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Críticas de Cinemagavia
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Lo que esconde Silver Lake
Lo que esconde Silver Lake (2018)
  • 6,3
    3.095
  • Estados Unidos David Robert Mitchell
  • Andrew Garfield, Riley Keough, Callie Hernandez, Topher Grace, ...
8
Crítica de Lo que esconde Silver Lake por Cinemagavia
Puntuación: 7,5

Fuerte presencia millennial

La premisa parte de algo tan sencillo y habitual como que Sam (Andrew Garfield) es un joven que lucha por sobrevivir en Los Ángeles. En su camino se cruza una despampanante Sarah (Riley Keough), que desaparece de repente, dejando todo un misterio detrás. El filme es de principio a fin un fiel reflejo de la cultura millennial. Este hecho hace acto de presencia en algunos elementos como los videojuegos (Super Mario), el auge de los cómics, la pornografía a través de revistas como Playboy, los anuncios de contactos, o los grupos de música míticos como Nirvana.

El personaje es uno de tantos jóvenes en búsqueda de una meta vital. El descontento de la generación perdida está patente. La falta de trabajo, la vida precaria, el tener lujos sin poder permitírselo, el sueño por lograr los objetivos… Aparte, el protagonista como cualquier chaval de su edad presenta un baile de hormonas en sí mismo.

Grandes Críticas

Lo que esconde Silver Lake es en gran parte una dura crítica hacia Hollywood. La película muestra cómo los actores y actrices en la mayoría de ocasiones no tienen éxito. Los castings en los garajes es un ejemplo, junto a la insatisfacción de no conseguir hacerse lugar en la ciudad de los sueños. Además, el filme muestra los privilegios de unos cuantos que se encuentran en una posición dominante y que se traduce en abusos de poder.

La lucha de los estratos sociales también está presente, a través del rey de los indigentes y todo su sistema de códigos. Por una parte, se encuentran los ricos y sus fiestas espectaculares, y por otro lado, los vagabundos y su humildad. Al final la insatisfacción es la misma para todos, independientemente de la clase social, y es probable que los que más tienen sean los más infelices. Los túneles no son nada más que el submundo que se esconde bajo la ciudad de Los Ángeles, donde la gente oculta sus miedos.

Finalmente, podemos encontrar también una crítica hacia el desprecio de la gente mayor. La eterna lucha entre los viejos que se quejan de lo jóvenes y los jóvenes que ven como sus mitos caen.

Hitchcock y la cultura pop

Visualmente la película abraza la cultura pop que ha acompañado durante años a la generación millennial y a la vez se atreve a ponerla en jaque todo el rato. La sensación constante es la de estar en un videoclip de los 90 de Madonna o Britney Spears. Los colores en todo momento recuerdan a esta década, aupados por los escenarios y la ropa. ¿Y qué hay más icónico que California? El cartel de Hollywood, las piscinas de los Ángeles, sus lagos, los actores, las fiestas… Además, muestra como la cultura pop nos bombardea constantemente con mensajes ocultos o subliminales y todos participamos de ella.

Hitchcock se encuentra desde el principio en cada plano y Robert Mitchell no lo oculta, incluso lo hace más evidente con la aparición de su tumba. La construcción de los planos, el uso del sonido y la música, Sam con los prismáticos y el gusto por la rubia del vecindario, todo es un claro homenaje. No es la única referencia, ya que hay claras alusiones al cine de Lynch y su famosa Muloholland Drive, a la intérprete Judy Garland, a las actrices Marilyn Monroe, Lauren Bacall y Betty Grable en el largometraje Quién Quiere casarse con un millonario, e incluso guiños a Stephen King, con el característico globo de It.

Realidad y fantasía

No contento con mostrar toda una identificación de una generación ligada al pasado y fuertes críticas, Lo que esconde Silver Lake juega con la mente del espectador. Diversas criaturas aparecen a lo largo del filme, todas con un objetivo claro y a veces cuesta vislumbrar cuál es real o cuál es una pesadilla contra la que lucha Sam. El protagonista vive en un mundo en el que el alcohol y las drogas son habituales. Allí, un pirata, Jesucristo o el monstruo del lago Ness, son posibles. A pesar de que parte como una película detectivesca y no pierde este foco, al final poco importa lo que sucede en este sentido. Este thriller usa las desapariciones y las muertes de personas y perros como excusa para mostrar un mundo cruel pero real.

La prostitución de alto standing, las sectas y las groupies incondicionales, que muchos han convertido en iconografía pop, son normales en este universo. También lo son las celebrities y las separaciones y pérdidas traumáticas. Todo es real, aunque a veces aparezca como un imaginario.

Conclusión

Lo que esconde Silver Lake es un largometraje que da ganas de ver muchas veces, pues tiene tantas referencias a la cultura pop, la millennial, el mundo cinematográfico clásico y diversas críticas, que es imposible asimilarlas de una vez. Quizás hasta muchos mensajes subliminales se pierdan escondidos entre sus planos. Garfield sorprende en uno de sus mejores papeles hasta la fecha, junto a una Keough sensual que recuerda a las viejas glorias de Hollywood. Si bien a veces intenta abarcar tantas cosas que se pierde en un maremágnum, pero enseguida regresa al hilo conductor. Todo gracias a una cuidada iconografía y una profundidad propias de las grandes películas.

Escrito por Miguel Angel Romero
https://cinemagavia.es/lo-que-esconde-silver-lake-critica-pelicula/
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3 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald
Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (2018)
  • 5,8
    11.389
  • Reino Unido David Yates
  • Eddie Redmayne, Jude Law, Katherine Waterston, Johnny Depp, ...
6
Crítica de Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald por Cinemagavia
puntuación: 5,5

Un trío bien avenido

Cuando David Yates se puso al frente de Harry Potter y la orden del Fénix (2007), solo un puñado de telefilms lo avalaban como director. Desde entonces, el cineasta inglés ha sido el único encargado de plasmar en pantalla las historias creadas por J.K. Rowling. La escritora, que amasa una fortuna considerable gracias a su desenfrenada imaginación, parece haber encontrado en Yates al compañero cinematográfico ideal.

Por su parte, Warner Bros. lleva 17 años construyendo un imperio que sigue creciendo. No es de extrañar, por lo tanto, que la productora firmara un acuerdo millonario con Rowling para garantizar una infinita oleada de personajes y tramas en torno al universo Potter. Como resultado de dicho contrato, nació en 2016 Animales Fantásticos, la nueva serie de películas encargada de engordar la hucha de todos los interesados.

Entre tinieblas

Dejando atrás cualquier atisbo de liviandad y humor presente en la entrega que dio comienzo a la saga, Rowling se adentra en un mundo siniestro en el que no hay cabida para la esperanza. Yates refleja esa tenebrosidad en una primera secuencia parpadeante, oscura y aparatosa que, en vez de una aventura, anuncia un obstáculo a superar.

La pesadumbre presente en la mayoría de los planos define también al sinfín de personajes que plagan Los crímenes de Grindelwald. Con traumas que se remontan al origen de los tiempos, la tensión dramática llega a resultar una carga difícil de soportar y el poco tiempo que se les da a los personajes para hacerse querer, o aborrecer, acaba pasando factura.

Misión imposible: Los crímenes de Grindelwald

Los crímenes de Grindelwald parece más una película de espionaje que de fantasía. Por momentos, es inevitable no establecer un vínculo de unión entre esta y cualquier entrega de Misión Imposible. Malos politizados, elaboradas fugas, luchas internas, misiones arriesgadas, identidades usurpadas, mundos subterráneos, viajes relámpago a capitales europeas… David Yates parece estar aprovechando la inagotable imaginación de J.K. Rowling para hacerse un hueco en el cine de acción.

Mucho ruido y pocas nueces

Entre los primerísimos planos de personajes hablando a cámara, las mareantes escenas de acción que giran sobre sí mismas y el constante ir y venir entre distintos planos físicos y temporales, Yates no parece dispuesto a hacer el mejor uso posible de los muchos medios a su disposición. Sorprende también el pobre manejo de la narración por parte Rowling, quien no es capaz de dotar a la historia de claridad. Terminan así por descubrir sus cartas y dejar claro que su única intención es alargar una historia que bien podría contarse en tres películas.

Aunque técnica y narrativamente deje que desear, matemáticamente, Los crímenes de Grindelwald es un gran acierto. Los 200 millones de dólares invertidos en el despliegue de efectos visuales, vestuario, reparto y localizaciones saldrán a cuenta gracias a los espectadores que devorarán la película encantados y repetidas veces, aunque solo sea por entender la trama.

Conclusión

Con una fórmula cargante y un presupuesto millonario, Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald consolidará la fidelidad de muchos seguidores y dará vida a nuevos adeptos. Serán también muchos los espectadores que, ante una historia tan enrevesada y una puesta en escena demasiado ampulosa, pierdan el interés en la saga. Estos últimos siempre podrán volver la mirada atrás y adentrarse en el entrañable mundo de fantasía con el que todo dio comienzo.

Escrito por Esther Alvarado
https://cinemagavia.es/critica-los-crimenes-de-grindelwald/
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El silencio de otros
El silencio de otros (2018)
  • 7,7
    2.179
  • España Almudena Carracedo, Robert Bahar
  • Documentary
8
Crítica de El silencio de otros por Cinemagavia
Puntuación: 7,5

Cambia rigor periodístico por nombres propios

El documental habla de historia reciente, y, al ser así, se echan en falta algunos datos. Hay atisbos de documentos y fechas, pero todo bastante vago. A pesar de ello, no pierde un ápice de veracidad y cubre esta carencia con nombres propios, personas y sus testimonios.

Evidencia que lo primordial no es la sobriedad, sino la crítica social. La forma en la que los protagonistas dan la cara y luchan por su causa contra toda adversidad, hacen que entres en su conflicto casi sin darte cuenta. La implicación del documental en el seguimiento de las querellas y todo el proceso pone de manifiesto su objetivo. Que no es otro que este.

El pasado no puede borrarse sin más

El Silencio de Otros no es más que una súplica a la justicia. Es un grito de socorro y un lloro desesperado. Además de eso, un intento de avivar los sentimientos ocultos, enterrados, de los españoles coetáneos a este proceso, de enseñar a otros la dudosa moral de lo ocurrido y de mostrar a todos los secretos a voces de los años más pantanosos del país.

Entre toda la oscuridad, nos enseña un poco de luz. A cambio, nos pide lucha. Que luchemos. Que seamos voz y que no olvidemos.

Para reflexionar

Es curioso el impacto que tuvo el documental en la Berlinale. En Alemania, tierra de barbaries. Y sin embargo, en nosotros, los más cercanos a todo el conflicto, no tiene un efecto ni parecido. Acongoja ver la reacción de los mayores en la sala: lágrimas y sollozos, un palpable dolor y recuerdos rotos.

En comparación, a pesar de que se trata un tema del que somos perfectamente conscientes, probablemente, nunca nos lo hemos planteado como una realidad no tan lejana. Como que, si hubiésemos nacido unos años antes, podríamos ser nosotros los que aún yaciésemos en una cuneta, sin reconocimiento, sin descanso ni paz. Sin un final. Y que fuesen nuestros padres, hermanos y parejas, los que hoy, estuvieran en las pantallas de algunos cines pidiendo algo tan humano como los restos de sus seres queridos que fueron asesinados sin más motivo que su forma de pensar.

Conclusión

Carracedo y Bahar rompen el estigma de “otra película española, otra película sobre la Guerra Civil”, para dar a conocer fuera de nuestras fronteras lo que aún hoy son consecuencias del franquismo. Y para brindarnos a nosotros la posibilidad de dar un paso hacia adelante y unirnos a la batalla vital de muchos otros que pronto no podrán parar. Y mucho menos silenciar.

Escrito por Rafa Velázquez
https://cinemagavia.es/critica-pelicula-silencio-de-otros/
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14 de 26 usuarios han encontrado esta crítica útil
Nacido el cuatro de julio
Nacido el cuatro de julio (1989)
  • 6,7
    19.513
  • Estados Unidos Oliver Stone
  • Tom Cruise, Willem Dafoe, Raymond J. Barry, Caroline Kava, ...
9
Crítica de Nacido el cuatro de julio por Cinemagavia
La interpretación de Tom Cruise

¡Ay¡ Tom Cruise… Nuestro querido cientólogo no suele dejar indiferente con sus papeles. Y con Nacido el 4 de Julio no podemos hacer más que quitarnos el sombrero, ya que el filme le debe a él que deje su huella en nuestra memoria. Y es que la interpretación del controvertido Cruise se agarra a nuestro lóbulo temporal como una lapa.

Es probable que Tom Cruise le deba su desbordante talento a que está un poco como un cencerro. Es imposible convertirse en Kovic sin estar algo tocado. El actor se ha coronado durante años con sus siguientes interpretaciones, pero en ninguna nos acerca tanto a lo más bajo de la condición humana como en Nacido el 4 de julio. Su actuación es tan buena que se nos olvida que detrás de esa alma en pena se esconde Tom Cruise.

Cuando rodó este magnífico film, Cruise ya era de sobra conocido por películas como Risky Bussines, El color del dinero, Top Gun… Siempre el joven rebelde, el héroe. ¿Quién mejor que el idealista Maverick para este papel? El niño guapo y triunfador postrado en una silla de ruedas.

Nacido el 4 de julio es como una bofetada que te despierta de un tranquilo sueño y te obliga a decir adiós a la ingenuidad, la felicidad, los sueños de futuro, los nervios, las mariposas en el estómago, papá, mamá… Son dos horas de agonía que te harán querer tener una máquina del tiempo para impedir a Ron salir de Massapequa.

La película de Vietnam que le hace falta a los millenials

¿Y qué tendrá que ver una película de Oliver Stone de los años 80 sobre la guerra de Vietnam con los millennials? Pues que esta película, si miramos bien de cerca, va de todo menos de la Guerra de Vietnam. Esta guerra no es más que el simple tajo que sesga en dos la vida de alguien, la de un chico normal que podría haber sido cualquiera de nosotros.

Se dicen muchas cosas de los millennials (ese llamado resurgimiento de la generación yuppie de los años 90 que vive a base de Instagram y canciones de Bad Bunny), pero ser joven supone la misma presión por triunfar en la vida ahora que cuando estalló dicha guerra hace 60 años.

Nacido el 4 de julio es una historia que podemos extrapolar fácilmente a la era milennial, en la que nuestra presión por destacar en más grande que nunca. Es un tema que ya vimos en películas como El Graduado: salir del instituto sin rumbo alguno y meterte en el primer jardín que encuentras. Aunque, en este caso, habríamos dado lo que fuera porque Ron se hubiera liado con una madurita en vez de alistarse en los marines.

Una historia para reflexionar

Oliver Stone utiliza, en definitiva, la Guerra de Vietnam como una mera excusa, un Mcguffin. Está, por supuesto, basada en las memorias de Ron Kovic, pero, analizándola con más detalle la historia, vemos que lo esencial de la historia es la vulnerabilidad de una generación a la que se le ha exigido más méritos que a ninguna otra hasta la fecha. Además, en el caso de Ron, es todavía más devastador cuando descubrimos que no le queda más esperanza en la vida que la de luchar contra el propio sueño que le prometieron.

Claramente todos podríamos caer en una mentira como la que tejió el gobierno americano con la Guerra de Vietnam, y es ahí donde esta historia se hace necesaria para nuestra generación. Oliver Stone, como siempre, nos hace a pensar dos veces antes de tirarnos a la piscina y nos invita a preguntar, a escuchar, a prestar atención, a no seguir ciegamente un ideal. Nos invita a vivir ahora que podemos, a aprovechar el momento, a disfrutar de las pequeñas cosas, a conocernos. Esta película remueve el Carpe Diem que nos susurraba al oído Robin Williams y que nos recuerda que no tenemos que ser héroes sino jóvenes.

Conclusión

Nacido el 4 de julio es un imprescindible biopic que presenta uno de los mayores ejercicios de desprogramación de la propaganda política norteamericana que ha dado el cine. No olvidemos que en el camino hacia la redención de Ron Kovic también encontramos el refrán “no hay mal que por bien no venga”, ya que al fin y al cabo, gracias a esta la terrible historia, hemos sido unos cuantos los que hemos abierto los ojos. Oliver Stone nos muestra las sobras, los platos sucios y restos de basura que tocó limpiar al día siguiente de la fiesta de Vietnam.

Escrito por Erika Gómez
https://cinemagavia.es/critica-pelicula-nacido-el-4-de-julio/
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lords of Chaos
Lords of Chaos (2018)
  • 6,4
    596
  • Reino Unido Jonas Åkerlund
  • Sky Ferreira, Rory Culkin, Emory Cohen, Jack Kilmer, ...
8
Crítica de Lords of Chaos por Cinemagavia
Jóvenes y rebeldes

Como decíamos anteriormente, la Noruega de los años 90 se había consolidado como un país prototípico, generando una población de gran nivel adquisitivo y educativo. Pero como suele pasar habitualmente, en tiempos de bonanza hay una oveja en la familia. Øystein Aarseth, mejor conocido como Euronymous encabezó junto a su banda Mayhem el nacimiento del Black Metal que no sólo supuso una revolución en el Metal sino un duro revés a la sociedad noruega de la época.

Satanistas, anti-cristianos, paganos, adoradores del mal… estos son algunos de los adjetivos con los que se denominaban a estos jóvenes con sus rostros pintados cadavéricamente. Lords Of Chaos nos cuenta esta interesante historia sobre adolescentes que perdieron totalmente el control de sus vidas. Pues esta música de “pura maldad” trajo consigo la quema de algunas iglesias históricas del país nórdico y el asesinato, uno de éstos paradójicamente, el del propio Euronymous.

Una visión próxima

La película de Jonas Åkerlund retrata a estos personajes desde una óptica cercana y naturalista. Sin endiosar ni ridiculizar. Pues es cierto que la película empieza con un tono amable y de comedia que va degenerando en un ambiente corrosivo, laberíntico e infernal (nunca mejor dicho). Como si se tratase de los Beatles encontramos un duelo de personalidades entre Euronymous y Varg Vikernes. No sólo se trataba de un duelo musical entre sus respectivas bandas: Mayhem y Burzum. Sino que se trataba de una contienda en el que estaba en juego el dominio absoluto del Black Metal con todo lo que eso conllevaba.

En las puertas del Valhalla

Pese a que la película sea superior en algunos aspectos respecto al ensayo de Michael Moyniham. La ideología del Black Metal está tratada superficialmente. Vikerness fue conocido posteriormente por su ideología supremacista racial y su paganismo. Es cierto que el metal en general está asociado a la idea de satanás pero en el Black Metal la mitología nórdica es la que inspira a los músicos. Si los cristianos destruyeron todos los templos vikingos, ellos quemarían sus iglesias. El guion centra el conflicto como un duelo de egos pero también es cierto que había cierta batalla estético-filosófica detrás.

Conclusión

Pero no queremos contar más de la película, aunque antes de terminar tenemos que dar algunas características interesantes de la película. No sólo la historia que cuenta ya tiene un interés mayúsculo, sino que a nivel de dirección es una maravilla. La película fluye sin disolverse en ningún momento entre el humor, el drama y el terror. Y es que he de decir que de más de 30 películas que vimos en Sitges, pocas no lo hizo pasar tan mal como Lords Of Chaos.

Escrito por David Domínguez Martínez
https://cinemagavia.es/lords-of-chaos-pelicula-critica/
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7 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Leto
Leto (2018)
  • 6,6
    197
  • Rusia Kirill Serebrennikov
  • Irina Starshenbaum, Teo Yoo, Roman Bilyk
7
Crítica de Leto por Cinemagavia
Una buena banda sonora y una conseguida postproducción

En realidad, tiene algo de trampa. La película es un frenesí de clásicos del rock, como las canciones de Lou Reed y Marc Bolan (T. Rex), mezclados con rock ruso (que a mí, particularmente, me chocó). Es evidente que el rock iba a funcionar, como siempre lo ha hecho, y más tratado de la forma en la que se trata.

A esto hay que añadir que, si no era ya suficientemente difícil encontrar la línea entre el drama y el musical, la postproducción es prácticamente de videoclip. Se puede decir tanto que son atrevidos y funcionan, como que son extravagantes y descolocan. Y sería igualmente cierto.

Aún así, dejan una buena sensación, tienen sentido y casi que se agradecen.

Hablar a cámara, ¿sí o no?

Para mí, es acertado. Sorprende y capta la atención del espectador cuando podía empezar a diluirse. Además, da inicio, o es precedido, de alguna escena o secuencia surrealista y excéntrica. De modo que, puede llegar a entenderse como la frontera entre la ficción y la no ficción. Que en ocasiones no queda del todo clara.

CONCLUSIÓN

Serebrennikov propone algo refrescante. En el elenco nadie destaca por encima del resto. Son los elementos técnicos los que le dan ese toque que la hace diferente, que unido a la banda sonora, dejan un buen sabor de boca al salir de la sala. Y si no fuese todo suficientemente alternativo, el director sigue en arresto domiciliario a la espera de un juicio.

Escrito por Rafa Velázquez
https://cinemagavia.es/critica-leto-pelicula-serebrennikov/
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Overlord
Overlord (2018)
  • 6,1
    5.388
  • Estados Unidos Julius Avery
  • Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Ollivier, Pilou Asbæk, ...
6
Crítica de Overlord por Cinemagavia
Los malos por antonomasia

Los nazis son los villanos perfectos. Crueles, inmisericordes, inmorales, déspotas… representan la peor cara de la humanidad. Odiarles es muy fácil, negarles la redención también, y sus planes de dominación mundial a cualquier precio los convierte en malvados cinematográficos con muchas posibilidades. Overlord es un film ambientado en la Segunda Guerra Mundial que muestra un nuevo enfrentamiento entre soldados aliados y peones de Hitler con un giro fantástico no especialmente original, pero seductor para cualquier amante de la ciencia ficción.

Pasando niveles
La película arranca por todo lo alto, con una secuencia de aterrizaje forzoso espectacular y adrenalínica. Desde ahí, la cámara se pega al cogote de uno de los soldados americanos que participan en la misión, encarnado por Jovan Adepo, para no separarse de él salvo en ocasiones puntuales. Así, se empieza a trazar el parentesco del film con el mundo de los videojuegos; no tanto por la acción, que se concentra en el tramo final, sino por cómo está planteada la historia, con un objetivo principal y misiones secundarias que se desarrollan en tres escenarios grandes y muy diferenciados entre sí (el bosque, la aldea, el subterráneo de la iglesia). Overlord no tiene pretensiones más allá del entretenimiento puro y duro, pero se esmera en lucir como una producción de primer nivel con un espíritu muy de película de serie B.

Parentesco mutante

La historia es sencilla pero enfatiza los horrores de la guerra (la experimentación con humanos llevada a cabo por los nazis fue real) y cuestiona la falta de escrúpulos, ética y autonomía de los soldados que combaten en ella. Los personajes son meros arquetipos (el héroe, el líder, el chulo, la chica, el niño, el novato…) pero están representados por un elenco atractivo y repleto de rostros poco conocidos pero solventes, como es el caso de Wyatt Russell y Pilou Asbæk.

El trabajo de maquillaje es fabuloso, y se agradece que el uso del CGI sea haya limitado bastante, lográndose un equilibro visual perfecto que no cae ni en lo cutre ni en lo artificial. El nivel de casquería es aceptable, y los experimentos de los nazis dan resultados más parecidos a Re-Animator (1985) que a cualquier película de zombis, aunque aquellos que hayan jugado a Resident Evil tal vez rememoren algún que otro momento vivido en la saga de videojuegos.

Conclusiones

Overlord es un divertimento curioso y disfrutable. Si bien tiene grandes momentos, como la mencionada introducción o la primera incursión en esa pesadilla infernal que es el laboratorio secreto, le habría beneficiado un poco más de locura. No se toma demasiado en serio a sí misma, pero la preocupación en no caer en la tontería le reprime demasiado, por lo que no termina de exprimir su demencial premisa. No obstante, dura menos de dos horas, mezcla géneros y tonos con tino, y casi que va a contracorriente al ser un blockbuster que no deja cabos sueltos de cara a una hipotética secuela. Son pequeños detalles que hoy en día son muy de agradecer.

Escrito por Jorge Blanch
https://cinemagavia.es/overlord-pelicula-critica/
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Crónicas de Navidad
Crónicas de Navidad (2018)
  • 5,5
    1.460
  • Estados Unidos Clay Kaytis
  • Kurt Russell, Kimberly Williams-Paisley, Oliver Hudson, Judah Lewis, ...
6
Crítica de Crónicas de Navidad por Cinemagavia
Navidades en familia

Ya están a la vuelta de la esquina los anuncios de champán, turrón y lotería. También están al caer cenas opíparas, compras navideñas y cotillones. Y entre tanto anuncio y tanto plan, seguro volveremos a disfrutar de las películas que llevan acompañándonos desde hace años en estas fechas.

Los más pequeños y aquellos espectadores con ganas de nuevas emociones tienen a su disposición Crónicas de Navidad, la película navideña producida por Netflix en la que dos hermanos unen fuerzas para salvar la celebración que ellos mismos han puesto en peligro. Por supuesto, una película navideña no estaría completa sin la presencia del mismísimo Papá Noel, a quien Kurt Russell encarna con sobrado estilo.

Russell demuestra, una vez más, que no hay género ni público que se le resista, pero el veterano actor desempeña aquí un papel secundario. Son Darby Camp (Benji), Judah Lewis (Demolición) y su historia de superación los protagonistas de Crónicas de Navidad. Sin embargo, solo Darby Camp resulta entrañable. La joven interpreta, con desparpajo, a una niña de once años decidida, optimista y valiente que será un gran ejemplo a seguir para todas las preadolescentes con una cuenta en Netflix.

Una de cal y otra de carbón

Además de resolución de conflictos familiares y momentos cargados de nostalgia, en Crónicas de Navidad hay también persecuciones en coche, vuelos en trineo y caídas en picado. Tampoco podían faltar una multitud de adorables elfos, un estiloso mundo de fantasía y referencias culturales con las que todos estamos familiarizados, incluyendo el baile del niño de la mochila. No obstante, tanta adorno fracasa en su intento de ocultar los efectos especiales de bajo presupuesto, uno de los atracos más absurdos de la historia del cine, secundarios que no resultan nada convincentes y un incómodo número musical.

Conclusión

Al tratarse de un producto de temporada con el sello de la marca Netflix, Crónicas de Navidad desprende espíritu navideño por cada uno de sus poros. En ese aspecto, cumple su cometido: entretener y ablandar nuestros corazones para recibir el mes de diciembre. Sin embargo, en cuanto los títulos de créditos aparecen en pantalla, uno siente la necesidad de echar mano de un clásico con más relleno que envoltorio para inaugurar oficialmente las Navidades.

Escrito por Esther Alvarado
https://cinemagavia.es/cronicas-de-navidad-critica-pelicula/
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3 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ángel
El ángel (2018)
  • 6,6
    3.922
  • Argentina Luis Ortega
  • Lorenzo Ferro, Chino Darín, Cecilia Roth, Daniel Fanego, ...
8
Crítica de El Ángel por Cinemagavia
Puntuación: 8,5

Ferro seduce a la cámara

Si algo hay que destacar de la película es la formidable actuación de un jovencísimo Lorenzo Ferro. El intérprete argentino llega a las salas de cine con fuerza y con la impresión de que dará mucho de qué hablar. Este es su primer filme y recoge el testigo de la sensual Lolita de Nabokov, pero en versión cruenta.

Ferro se mete en la piel de Robledo Puch, apodado El Ángel de la Muerte o El Ángel Negro, debido a su apariencia aniñada, pese a lo violento que era en realidad. Este es responsable del asesinato de al menos once personas, dos violaciones, dos secuestros y más de una decena de robos. En este sentido, Ferro se introduce de lleno en el papel, aunque mostrándonos a Carlitos, como también es conocido el personaje, desde una visión mucho más amable y entrañable. El humor negro, sus exóticos bailes y sus impulsos arrebatadores dan una profundidad inmensa al personaje.

Sin miedo a mostrar su posible homosexualidad

La relación entre Carlitos (Ferro) y su compinche Ramón Peralta (Chino Darín, en la película; Jorge Ibáñez, en la realidad), es mostrada de forma sutil pero sin disimulo. Siempre han existido rumores de que el Ángel Negro y su partner in crime tenían una relación que iba más allá de la pura amistad. Un aspecto bastante desconocido y que da la impresión que se ha tratado de esconder durante mucho tiempo.

La química entre Chino Darín y Lorenzo Ferro es palpable. La tensión entre ambos lleva ligados momentos en los que el guión se vuelve brillante. Una relación entre el amor y el odio a lo largo de toda la obra, al más puro estilo Bonnie & Clyde.

También participa en la cinta la prolífica actriz argentina Mercedes Morán, que este año ha estrenado El amor menos pensado, Familia Sumergida o Sueño Florianópolis, que están teniendo mucho reconocimiento. En esta película interpreta a la madre de Peralta. Otros conocidos actores que participan son Cecilia Roth (Los amantes pasajeros), Daniel Fanego (Acusada), Luis Gnecco (Una mujer fantástica) o Peter Lanzani (Hypersomnia). Cabe destacar que las gemelas que aparecen en El Ángel no existen de verdad, sino que están interpretadas por la actriz Malena Villa (El lobista).

Libreto redondo

La única crítica posible de El Ángel podría referirse al carácter propio del personaje, que hace sentir empatía hacia él. El guion se centra en el libro de Rodolfo Palacios: El ángel negro: La feroz vida de Carlos Robledo Puch. El mismo autor ha participado como co-guionista en el largometraje. La obra fue realizada tras sus entrevistas personales con el propio Robledo Puch durante su estancia en la cárcel . No obstante, la película se ha tomado licencias para endulzar al Ángel Negro.

Influencia de Almodóvar

Pese a que el filme es de Luis Ortega, el sentimiento de la influencia de Almodóvar se nota. El uso de los colores, los personajes en una constante tragicomedia, las situaciones inverosímiles, el color vivo y la música como elemento fundamental, están muy presentes. El filme se estrenó en el Festival de San Sebastián, donde tanto Ortega como Almodóvar fueron presentes de la gran acogida del público. También ha sido presentada en otros certámenes mundiales de prestigio, como el Festival de Cannes.

Técnicamente, los planos y los colores cuidados y la luz viva son la base del largometraje. La música también se presenta de una manera destacada, con míticas canciones de los grupos Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll, La joven Guardia o Pappo. Una reminiscencia al pasado que nos sumerge en los años 60 y 70 de lleno.

Conclusión

Ferro se estrena como actor con una espectacular película dirigida de forma magistral por Luis Ortega. La música de los 60-70, los planos coloridos y los personajes con influencia del cine de Almodóvar, retratan uno de los mejores filmes argentinos de los últimos años. Y eso que últimamente se hace mucho cine de calidad en el país latinoamericano. El magnetismo de Darín y Ferro y su química son palpables durante todo el largometraje.

A pesar de encontrarse de camino a los Oscar su nominación es complicada, debido a la preselección de joyas como Cold War o Girl, pero sin duda nos encontramos ante una gran cinta.

Escrito por Miguel Angel Romero
https://cinemagavia.es/el-angel-luis-ortega-pelicula-critica/
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8 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
La balada de Buster Scruggs
La balada de Buster Scruggs (2018)
  • 6,6
    10.065
  • Estados Unidos Joel Coen, Ethan Coen
  • Tim Blake Nelson, Zoe Kazan, Tom Waits, James Franco, ...
7
Crítica de La balada de Buster Scruggs por Cinemagavia
Los Cohen están cómodos en el lejano oeste

Si algo tienen Joel y Ethan Cohen es que se les da bien contar distintas historias que no tienen por qué tener nada en común pero que indudablemente llevan su sello. Este es el caso de La balada de Buster Scruggs. La película contiene seis historias distintas que cuentan con un denominador común, son westerns. La primera empieza con el protagonista que da nombre al título de la película y seguramente sea de las más aplaudidas, ya que los fans de O Brother, Where Art Thou? o de El gran Lebowski se sentirán como en casa.

Seguidamente nos presentan otra de las historias más potentes de la cinta, protagonizada por James Franco, donde veremos uno de los constantes de los Cohen; el cazador cazado. Para los fans de las obras más intimistas y menos alocadas como Inside Lewin Davis les han preparado una bonita historia sobre un buscador de oro muy entrañable y carismático. Sin duda, los hermanos Cohen han conseguido tocar todos los palos que les han dejado, desde el western de duelos y tiroteos, pasando por una historia de amor, hasta llegar a una historia de terror en un carruaje que recorre la oscura y fría noche.

Hacer una película de una serie quizás no ha sido tan buena idea

Si algo tiene esta obra es que es irregular, como todas las películas formadas por distintas historias. Si alguna ventaja tiene juntar historias es que siempre habrá alguien a quién le guste alguna, pero lo malo es que no a todo el mundo le pueden gustar todas. Eso hace que esta obra sea irremediablemente irregular. No solo es irregular en su tono, sino que también lo es (muy a mi pesar) en la duración de las historias. Personalmente creo que las más cortas son las que funcionan mejor en ritmo y las que tienen mejor tono. Además son las que tienen los mejores giros.

También creo que deberían de haber distribuido las historias en otro orden para hacer más amena la segunda mitad de la película. Pero si algo bueno tiene el hecho de que sean distintas historias es que desde el inicio se nos plantea como tal. Un conjunto de historias registradas en un antiguo libro ilustrado que hace fácil imaginarse cómo habría sido la serie o hasta poder verla como tal (aprovechando que es de Netflix podemos verla como deseemos).

Conclusión

La balada de Buster Scruggs es una película que destaca por su irregularidad pero que puede ser la obra definitiva de los Cohen. Al menos, la obra donde se hayan recogido la mayoría de sus fobias. ¿Pero vale la pena verla? Claro que sí. Los hermanos Cohen siempre son dignos de estudio y solo por ver a los distintos personajes que han creado ya vale la pena pasar por cualquier historia del lejano oeste que nos quieran contar.

Escrito Daniel Burón
https://cinemagavia.es/critica-la-balada-de-buster-scruggs/
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16 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Scary Mother
Scary Mother (2017)
  • 6,3
    127
  • Georgia Ana Urushadze
  • Nato Murvanidze, Dimitri Tatishvili, Ramaz Ioseliani, Avtandil Makharadze, ...
7
Crítica de Scary Mother por Cinemagavia
Puntuación: 6,5

Un elenco, sin estrellas, que brilla

Es imposible que la actuación de Nato Murvanidze deje indiferente a nadie. Llega un momento en el que te desconciertan tanto sus expresiones y gestos que hacen imposible averiguar su siguiente paso. Nato interpreta perfectamente la idea de Urushadze y llena la pantalla en todo momento.

Por otro lado, Avtandil Makharadze goza de un monólogo que hace suyo, que sufre y que, en un in crescendo, se acumula como sangre en sus pómulos y sienes, saliendo de sí como un rabioso alarido. Un maravilloso discurso que une todos los elemento de los ciento siete minutos. Bajo mi punto de vista, una excepcional forma de cerrar la película.

Los roles de género y la carga del creador

La película plantea básicamente estas dos ideas. El perfil psicológico del marido (Dimitri Tatishvili) evoluciona junto al de Manana. Él comienza tratándola con un notable tono de superioridad, haciendo continuadas observaciones sobre su aspecto con muy poco tacto. Ella cada vez tiene una mayor necesidad de alejarse de él (y sus hijos), y las tornas se cambian.

De este modo, esta necesidad nace del inherente papel de la madre como figura familiar, siendo engranaje principal e imprescindible del “nido”. Este mecanismo deja de girar cuando su profundamente arraigado espíritu creativo se abre paso entre la aburrida monotonía y brota en forma de libro. Es así como su nueva obra llenará su vida, privándola de cualquier otra actividad.

Un único pero

En la extravagante actuación de Nato hay un punto en el que el ritmo de la película se hace demasiado pausado. Una persecución a cada acto de Manana que cansa y aburre al espectador. Esto provoca que el público prácticamente implore un giro que devuelva la marcha a la cinta.

Conclusión

Urushadze dirige un interesante film que comienza atrapándote y, a pesar de que haya momentos en los que ruegas que te suelte, ejecuta de forma muy inteligente una fantástica premisa.

Escrito por Rafael Velázquez
https://cinemagavia.es/critica-scary-mother-ana-urushadze/
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La maldición de Hill House (Serie de TV)
La maldición de Hill House (Serie de TV) (2018)
  • 7,7
    11.450
  • Estados Unidos Mike Flanagan
  • Michiel Huisman, Carla Gugino, Henry Thomas, Timothy Hutton, ...
7
Crítica de La maldición de Hill House por Cinemagavia
Historia (adentrémonos en Hill House)

La historia, enésima adaptación, alguna tan desastrosa como La guarida (The Haunting), la terrible película protagonizada por Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones, Owen Wilson y Lili Taylor, de la popular novela de Shirley Jackson, versa alrededor de una casa maldita. Y aunque ello no parezca especialmente novedoso, La maldición de Hill House ha sido recibida con toda suerte de alabanzas, tanto por parte de la crítica como del público.

Entorno y personajes

Como ya he dicho, la acción principal de la serie se desarrolla en una casa (una suerte de mansión); casa a la que se muda una familia capitaneada por Olivia (Carla Gugino, vista, por ejemplo, en la adaptación cinematográfica de Watchmen y en la serie Wayward Pines) y Hugh Crain (interpretado por Henry Thomas, el niño de E.T.; Timothy Hutton en su versión más adulta); familia que cuenta con cinco hijos: Steven (Michiel Husiman de adulto; Paxton Singleton de niño), Shirley (Elizabeth Reaser de adulta; Lulu Wilson de niña), Theo (Kate Siegel de adulta; Mckenna Grace de niña) y los gemelos Luke (Oliver Jackson-Cohen de adulto; Julian Hilliard de niño) y Nell (Victoria Pedretti de adulta; Violet McGraw de niña).

La importancia de los personajes

Y sí, aunque la casa juegue un papel fundamental en la trama (la cual se nos cuenta en dos tiempos: presente y pasado), los personajes son el gran eje central de la misma.

La maldición de Hill House se toma su tiempo en presentárnoslos (cada uno de los primeros cinco capítulos, de los diez que componen esta primera, y de momento única, temporada, se centra en uno de los hijos de la familia protagonista).

Así, vemos cómo el mayor de los hermanos, Steven, se ha convertido en un escritor (de novelas de terror) de éxito, Shirley regenta una funeraria, Theo rehúye de todo contacto/compromiso y los gemelos viven en un continuo tormento tras su paso por la casa que da título a este trabajo (Luke va, además, de centro de desintoxicación en centro de desintoxicación).

A todos ellos, así como a sus progenitores (tranquilos, no voy a soltar ningún spoiler más), les afectó (como podremos ir viendo/comprobando), de distinta manera, su paso por la imponente Hill House.

Un gran drama familiar

Porque sí, esta serie es, por encima de todo, un (mega) drama familiar.

Mike Flanagan (el creador) se esfuerza por implicarnos en los problemas (sobrenaturales o no) a los que se enfrentan nuestros protagonistas; se toma su tiempo en, como ya he dicho, presentarnos a los personajes, poniéndonos en contexto (como también he dicho, la trama se desarrolla en dos tiempos: presente y pasado) e intentando que empaticemos con sus distintas causas (a pesar de que algunas, sobre todo las paranormales, claro, no nos puedan ser más ajenas).

También ayuda, y mucho, la excelente labor llevada a cabo por un reparto comprometido y mucho más que cumplidor.

Eso por no hablar del notable acabado del que hace gala la serie (todo en ella sobresale, desde los escenarios hasta el trabajo de maquillaje y efectos especiales), muy superior a lo que nos tiene (por desgracia) acostumbrados este tipo de producciones de género (sí, por mucho que, al menos para servidor, La maldición de Hill House se enmarque más en el género de drama que en el de terror; que también, ¡ojo!).

Conclusión

Los fans más acérrimos del subgénero de casas encantadas puede que se sientan un tanto defraudados/estafados (más por cómo se ha vendido este trabajo que por otra cosa), pero La maldición de Hill House se destapa como una serie altamente recomendable (de factura cuasi impecable) a la que, eso sí, flaco favor hace el factor ‘hype’.

Lo mejor: Prácticamente todo el apartado técnico (sonido, decorados, vestuario, efectos especiales, maquillaje) e interpretativo (los actores se toman su labor muy en serio, algo tristemente inaudito en este tipo de propuestas; siendo justos también conviene señalar que pocas obras de terror pueden contar con el trasfondo de una serie de diez horas como la que nos ocupa). El trabajo de dirección también cuenta como otro de sus puntos álgidos (atención al magnífico uso del plano secuencia).

Lo peor: Que haya sido vendida como una serie de terror cuando en realidad estamos ante un drama con pinceladas de terror sobrenatural (los sustos están más que contados y no siempre son todo lo efectivos que debieran).

Escrito por Javier Mazo
https://cinemagavia.es/primera-temporada-la-maldicion-de-hill-house/
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Arde Madrid (Serie de TV)
Arde Madrid (Serie de TV) (2018)
  • 7,3
    4.412
  • España Paco León (Creator), Anna R. Costa (Creator), ...
  • Inma Cuesta, Paco León, Debi Mazar, Anna Castillo, ...
8
Crítica de Arde Madrid por Cinemagavia
El guion ha sabido elegir unos protagonista con personalidad propia, que se ven ensalzados al lado de la figura de Debi Mazer como Gardner. Inma Cuesta y Paco León demuestran tener una química en pantalla que hacen que el espectador aplauda el buen hilo narrativo de la trama principal. La realidad es que Gardner es la excusa para mostrar una realidad de aquel tiempo en la sociedad alta, pero también en su servicio. Por esta parte, Anna Castillo encarna una joven ingenua de su época, algo que hace recordar su papel en ‘Amar en tiempos revueltos’ como Dorita. El puzzle de personajes está muy bien construido, algo que da naturalidad y carisma al resultado.

La multitud de cameos encarnando a personajes célebres de la época es un guiño hacia el público que se agradece. Se ven varios reencuentros de actores que trabajaron el mismísimo León en series o películas como ‘Aida’. Un homenaje en toda regla a grandes figuras de la farándula española como Lola Flores. Por último, subrayar positivamente la inclusión del general Perón y su esposa, Isabel. El matrimonio argentino da ese punto de guindilla que crea un universo más alejado de la superficialidad de los focos y más cerca del realismo.

La metáfora visual de la elegancia caótica

Si se habla de una estrella como Ava Gardner es imposible no mencionar los excesos y faltas que vivió la actriz americana. De forma visual, Arde Madrid construye un cuadro en el que se puede leer entre líneas como es la realidad de Gardner: desordenada, pasional y caótica, pero brillante. Por ende, esta tempestad de Hollywood también arrampla con la identidad de la ficción. Todos los personajes viven su propio embrollo emocional, sexual y vital. El blanco y negro consigue que no sea un recurso caprichoso, sino que aporta sensualidad y elegancia a la serie. Se da un tono necesario y es una apuesta arriesgada que ha obtenido un resultado impecable.

La realización técnica está muy cuidada y con la intención clara de no caer en los estereotipos de telefilmes de estrellas. Se ve que no va con la intención de ser un realismo crudo, pero los planos dibujan un realismo que acerca a las figuras que se presentan al público. La ambientación del Madrid de los 60 está muy bien construido. No se puede negar también que hay un ritmo visual y narrativo muy dinámico. La duración ayuda que sea una ficción televisiva muy fácil de consumir, además de saber encadenar las problemáticas que se exponen para tener al espectador pendiente. La iluminación y la fotografía son de aplaudir, dado que es lo que aporta mayor dramatismo y ensalza el frenesí en pantalla.

El sabor cañí de la España más hollywoodiense

Paco León es un realizador que bebe mucho del ideario español, ya sea de una forma más conceptual como en ‘Kiki, el amor se hace’ o más artística y directa como pasa en Arde Madrid. Desde el principio se presentan algunas de las brillanteces de la cultura española y por la que es conocida en el resto del mundo. La música da ese aroma cañí con un desgarro del flamenco que agradece la ficción. La inclusión de personajes arquetípicos de ese tiempo como los gitanos, las mujeres franquistas o la Guardia Civil aporta hacia esa esencia nacional que para un proyecto de este calibre era difícil de manejar. Los elementos más hispanos se ciñen a la influencia americana del momento y juegan con el humanismo propio de los personajes.

No es extraño que se busque que estén de forma anecdótica personajes como Lola Flores, Carmen Sevilla o la propia Marisol. Por lo cual, se entrega al público de una manera visual historia de su propio país. Con esto, da información sobre esas grandes noches matritenses que ahora ya son inspiración para nuevos artistas. Ese universo madrileño que era capaz de mezclar a una diva de Hollywood con una de las folclóricas mejor valoradas en Europa, los gitanos con los artistas. Una parte de la historia de España que merecía ser contada y ha sido llevada a cabo de una manera bien bordada.

Es posible ver hasta realidades de ese tiempo como el tráfico de embarazos. Por último, la idea es muy original e inteligente. En el universo de grandes artistas, hay siempre un servicio que “oye y ve, pero calla”. Es muy interesante ver más allá de la vida de esta gran figura, para ser una serie coral en el que todos merecen ser escuchados.

Conclusión

Arde Madrid es una ficción española que ha sabido mezclar el sabor cañí con el glamour de Hollywood. Una serie que habla sobre los sentimientos, lo destructivo y las pasiones desde un prisma en continuo contraste. Unas interpretaciones excelentes encabezadas por Paco León e Inma Cuesta. Debi Mazar da una gran actuación, resucitando en su piel a Ava Gardner. Una idea original con un resultado impecable. Un retrato de la España franquista en el que el arte, las grandes figuras, las polémicas, los excesos se unían a la buena moral del tiempo, al que dirán y la decencia. Una manera de afrontar distintos temas más generales como el amor hasta más íntimos como el deseo de ser o no padre. En resumen, es la explosión de las pasiones en una de las España más herméticas de la historia. Un deleite y una muestra del gran avance de la ficción española.

Escrito por Diego da Costa
https://cinemagavia.es/arde-madrid-critica-serie/
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14 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bienvenida a Montparnasse
Bienvenida a Montparnasse (2017)
  • 6,1
    326
  • Francia Léonor Serraille
  • Laetitia Dosch, Souleymane Seye Ndiaye, Grégoire Monsaingeon, Jean-Christophe Folly, ...
8
Crítica de Bienvenida a Montparnasse por Cinemagavia
La enfermedad del amor

Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) comienza de una forma directa, con un plano mirando a cámara y una Laetitia Dosch que solo tiene como atrezzo su propia interpretación. Dosh hace una de sus mejores actuaciones en pantalla. Expone de una forma clara la vorágine de sentimientos con los que se da el pistoletazo de salida al film. Cruda y realista. “La libertad es para los egoístas” sería un buen resumen de la exposición de la introducción al universo de Paula. En esta primera parte de la cinta se produce una explosión narrativa que engatusa al espectador. Las intenciones quedan muy claras y se ve el carisma de un guion repleto de situaciones cotidianas, que se convierten en brillantes y peculiares. Han sabido transformar lo que podría ser una historia más en algo original y sobre todo, cercano.

En este primer episodio, por llamarlo de alguna forma, se expone cómo el amor es capaz de transformar a las personas desde lo más profundo. Una especie de enfermedad que va por dentro y arrasa con todo cuando se torna en oscuro. Las obsesiones, la locura… se hacen patente en esta primera parte. Da uno de los mejores momentos del film: ese monólogo histriónico y dramático que se completa con una ironía muy bien manejada. De esta forma, se aleja de un tono demasiado serio y lo conduce al género de la dramedia con un buen acabado. El amor vuelve a ser el tema principal de este film. Toca varias vertientes bien cosidas entre ellas y con una naturalidad digna de destacar. La vida de Paula, pese a no ser lo convencional en ocasiones, hace que el público empatice con ella y su pequeño mundo.

Libertad femenina

El mundo del cine siempre ha tenido grandes figuras femeninas en sus películas, pero se observa que en los últimos tiempos se hace hincapié en dar un contexto que homenajee a las mujeres y las alejen de los clichés. En Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) la feminidad se ve expuesta en varios personajes, ya que tiene mayor peso en las tramas de la cinta. Este detalle es muy importante, dado que vemos distintos mensajes y personalidades de la mujer. Se humaniza a los personajes de tal forma que se convierte en una reivindicación visual, no cae en los estereotipos que se atribuye al género femenino en el cine en ningún momento. Además, una particularidad que se da en la película es cómo el proceso de transformación de Paula hace que su círculo vital cambie las tornas y sea ella la figura fuerte, valiente. Arrasa con su carga emocional.

La utilización de partir de un desengaño amoroso hace que sea todavía más importante el mensaje que se quiere transmitir: la falsa necesidad de tener a una persona al lado para ser feliz. El marco temporal de Paula hace que a lo largo del metraje se vea cómo van formando una complejidad que ocurre en la vida misma. Comienza con una joven dependiente del amor, perdida ante la adversidad de terminar una relación tan larga para alzarse después como una mujer autosuficiente y liberada. El enfrentamiento que hace con su partenaire masculino sabe plasmar toda esta energía. Provoca que el espectador vea esa metamorfosis no solo en los personajes, sino en todas las tramas y subtramas que se han ido produciendo en el film.

A la francesa

Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) tiene sello propio. Juega con los recursos estilísticos más propios del cine francés. Lo positivo es que lo realiza de una manera coherente y sin aburrir al público. Los silencios, los personajes escandalosos y pasionales, los planos cerrados, la desnudez, escenas cotidianas, entre otros, se entremezclan con una emoción que aúna todos los elementos narrativos de una manera más que notable. A nivel visual, se asemeja a un cine más alternativo, hace del espectador testigo. Le incita, al colocar la cámara tan cerca de los acontecimientos, a participar activamente. De esta forma, se tiene la sensación de comodidad y de cotidianidad con un reflejo sentimental que capta al público de forma instantánea hasta el final.

Únicamente cae en un pequeño error que no termina de hacerla redonda: el exceso de subtramas. Pese a manejarlas correctamente, puede despistar al espectador en algún momento. Tal vez hubiera estado mejor reducir la participación de algunos personajes. Sin embargo, no se encuentra que ninguna historia sobre. Todas conforman el universo de Paula. De esta forma, esta pequeña falla sigue enriqueciendo a la película. Aunque pueda abrumar y desorientar en contadas ocasiones, lo dinámico y el buen ritmo que tiene la película hacen que sea una mera anécdota. Una dramedia francesa que da un resultado brillante, sobre todo por la imagen que da el título: Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme), que poco tiene que ver con lo que se muestra en la cinta.

Conclusión

Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) es un retrato íntimo de la liberación de la equivocaba visión que se le da al amor en ocasiones. Una muestra de la independencia femenina y la creación de un universo con claroscuros resueltos con ironía, emoción y realismo. Laetitia Dosch brilla con una gran actuación y consigue tener un reparto a la altura. Una dramedia que tiene todos los ingredientes para fascinar al público. Una narrativa que parte de un tema tan general como el amor, pero que llega a asuntos más acotados como el sector laboral en París. Una película que no deja indiferente y una gran carta de presentación para el debut de Léonor Serraille en el cine.

Escrito por Diego da Costa
https://cinemagavia.es/jeune-femme-montparnasse-pelicula/
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Maquia, una historia de amor inmortal
Maquia, una historia de amor inmortal (2018)
  • 6,5
    485
  • Japón Mari Okada
  • Animation
7
Crítica de Maquia por Cinemagavia
Puntuación: 6,5

Un espectáculo visual que destaca por encima de la media

Maquia, una historia de amor inmortal destaca principalmente por su hermosa animación en 2D que recuerda a tiempos pasados. Cada plano de la película desprende arte y originalidad dejándote con la boca abierta y deseando conocer tan bellos lugares. Estas localizaciones recuerdan a la serie Juego de tronos o a videojuegos tan míticos como las sagas Fable o Dragon Quest.

Esta película sobresale por encima de la media al recurrir a un tipo de animación más tradicional escasa en nuestros tiempos y que la hace más atractiva que otras propuestas de grandes estudios como pueden ser Disney o Dreamworks.

Maquia, una historia de amor inmortal: maternidad y guerra

A finales de este verano pudimos ver una de las grandes producciones de este año: Los increíbles 2, película que comparte el tema de la maternidad con Maquia, una historia de amor inmortal. Sin embargo, mientras que la producción de Pixar se centraba en mostrar un tipo de maternidad actual en la que la madre es la que trabaja y el padre el que se encarga de los hijos, este anime aborda el tema desde los temores de una huérfana que desea ser madre.

Mari Okada aborda este asunto desde un punto de vista más femenino, en el que son las mujeres las creadoras de vida y los hombres los destructores de ésta.

Los motivos y sentimientos que mueven a la protagonista son tan reales y cercanos que calarán hondamente en las madres. El temor a que crezcan y abandonen el hogar o el amor que da un hijo y el dolor que causa cuando crece son algunos de los temas tratados en Maquia, una historia de amor inmortal.

Este enfoque puede chirriar un poco al ser una visión tradicional de los roles de género. No obstante, no debemos llevarnos las manos a la cabeza porque en Maquia, una historia de amor inmortal, la escritora y guionista trata la maternidad de una forma muy innovadora, al hablar de madres solteras que no dependen de los hombres para criar a sus hijos.

A este tema se une otro, el temor a amar y perder a un ser querido. Por suerte, la película se distancia de otras de corte romántico al tratar de la pérdida de los hijos y no de una pareja, acercándola a obras como la muy recomendable El congreso.

Por este motivo creo que Maquia, una historia de amor inmortal es una película muy actual al tratar sin complejos un tema que sigue siendo polémico, el de las madres solteras.

Maquia, una historia de amor inmortal y la pornografía emocional

El principal problema que le veo a Maquia, una historia de amor inmortal es ser una película demasiado triste y que busca la lágrima en el espectador prácticamente en cualquier instante. Mari Okada toca todas las fibras sensibles del espectador, cuyos sentimientos se exaltan hasta niveles insospechados gracias a la impresionante banda sonora compuesta por Kenji Kawai.

En ciertos momentos, Maquia, una historia de amor inmortal roza la pornografía emocional llegando a niveles extremos en un final que no acaba nunca y que se explica demasiado.

Conclusión

Maquia, una historia de amor inmortal me maravilló y me horrorizó. Me hizo viajar a unos lugares únicos y me fascinó con su animación. Por desgracia, esa pornografía emocional me hizo resoplar en numerosos momentos y me distanció de la película. A pesar de ello, considero que es una gran película que encantará los seguidores de cualquier tipo de animación y de los dramas lacrimógenos.

Escrito por Otto Buendía
https://cinemagavia.es/maquia-pelicula-critica/
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9 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los hijos de Satán (Satan's Slaves)
Los hijos de Satán (Satan's Slaves) (2017)
  • 5,4
    281
  • Indonesia Joko Anwar
  • Bront Palarae, Tara Basro, Endy Arfian, Dimas Aditya, ...
5
Crítica de Los hijos de Satán por Cinemagavia
Dos metros no son suficientes

La fiesta de Halloween se llena de pequeños vástagos cuando el 31 de Octubre se acerca como una sombra dulce. Unos preparan los disfraces, otros el alcohol y los porros, y existe un tercer grupo que busca en la cartelera cintas que acuchillen la pantalla de cine y emerjan con una sonrisa sangrienta. Este último grupo experimenta algo parecido al éxtasis o a la proyección psíquica de otra personalidad en sus cuerpos; esa personalidad que todo el año racaneaba un mínimo de calidad y de caricias por parte de la crítica ahora se conforma con el título que logre agitarle levemente en el asiento porque: “¡qué coño! ¡Es Halloween!”.

Los hijos de Satán corresponde a esa lista halloweenesca sin aparecer en su fecha. Estrenada oficialmente el 28 de septiembre de 2017 en Indonesia, la película se ha arrastrado como una enfermedad por distintos festivales especializados en terror hasta que por fin, este mes de noviembre, llegará a España por medio de la plataforma Movistar + el día 13 y en cines el 16. ¿Qué es entonces Los hijos de Satán? ¿Una película olvidada que ha llegado rascando de puerta en puerta con sus uñas ya rotas? Es una película tardía, desde luego. Un residuo de Halloween al que algún distribuidor ha llegado tarde.

Demonios, niños y extenso cabello moreno

La película va perdiendo trozos de carne conforme se va descomponiendo minuto a minuto. Pierde sus dientes ya podridos, se le cae una verdosa orejita y sus articulaciones ya chasquean a punto de partirse. Los hijos de Satán comienza creando una atmósfera llena de padecimiento, de malestar, y fustiga al espectador muy levemente con tramos de tensión que quieren acabar en susto. En este intervalo la película de Joko Anwar demuestra que posee una planificación muy cuidada y un equipo técnico que poco tiene que envidiar al de las grandes producciones norteamericanas, sin ir más lejos la recreación de la ambientación (año 1981) está absolutamente conseguida. Y ahí se le cae un trozo de grasa podrida, y ahí va un mechón de pelo con dádiva.

El desarrollo de Los hijos de Satán es una pequeña calamidad. La tensión generada durante sus primeros minutos se va diluyendo en un collage de ideas importadas. Sí, será el remake de un remake, pero eso no exime a la película de la lucha por crear algo novedoso. Y es que no es el hecho de que esta pasta cinematográfica ya haya sido regurgitada dos veces, el problema radica en que sus personajes caminan sobre los clichés del género más fétidos y degenerados.

‘Cause this is thriller

El reparto encabezado por Tara Basro realiza un trabajo muy basculado. La actriz protagonista no pierde la mirada de su personaje ni entre la cotidianeidad ni en el horror; lo mismo podría decirse de sus jóvenes acompañantes protagonistas: Endy Arfian compone un adolescente muy creíble y los niños Nasar Annuz y M. Adhiyat ni molestan ni rebajan el nivel de la película. Una lástima que ni este casting ni el talentoso trabajo de Joko Anwar y el equipo técnico logren levantar la acumulación de tópicos que se suceden uno detrás de otro ordenadamente.

Si este muerto viviente ya apenas puede caminar, tenemos que añadir el tiro al pecho de la labor realizada en montaje y en la pista de audio. La broma de elevar el sonido en sustos o acariciar el violín en circunstancias tensas ya debería haberse olvidado. Pero ¡truco o trato!, y nos han llenado el salón –que no la sala de cine- de huevo podridos. Es una lástima, de verdad, pues los despojos de Halloween, estas películas que llegan tarde a la fiesta, también pueden ser disfrutables, algunas merecen un abrazo, pero Los hijos de Satán está tan desfigurada que del mero roce se descompondría en una nube de polvo.

Conclusión

Si no te importa revisitar los tópicos del cine de terror Los hijos de Satán puede ser una película con la que ir de la mano a estos lugares. Es un filme en el que a partir de cierto punto no puedes evitar quejarte en voz alta, charlar sobre la otra película a la que parece estar referenciando o el próximo viaje que te gustaría hacer. Sin esperar gran cosa, si el género te apasiona y si ya tienes esa plataforma audiovisual que la ofrece, puede ser un nuevo título que agrade a la lista de visionadas; tic.

Escrito por Daniel González Fernández
https://cinemagavia.es/critica-los-hijos-de-satan-pelicula/
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El veredicto (La ley del menor)
El veredicto (La ley del menor) (2017)
  • 6,1
    946
  • Reino Unido Richard Eyre
  • Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, ...
8
Crítica de El veredicto (La ley del menor) por Cinemagavia
Exploración más allá del bien y del mal

Partiendo de un tema controvertido y complejo como es la supervivencia y la lucha por su derecho, el film plantea la cuestión con justicia sin evadir la crudeza social, religiosa y familiar. ¿Hasta qué punto vendemos nuestras elecciones a ciertas causas? ¿Qué sentido le damos a la vida y a aquellos que forman parte de nuestro camino? ¿Es la salvación obra del destino, de la mano de los demás, o de nuestros pasos?

El veredicto permite que el público analice la situación de los personajes hasta adentrarse en su piel. Todo gracias a una mezcla donde cohabitan la carga dramática y el tono humorístico de una manera correcta y cercana. Y también a una banda sonora y a un empleo de componentes literarios y musicales que despiertan la compasión y la empatía.

Mirada al interior

En esta época contemporánea, es necesario recordar que los precipicios a los que nos enfrentamos éticamente y que las decisiones que tomamos a diario nos convierten en quienes somos. Y es justo ahí donde El veredicto consigue conectar con el espectador.

*Habla del dilema de escuchar dentro de nosotros mismos y en la fragilidad de las consecuencias.
*Trata las posturas defensivas, duras y extremistas y el deseo de proteger y mantener a nuestro lado a las personas a las que apreciamos.
*Nos embarca en la batalla por preservar la salud y la fe.

El talento de las estrellas

En El veredicto las interpretaciones son excepcionales. Los secundarios cumplen su misión, pero los principales son supremos.

Stanley Tucci trabaja con naturalidad, moviéndose entre la comedia y los momentos sentimentales con soltura y aportando determinación al personaje.

Emma Thompson es la reina de la sala. El hada de la varita cuyas elecciones abren y cierran puertas dentro y fuera del mundo de la ley. No solo transmite rectitud y elegancia. Integra en Fiona las inseguridades y los temores de una mujer que ha construido un muro ante su entorno. La jueza se apoya en su atmósfera laboral para sobrellevar la tormenta de emociones que tiene dentro y que no exterioriza. Su ferviente deseo de hacer el bien y de ejercer la autoridad consumen sus sueños e intoxican su visión. Y, por ello, esta se torna más fría y cerrada según deja que los casos sean su única fuente de autorrealización. Sin embargo, detrás de su carisma se encuentra alguien con más preguntas que respuestas. Una esposa con más debilidad que coraje para enfrentar sus sentimientos y los de los demás.

Fionn Whitehead abraza su papel con exquisita intensidad. Su actuación es un poema de carne y hueso. Se convierte en una maravillosa construcción lírica que transmite más allá de las palabras y los actos. El joven protagonista de Dunkerque sabe cómo dotar al personaje de inocencia, picardía, dulzura y sensibilidad. Vemos su vulnerabilidad y, a la vez, su fuerza vital. Los matices, la evolución psicológica y la voluntad de Adam fluyen a través de él con pasional maestría. Sus minutos en pantalla son puro corazón.

Este personaje representa el canto de un alma que percibe la belleza del mundo. De un chico que ama la vida por encima de las banalidades, de la crueldad y del dolor. El espíritu de alguien que busca comprender el significado de la existencia, la libertad y las conexiones personales. Pero también es el llanto de un ser humano cuya soledad interior es el verdadero pozo de oscuridad. El cáncer real: la profunda y sangrante herida de la desdicha. El poder de la tristeza y el miedo al vacío (ya sea en esta tierra o en los reinos lejanos de la muerte).

La adaptación del año

Y con ese conmovedor trabajo, un millón de aplausos seguirán siendo pocos para reconocer el talento y el amor con el que se ha realizado esta pieza de arte. Una historia única para reflexionar sobre la moralidad, los límites de la ley (tanto la del corazón como la del Estado), y la capacidad del arte y del contacto humano para sanar vidas.

Escrito por María Iglesias
https://cinemagavia.es/el-veredicto-la-ley-del-menor-pelicula-critica/
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7 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Malos tiempos en El Royale
Malos tiempos en El Royale (2018)
  • 6,5
    6.375
  • Estados Unidos Drew Goddard
  • Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, Chris Hemsworth, ...
6
Crítica de Malos tiempos en El Royale por Cinemagavia
De la cabaña al Royale

La ópera prima de Drew Goddard, La cabaña en el bosque (2011), ganó rápidamente el estatus de culto gracias a su ingeniosa forma de rendir tributo a los clichés del género de terror, y eso que le costó llegar a los cines al pillarle de lleno la bancarrota de su productora, MGM. Tras firmar el guion de Marte, una de las producciones más exitosas del 2015, Goddard ya se puede considerar de la élite de Hollywood, así que para su segundo largometraje como director y guionista, ha podido reunir a un elenco de primer nivel y tener el respaldo de un gran estudio.

Malos tiempos en el Royale es una película completamente original, lo que siempre supone un riesgo para la taquilla, aunque el ajustado presupuesto (35 millones de dólares) podría amortiguar el plausible fracaso. Pero en esta ocasión, no es tan probable que pueda revalorizarse con el tiempo como obra de culto.

La larga sombra de Tarantino

Goddard se toma su tiempo para exponer el escenario y a los personajes de un relato noir a lo Agatha Christie; la presentación evoca directamente a Tarantino, especialmente a Los odiosos ocho (2015), dada la forma en la que dosifica la información, separa los puntos de vida por episodios, y deja que sus personajes conversen para asentar el tono. Pero por muy buen guionista que sea, Goddard carece de la chispa y la creatividad que tiene el director de Kill Bill al escribir diálogos.

Por tanto, ni termina de exprimir el potencial de los personajes, ni mantiene siempre controlado el ritmo de la narración. El film dura dos horas y veinte que se perciben innecesarias, sobre todo cuando la debutante Cynthia Erivo se dispone a cantar… por tercera o cuarta vez. Y sin cortes.

Aquellos oscuros años 60

No obstante, Goddard consigue mantener viva la atención del espectador gracias al eficiente manejo del suspense y al buen puñado de sorpresas y giros desconcertantes que posee el relato hasta poco antes del desenlace, pues éste resulta mucho más rutinario y convencional de lo que cabría esperar. Antes de llegar a él, y valiéndose del bagaje de los personajes, dibuja una América de los años 60 bastante turbia: la guerra de Vietnam, el auge de las sectas, el racismo, la corrupción, el auge del consumo de drogas, asesinatos, chantajes…

La película apela a la socorrida nostalgia para ambientarse a finales de una década particularmente oscura para la historia de unos Estados Unidos que comenzaron los 70 en busca de una redención que, al igual que pasa con algunos de los huéspedes de El Royale, no siempre llega a tiempo.

Conclusiones

Malos tiempos en El Royale es bastante irregular, pero goza de un trasfondo rico en matices y un atractivo reparto en el que destacan particularmente Jeff Bridges, Lewis Pullman, Dakota Johnson y John Hamm, siendo los dos primeros los que tienen los personajes mejor desarrollados del conjunto.

Por las expectativas generadas, se supone que Chris Hemsworth es la carta escondida bajo la manga para la traca final, pero el actor no se muestra tan carismático como en las últimas ocasiones en las que ha encarnado a Thor, y su villano resulta ser el típico charlatán imprevisible (como el Negan de The Walking Dead) que provoca más tedio que miedo.

Con todo, y aunque se crea mejor de lo que en realidad es, la estancia en El Royale es lo bastante curiosa como para que valga la pena pasar una velada en sus decadentes instalaciones.

Escrito por Jorge Blanch
https://cinemagavia.es/malos-tiempos-en-el-royale-pelicula-critica/
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39 de 54 usuarios han encontrado esta crítica útil
Colette
Colette (2018)
  • 6,3
    1.153
  • Reino Unido Wash Westmoreland
  • Keira Knightley, Dominic West, Denise Gough, Fiona Shaw, ...
7
Crítica de Colette por Cinemagavia
La orgullosa precursora del #Me too

La figura de Colette ha sido desde siempre un parteaguas dentro del mundo de la literatura y el arte: avanzada, revolucionaria, libertaria (y libertina) extremista… Una personalidad que rompió moldes toda su vida y que fluyó con la corriente de la modernidad rampante del comienzo del siglo y más allá.

Poseedora de una personalidad arrasante e ingenio creativo, supo colocar su prototipo de mujer y discurso literario en la mente de todos. Rebelde y demasiado autoconsciente de su mente y su cuerpo, creo todo un estilo y supo afrontar las consecuencias de su manera de percibir su espacio y su tiempo. El amor, el sexo y las manifestaciones del arte.

Claro que, como en toda biografía, la película no puede narrar a detalle todos los millones de acontecimientos en la vida de esta mujer y opta por conducirnos por un camino de pinceladas que la definen. Fijando su atención en las partes mucho más glamorosas que en las áreas oscuras. Lo que nos deja claro es que Colette pasaba por completo de las reglas y le importaba muy poco el “qué dirán”.

El director inglés, Wash Westmoreland, quien coescribe el guión con Richard Glatzer y Rebecca Lenkiewicz, se encarga de conducirnos por un comienzo que pintaría como la clásica “película de sombrillita” a la que nos tiene acostumbrados Knightley, cuya romántica presencia pinta en los primeros minutos a una aparentemente tímida y normal muchachita campirana, pero pronto iremos descubriendo que es solamente una “estratagema” para ver el crecimiento de Sidonie que es el deseo del director y sus escritores.

El fruto de la vida Parisina

Si consideramos el ambiente en el que se ve imbuida, en ese París bullicioso donde aparecían importantes movimientos de arte y literatura, con grandes personalidades conviviendo al rededor, podemos tener el retrato perfecto de lo que la joven debió sentir; ese es el motor de la película, mostrarnos la transformación de una joven en mujer, de una chica de campo a una mujer dueña de sí misma que no dudó en pronunciarse por temas tan avanzados como la identidad de género, amando lo mismo a hombres que a mujeres, con o sin, el consentimiento de su marido con quién vemos que tenía una relación muy moderna.

Y colateralmente haciéndonos entrar en la tortuosa relación de explotación creativa entre Willy y Colette y en su ulterior independencia al relacionarse sentimentalmente con la controversial “Missy”, Mathilde de Morny (Denise Gough), una noble librepensadora (y declaradamente gay) con quién Colette conoció un mundo nuevo; el Vaudeville, el teatro… y otros placeres y áreas de la vida…

Protagonistas apasionados y apasionantes

Keira Knightley se entrega al mundo de Colette con devoción, con la misma pasión con la que encarnó a sus personajes clásicos: Cecilia en Expiación, más allá de la pasión o Elizabeth en Orgullo y Prejuicio.

Dominic West encarna a un Willy sofisticado, dueño de la situación, de finas maneras y porte aristocrático, hedonista, empapado de la modernidad en sus formas más avanzadas, pero al mismo tiempo explotador, mentiroso, cruel y dependiente.

Que en su voracidad de fama y fortuna no dudaba en no simplemente usar a Colette para escribir en su nombre, sino a otros. Todos caían en sus redes de seducción dejándose chupar la sangre por este vampiro creativo. Y esa seducción alcanza en más de una manera a Colette, no obstante lo rebelde y desinhibida que fuera, la fuerza de la atracción de Willy sobre ella se plantea como una poción enervante que la intoxica y atrapa provocando irónicamente su liberación final.

La conjunción de West y Knightley en pantalla inunda de seducción y perversidad esta relación a todas luces suigeneris y en la que el tema del escritor fantasma vuelve a ser tratado por segunda vez en este año junto con La Buena Esposa una relación tan enervante de amor/odio, sujeción/dominación y dependencia que no puede sino provocar interés morboso e intriga a partes iguales.

Cómo no caer ante la seducción?
La fotografía y el vestuario son exquisitos y deambulan en los escenarios más parisinos posibles en un aire de nostalgia y liberalidad que se cuela por todas partes reforzando el contexto en el que se generó la vida de esta mujer y dando a Knightley todas las oportunidades de brillas con soberbia sofisticación y sensual perversidad.

Sin embargo…
Un aspecto que puede ser un poco chocante es la tropicalización del lenguaje de la película pues los parlamentos están en inglés no obstante que el personaje de Colette escribe en francés. Con la clara idea de hacer que la comercialización de la película sea más internacional.

Punto final

Al final Colette es un breve relato de homenaje a una personalidad demasiado avanzada y controvertida para su época, que solamente es un fragmento, (no carente de brillo y glamour), pero finalmente es una visión seleccionada por los escritores, no obstante el tenaz trabajo de West y Knightley tomar a un personaje tan controvertido y a la vez tan olvidado en la actualidad, que estuvo demasiado fuera de las normas como para poderse enmarcar en cánones, no simplemente narrativos dentro de un film, sino para comprenderlos con la correcta dimensionalidad en su propio espacio/tiempo o trasladándolos a nuestros días, donde el empoderamiento femenino y la identidad de género siguen luchando con vehemencia.

Para mostrarnos como la vida, obra y devaneos de una mujer icónica que supo transformarse a sí misma e influir en su entorno siguen siendo tan apasionantes y fogosos como entonces.

Escrito por Fabián Quezada León
https://cinemagavia.es/pelicula-colette-critica/
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11 de 17 usuarios han encontrado esta crítica útil
Familia a la fuerza
Familia a la fuerza (2018)
  • 4,6
    136
  • Francia Emmanuel Gillibert
  • Arnaud Ducret, Louise Bourgoin, Timéo Bolland, Saskia de Melo Dillais, ...
7
Crítica de Familia a la fuerza por Cinemagavia
Ese no sé qué, francés

Desde luego, desde los cortos sabes que no esperas ninguna sorpresa de esta simpática comedia francesa. Los elementos están claramente marcados, es una lucha de dos que se odian, que se amarán después; salpimentado por el asunto de haber dos niños de por medio.

Como siempre, los franceses tienen ese no sé qué para sacar de algo tan trivial y visto, una buena dosis de diversión.

Estereotipos que se aman/odian y… !funcionan!

Tenemos personajes prototípicos muy clásicos, Antoine (Arnaud Ducret), soltero, cuarentón y viviendo en una “adolescencia prolongada” (fiestas, sexo, drogas, y juegos de vídeo) que trabaja (¿dónde si no?) en una agencia de publicidad.

Sus amigos también viven la vida loca y parecen el clan perfecto: hombres divirtiéndose a sus anchas en el juvenil y liberal mundo de hoy en día.

Pero esa especie de nirvana del soltero se ve fragmentada sorpresivamente cuando Thomas, el amigo que comparte el departamento con Antoine (y verdadero dueño del mismo) es transferido a Los Ángeles.

Tu conquista es una… ¿mamá?… ¡Ooops!

Como podemos imaginar, la sorpresa de Antoine al conocer a Jeanne (Louise Bourgoin) no es nada cuando se entera de que se muda con sus dos hijos a su paraíso solteril. Obvio sería decir hacia dónde va a ir la trama… Pero lo que hace a esta película divertida es la manera en la que traza su ruta para contarnos la historia y como va presentando la evolución de los protagonistas para de una manera simpática ir también venciendo nuestras defensas ante la cuasi imposible relación de Jeanne, sus hijos y Antoine.

La invasión, que comienza como una guerra declarada, irá metiendo de cabeza a Antoine en la “otra cara de la moneda” (Es difícil de creer pero… hay una vida mucho más allá de “esas noches de copas, esas noches locas”…)

Eterno adolescente

Antoine, conjuga en sí mismo el espíritu del soltero empedernido en su acepción más clásica, mezclándolo con otras características modernas: es machista, egocéntrico y tiene horror a los niños… porque, finalmente, él es un niño.

La abrumadora tarea materna

Jeanne es la típica ama de casa joven, madre, trabajadora, recién divorciada y desesperada. Además, tras su divorcio se encuentra forzada a reiniciar su vida, actividad que ha olvidado por enfocarse a todas las tareas antes mencionadas.

De esa manera, sin pecar de modesta, ni de ñoña, debe luchar con sus demonios actuales mientras transita por las citas que las aplicaciones de buscar parejas le proporcionan, sin atreverse, por otro lado, a sincerarse con sus padres acerca de quién es exactamente Antoine . (¿No vas a querer que después de tu divorcio todos digan que NO tienes a un hombre, verdad?)

Sexy Humor Ligero

Y en esta tesitura en la que los opuestos se atraen, irónicamente la confrontación de la vida loca de Antoine y su desmesurado adolescente interno encuentran una realidad ante los verdaderos niños y esa confrontación hace crecer a Antoine , claro, aunado a su involucración con Jeanne.

De tal forma, que va a irles transformando, dándoles a cada uno los fragmentos necesarios para hacer andar ese romance, el cual no está exento de equivocaciones; guerrillas, chantajes, y finalmente seducción. Poco a poco irán surgiendo los gags de esta comedia romántica que posee toques de ironía, y sexy humor ligero.

Más cercano que la realidad

Lo más divertido es que todo este embrollo, por más descabellado que parezca, está inspirado en una experiencia real del director Gillibert (no sabemos si el final fue el mismo).

De esta forma, dentro de la trama y la historia subyace ese sabor especial de que en algún momento, esta locura podría ser posible y tener el clásico “happy end”.

Escrito por Fabián Quezada León

https://cinemagavia.es/critica-familia-a-la-fuerza-pelicula/
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil