manda, debe saber que se deben correr riesgos siempre.

Al final, con sus luces y sus sombras y de todo lo que podamos saber de él, por cualquiera de las fuentes: películas, libros de historia y novelas, la figura de Churchill será siempre un eje dentro de la vida del siglo XX y la encarnación que Oldman hace, es sin lugar a dudas de una dimensión humana pero que no pierde ni un segundo de vista el carácter, la fuerza y la obstinación de un gran líder y una figura clave de la historia.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alma Mater
Alma Mater (2017)
  • 6,8
    1.130
  • Bélgica Philippe Van Leeuw
  • Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas
7
Crítica de Alma Mater por Cinemagavia
El director belga, Philippe Van Leeuw, conocido también por “El día en el que dios se fue de viaje” sobre el genocidio de Ruanda, es un director de cine comprometido que intenta dar a conocer cómo afectan los conflictos a los civiles que se ven envueltos en ellos. Escenifica el día a día, sin caer en lo macabro, solamente mostrando con pinceladas la crudeza de la guerra.

Alma Mater muestra el transcurso de un día en la vida de una familia que vive encerrada en un piso en Damasco, en plena guerra civil de Siria. Nueve personas atrapadas en un piso, en un ambiente que si no fuera por la luz que entra por las ventanas a las que apenas osan asomarse, sería sumamente claustrofóbico.

No pueden salir de casa, pues los francotiradores disparan a todo aquél que transita por las calles; los alimentos son escasos, la mayoría de las veces no hay agua corriente, y continuamente se oye el estruendo de las bombas y los disparos de los francotiradores.

Al comienzo del día, la criada (Juliette Navis) será testigo involuntario del disparo de un francotirador; horrorizada, se lo contará a la matriarca (Hiam Abbass) de la casa, que, velando por la seguridad de los que están bajo su techo, tomará la decisión de no hacer nada y seguir adelante.

La madre, sobreponiéndose a su preocupación y su miedo, aun en medio de una guerra, intentará llevar una vida lo más normal posible, limpiando la casa, cuidando del bienestar de todos, y vigilando que nadie abra la fortificada puerta para que no penetren en la casa fuerzas hostiles que deambulan por la ciudad, arrasando, violando y matando.

Constantemente se oyen disparos, bombas, explosiones. Por las ventanas entra un sol radiante, pero tienen las cortinas corridas, como si estas pudieran defenderlos de los ataques, y casi no se atreven a mirar el ambiente de muerte y destrucción que hay fuera.

Cada vez que una bomba cae cerca, la matriarca ordenará a todos atrincherarse en la cocina, que está más alejada de las ventanas. Allí, tras un recorrido agónico de nueve personas hasta llegar a una cocina estrecha, la familia pasará horas escondida en un silencio tenso hasta que momentáneamente los ataques den un respiro.

Viven encerrados, enterrados en vida; los niños casi no han conocido otra cosa, piensan que ese modo de vida es normal. Temen morir en la calle, de un disparo de un francotirador, de un bombardeo, pero también tienen muchísimo miedo de que alguien entre en la casa, y ese momento llegará…

Philippe Van Leeuw, que también es el guionista de Alma Mater, intenta mostrarnos en esta película que solamente cuenta la historia de un día en la vida de una familia siria encerrada en un piso, la dureza de las condiciones de vida en que vive la gente en una ciudad sitiada por la guerra.

Alma mater está rodada con muy pocos medios técnicos en Beirut, con cámara portátil, que consigue una atmósfera intimista, haciendo penetrar al espectador en la vida doméstica de unas personas corrientes. En su desesperación y su tormento. Como fondo, tenemos el retumbar de los bombardeos.

La luz juega un factor importante. Entra el sol a raudales por unas ventanas a las que no se pueden asomar, es como si fuera el mundo exterior inalcanzable, mientras que el interior del piso, donde viven encerrados, es oscuro y silencioso como su vida.

Aunque el hilo conductor lo lleva la madre en la película, todos los personajes son importantes y necesarios para la obra, y se nota la complicidad de los actores entre ellos, consiguiendo un resultado más que aceptable en el trabajo final.

Con esta película, atisbamos ligeramente la vida en una ciudad sitiada. Sin apenas imágenes explícitas, sin sangre, solo con el sufrimiento y tensión de los personajes y el claustrofóbico entorno en el que viven. Pero nos hacemos perfectamente a la idea del horror en el que viven las familias sirias víctimas del asedio.

A la familia protagonista no la vemos preocupada por la política. Siria se ha transformado en un tablero maldito donde intervienen muchos intereses, y se ha convertido también en una ratonera donde civiles, familias, y niños se han visto atrapados, masacrados. Las mujeres son violadas a la mínima de cambio, los edificios se derrumban atrapando a la gente dentro. Los hospitales han sido destruidos, no hay médicos para asistir a la población.

Asimismo, aquí no se habla de bandos de la guerra. Los disparos matan, los bombardeos matan, no importa de qué bando vengan. Cuando no hay agua o faltan víveres, da igual que facción corte el suministro. Se pasa sed, hay suciedad, y no hay comida. Es una guerra y eso lo dice todo.

Es una guerra televisada, que asalta al resto del mundo cuando están en su salón y salen las imágenes en los telediarios. Imágenes durísimas que por desgracia ya casi no hieren las retinas de los televidentes. La gente se horroriza unos segundos, y después pasa a ver noticias más amenas. Todo esto pasa muy lejos de su zona de confort, a ellos no les afecta. Están seguros viendo la guerra por televisión.

Siria es un polvorín con tantos contendientes, que ya no se sabe casi ni quién ni porqué empezó la guerra. Pero son ya seis largos años de guerra, miles de muertos. No hay sitio ya para tanta tumba. Hay niños que no han conocido otro modo de vida, piensa que eso que viven es la normalidad. No hay otra vida para ellos, y el futuro es incierto, muy incierto.

Alma mater es una película muy recomendable que nos ofrece la oportunidad de conocer cómo se sobrevive en una ciudad sitiada, como es vivir bajo el miedo y el fuego cruzado, y, de alguna manera, seguir adelante con las tareas cotidianas. Veremos cómo la gente vive realmente en una ciudad aniquilada por la guerra, y que no son unas simples cifras citadas en las noticias. Son personas. Tienen corazón, y las esperanzas perdidas.

Escrito por Luz Nogués
https://cinemagavia.es/alma-mater-pelicula-critica/
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10 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Florida Project
The Florida Project (2017)
  • 7,1
    11.147
  • Estados Unidos Sean Baker
  • Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, ...
8
Crítica de The Florida Project por Cinemagavia
The Florida Project es el último trabajo del director Sean Baker (“Take Out”, “Prince of Broadway”, “Starlet”, “Tangerine”). El elenco principal está formado por Willem Dafoe (“Spider-Man”, “El paciente inglés”, “Peligro inminente”, “Arde Mississippi”) acompañado por Brooklyn Kimberly Prince, Bria Vinaite, Valeria Cotto y Christopher Rivera. Nominada a mejor película y dirección en los Independent Spirit Awards y a mejor actor de reparto en los Globos de Oro y Los Oscars.

The Florida Project es la historia de un verano que lo cambiaría todo para Moonee. En su motel, El Magic Castle, vive cada día una aventura diferente de manera análoga al parque de Disney World. La diversión para Moone consiste en realizar trastadas en el motel y sus alrededores y jugar con su amigo Scooty. Con la llegada de Jancey al motel cercano, Moonee comprenderá que la vida es algo más que juegos y diversión y que, al igual que el nombre del motel Futureland, hay un futuro esperándola.

Los trabajos de Sean Baker se caracterizan por ser narraciones que ahondan en la cotidianidad. Así, en The Florida Project encontramos una historia contada desde el punto de vista de los niños que disfrutan de la vida ajenos a los problemas que han condicionado sus circunstancias.

Al igual que en otras producciones, Sean Baker ha contado con rostros desconocidos, dotando al film de frescura y realismo. Cabe destacar las actuaciones de Brooklyn Kimberly Prince y Valeria Cotto, que a pesar de su edad, consiguen llevar gran parte del peso interpretativo. De igual manera, Bria Vinaite brilla en su papel de madre joven y despreocupada a la que le han arrebatado todo y forzado a ser adulta en un escenario nada favorable.

Cierra el reparto Willem Dafoe como un soberbio y correcto Bobby que se compenetra perfectamente con el elenco principal. En contrapunto a los personajes de los niños y Halley, Dafoe va aumentando su presencia escénica progresivamente hasta llegar a una catarsis tranquila en el punto álgido de la historia.

La fotografía, a cargo de Alexis Zabé nos regala planos generales en los que vemos a los niños corretear por el Magic Castle y un uso creativo del color para lograr una estética que él describe como “un helado de arándanos con un toque agrio”. Ésta es la tónica general de The Florida Project: el retrato de la crisis en Estados Unidos desde el punto de vista de los niños, pero también de aquellos que aún sienten que hay esperanza, que es posible vivir en el país de los sueños.

Y es que a pesar de la dura situación en que vive con su madre al no tener recursos, la infancia de Moonee está llena de color. Desde el malva del Magic Castle, al turquesa del Futureland pasando por el naranja de los atardeceres de Florida. Este ambiente pop y cálido nos acompaña a lo largo de todo el film y sólo lo vemos desaparecer cuando el mágico mundo de Moone choca con la dura realidad.

En ese continuo choque entre la estética colorida alegre y la decadencia presente en el paisaje y la situación personal de los personajes, encontramos uno de los fuertes de The Florida Project. Durante todo la película deseamos y queremos pensar que las vidas de los niños van a ir a mejor, sonreímos con ellos, nos emocionamos cuando disfrutan un helado a medias. Pero también sentimos un profundo dolor cuando comprendemos que muchos de ellos no lograrán salir del Magic Castle, ni siquiera para disfrutar de un paseo en helicóptero de 35$. En esos momentos dramáticos es donde Sean Baker se consagra como un excelente narrador al huir de sentimentalismos vacíos y plantearnos un escenario desgarrador y real, que conjunta con una estética con reminiscencias noventeras que muchos agradecerán y otros disfrutarán con nostalgia.

Una vez más, Sean Baker vuelve a realizar un gran ejercicio como voz de la América más desconocida y olvidada en el cine. Cargada de sensibilidad y brutalmente sincera desde el primer minuto, en The Florida Project vamos a encontrar momentos para recordar los veranos de nuestra infancia pero también un profundo ejercicio de crítica ante el American Way of Life. Con un cierre que recuerda a “Thelma y Louise” (1991), la historia de Moonee nos acerca con dulzura al drama de quienes sobreviven con lo poco que tienen frente a la factoría de los sueños.

Escrito por Diana González Prieto
https://cinemagavia.es/the-florida-project-pelicula-critica/
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7 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Philip K. Dick's Electric Dreams: Real Life (TV)
Philip K. Dick's Electric Dreams: Real Life (TV) (2017)
  • 6,3
    958
  • Reino Unido Jeffrey Reiner
  • Anna Paquin, Terrence Howard, Anu Bhatt, Guy Burnet, ...
7
Crítica de Real Life por Cinemagavia
Sarah (Anna Paquin) es una mujer policía del futuro quien ha tenido una mala temporada lo peor es que ella se culpa a sí misma de un acontecimiento en el que varios de sus compañeros y amigos perdieron la vida. Su pareja, Katie (Rachelle Lefevre) decide darle un regalo; mediante un aparato colocado en su cabeza puede realizar una especie de “escape virtual” y convertirse en otra persona. Pero no solo eso, puede cambiar de país, de sexo, de tiempo…

Entusiasmada por la propuesta, ella acepta y se encarna en George Miller (Terrence Howard) un hombre multimillonario que en 2012 creó “Avacom” poderosa empresa que se enfoca en crear videojuegos. George está desarrollando precisamente el gadget que Sarah usará en el futuro. Él también se conecta al aparato… porque también desea evadir un acontecimiento terrible. Cuando penetran en la vida del otro deben enfrentar peligros que asechan y pueden traer graves consecuencias Y… de repente surge una pregunta: quién es el que está viviendo la vida del otro, George o Sarah?

El episodio es dirigido por Jeffrey Reiner y fue adaptado por Ronald D. Moore de la historia original de K. Dick “Exhibit Piece” en el que una vez más el tema de cuestionamiento de K. Dick sobre la veracidad de la realidad, salta al escenario.

En este caso llevando los límites un poco más allá. Poniendo la tentación de “vivir una nueva aventura en el límite”, haciendo la vida alterna tan llamativa y peligrosa que la propia existencia se deslava y la realidad se vuelve en contra.

Es obvio que Sarah necesita sacar de alguna manera los remordimientos y traumas que le provocó el ataque en el que su compañero perdió la vida y la labor de George es la que pareciera ser la solución adecuada; es un vengador anónimo en búsqueda del asesino de su esposa. Este es el planteamiento de entrada y pareciera prometer mucho, aunque simplemente cumple..

Aunque a lo largo del episodio tenemos varios momentos interesantes y que si nuestra curiosidad lo permite más allá de lo que vimos en pantalla, nos dejan la puerta abierta a poder formular preguntas.

Aunque la central, que iría en la línea de “la realidad que vivo es real?” ya ha sido tratada en muchas ocasiones (una de ellas en Matrix, por ejemplo) siempre deviene a ser un cuestionamiento de la cual se pueden sacar las más retorcidas respuestas. En este caso, en el planteamiento ya no de cuál es la real, sino: si pudieras vivir otra realidad la vivirías? y más aún, la preferirías a la que llamas propia? Y para espesar un poco más la visión, qué tal que te consideraras indign@ de la vida que posees? Viendo esto tenemos tela de donde cortar como un producto derivado de lo que se nos planteó en el capítulo.

Una cosa es cierta ambos personajes cargan con una enorme cantidad de depresión, angustia y están traumatizados por los acontecimientos, y al intercalar sus vidas surge la posibilidad de que ambos pueden ser reales lo cal se concatena al desenlace donde más preguntas pueden formularse. Quién toma la decisión correcta? Tú tienes la última palabra cuando veas Real Life.

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/real-life-electric-dreams-amazon/
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Philip K. Dick's Electric Dreams: Father Thing (TV)
Philip K. Dick's Electric Dreams: Father Thing (TV) (2018)
  • 5,4
    540
  • Reino Unido Michael Dinner
  • Jack Gore, Greg Kinnear, Brian Boland, Shannon Brown, ...
5
Crítica de Father Thing por Cinemagavia
Father Thing, está escrito y dirigido por el co-creator de la serie Michael Dinner y se basa en la historia de Dick llamada “The Father-thing”. Después de una misteriosa lluvia de meteoritos, un niño (Jack Gore) descubre que su padre (Greg Kinnear) ha sido poseído por una creatura alienígena. Pero ese es solo uno de sus problemas… El pequeño se dispone a combatir la invasión tomando medidas extremas.

Qué sucede cuando chocan de frente “La invasión de los secuestradores de cuerpos” contra una serie de videostreaming? esto. Charlie (Jack Gore) es un niño normal que disfruta de la compañía de su padre (Greg Kinnear). Un día mientras están en un camping presencian un inusual fenómeno de lluvia de meteoritos. Un tiempo después Charlie presencia como un ente extraterrestre se posesiona de su papá.

Claro que la propuesta no es ni remotamente novedosa desde que la suplantación de cuerpos por parte de alienígenas ha sido motivo de mil relatos cinematográficos y televisivos. (Desde “Twilight Zone” hasta “Terminator”, o “Cocoon”, pasando por casos tan abyectos como “La Huésped” o “Especies”… básicamente el escenario es el mismo, después de un infortunado encuentro/invasión los alienígenas ocupan el cuerpo humano y generalmente se transforman en un ente bastante deleznable. Sí, no hay nada nuevo bajo el sol… y he aquí que se nos presenta de nuevo.

Como bien se sabe los temas para desarrollar una historia son finitos y unas más, otras menos, se han tocado ad infinitum. No está mal “refrescar” temas siempre y cuando se les agregue algo para hacerlos novedosos, lo malo en esta ocasión es que toda la historia no aporta ni un solo elemento sorpresivo.

Da la impresión que es la sección juvenil de la temporada, de hecho pareciera no encajar en el tono general de la serie que está enfocada a públicos más adultos. Toda la arena y el tratamiento baja los estándares a programa juvenil sin mayor pretensión, no toma opciones y parece un guion vacilante, no da el golpe certero.

Todo el capítulo palidece de envidia frente a “Stranger Things” por ejemplo, no opta por lo firme es un intermedio dramático los planteamientos no se aprietan desde un momento en el que Charlie obtiene información importante; como espectadores se espera un desarrollo del problema y una resolución, pero el nudo se extiende divagando hasta llegar a un final que podría haber sucedido a los pocos minutos de comenzar la trama.

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/father-thing-electric-dreams-amazon/
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Deber cumplido
Deber cumplido (2017)
  • 5,7
    580
  • Estados Unidos Jason Hall
  • Miles Teller, Haley Bennett, Amy Schumer, Joe Cole, ...
8
Crítica de Deber Cumplido por Cinemagavia
Qué sucede cuando unos soldados que luchan por su país en una tierra extraña, lo dan todo, su tiempo, sus ilusiones, su vida y vuelven a casa con sus familias con unas historias terribles en su retina de tal calado que no pueden afrontarlas? Ellos cumplieron con su deber a un altísimo precio, y el gobierno después los abandonó.

Pues eso es lo que en la película Deber Cumplido nos cuenta Jason Hall, en su debut como director, basada en la novela homónima del periodista ganador del premio Pulitzer 2006 David Finkel.

David Finkel acompañó en 2007 durante un año a un batallón de Infantería a una misión en Irak como periodista empotrado, obteniendo un resultado extraordinario sobre la brutalidad del conflicto, las percepciones de los militares, sus máximas preocupaciones, que se reducían a lo más básico pero que venía siendo lo más difícil de conseguir en mitad de una guerra.

De esta experiencia surgiría el libro reportaje “Los buenos soldados” (“The Good Soldiers“). Y Deber Cumplido (“Thank you for your service”) es la continuación, pero en esta ocasión David Finkel se integró con algunos de esos soldados americanos a su regreso a casa, consiguiendo captar la peculiar psicología de estos militares.

De esta forma, con las dos obras, nos da a conocer de primera mano las duras experiencias que viven los militares en el conflicto, y la dura vuelta a la realidad en su país, con una mochila llena de horror, resentimiento y culpa, así como la dureza de la vida de las familias de los militares, bien durante el conflicto, o bien después, cuando los soldados vuelven con traumas inconfesables. Ambos manuscritos se han convertido en referentes en la literatura de guerra.

Deber cumplido cuenta la historia real de Adam Schumann, un militar que junto con dos compañeros volverá a casa tras finalizar un periodo de servicio en el ejército norteamericano en Irak.

Casi al final de su permanencia en Irak, habrá un problema en el que uno de sus compañeros, Emory (Scott Hace) resultará gravemente herido de un disparo en la cabeza, y Schumann se encargará de bajarlo para su evacuación, cargando su peso al hombro, mientras baja por unas empinadas escaleras, medio cegado y asfixiado por la sangre del compañero, hasta que superadas sus fuerzas, ambos ruedan escaleras abajo, con la consecuencia del agravamiento de las heridas de Emory, el soldado herido. El quedará traumatizado por no haber podido ayudar mejor a su amigo.

Otro de los protagonistas, Solo Aeiti (Beulah Koale), atormentado por no haber podido salvar la vida de otro combatiente, quiere regresar a su hogar, recuperarse de heridas sufridas en la contienda, y volver de nuevo a Irak, el ejército es su vida, pero le negarán la renovación de la licencia por las secuelas del traumatismo sufrido en una escaramuza.

El otro compañero, Will Waller (Joe Coler) solo piensa en volver a casa para casarse con su novia, pero al llegar se encontrará una desagradable sorpresa, que devengará en un terrible giro de la película, y servirá de catalizador de los traumas que los dos amigos, Solo y Schumann, traían de Irak, y que poco a poco, al intentar integrarse a sus antiguas vidas, se irán manifestando en toda su crudeza.

La idea del suicidio empezará a rondarles insistentemente. Y ellos lucharán contra ella. Será una lucha más difícil que la que entablaron en Irak contra el fuego enemigo.

Jason Hall, que en esta película se estrena como director, pero al que siempre hemos conocido como actor y guionista (“El Francotirador”), escribirá también el guión basado en la novela / reportaje de David Finkel mostrándonos a la perfección la guerra que los soldados traen en su cabeza al llegar a casa, después de haber vivido situaciones terribles en el campo de batalla, y que les desgarran cuando intentan volver a la normalidad de la vida civil.

Miles Teller, el actor principal, borda el papel de militar consciente del problema que acarrea, pero que intenta disimular ante su esposa, interpretada por Haley Bennet. El actor conoció al verdadero Adam Schumann, con el que mantuvo largas conversaciones, consiguiendo de esta manera dar una importante verosimilitud al personaje que interpreta.

Como novedad veremos a Amy Schumer, a la que estamos acostumbrados a ver en papeles cómicos, interpretando a una joven viuda.

Las escenas bélicas están bastante bien representadas, bastante reales, con una factoría más que correcta, así como la ambientación polvorienta de las calles arrasadas de Irak por las bombas y el fuego de mortero.

Podría decirse que esta es una película reivindicativa. Se habla del suicidio de los militares. Por fin.

Es una epidemia silenciosa en Estados Unidos. En la época actual, mueren más militares por su propia mano, es decir, suicidándose, que caídos en la lucha. El síndrome de estrés postraumático es el trastorno más frecuente de los veteranos, que les impulsa a acudir al Departamento de Asuntos Veteranos, que se encuentra desbordado, no teniendo el sistema medios suficientes para atender a todos los afectados, por lo que muchos se están organizando por su cuenta, creando grupos de apoyo e informando a la gente.

En Estados Unidos 22 excombatientes se quitan la vida cada día , uno cada 80 minutos, es decir, unos 8000 al año.

Por eso, esta película nos denuncia esta lacra silenciosa que sufren los que sirvieron a su patria en esta o cualquier otra contienda, los que fueron donde nadie más quería ir, los que hicieron lo que nadie más quería hacer, los que vieron morir a sus amigos, muchas veces entre sus brazos, los que salvaron mil vidas pero perdieron a su compañero, los que vieron cosas que nadie debería ver; y después de todo lo pasado, se ven abandonados por el sistema, contra el cual se ven incapaces de luchar.

Pero también muestra que tienen que luchar por lo que más quieren, por vivir para ellos y para su familia, y que deb.......
Escrito por Luz Nogues
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10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Philip K. Dick's Electric Dreams: Impossible Planet (TV)
Philip K. Dick's Electric Dreams: Impossible Planet (TV) (2017)
  • 5,7
    661
  • Reino Unido David Farr
  • Geraldine Chaplin, Jack Reynor, Benedict Wong, Georgina Campbell, ...
8
Crítica de Impossible Planet. Capítulo 2 Electric Dreams por Cinemagavia
El capítulo 2 de Electric Dreams titulado Impossible Planet, está dirigido por David Farr (“En compañía de Extraños”, 2015) y protagonizado por Jack Reynor ( “Detroit“, “Sing Street“, “Glassland“…..), Benedict Wong (“Dr. Strange“, “Marte”, “Redención“…) y la española Geraldine Chaplin (“Tierra Firme“, “Un Monstruo viene a Verme“, “The Forbidden Room“…. ) Electric Dreams de Philip K. Dick ya está disponible doblada al español y en VO con subtítulos en español en exclusiva en Amazon Prime Vídeo en España.

En la línea futurista interplanetaria tenemos Impossible Planet la Historia de Irma Gordon (Geraldine Chaplin) una mujer muy madura cuyo sueño es visitar la tierra. Para ello recurre a “Astral Dreams” una compañía de turismo intergaláctico donde Brian Norton (Jack Reynor) y Ed Andrews (Benedict Wong), trabajan. Ha sido un día rutinario que por fin llega a su fin, cuando Irma toca en la oficina de Bryan para contratar los servicios turísticos. Ellos se oponen en principio, pero al notificárseles que Miss Gordon pagará en efectivo deciden llevar a Irma a un destino… ella parece que no comprende lo imposible de su petición porque la tierra ha desaparecido hace… varios años.

El relato puede sonar bastante familiar para el público que le gusta ver series o películas de Ciencia ficción. Los personajes son simples y la trama poco o más predecible desde el planteamiento. Sin embargo este episodio pasa muchos momentos desmenuzando problemas internos de los personajes, haciendo historias y colocando las piezas para la resolución.

Reynor y Wong en breves diálogos exponen los motivos de sus personajes; uno desmotivado y presionado por un compromiso “romántico” y el otro simplemente viendo como sobrellevar el trabajo. Pero la llegada de Irma tiende un camino hacia el cambio de estos personajes. No es que sea sorpresivo lo que Brian y Andrew terminan confabulando, lo que puede sostener a la audiencia es averiguar hasta dónde llegarán.

Chaplin hace a una mujer cuya terca insistencia tiene un motivo, pero la liga dramática del guión sobre los planos del recuerdo y el romance es un camino ya trazado desde “Pide al tiempo que vuelva”. Así es, la ciencia ficción del relato se rinde ante la trama romántica y eso hace que este episodio sea especialmente diferente al clima de la serie.

Por qué independientemente de la arena interespacial en la que se mueve, el propósito de todo no es la ciencia ficción sino el drenar profundo en el sentimiento. Brian e Irma una relación a todas vistas extravagante si se le quiere empatar en el terrenos romance pero que cobra una nueva dimensión si se considera “fuera del tiempo” y se reduce a sentimientos.

Recuerdo, traición, ganas de salir de la rutina, de hacer algo con la vida, mentiras piadosas que se transforman (o no) en realidades alternativas. Todo mientras estos dos seres van profundizando en lo que el otro es. Y entonces al realizar el viaje al espacio interno ambos pueden llegar a un destino, un destino en otra dimensión donde el tiempo corre en una forma diferente y donde alcanzan a ver otra manera de vivir sus sueños. Al final, en un viaje en espejo viajaron media galaxia para ir a encontrar un universo dentro de sí mismos.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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7 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
El pasajero
El pasajero (2018)
  • 5,7
    6.530
  • Estados Unidos Jaume Collet-Serra
  • Liam Neeson, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, ...
7
Crítica de El Pasajero
Tras los éxitos de “Sin Identidad” (2011) con 130.8 millones de dólares de recaudación, “Non-Stop (Sin escalas)” (2014) con 222.8 millones y “Una Noche para Sobrevivir” (2015), el director catalán Jaume Collet-Serra y el actor Liam Neeson vuelven a colaborar juntos por cuarta vez en El Pasajero, un trepidante thriller narrado en tiempo real y cargado de gran tensión dramática, en la que un hombre tratar de evitar un desastre en un tren lleno de viajeros. En el reparto acompañan al veterano actor británico Vera Farmiga, Patrick Wilson, Jonathan Banks, Sam Neill y la española Clara Lago.

Michael MacCauley (Liam Neeson) es un hombre de 65 años, irlandés, vendedor de seguros, quién anteriormente fue policía. El representante perfecto de la clase media, apretada entre las responsabilidades hogareñas y las laborales. Tiene una esposa y un hijo que va a entrar a la universidad, con todo lo que esto significa en gastos para un hombre que ya pasó la mitad de su vida ahorrando para ese momento y que ahora, ni esos ahorros le van a servir de nada; porque la situación económica ha reducido a polvo ese capital.

Michael viaja todos los días en el mismo tren para dirigirse desde los suburbios hasta su sitio de trabajo en Nueva York. Un buen día recibe el famosísimo “tus servicios ya no son requeridos” de parte de su jefe. El hombre se queda sin trabajo y con demasiadas cargas encima.

Es precisamente en el tren donde una misteriosa mujer, Joanna (Vera Farmiga) se le acerca y le hace “una oferta” de algo que parece un juego; debe identificar entre los pasajeros a alguien que “no pertenece ahí”. Ese desafío “demostrará quién es en realidad” y además le dejará una jugosa cantidad de dinero a cambio. Además de la pequeña advertencia de que si se niega a colaborar, su familia morirá.

En principio, Michael no cree posible lo que le han dicho, pero atraído por lo extraño de la propuesta, se involucra en algo demasiado peligroso que va a costar las vidas de varias personas.

La mancuerna de Liam Neeson y el director español Collet-Serra se vuelven a juntar para su cuarta colaboración dándonos una muestra más de lo que ha sido el tema preponderante en las cintas de Neeson últimamente: “Acción para veteranos” obviamente no debemos esperar demasiada coherencia, sino cantidades significativas de tensión, acción, explosiones, golpes y disparos con víctimas fatales.

Lo primero que hacen como preparación y contraparte es mostrarnos la vida extremadamente rutinaria (en lo que parece todo un año, o varios) de Michael para llegar al punto donde las cosas se ponen… un poco “moviditas”, tras de que Joanna lo intercepta con “el jueguito”.

De ahí en adelante El Pasajero se transforma en una especie de estos “cobertores de retazos” que va juntando de aquí y de allá entre las últimas cintas de Liam Neeson (“Venganza”, “Una noche para Sobrevivir”, “Sin Identidad”), se ha colocado como un inesperado héroe de acción, que habiendo pasado los sesenta reparte leña a moros y cristianos, y a esto sumamos una generosa cantidad de todas las cintas de acción/thriller dadas en trenes a toda velocidad, o aviones en vuelo, cintas de intriga internacional y hasta sagas de supér héroes accidentales.

El desenlace del argumento es predecible, aunque logra puntos de intriga bastante efectivos. Neeson una vez más es golpeado, zarandeado y debe hacer acrobacias mientras deduce que es lo que sigue.

Pero eso no es raro, El Pasajero es una típica cinta de esas sin presencia de elementos de ciencia ficción, dedicada a la acción y diversión para hombres y eso es lo esperado. Aunque algunas cosas se desmoronan… no importa demasiado mientras siga la acción a tope.

La arena es dentro de territorio americano, en pleno tren que corre hacia Nueva York y el enemigo oculto no es ninguna organización de grupos extremistas del medio oriente, ni de algún país de la ex Unión Soviética, sino “conciudadanos americanos”. Se trata de una película franca, no pretende ganar Oscar, simplemente se dirige a entretener. El Pasajero podría perfectamente haberse estrenado en el verano, que es la temporada de este tipo de películas.

Collet-Serra y sus escritores mantienen la tensión por las dos primeras partes de la trama de forma muy efectiva porque el verdadero lado salvaje de Liam (aunque lo esperemos) no se destapa sino hasta entrando al último tercio de la película.

Vera Farmiga merece una mención, porque con solo unos minutos en pantalla se apodera de la esencia del mal en el sentido de la película. Todo lo que hace después es usar un tono de voz por teléfono que se regocija en el “cacle cacle” de bruja definitiva y modernamente perversa.

Liam Neeson se apodera de un viso de “descubramos el misterio” a lo Christie o Hitchcok y para no perder tiempo reúne a todos los sospechosos en un solo vagón, para descifrar el misterio contra reloj antes de llegar a Cold Springs (el fin del viaje… y de sus vidas).

Collet-Serra deja que la visión en cámara de su ya conocido colaborador Paul Cameron, haga su trabajo con una interminable gama de movimientos y secuencias en plano, dándole viveza y eléctrico suspenso a la acción que corre contra la velocidad y el tiempo.

Lo más importante, como en todas las cintas de este tipo, es dejarse llevar por la convención. Jugar el juego de ir descifrando, dejando de ver lo obvio a veces y disfrutar sin preguntas la acción y la intriga, el fervoroso homenaje que a su modo realiza Collet-Serra a las obras de Hitchcok y la presencia de Liam, que una vez más salva el día, digamos que en contra de todo presagio… o no?

Escrito por Fabian Quezada Leon
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20 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil