arrow
Críticas de Cinemagavia
Críticas ordenadas por:
Vosotros sois mi película
Vosotros sois mi película (2019)
  • 3,9
    74
  • España Carlo Padial
  • Documentary, Wismichu, Joaquín Albero, María Rubio, ...
4
Crítica de Vosotros sois mi película por Cinemagavia
Comenzaré con algo de contexto para los más despistados. Wismichu reveló el lanzamiento de su primera película en el Festival de Cine de Sitges de 2018. El título era Bocadillo y no parecía muy prometedor. Tal hecho lo situó en el punto de mira de los medios. Sin embargo, el verdadero desastre ocurrió cuando la audiencia se sentó en la sala para disfrutar del filme. Al final, Bocadillo resultó ser una broma. Un “gag” repetido en bucle durante una hora y diez minutos. El público acabó enfurecido y él fue altamente criticado por las masas.

La explicación vino unos días después, cuando Wismichu subió un nuevo vídeo en su canal. En este, nos aseguró que Bocadillo era un “mensaje”. Un “experimento” que serviría para la realización de un documental que contaría con cineastas profesionales. Tal documental ha llegado.

Personalmente, no soy admirador de aquella “performance”. Aun así, yo me dispuse a disfrutar de Vosotros sois mi película. Tenía esperanzas puestas en este producto. Quería ver cómo Wismichu justificaba Bocadillo, y esperaba encontrar varias reflexiones que merecieran la pena. ¿Lo ha conseguido?

Nobles intenciones

En la teoría, lo que Wismichu y su equipo han intentado lograr es sumamente interesante. Una crítica contundente a los medios de comunicación. A la industria del cine y su oportunismo. E incluso a las personas de a pie, por creer todo lo que nos dice internet sin cuestionar. ¿Qué podría salir mal?

En mi humilde opinión, todo puede salir mal si no adopta el enfoque adecuado. Vosotros sois mi película me parece una obra con una brillante premisa que en la práctica ha sido tristemente desperdiciada. Ni las mejores intenciones sirven si los creadores no las saben desarrollar ni expresar correctamente. Ahora mismo pienso argumentar, poco a poco, por qué pienso de esta forma. Para ello, me veré obligado a entrar en leves detalles del argumento, de manera que dejo un aviso de posibles spoiler pequeños. Sigue leyendo si estás interesado o interesada.

Demasiado egocentrismo

Una de las cosas que más llamaron mi atención mientras veía el documental fue cuánto sobrevaloraban la situación. En algunas ocasiones, colocaban frases como “Wismichu ha revolucionado el concepto de cine”. En otras, ellos mismos decían “Quizás he creado un nuevo género”. Siento disentir, pero en mi opinión, Bocadillo no fue más que una mera travesura, y de mal gusto. Además, a día de hoy ha sido casi olvidada. Y no me vale la excusa de que es “humor sutil” o “parodia”. Primero, porque refuerzan la idea de que la idea es “genial” continuamente a lo largo del metraje. Segundo, porque en el caso de que sí fuera realmente humor, carece de auto-crítica real, de ironía, y de la más mínima gracia.

Tener que aguantar a estas personas soltándome a la cara lo brillantes que son durante más de la mitad del documental fue una experiencia que se me hizo cuesta arriba.

Mensaje confuso

Hilando con lo anteriormente mencionado, he de añadir que Vosotros sois mi película no posee soltura a la hora de transmitir sus reflexiones. Vamos a analizarlas una a una.

En el final, el documental nos presenta uno de los mensajes más inesperados: Wismichu se arrepiente. Reconoce que no debería haberlo hecho. Ahora, es objeto de críticas que le han afectado psicológicamente. Ese es el precio de la fama.

Esto no me parece en absoluto mal, pero no puedo tragarlo, lo siento. No puedo porque la cinta ha estado restregándome de forma insoportable lo “formidable” que era el planteamiento de Bocadillo durante la hora previa de duración. Echarse atrás únicamente en los últimos diez minutos no aporta nada. Si querían decirnos que “fue una mala idea”, pienso que esta no es la forma de expresarlo. La redención no es creíble ni coherente en la cronología. Wismichu ni siquiera se disculpa ante las personas que sufrieron su “broma” sin desearlo. Metió la pata tratando de hacer algo curioso. Ahora debe lidiar con los efectos negativos… que ni siquiera son mostrados al espectador, logrando cero empatía.

El supuesto mensaje que arremetía contra los medios, la industria y el público termina diluido por completo. Queda relegado a apenas 5 minutos de diálogo esparcidos sin cohesión. Ni hay profundización en el tema, ni añade a lo ya dicho en sus vídeos o entrevistas, ni descubre nada (¿la industria del cine se guía antes por dinero que por calidad? No es un misterio, compañero). Lo que debería haber sido el foco principal del argumento está explorado a nivel superficial. El resto de la película es un simple documental descriptivo y monótono sobre cómo se ideó y rodó todo. En consecuencia, la duración me pareció pesada y difícil de llevar.

Narración audiovisual cuestionable

Por último, me gustaría comentar la calidad meramente técnica de la obra. Aunque por regla general es buena, en determinadas ocasiones no fluye con naturalidad. Destaca el intento de combinar el estilo clásico de cine con uno más moderno y típico de YouTube. El resultado final no me convence por completo, puesto que parece estar más destinado a ser subido en internet que a ser proyectado en una sala. Da la sensación de que lo han realizado con la exclusiva finalidad de contentar a los seguidores del contenido de Ismael. Desafortunadamente, no me encuentro entre ellos. Yo fui a ver un documental, una experiencia cinematográfica, no un vídeo extendido de YouTube.

CONCLUSIÓN

En mi humilde opinión, Vosotros sois mi película fracasa en su afán de expresar las ideas que quiere ofrecer. Da mucho tiempo a fragmentos que, según yo lo veo, no gozan de excesiva importancia, como las acciones realizadas por los intérpretes en los rodajes o las invenciones que crearon para engañar a la prensa. Lo realmente interesante es la filosofía que busca transmitir… y el apartado que le dedica es, para mí, insignificante.

Escrito por Alex del Arco
https://cinemagavia.es/vosotros-sois-mi-pelicula-critica-wismichu/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
Miedos (C)
Miedos (C) (2018)
  • 6,5
    32
  • España Germán Sancho
  • Claudia Placer, Carlos Santos, Sheila Lloyd, Dani Nieto
9
Crítica de Miedos por Cinemagavia
Agárrame a esa vieja…

En Miedos, la cosa ya empieza de forma distinta, porque la disposición de los encuadres de cámara, así como la foto, es imposible no entroncarla con aquellos films de terror ochenteros sacados de la pluma de Stephen King, o de nuestro Narciso Ibáñez Serrador.

En cualquiera de los casos, la clásica pauta de “el monstruo debajo de la cama” no se repite, y es de agradecer (bajando mi guardia como espectador y cayendo en la finta de su antecedente). Su planteamiento y catalizador no es muy diferente del que hemos visto en otros cortometrajes como Lights Out, de David F. Sandberg (2013), que recurren al mecanismo de “se apaga la luz y…”.

En ocasiones veo viejas salir del armario

Tranquilos, que esta vez no dejaré entrever los absurdos spoilers (con Miedos), que la generación mainstream tanto detesta: la vieja sale, se asoma sutilmente, como una entidad extraña, viscosa, de dedos largos y uñas afiladas… Y el padre, magnífico Carlos Santos, enciende la luz y que nada, que aquí no ha pasado nada.

Y esta vieja… Me evoca a un vástago cruzado del Babadook, de Jennifer Kent (2014) y The Witch, de Robert Eggers (2015). Y esa ambientación azulada, nocturna, pero a su vez hogareña, inevitablemente costumbrista; sí, amigos, al Shymalan de El Sexto Sentido (1999), especialmente en el enfoque de su infante protagonista, como ya hiciera el primero en su largometraje.

Freud tenía razón

Ignoro si don Germán Sancho con Miedos habrá leído al padre del psicoanálisis. Y más específicamente, su artículo sobre Lo Siniestro (Unheimlich) de 1919, paradigma vertebrador de la filmografía lynchiana. De no ser así, su tesis de partir, ya no de lo mundano, u hogareño, algo que el cine de terror japonés ha sabido utilizar excelentemente, sino a apuntar directo a las emociones de la sociedad española, o el género literario que mejor desarrollara Galdós: nuestro costumbrismo.

¿Para qué? Para trastocarlo, emplearlo de manera orgánica para elaborar lo que me atrevería a advertir como “terror cotidiano” o “costumbrismo siniestro”. Puede resultar tanto y cuanto más atroz y contundente, el pay off a modo de gancho directo a mi mandíbula, el susto sorpresa propio del cine de James Wan y de la tradición noventera del slasher teenager.

Conclusión: Artesanía e ímpetu

Ante todo, Germán Sancho me ha demostrado que es un artesano, que tiene muy claro cuál es el tipo de cine de género que quiere realizar, así como una serie de inquietudes que no voy a desmenuzar por evitar el llanto y crujir de dientes de los lectores (yo también os quiero).

En resumidas cuentas, sigan el trabajo de cerca de este cineasta, porque sin quererlo ni beberlo nos ha demostrado nuevamente que menos es más y que se pueden hacer obras maestras de corta duración. Yo por mi cuenta: me quito el sombrero ante él con Miedos.

Escrito por Álvaro Panadero Jiménez
https://cinemagavia.es/critica-miedos-cortometraje/
[Leer más +]
Sé el primero en valorar esta crítica
La boda de mi ex
La boda de mi ex (2018)
  • 4,6
    218
  • Estados Unidos Victor Levin
  • Keanu Reeves, Winona Ryder
5
Crítica de La boda de mi ex por Cinemagavia
Bla bla y bla

Esperando a embarcar, de camino a una boda, retozando en el pasto… Ningún momento es malo para hablar, conocerse mejor y descubrir el amor en Destination Wedding (La boda de mi ex).

Frank y Lindsay comparten una veintena de conversaciones en el transcurso de tres días. El espectador es testigo de esa misma veintena de conversaciones en una hora y media. Sin importar lo ocurrentes que puedan resultar algunos momentos, se echa de menos cierta serenidad en los intercambios y un universo más amplio que el de los maniáticos protagonistas.

Afortunadamente, mientras los paisajes que adornan la cinta dan un respiro al espectador entre tanto ir y venir verbal, el hilo musical entre conversaciones permite recobrar fuerzas para el siguiente diálogo plagado de pretendida elocuencia.

Un dúo sin dinamismo

Después de haber trabajado juntos en “Drácula de Bram Stoker” (1992) o “A Scanner Darkly” (2006), los caminos de Keanu Reeves y Winona Ryder vuelven a cruzarse para protagonizar una comedia romántica que poco tiene que ver con sus éxitos más memorables. Dando vida a dos personajes hechos el uno para el otro, los actores unen fuerzas para perpetuar el mensaje más trillado del género: la soltería es una enfermedad y el amor es la única cura.

Sin embargo, la poca originalidad de la trama no es el mayor problema que presenta la cinta. Como únicos protagonistas de Destination Wedding (La boda de mi ex), las dos estrellas exhiben una falta de naturalidad que parece ser el resultado de diálogos demasiado ensayados. Esa artificiosidad se refleja también en el hieratismo de Reeves y en las excesivas gesticulaciones de Ryder, quien parece estar bajo los efectos del alcohol desde el primer minuto de la película hasta el último.

Conclusión

A pesar de contar con algunos momentos medianamente amenos, el único atractivo de esta comedia romántica es la presencia, que no la actuación, de sus protagonistas, quienes hacen de Destination Wedding (La boda de mi ex) una película tan fácil de ver como de olvidar.

Escrito por Esther Alvarado
https://cinemagavia.es/critica-pelicula-destination-wedding/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Escalofríos
Escalofríos (2007)
  • 4,3
    1.003
  • Estados Unidos Gregory Jacobs
  • Emily Blunt, Ashton Holmes, Martin Donovan, Ned Bellamy, ...
6
Crítica de Escalofríos por Cinemagavia
Hasta el accidente

Pues bien queridos navegantes, hasta este momento clave de la cinta todo nos lleva a pensar que el chico conductor no es más que el típico psicópata de turno enamorado de la bella acompañante, y puede que así sea, lo segundo no lo primero o quizás los dos conceptos a la vez.

Pero aparte de que en el accidente el chico se ha dado un fuerte golpe en la cabeza que lo lleva a echar bastante sangre por un oído, que hace como el que va a la gasolinera y vuelve en diez minutos (imposible) diciendo que estaba cerrada y que ya se confiesa ante la chica como un profundo admirador de ella explicándole (ante bastantes errores, sobre todo una trampa que le pone la chica) que todo lo ha hecho para estar 6 horas con ella, ya que ni siquiera vive en Delaware, destino final del trayecto, el pastel parece descubierto, pero es aquí cuando comienza la verdadera pesadilla.

Terror en la cuneta

Con la temperatura cada vez más baja que el sueldo de un pensionista, el cristal a medio cerrar y la comida en el aparcamiento de la Facultad, empiezan a surgir los demonios en forma de figuras fantasmales que de momento solo miran a nuestros náufragos invernal.

Pero la aparición de nuevos elementos extra-corpóreos, como un malnacido policía o un grupo de monjes ancianos, unido al empeoramiento del chico conductor que incluso no llegó a la gasolinera porque solo sabía orinar sangre, hacen que la cinta de un giro de 180º grados y la chica tenga que convertirse en una especie de Wonder woman ante lo que se le viene encima, acontecimientos horribles desarrollados en la década de los 50.

Y hasta aquí puedo leer….queridos navegantes, para averiguar parte de la compleja trama de Escalofríos, se verán obligados a visionarla, quizás, lo tengo que pensar habrá alguna ayudita en forma de spoiler, pero aún no lo tengo muy claro.

Conclusión

Escalofríos (Wind Chill), 90 minutos de suspense, apta para todos los públicos, no hay escenas gores ni muertes terribles, toda esta suavizado al máximo y los pocos efectos visuales no quitarán el sueño a nadie.

Pasarán frío, eso sí, se lo aseguro. El ambiente gélido de congelación en un coche tirado en una cuneta a 35º grados bajo cero no perdona ni a los protagonistas ni a los espectadores. Disfrutarán de Emily Blunt, de un buen montaje y de una buena fotografía y no podrán creer que la escena del coche fuera grabada en su mayor parte en interiores, o sea decorados.

Escalofríos no es una gran película, como he dicho hay fallos de guion, el final os puede dejar con la famosa duda metódica pero aún así os la recomiendo con todo el respeto del mundo.

Escrito por Miguel Ángel Santos Isidoro
https://cinemagavia.es/escalofrios-pelicula-critica/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El viaje
El viaje (2016)
  • 6,2
    369
  • Reino Unido Nick Hamm
  • Colm Meaney, Timothy Spall, Freddie Highmore, Toby Stephens, ...
6
Crítica de El Viaje por Cinemagavia
Lo que cuenta El Viaje

El cine británico es experto en mostrar a los personajes políticos en su intimidad. Despojados de su áurea mítica para humanizarlos. Algo así como mostrar a la Historia en bata de boatiné y zapatillas. Ese acercamiento es solo un estilo formal. Siempre toman un punto de vista lo suficientemente alejado para no acabar en lo apologético y, sin embargo, cerca para no perder movimiento. Eso se traduce en que la cinematografía británica es una de las que mejores productos políticos-históricos crea.

El Viaje de Nick Hamm se encuadra en esta tradición. El tema escogido toca muy de cerca al cineasta, originario de Belfast, y lo hace en uno de sus puntos más desconocidos, lo que permite la fabulación y la recreación de diálogos y escenas. Las conversaciones de paz en Escocia en 2006 acaban en un largo trayecto en coche entre Martin McGuinness e Ian Pasey recreado con inteligencia por Hamm.

Los actores están bien en una película que recae sobre sus hombros. En el reto de interpretar personajes históricos sale mejor parado Timothy Spall (Ian Pasley) que Colm Meaney (Martin McGuinness) aunque es justo decir que ninguno cae en la tentación de la imitación del personaje.

Y si no, nos enfadamos

A lo largo de la charla entre ambos líderes políticos los espectadores asistimos a un verdadero paseo por el conflicto de Irlanda del Norte. Posturas enquistadas que sirven para repasar los hitos (del domingo sangriento de 1971 a la huelga de hambre de 1981) de un problema que, aún hoy, sólo está resuelto en la superficie. Aunque el contenido de la conversación sigue siendo un secreto lo cierto es que cristalizó un gobierno presidido por Ian Pasey y con McGuinness de vicepresidente. Esta es la parte mejor resuelta por el director.

Una lectura simple del final del film puede quedarse con un mensaje buenrollista. Hamm va más allá y le da un toque cínico. Los extremos se atraen. Dios necesita a Satán como fuerza equilibradora. Pasley, líder Unionista y pastor presbiteriano (la versión más radical del protestantismo. Pasley llegó a llamar Anticristo a Juan Pablo II) y el católico e independentista irlandés McGuinness tienen puntos en común (la homofobia y el conservadurismo por mucha mística progre que se le dé al IRA). ¿Gobernar para seguir siendo un grupo de presión ante el parlamento de Londres? ¿Un verdadero acercamiento de posturas en pos de la paz? La lectura cínica está ahí y se muestra de manera ladina pero perceptible.

Conclusión

Una película más que aceptable que atraerá la atención de los que gustan de descubrir lecciones de mamá Historia a través de su hermana cachonda, la tita Anécdota. Sin embargo, puede que aleje a aquellos que no conozcan la historia sobre la que se arma el film y se les haga demasiado tediosa. Este es el mayor defecto de la película.

Escrito por David González
https://cinemagavia.es/el-viaje-pelicula-critica/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Muñeca rusa (Serie de TV)
Muñeca rusa (Serie de TV) (2019)
  • 7,0
    2.576
  • Estados Unidos Leslye Headland (Creator), Natasha Lyonne (Creator), ...
  • Natasha Lyonne, Charlie Barnett, Elizabeth Ashley, Brendan Sexton III, ...
9
Crítica de Muñeca Rusa por Cinemagavia
Concepto dramático

Muñeca rusa toma como elemento argumental la idea de un bucle temporal, en el que los personajes están condenados a repetir el mismo día, como ocurre en el clásico filme Atrapado en el tiempo (1993) y más recientemente, Al filo del mañana (2014). En el caso de Muñeca rusa se trata de parte de una noche y la mañana siguiente. Nadia repite una y otra vez la fiesta de su cumpleaños treinta y seis en su apartamento de Nueva York, en un ambiente “millennial”, cosmopolita. Sus amigas son “nuevas mujeres”, feministas orgullosamente cínicas frente las tradiciones.

Al arranque de la serie podríamos pensar que se trata de otro producto más, de esos en boga que sirven para enaltecer las tendencias “activistas” actuales; sin embargo, la esencia de Muñeca rusa se desvía de un sentido propagandístico, abordando temas más serios y universales.

La esencia

Al cierre del episodio tres, nos damos cuenta de que Nadia no es la única que se halla encerrada en el tiempo, sino que también lo está Alan. Estos dos personajes tienen perfiles completamente distintos: Nadia es ingeniera de programación (software), es extrovertida, excéntrica y prosaica; en cambio, Alan es introvertido, tímido, conservador, cauto y sensitivo.

Pero ellos no sólo tienen en común la prisión temporal en la que se hallan, sino que tienen marcados “vicios” de la personalidad que no les permiten ser personas funcionales. El hecho de estar encadenados a repetir una y otra vez una cantidad limitada de horas les fuerza a tener que observar mejor su entorno, a entender las consecuencias de sus propios actos, el juego de causa y efecto.

Muñeca rusa aborda este conflicto de una manera reflexiva y sutilmente lo vincula con varias posibilidades: que la consciencia humana tenga un carácter metafísico (que se rija por leyes de otra dimensión) y la existencia de universos paralelos. Pero, sobre todo, Muñeca rusa sugiere el hecho de que lo que llamamos “realidad” probablemente no sea lo “verdaderamente real”, sino que la verdad puede que recaiga en cada uno de nosotros al encararnos así mismos sin ignorar el entorno ni las demás personas, es decir, viéndonos como parte de un todo que fluye constantemente.

La estética y la puesta en escena respaldan el contenido dramático de la serie. La primera temporada de Muñeca rusa goza de una exuberante cinematografía y una música muy actualizada, en la que predominan piezas musicales de estilo retro-electro, vintage synths ochentero, las cuales impregnan la atmósfera metropolitana actual en el corazón de Nueva York. Muchos planos y escenas han sido ideados con colores y elementos que traen a la mente del espectador la idea de que estamos ante una obra fantástica o de ciencia ficción.

El resultado

La primera temporada de Muñeca rusa termina su octavo y último episodio de una manera argumentalmente satisfactoria con relación al desenlace de sus personajes. Pero la serie a la vez ha dejado abierta la posibilidad para abordar otros matices en una posible segunda temporada.

Muñeca rusa es un producto entretenido, con gracia y bien estilizado; pero, sobre todo, es franco y honesto. Es muy posible que haya mucho de la vida personal de Natasha Lyonne, la principal creadora de la serie, en su lucha constante para lidiar con sus problemas individuales, de los cuales muchos han salido a la luz pública.

Escrito por J. J Liranzo
https://cinemagavia.es/primera-temporada-de-muneca-rusa-critica/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Capitana Marvel
Capitana Marvel (2019)
  • 6,1
    7.409
  • Estados Unidos Anna Boden, Ryan Fleck
  • Brie Larson, Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn, ...
6
Crítica de Capitana Marvel por Cinemagavia
Una superheroína sin añadiduras

Bravo. Es necesario el aplauso. Capitana Marvel, Vers, interpretada por Brie Larson (La habitación, Kong: La Isla Calavera), es un personaje femenino que no intenta ser sexualizado. Esto puede comprobarse en su uniforme de superheroína y en el resto del vestuario de la película. Es estupendo poder ver a una mujer embutida en un traje apretado sin pretender nada salvo ligereza, fortaleza y tecnología. El resto de su ropa es una camiseta del grupo de rock Nine Inch Nails, unos vaqueros y una cazadora de cuero desgastado. Creo que ya era hora de que sucediera algo así en un personaje femenino con poderes extraordinarios.

Por otra parte, en estos tiempos de concienciación feminista se han pretendido debates acerca de la igualdad de género que propugna esta película. Si bien es cierto que se agradece (porque es necesario y justo) que haya personajes femeninos con presencia en el cine (y convenientemente en películas donde lo que se presumen son los superpoderes de una mujer), la película no debe etiquetarse como un abanderamiento feminista o una señal de empoderamiento de la mujer. Paremos el carro. Porque muchos también pretenden sacar tajada del momento actual en el que vivimos, de necesaria reivindicación de igualdad de derechos, oportunidades y responsabilidades. Capitana Marvel es una peli de superhéroes y no debe ser explotada como la herramienta de una causa concreta. Que la protagonista es una mujer, bienvenido sea. Siempre, y en todo género.

Lo que es una película de superhéroes

No seré yo quien diga lo que es o debe ser una película de superhéroes. Pero, sin lugar a dudas, estas cintas deben sobre todo entretener. Y Capitana Marvel cumple su cometido. Es una película de superhéroes, mejor dicho, de mujeres con superpoderes, aunque no se necesita tener poderes mágicos para ser un héroe, realmente todas las personas pueden serlo, todo depende del coraje para afrontar las adversidades y de poder levantarse tras ellas. ¿Acaso hay algo más humano que eso?

La película de Capitana Marvel ofrece emoción, valor, buen humor, acción; contiene todos los ingredientes de la saga Marvel. No obstante, si bien es cierto que Capitana Marvel entretiene y satisface las expectativas de una película media de superhéroes, el filme toma un ritmo un tanto acelerado, queriéndose contar mucho en poco tiempo. No se saborea realmente el origen del personaje de Vers, que es lo aparentemente pretende la película. También se deja al espectador con ganas de más, de más acción. Y no porque la cinta no tenga estas escenas típicas y necesarias en el género, sino porque se busca un broche que se promete, como es de esperar, para próximas aventuras y películas.

Capitana Marvel en el universo Marvel

Capitana Marvel se circunscribe dentro de la saga de superhéroes de Marvel, quien dedica por vez primera una de sus películas a una mujer. La cinta, cuya acción transcurre en los años 90, explica qué ha pasado con este personaje que ha estado todo este tiempo alejado del resto de superhéroes de la factoría Marvel. En definitiva, quién es Vers y cómo ha llegado a ser Capitana Marvel.

Asimismo, Vers es una mujer que defiende ser lo que es, con valentía y mucho esfuerzo, más allá de lo que estuviera estipulado para ella por su familia en base a su sexo. Estas son las características sociales del personaje de Capitana Marvel, quien en la película conoce al bueno y simpático de Nick Fury, canaliza sus poderes y descubre su pasado en la medida que traza su futuro a partir de sus decisiones.

Conclusión

Capitana Marvel es una cinta para los que disfrutan del género de superhéroes y también para los que solo busquen pasar un rato ameno. La película desarrolla un personaje femenino que deberá aprender a controlar sus increíbles poderes y sus emociones. La faceta más humana y fantástica deben conectar para obtener la mejor versión del personaje y de todos aquellos que elijan identificarse con el superhéroe que puede que llevemos dentro.

Escrito por Belén Martín
https://cinemagavia.es/capitana-marvel-pelicula-critica/
[Leer más +]
5 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ombligo de Guie'dani
El ombligo de Guie'dani (2018)
  • México Xavi Sala
  • Sótera Cruz, Érika López, Majo Alfaroh, Yuriria del Valle, ...
7
Primeras impresiones de El ombligo de Guie'dani por Cinemagavia
Puntuación: 7,5

El principio del último día del Festival Internacional de Cine de Cartagena 2019 vino con El Ombligo de Guie’Dani, un filme que nos cuenta la historia de Guie’dani, una niña indígena zapoteca, y su madre, quienes empiezan a trabajar con una familia de buena economía en la Ciudad de México. La pequeña no se adapta y genera conflicto constantemente con el estilo de vida que se le quiere imponer.

Luego de la función, el director compartió un par de palabras con los que estábamos allí, y surgió la pregunta sobre la relación de esta cinta con Roma de Alfonso Cuarón, ya que las similitudes argumentales están ahí. Sin embargo, tal y como lo dijo Xavi Sala, los enfoques son infinitamente distintos, porque mientras la cinta de Cuarón cuenta una historia orientada hacia el dramatismo, El Ombligo de Guie’Dani parece ser un grito que ahuyenta las cadenas de un mundo que se esfuerza por hacer desaparecer las culturas ancestrales.

La película se convierte en un eterno rechazo a decirle “Adiós” a lo que fuiste y las maneras con las que creciste, todo desde una nueva generación (representada por Guie’Dani) que se fundamenta en el orgullo por sus raíces culturales. Sala propone en su cinta un paso de la antorcha ancestral a los jóvenes que empiezan a redescubrir quiénes son realmente y a evadir compromisos con culturas que les son ajenas.

Sin embargo, debo señalar que El Ombligo de Guie’Dani me pareció excesiva en su duración, creo que el mensaje hubiese sido transmitido con el mismo éxito en menos tiempo.

Me gustaría finalizar señalando la importancia que esta película tiene al ser la primera en la historia en incluir protagonistas que hablan el zapoteca y la relevancia que tiene en los tiempos que corren donde parece que la globalización hace desaparecer a las minorías.

Escrito por Andrés Tejada
https://cinemagavia.es/jornada-final-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hotel by the River
Hotel by the River (2018)
  • 6,5
    83
  • Corea del Sur Hong Sang-soo
  • Joo-Bong Ki, Kim Min-Hee, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi, ...
8
Primeras impresiones de Hotel by the River por Cinemagavia
Puntuación: 8,5

¿Pudo existir una mejor despedida para mi efímera coexistencia con el FICCI 2019? Creo que no. Hotel By The River es una oda a percibir el cine como un arte con sus propios símbolos y particularidades, sin deberle explicaciones a nadie.

La última cinta del aclamado director Sang-soo Hong nos cuenta cómo un poeta siente que el fin de su vida se acerca sin ningún motivo aparente y decide pedirle a sus dos hijos que le visiten al hotel donde se hospeda, en esta morada junto al río también se hospedan dos jóvenes muchachas, una de ellas pasando por un desamor fuerte.

Una obra de tiempos muy lentos, pero medidos con gotero para desestabilizar las sensibilidades del espectador. La trama parecía ni siquiera poder existir, pero sí que hay un desarrollo y una preparación sublime para una escena final gloriosa.

En pocas palabras, Hotel By The River es una de esas películas que amarás si aprecias el ritmo pausado y la belleza estética con potentes escenarios, yo disfruté muchísimo de ella y sentí que me leían un poema cuando terminó, ya que simplemente todo fluyó un curso natural sin pretensiones, tan sólo fue cine en su estado más puro.

Escrito por Andrés Tejada
https://cinemagavia.es/jornada-final-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bel Canto. La última función
Bel Canto. La última función (2018)
  • 5,5
    85
  • Estados Unidos Paul Weitz
  • Julianne Moore, Ken Watanabe, Christopher Lambert, Sebastian Koch, ...
6
Crítica de Bel Canto por Cinemagavia
Punto de partida

Una plácida velada. Distinguidos invitados. Voz aterciopelada que a todos arropa. ¡Pam! Alguien irrumpe sin educación ni decoro. Poco ha durado la buena armonía. A partir de entonces, miradas, hechos, palabras y un camino que han de recorrer todos juntos. Con esta premisa, Paul Weitz, acostumbrado a manejarse en aguas más livianas, repletas de carcajadas y brocha gorda, se sumerge en Bel Canto en las profundidades del drama, frío pero permeable.

El secuestro

Un secuestro siempre enfrenta bandos (o los crea). Se establece una fina línea que separa a los que mandan de los que se visten de cordero para salvar el pellejo. Y está bien definir partes si queremos esquematizar las situaciones. Si acaso establecer un primer esbozo de quienes y por qué. Más allá de eso, cada elemento que conforma cada parte, cada trinchera, es movido por distintos motivos, siente diferente, ha vivido una vida única que lo ha traído hasta aquí. ¿Reflexionamos sobre como pensamos, como actuamos? ¿Quien es el de enfrente y que demonios le ronda la quijotera? Es en esta circunstancia donde Paul Weitz, Julianne Moore (El Gran Lebowski), Ken Watanabe y Christopher Lambert (Los Inmortales), entre otros, ahondan, exploran, buscan respuestas (o plantean preguntas) a cuestiones que quizá no pongamos sobre la mesa demasiado a menudo, pese a su ubicuidad, a su continua compañía.

Viraje hacía la fraternidad

Desafortunadamente, la profundidad, y sobre todo el desarrollo de ese bien intencionado proceso de cambio, de introspección y empatía, se ve lastrado en esta historia por las muy endebles razones que esgrimen Weitz, Anthony Weintraub y Ann Patchett (autora del libro en que se basa) para virar en ese sentido más existencialista, positivo y bonachón. A su favor cuenta, al menos en su parte inicial, con poner etiquetas generalistas entre buenos y malos, a no tomar parte y dejar que sean los hechos los que definan el devenir de la historia. Para poco después traicionar esa decisión y crear artificialmente (pues no sucede nada que lo justifique) un viraje de todos los personajes hacia la fraternidad, el amor y la camaradería. Por poco no sacan las piruletas y se ponen a saltar a la comba. Por demasiado poco.

Interpretaciones solventes y excesivo buenismo

Diseño de producción, fotografía, interpretaciones solventes (Tenoch Huerta, de Narcos: México especialmente), cierto buen gusto por la composición de los planos, la ligereza con la que Weitz logra deslizarnos por la historia. Todas ellas bondades que elevan el valor de Bel Canto, pero no más allá de lo destacable, de lo notable.

Querer deconstruir lo que prácticamente damos por sentado siempre ha de ser positivo. Aparentemente nos separan muchas cosas: los idiomas, las culturas, los pasados, los pesares. El punto de partida es noble, interesante, con zumo por exprimir si se encuentra en las manos adecuadas. No lo son en este caso. El buenismo porque si campa demasiados minutos a sus anchas, hasta casi llegar al paroxismo y la parodia involuntaria. Un lástima.

Conclusión

Bienintencionada en la propuesta, fallida en el desarrollo y sus puntos de inflexión sin apenas explicación. Luce bien, te envuelve por momentos, pero no consigue ahondar con tino en lo que quiere explicar.

Escrito por Álvaro Valdés Fernández
https://cinemagavia.es/bel-canto-pelicula-critica/
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Escape Room
Escape Room (2019)
  • 5,7
    630
  • Estados Unidos Adam Robitel
  • Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, ...
6
Crítica de Escape Room por Cinemagavia
El cine de trampas

El manual del juego de rol basado en el cine de terror Fragmentos proponía una amplia panoplia del subgéneros. Entre éstos, destacaba el cine de trampas que pese a no poseer una gran tradición sí que es de vital importancia en el panorama de los últimos años. Con el film Cube de Vincenzo Natali como gran inaugurador del subgénero, tendríamos más propuestas como The Collector o Killing Room. Pero sin duda la película que popularizó el subgénero fue Saw (con sus siete secuelas) dirigida por el popular James Wan. Escape Room continua la tradición de este subgénero (con guiñito a Cube incluido) aprovechándose del fenómeno de las homónimas salas.

Una película competente

Para este trabajo contamos en la dirección con Adam Robitel, director especializado en el terror con sus trabajos en la cinta de culto The Taking Of Deborah Logan y en Insidious: La última llave. Respecto al reparto, contamos con un elenco joven y del mundo de la televisión. Con Taylor Russell (Lost In The Space) y Logan Miller (Zombie Camp) en los papeles protagonistas y acompañados de Jay Ellis (Insecure), Nick Dodani (Atípico), Deborah Ann Woll (True Blood, Daredevil) y el mítico Tyler Devine (Tucker & Dale contra el mal).

Un buen punto de partida

Además del concepto de la Escape Room, la película gira en torno de unos personajes interesantes. Pues estos no son elegidos porque sí, sino porque todos comparten una cosa en común: todos son los únicos supervivientes de accidentes o desastres. Un motivo que nos puede recordar a la saga de Destino Final o a Sole Survivor pero que sigue funcionando en la construcción de los personajes. Destacamos pues el buen trabajo de guion de Escape Room, fundamental en el momento de preocuparnos por los personajes y que no se conviertan en mera carne para el matadero.

Habitaciones mortales

Sin duda el gran motivo para ver la película de Adam Robitel es el diseño y funcionamiento de estas salas mortíferas. Con un ingenio a prueba de balas, asistimos a una colección de peculiares trampas temáticas: habitación horno, glaciar… Entre las que destacamos la escena del billar en la que tenemos a nuestros personajes en una sala al revés. Siempre interesante de ver la solución a los enigmas que se nos plantea y con una buena dosis de adrenalina. En todo momento sabemos que cualquiera de nuestros personajes pueden morir atrozmente. Mantener el pulso y el interés en este tipo de películas es fundamental y aquí el trabajo está bien hecho.

Algo amargo en la boca

Finalmente el gran misterio de la película es saber quien demonios puede ser el causante de tamaña locura. Aquí no voy a meter spoilers ni a destripar pero parece el camino más fácil de tomar. Y es que se ve que la productora tenía bastante fe en que este concepto (que se puede multiplicar hasta casi el infinito) funcionara. Y esto se ve en que no sólo en final te de a entender que va a haber segunda parte, sino que ya está en producción y aparentemente en las mismas manos en dirección. Así que quien sabe, tal vez estemos hablando de ella de nuevo el año que viene.

Conclusión

Escape Room es la película de puro entretenimiento de la semana. Una producción pequeña pero con buenas ideas, ritmo y personajes. Un cocktail perfecto para pasar una buena tarde en el cine y dejarse llevar. Si quieres ir a pasar un buen rato lleno de tensión y adrenalina ésta es tu película. Eso sí, jamás volverás a entrar a una Escape Room de nuevo.

Escrito por David Dominguez Martínez
https://cinemagavia.es/escape-room-pelicula-critica/
[Leer más +]
10 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
La profesora de parvulario
La profesora de parvulario (2018)
  • 6,5
    412
  • Estados Unidos Sara Colangelo
  • Maggie Gyllenhaal, Parker Sevak, Rosa Salazar, Anna Barynishikov, ...
6
Crítica de La profesora de parvulario por Cinemagavia
Puntuación: 6,5

Maggie Gyllenhaal es la profe

Existe una sensualidad hiriente en el personaje principal que entra en conflicto con el hecho de ser una profesora de niños pequeños. La actriz Maggie Gyllenhaal (The Dark Knight, Crazy Heart) es conocida por su papel de prostituta en The Deuce y aunque logre transmitir desasosiego y frustración (elementos clave para entender a su personaje en esta película) lo cierto es que también atrae ciertas reminiscencias del personaje de la serie. Lo que no quiere decir que haga una mala interpretación en La profesora de parvulario, creando un personaje de carácter doliente y a la par desesperado.

La profesora de parvulario: historia y origen

La profesora de parvulario se trata de un remake de mismo título del año de 2014. El primer filme fue dirigido y escrito por Nadav Lapid. Colangelo escribió su película basándose en el guion de Lapid; las dos historias, en esencia, son las mismas.

Colangelo muestra una familia estadounidense en la que dos padres atienden los problemas típicos de dos hijos adolescentes; no obstante, mientras que el padre acepta la situación como algo normal, la madre se rehúsa a que sus hijos no exploren su potencial y se conformen con una existencia banal y material. Esta preferencia por lo superficial y lo práctico es la paradójica tendencia de un mundo cada vez más informado y con mayor acceso a la educación y a la cultura.

Del clima familiar es de donde proceden en buena medida la frustración y las carencias del personaje principal, no solo como profesora de un jardín de infancia y como ser humano, sino como madre también.

Una obsesión cruel

En la película se vive una situación de empeño obsesivo. El personaje de Lisa se proyecta en su alumno. Ella quisiera crear como lo hace el párvulo, un niño de cinco años que tiene recurrentes episodios de inspiración en los que crea asombrosos versos para su edad. Esto es algo que Parker Sevak, Jimmy en la película, hace sin ningún tipo de esfuerzo, de una manera natural. Es un don, así lo cree ella.

Asimismo, Lisa tiene una curiosidad intelectual que no ha logrado inculcar a sus hijos, así como ella también se siente fracasada a nivel profesional en su faceta creadora. Su marido, por su parte, es una persona que no la entiende y tampoco lo intenta. El hecho es que Lisa está tan frustrada con sus seres queridos como lo está con ella misma.

La vida de Lisa no es suficiente, por ello encuentra una vía de escape en sus clases de poesía, en su profesor (un fugaz Gael García Bernal) y, por supuesto, en ese niño al que cree un prodigio y al que intenta prestar el apoyo que su padre no le dará nunca. Teme que esa capacidad innata llegue a perderse algún día si no se desarrolla. Salvar a ese niño supone para Lisa salvar lo que queda de ella.

Conclusión

La profesora de parvulario puede disfrutarse desde la mirada de quien planta una semilla. Esta podrá ser regada para que florezca y dé lo mejor de sí misma, pero si no se provee la cantidad adecuada de agua, igual que secarse, también podrá anegarse y perderse los frutos para siempre. La película es un relato conmovedor y turbador a partes iguales sobre los peligros que acechan la búsqueda intelectual desde el egoísmo y el vacío de la existencia.

Escrito por Belén Martín
https://cinemagavia.es/la-profesora-de-parvulario-critica-pelicula/
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cerdita (C)
Cerdita (C) (2018)
  • 6,0
    398
  • España Carlota Martínez Pereda
  • Laura Galán, Elisabet Casanovas, Mireia Vilapuig, Sara Barroso, ...
8
Crítica de Cerdita por Cinemagavia
El terror de ser adolescente

Inicialmente, el cortometraje iba a versar sobre la homofobia y sus efectos; sin embargo, Pereda ha terminado centrándose en otro tipo de acoso escolar, aquel que sufren muchas personas por culpa de la gordofobia. Un problema universal que, por desgracia, también está muy presente en nuestra sociedad y que para quien lo padece supone que no haya escondite posible. Este pensamiento sumado a la imagen que tenía la directora de una joven acudiendo a la piscina en las horas menos concurridas fueron los puntos de partida para idear Cerdita.

Sara, la adolescente que recibe el nada amable apelativo que da nombre al corto, está interpretada por Laura Galán, una joven de 31 años que logra transmitir toda la inocencia y la galería de emociones necesarias para crear un retrato veraz. Sus miradas funcionan, precisamente, como hilo conductor de la historia; Sara no formula ni una sola palabra en todo el corto, y tampoco le hace falta para expresar todo el terror derivado de las situaciones que tienen lugar en el cortometraje.

El rol del espectador

Uno de las grandes virtudes de Cerdita consiste en su habilidad para interpelar al espectador a través de los hechos plasmados en la obra. De esta manera, todos aquellos que vean el cortometraje no sólo se sentirán inclinados a opinar de una forma u otra respecto a su desenlace, sino que también se verán invitados a reflexionar sobre qué actitudes o roles han jugado respecto al bullying a lo largo de sus vidas. ¿Hemos sido víctimas? ¿Acosadores? ¿O el observador pasivo que decide no actuar ante el abuso?

Incluir a buena parte del espectro de personajes que actúan -o eligen no hacerlo- en relación al bullying hace que Cerdita no sólo sirva de testimonio de aquellos que han sufrido situaciones similares, sino también como espejo de la inacción o de la agresión directa donde todos podemos jugar un papel decisivo.

Espacios de soledad y miedo

En Cerdita, los espacios juegan un papel muy importante para apoyar los estados de ánimo de Sara.

En el corto, nada más empezar, asistimos a unos planos de la piscina vacía; un lugar tranquilo y sereno, casi bucólico, al que la protagonista se acerca confiando poder refrescarse sin que nadie la moleste. Un pequeño movimiento de cámara nos indica que Sara podría no estar tan sola como se imagina: justo cuando la chica va a meterse en el agua, un hombre emerge a la superficie de la piscina. Es justo en ese momento cuando un grupo de chicas hace acto de presencia; entre ellas se incluye Claudia, una amiga de la infancia de Sara.

La cámara juega a mostrarnos lo que subyace bajo la superficie de la piscina, dando al espectador más información y situándonos de cara a los hechos posteriores.

El otro escenario clave que plasma de forma patente la escalada de angustia de Sara es la carretera. Sola, sin más ropa que su bikini y expuesta a cualquiera que pase por allí; el paseo por la carretera es lo más similar a una pesadilla para un chica que elige bañarse cuando no hay nadie más a la vista.

Tanto el plano frontal de la carretera como el seguimiento lateral del apresurado paso de Sara ayudan a acentuar el sufrimiento y el agobio de la protagonista, del que somos totalmente partícipes.

La mirada desafiante

Tal y como he mencionado antes, las miradas de Sara juegan un papel esencial a la hora de comprender sus estados de ánimo y, en el caso del desenlace del cortometraje, de lanzar un mensaje especialmente adecuado para el debate. A lo largo de Cerdita, Sara muestra alivio, incomodidad, miedo, pánico y desafío sin emitir una sola palabra, razón por la que la cámara se centra en captar su mirada continuamente.

Pereda sale triunfal en su misión de lograr que todos y cada uno de los espacios, tanto los vacíos como los que anticipan una posible aparición, impliquen una amenaza para Sara. El tramo final del cortometraje, en el que un pitido acentúa el mayor momento de terror para la protagonista, funciona como un recurso capaz de enmudecer otros de los sonidos que están teniendo lugar.

Conclusión

Cerdita es un cortometraje nacido de una realidad tan brutal como es el bullying y que lanza un necesario debate a la palestra. El mensaje de que el odio engendra más odio, así como los terrores y las decisiones que se engendran en alguien agobiado por el acoso de sus compañeros, son lanzados de forma concisa y efectiva a lo largo de los 12 minutos de duración del corto.

Carlota Pereda no sólo ha creado una contundente obra audiovisual con un desenlace difícil de olvidar, sino que también ha contribuido al debate social sobre un tema que afecta a tantísimos niños y adolescentes alrededor del mundo. Esto, sumado a la efectividad de la propuesta tanto en su premisa como en su puesta en escena, hacen que Cerdita nos sirva para ponernos durante unos minutos en la piel de Sara, saber con seguridad que no es un lugar fácil en el que vivir y colocarnos en la tesitura de reflexionar sobre nuestro propio rol activo o pasivo respecto a nuestros semejantes.

Escrito por Noemi Escribano
https://cinemagavia.es/cerdita-critica-cortometraje/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Círculo
Círculo (2015)
  • 5,6
    4.148
  • Estados Unidos Aaron Hann, Mario Miscione
  • Julie Benz, Michael Nardelli, Carter Jenkins, César García, ...
6
Crítica de El Círculo por Cinemagavia
Puntuación: 6,5

Dentro del Círculo

Me gustaría empezar solo con un apunte que pienso es importante, dentro del grupo nos encontramos con dos personas quizás más vulnerables que las demás; Una niña y una mujer en avanzado estado de gestación.

Tras la muerte de varias personas y casi por casualidad, se dan cuenta de que ellos mismos tienen en sus manos votar quién muere. Cuando nadie vota, alguien es seleccionado aleatoriamente. Y solo tienen dos minutos entre muerte y muerte. Pueden cerrar la mano e indicar a la persona que quieren eliminar del “juego mortal”.

En el fondo y como no podía ser de otra manera subyace el tema de la abducción, los alienígenas, experimentos extraterrestres, etc. También podría haber sido una nueva edición de Gran Hermano porque como anda Telecinco y el amigo Vasile ya todo es posible, pero bueno, no es el caso. Y aquí llega la madre del cordero, tan duro o más que la vida misma, ¿Cúal será el criterio de selección?

Las selecciones

Cada vez que alguien habla es un arma de doble filo, te puede salvar o te puede condenar, te puede ayudar o volverse totalmente en tu contra, alea jacta est.

Evidentemente os voy a comentar los temas que salen a colación en la famosa cámara de la muerte pero nunca el resultado al que lleva tal o cual opinión, así os obligo a visionar Círculo y deducir por vosotros mismos.

Un universitario sugiere votar a los ancianos porque son a los que menos vida le queda pero, ¿a partir de qué edad consideramos el concepto anciano? Una mujer de mediana edad se presenta como una superviviente de un cáncer de mama, lo que lleva a algunos a determinar que va a morir en poco tiempo y hay que elegirla.

Círculo

Hay también un matrimonio, un policía que identifica a un maltratador que asesinó a su mujer, un par de personas que quizás se conozcan un poco más de la cuenta… Tras unas primera eliminaciones llega ¿cómo no? la acusación de un afroamericano de una votación racista pero cuando el policía habla de manera racista…

Alguien vota por la mujer embarazada y la gente reacciona, varios se ofrecen para morir, un ateísta es salvado en el último momento pero cuando acusa a una atractiva joven de ser una actriz porno ¿?, para colmo una lesbiana se convierte en el blanco de un homófobo pero… Siguen las eliminaciones y surgen dos bandos; los que quieren proteger a la mujer embarazada y a la niña, y un banquero rico que sostiene que todos deben ser tratados por el mismo rasero.

Un hombre mutilado, un militar y Eric (querido Eric), que también fueron cuestionados por su invalidez, su profesión y su … argumentan que deben sacrificarse para salvar a la niña y a la mujer embarazada pero un azar del destino en un matrimonio sobre el que surgen dudas vuelve a igualar los bandos.

Finalmente solo quedaran cuatro; un hombre apagado que nunca ha votado y ha logrado llegar hasta ahí, un elemento del grupo defensor de la niña y la mujer embarazada y las mismas. Y hasta aquí puedo leer, les aseguro que el final de la votación es de traca, del otro final del que hablaré en el spoiler tengo mis dudas y les deseo que disfruten del espectáculo.

Conclusión

Círculo, no confundir con The Circle (2017) protagonizada por Tom Hanks, es una interesante cinta que comparada con las dos/tres obras maestras citadas y alguna más bien es verdad que se podría venir abajo casi irremisiblemente, pero viéndola desde cero, sin comparaciones ni prejuicios se puede disfrutar y bastante de ella.

87 minutos (85+2 mejor) en el que no se deja títere con cabeza y en los cuales se tocan en el espacio ínfimo de dos minutos casi todos los temas fundamentales que asolan a la sociedad.

Los ancianos (la vejez), la enfermedad (el cáncer), la violencia machista, el racismo, la religión, el ateísmo, la homofobia (la lesbiana), los mutilados, la invalidez, el derecho a ser madre sin pareja, la lapidación (actriz porno), y hasta un banquero rico cuya causa para salvarse es que gracias a que él presta el dinero la gente puede vivir ¿ Y porqué no ?, todo con tal de salvarnos.

Quizás por ello, por tratar tantos temas (ojo, aun excelentemente cortos), no se empatiza con nadie, yo diría que ni incluso con la mujer embarazada, salvo el tema de la niña por razones obvias.

Esto produce que sinceramente al espectador le de igual que le de lo mismo si muere el número uno o el número 49, aunque a lo largo de Círculo bien es verdad que antes las reacciones que va encontrando en uno u otro personaje no le quede más remedio que ir tomando un pequeño partido que sabe que posiblemente no durará más de dos minutos.

En fin, espero que la visionen, para los Netflixnianos es gratis y corta (si os tragáis las series de 24 capítulos en un par de días esto es solo un pequeño aperitivo) y para los que no disponen de Netflix, si queda ya alguien en el planeta, a esperar amigos, a esperar.

Escrito por Miguel Ángel Santos Isidoro
https://cinemagavia.es/circulo-pelicula-critica/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El peral salvaje
El peral salvaje (2018)
  • 7,3
    206
  • Turquía Nuri Bilge Ceylan
  • Dogu Demirkol, Murat Cemcir, Hazar Ergüçlü, Bennu Yildirimlar, ...
8
Primeras impresiones de El peral salvaje por Cinemagavia
Puntuación: 8,5

Tercera Jornada FICCI 2019 y llegó una de las más esperadas, la última película del director Nuri Bilge Ceylan, donde se nos cuenta la historia de Sinan, un joven que tras terminar su preparación en el Instituto regresa a su pueblo para encontrarse con un par de situaciones familiares de las que no podrá escapar.

Vamos directo a ello: Desde lo artístico hasta lo religioso que se pueda poner El Peral Salvaje, nunca pierde de vista esa rabia juvenil y el proceso de crecimiento de su protagonista, quien de alguna forma se ha visto ofuscado por su propia formación educativa, tal vez creando demasiada ira hacia una población que ahora le resulta atrasada, poco creativa y estancada en sus propias raíces.

Y es que justamente dentro de los subtextos que desarrolla el filme, resalta bastante importante la idea de quedarse atrás, abordado desde múltiples aspectos, pero siempre leal en la búsqueda de ese temor dentro de los protagonistas, ese miedo a ser olvidados. Algunos incluso ya sienten como el tren pasó y ellos se limitaron a agitar su pañuelo con desdén.

Pero es sobre todo una película sobre la carga hereditaria, y no me refiero a un tema económico, sino a cómo los problemas de los padres se convierten en una carga directa y difícil de sostener para los hijos. Una demonización de los vínculos familiares, limitando dichos lazos a una convivencia obligatoria dentro de cuatros paredes que parecen no poder soportar el temblor emocional de sus habitantes.

Los perales salvajes son nuestros protagonistas, tan indispuestos a enderezar raíces y tronco, tan propensos a doblar sus ramas en direcciones que sólo ellos piensan y entienden, siempre salvajes a prestar su mirada a otros cultivos creciendo desde un supuesto orden comandado por una civilización, dispuesta a dictar sentencia sin un juicio previo.

En conclusión, una película que impacta desde lo escondido, sin gritar sus verdades, sino manifestándolas con tranquilidad acompaña de una armonía hermosa que se configura durante toda la película junto al desarrollo de nuestro personaje Sinan.

Escrito por Andrés Tejada
https://cinemagavia.es/tercera-jornada-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La leyenda del tiempo
La leyenda del tiempo (2006)
  • 7,0
    1.818
  • España Isaki Lacuesta
  • Documentary
8
Impresiones de La leyenda del tiempo por Cinemagavia
Puntuación: 8,5

La segunda película del día número tres del Festival Internacional de Cine de Cartagena 2019 vino por cuenta de la sección Muestra España y fue La Leyenda del Tiempo. Un filme estrenado en el 2006 que nos cuenta dos historias unidas por una suerte de pasión e inspiración en el cantante de flamenco Camarón.

La película de Lacuesta me resultó especialmente impactante en el sentido de cómo utiliza las expectativas del espectador para ir hilando dos historias por separado. Las películas que se tejen bajo esta técnica suelen unirse en un punto muy dramático de la trama, y aunque La Leyenda del Tiempo no es una excepción a esta regla, si que sabe valerse de sus recursos para que sea un punto de inflexión distinto y recordable.

Tanto el personaje de Israel como el de Makiko (los protagonistas de cada una de las historias), son representaciones de cómo la lucha contra la muerte de alguien cercano, se convierte en un elemento revitalizador de raíces familiares. Este tema es abordado de manera preciosa y sutil desde una trama que se centra en la voz y el canto como nexo inquebrantable con aquellos que ya se fueron o podrían irse.

En conclusión, La Leyenda del Tiempo es una carta de amor hacia el flamenco, el canto y Camarón, pero también hacia la reconciliación con el pasado y las raíces que nuestros círculos sociales han replicado en nosotros. Una experiencia maravillosa.

Escrito por Andrés tejada
https://cinemagavia.es/tercera-jornada-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Temblores
Temblores (2019)
  • Guatemala Jayro Bustamante
  • María Telón, Juan Pablo Olyslager, Pedro Javier Silva Lira, Diane Bathen, ...
8
Primeras impresiones de Temblores por Cinemagavia
El cierre de la Tercera Jornada FICCI 2019 llegó con Temblores, otra película que generó comentarios positivos en su paso por el Festival de Cine de Berlín. Este filme nos narra la historia de Pablo, un hombre de familia que se enamora de Francisco, con lo que decide abandonar a su esposa e hijos para vivir su felicidad junto a su nuevo compañero sentimental.

La apariencia de drama lgbt común que puede tener la cinta con esta sinopsis, cambia por completo cuando se introducen los personajes pertenecientes a la familia de Pablo, miembros de una iglesia de índole católica y fervientes creyentes de la heterosexualidad como ley natural en el ser humano. Las raíces de Pablo se despegan de su tronco debido a su condición y cuando tratan de ayudar, sólo lo hacen desde sus estigmas y prejuicios.

Ahora, un punto brillante de la cinta (aunque muy corto a mí parecer), es el elemento hiperbólico del “tratamiento” para la homosexualidad, que recuerda especialmente a La Naranja Mecánica (1971) de Kubrick.

Temblores es una película que sabe jugar con el concepto de fe y la fortaleza familiar sobre las decisiones que tomamos para afrontar temas tan personales como nuestra propia sexualidad, la cinta invoca unas raíces fortalecidas por el odio y la satanización de lo diferente/alternativo al terreno en que estas crecieron.

Sin embargo, Temblores quizá es demasiado prejuiciosa también, ya que la crítica al sistema religioso y sus maneras ocupa una parte un poco más importante en la cinta de lo que debería, perdiendo un poco el hilo narrativo por hacer estos comentarios.

Para concluir, me encantó Temblores, creo que la dirección y la fotografía son puntos especialmente fuertes, también creo que la cinta es necesaria en el sentido que sabe discutir problemáticas actuales a buen ritmo y con un enfoque creativo en la medida de lo posible.

Escrito por Andrés Tejada
https://cinemagavia.es/tercera-jornada-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Conociendo a Astrid
Conociendo a Astrid (2018)
  • 6,8
    42
  • Suecia Pernille Fischer Christensen
  • Alba August, Trine Dyrholm, Björn Gustafsson, Magnus Krepper, ...
6
Crítica de Conociendo a Astrid por Cinemagavia
Pequeños fans

Conociendo a Astrid comienza con una Astrid (Alba August) ya envejecida abriendo cartas de cientos de niños que le escriben para felicitarla por su cumpleaños y darle las gracias por las innumerables historias que les ha regalado y que acompañan sus infancias.

El comentario de un niño de cómo puede una mujer “que hace tiempo dejó de ser una niña”, un eufemismo muy sutil para llamarla vieja, los niños son así, no tienen filtro, conocer y representar tan bien la vida y pensamientos de los niños, abre la puerta de la memoria a Astrid para empezar a narrar su historia.

A través de estas cartas iremos Conociendo a Astrid, gracias a las observaciones que los niños hacen sobre los personajes de sus libros, y que ponen en contexto momentos importantes de su vida que le ayudaron a forjar su estilo narrativo.

Educación conservadora

De familia campesina, Astrid se crió en una granja donde aprendió el valor del trabajo duro desde pequeña. Bajo una férrea educación católica, encarnada principalmente en la figura de una madre estricta, Astrid pasa sus días en la pequeña localidad de Vimmerby, al sur de Suecia, donde su resolutiva imaginación y su mente libre no pasa desapercibida.

Sus increíbles ganas de disfrutar de la vida chocan rápidamente con la sociedad retrógrada que le ha tocado vivir que ve con recelo la igualdad entre hombres y mujeres y que continúa estableciendo los roles del hombre en el trabajo y de la mujer en casa cuidando de los niños. A pesar de ello, la vida transcurre feliz gracias una familia bien avenida que se quiere y protege.

Sueño de escribir

Dentro de esa vida gris que le rodea, Astrid encontrará un rayo de luz cuando su padre le comenta que hay un trabajo disponible junto al editor del periódico local, Reinhold Blumberg (Henrik Rafaelsen), y padre de una de sus mejores amigas. Un trabajo soñado para Astrid ya que así podrá dar rienda suelta a esas ganas de escribir que le hacen sentirse libre, aunque solo sea para redactar notas de obituarios, cumpleaños, bodas, etc. Además, este trabajo le permitirá tener contacto por primera vez en su vida con una máquina de escribir.

La confianza que su editor va mostrando en su talento y en su capacidad para pensar por sí misma hace que Astrid comience a fijarse en Reinhold como en alguien más que en su jefe, hasta que por fin termina enamorándose de él.

Sin embargo, lo que parecía una vida de ensueño con un trabajo que le permite ocupar su tiempo en su pasión por la escritura, y con un hombre que la adora y que la valora por su inteligencia sin tratarla como una simple niña, pronto se verá truncada cuando se queda embarazada. La difícil relación de Reinhold con su actual esposa y el entorno conservador que les rodea crearán multitud de obstáculos para que Astrid pueda criar felizmente a su hijo.

Otro biopic

Conociendo a Astrid supone otro biopic más que añadir a la larga lista de películas basadas en personajes relevantes de la historia en los que el cine ha puesto su mirada para llevarlos a la gran pantalla. Ya sea por la popularidad que están adquiriendo, por tratar de difundir sus interesantes historias, o porque las producciones deciden apostar por lo seguro esperando que los fans del personaje real acudan en masa a ver la versión fílmica de la vida de sus ídolos, el gusto por el biopic está ganando mucha fuerza en los últimos tiempos.

Esto supone en gran medida que el peso de la película recae más en el personaje real que en la película en sí; algo que queda bastante patente en este film que narra la adolescencia de esta admirada escritora.

Aun así, Conociendo a Astrid se trata de una cinta correcta que centra sus esfuerzos en retratar las dificultades a las que tuvo que hacer frente esta luchadora incansable para poder criar a su hijo.

Conclusión

Conociendo a Astrid refleja la tenacidad de una madre adolescente que debe abrirse camino ante las continuas adversidades para cuidar de su hijo. La indefensión que siente al ver que no recibe la ayuda necesaria para criar a su bebé, ni por parte del padre de su hijo, ni por su propia familia, encabezada en la figura de su madre, marcarán el carácter de la joven Astrid que encontrará en su capacidad para generar historias la forma de acercarse a la mente de un niño.

Conociendo a Astrid nos muestra a una niña que fue obligada a madurar demasiado pronto, y que eso le dejó una fuerte impronta que se muestra en una niñez latente que transmite a sus jóvenes lectores a través de sus personajes.

Escrito por Manuel Lara Rodríguez
https://cinemagavia.es/conociendo-a-astrid-pelicula-critica/
[Leer más +]
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mirai, mi hermana pequeña
Mirai, mi hermana pequeña (2018)
  • 6,6
    692
  • Japón Mamoru Hosoda
  • Animation
7
Crítica de Mirai, mi hermana pequeña por Cinemagavia
Un hogar lleno de sueños

El director Hosada vuelve a hacer uso de su estilo onírico y armonioso para presentar la historia de un niño, Kunchan, que no acepta la entrada de un nuevo miembro a la familia. Para conectar al espectador con la situación, presenta la vida cotidiana de la familia con ligereza y maestría, mostrando los detalles y las discusiones comunes que afectan a los protagonistas como a cualquier familia. Con el objetivo de que Kun aprenda el valor y el lugar de su hermana (y el suyo propio) en el hogar, tiene que viajar mediante pequeños viajes de fantasía al pasado y al futuro. En esas circunstancias, los miembros de la familia, sobre todo su hermana Mirai, son los mentores que le ayudan a comprender cómo superar los obstáculos y sentirse amado (al igual que apreciar a los demás).

Realidad universal

La animación está cuidada y se mueve en distintos estilos. Además, la música acompaña de forma excelente las escenas. El ritmo es cauteloso, aunque no por ello la película peca de lentitud. El máximo fin de Mirai es contar una verdad que puede darse en todo núcleo familiar. Es decir, la tristeza de sentirse apartado, el reto de aceptar la dureza de la realidad, el apaciguamiento del ego por encima de las emociones básicas. Para ello, sus herramientas son las metáforas y los saltos de dimensiones.

El camino de la madurez

Mirai, ganadora del premio a mejor película de animación, ofrece una historia entretenida que pretende hablar con sencillez acerca de los obstáculos que se han de afrontar en la niñez. Más allá, también cuenta cómo se forja la fuerza de las familias y cada individuo evoluciona según cambian los roles y las circunstancias. Y todo desde un humor agradable y dando la mano a una fantasía que nos susurra valores al oído con la voz de una dulce hermana mayor.

Escrito por María Iglesias
https://cinemagavia.es/mirai-mi-hermana-pequena-critica/
[Leer más +]
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Monos
Monos (2019)
  • Colombia Alejandro Landes
  • Julianne Nicholson, Moises Arias, Jorge Román, Sofia Buenaventura, ...
9
Crítica de Monos por Cinemagavia
La majestuosidad de Monos

Si hay algo que Monos de Landes tiene y que nadie podrá discutir es la majestuosidad visual que se logra, cada fotograma es pensado minuciosamente desde todos los departamentos de producción y dirección para que contribuya a la historia, a la vez que se graba en las retinas por su potencia estética.

Sin embargo, a pesar de que fue lo visual lo que más me impacto a nivel personal, la faceta sonora de Monos también es un trabajo a destacar y aplaudir de pie. Que cuidado al detalle para sumergir al espectador en la experiencia de esa selva inhóspita junto a los protagonistas. Es supremamente interesante como la música y la mezcla de sonido juegan para que cada personaje quede grabado en los oídos del público

La perfección de nunca estancarse

Monos además de ostentar todos los logros técnicos que mencionamos en los párrafos anteriores, arrasa prácticamente con todo lo que proponen las grandes carteleras de cine, al ser una película que potencia su narrativa a través de una constante tensión creada de situaciones muy diversas, pero que siempre apoyan la historia de Lobo, Perro, Boom Boom, Lady, Patagrande, Rambo, Pitufo y Sueca (Los sobrenombres del grupo de “Monos”).

Una cinta que se enfoca en tantos personajes podrían difuminarse en un abanico de opciones y terminar por no hacer pie en poder contar una historia clara al público, sin embargo, Monos con un derroche de habilidad en los tiempos del guión, se planta firme para contar su historia principal a la vez que pone en relieve los aspectos de cada uno de los jóvenes de este grupo armado. En este punto, habría que resaltar por supuesto la dirección de Landes y a todos los actores que brillan con tonos distintos para lograr crear recordación.

Conectar al espectador

Posterior a la muestra de la película, tuve la oportunidad de intercambiar un par de frases cortas con Landes, el director y escritor de Monos, donde le pregunté por una escena en específico donde la cuarta pared parece difuminarse y dar paso a una participación directa del espectador. Él me afirmó sin duda alguna que este fenómeno estaba presente durante gran parte de la cinta y no de manera aleatoria, sino pensado para trasgredir reglas cinematográficas en aras de involucrar al público en su mundo, hacerlo parte de los Monos, sus reglas y su jungla.

Nuevos conflictos y nuevos enfoques

Otro punto más a resaltar de la espectacular Monos es su enfoque sobre el conflicto armado, ya que a pesar de que se insinúa que la historia pertenece a la violencia en Colombia, jamás se cierra sobre las fronteras de dicho territorio, sino que deja las puertas abiertas para darle universalidad a este tópico.

Ya mencionamos antes que los principales actores de este bélico son unos jóvenes, a quienes se les presta atención no sólo como guerreros, sino también en su faceta más humana y de crecimiento. Los conflictos no se limitan al momento de las armas dentro de los “Monos”, sino que trascienden para que la cinta pueda con tranquilidad hacer un foco en estas inflexiones personales.

Conclusión

El FICCI estrenó en su segundo día una película perfecta; Así es, Monos es perfección desde cada fotograma y aspecto, una película creada para ser sentida de manera muy especial en todos los niveles y temas que su historia abarca. Personalmente, la considero una obra maestra que requiere ser visionada obligatoriamente por cada fanático del cine a lo largo y ancho del mundo.

Escrito por Andrés Tejada
https://cinemagavia.es/critica-monos-ficci-2019/
[Leer más +]
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil