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Críticas de Adrián Cantor
Críticas ordenadas por:
El viajante
El viajante (2016)
  • 7,1
    6.481
  • Irán Asghar Farhadi
  • Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati, ...
8
Venganza el solvente de vergüenza.
en 1949 se estrena por primera vez Muerte de un viajante, obra que otorga a Arthur Miller un éxito internacional inmediato. Su crítica del útópico sueño americano y la presentación del núcleo familiar como ente desestructurado situaron a este trabajo en el olimpo de la atemporalidad. El director iraní Asghar Farhadi ha sido el último en unirse al rol de artistas que han bebido de la influencia de Miller para la creación de sus obras. The Salesman, utiliza el libreto del dramaturgo tanto de manera explícita, mediante la representación meta-cinematográfica de la obra, como implícita, proporcionando a su filme un tratamiento descriptivo simbólico de la tragedia de un hombre corriente en una sociedad machista sin principios. Aquí Farhadi establece una separación cultural-sexual muy acertada para dejar a la mujer como el elemento razonable dentro de una sociedad brutalizada y arraigada en un patriarcado moderno pero inquebrantable.

Una joven pareja se ve obligada a evacuar su edificio a causa de un inminente derrumbe. Tras escuchar las excusas y el desentendimiento de su casero, que no quiere oír hablar de ninguna responsabilidad en el incidente, Emad y Rana se mudan a otra construcción gracias al favor de un conocido que tenía un apartamento en alquiler. El protagonista, que ya empieza a adoptar las maneras procedimentales de su alter ego: Willy, opina que una sonrisa puede abrir muchas puertas y, en este caso, su amabilidad con la gente ha dado los resultados deseados obteniendo el “enchufe” para entrar en su nuevo piso. Pero aquí entra en juego lo irónico de la situación descrita por Miller y adaptada por Farhadi, cuando creemos estar saliendo beneficiados por una transacción amistosa, lo más probable es que la otra persona piense lo mismo. Detrás de una sonrisa se ocultan mil miserias. Y llega el trágico suceso desencadenante de toda la trama. Rana escucha sonar el telefonillo antes de darse una ducha y, presumiendo que es su marido quien llama, como posiblemente hayamos hecho todos alguna vez, aprieta el botón de abrir sin preguntar, e instintivamente deja la puerta de acceso a la casa entornada para poder seguir con su aseo personal. Instantes después llegaría Emad encontrándose un reguero de sangre en el suelo y la casa vacía; su mujer ha sido atacada y trasladada al hospital con una contusión en la cabeza. Desde ese momento, el protagonista dedicará todo su tiempo a buscar una venganza con la que salvar el honor de su familia o, al menos, eso piensa él.

El daño ya está hecho. El hombre se muestra reacio a indagar en los detalles de la agresión, pues teme encontrar una respuesta que lo suma en un profundo estado de humillación. Su mujer muestra síntomas claros de haber sufrido abusos sexuales, sin embargo, el marido prefiere quitar importancia al asunto y dejar que la pobre Rana pase por la traumática experiencia sólo con su ayuda y el silencio al miedo de qué dirán. Cada vez más alienado por su personaje, la vida mental de Emad y su conducta se rigen por la máxima de alimentar la representación de su familia con una normalidad inaguantable. Recurre para ello a ilusiones y deseos de venganza que, de tanto repetirse, construyen la narrativa de su nueva vida. El comportamiento de los hombres en la película es hereditario de la brutalidad machista hegemónica de su país, seres rencorosos y egoístas que piensan que con la destrucción y la humillación retributiva serán felices; cuando el verdadero motivo de su infelicidad reside en su comportamiento como falla a su estilo de vida ejemplar de docente de un colegio y en su incapacidad para olvidar. La mujer, por el contrario, aunque es quien más sufre mentalmente, es piadosa y humilde. Conoce bien que su felicidad no pasa por arruinar la vida de nadie y, en su vergüenza y padecimiento, será la única que pueda poner límite a los accesos violentos masculinos. The Salesman resulta un trabajo demoledor y muy bien dirigido que expone un problema clásico y perenne en la sociedad contemporánea.
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77 de 95 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Ave, César!
¡Ave, César! (2016)
  • 5,4
    15.653
  • Estados Unidos Joel Coen, Ethan Coen
  • Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Tilda Swinton, ...
6
Salve los Coen
“Nos encantaban esas cosas
sólo que no nos dábamos cuenta de que
estábamos mirando basura”
Joel Coen.

Luego de incursionar en casi todos los géneros que hay en el cine los Coen regresan con está comedia de actores excelentes, inteligentes, con gran reconocimiento cinematográfico, pero en esta ocasión y en lo personal poco divertidos.
Grandilocuentemente la película es un homenaje al legado cinematográfico de Hollywood lo cual ya había tenido su primer guiño en la película The Man Who Wasn't There y que en Hail Cesar fusionan con el western exagerando algunos elementos de No country For old men, la soledad de Inside Llewyn Davis pero resaltando y queriendo manejar el humor de Ladykillers y A Seriuos Man sin llegar a igualar en lo más mínimo ni en humor o entretenimiento a todo lo realizado anteriormente.
Hail Cesar es una reverencia a la industria que les da la papa a los hermanos y que a los espectadores nos entretiene y aporta tanto como seres humanos motivados por las diversas culturas del mundo. Intenta ser contada de manera sencilla homenajeando personajes como Eddie Manix, persona real que limpiaba la imagen de los actores, retoman elementos de la comedia romántica Suave Como visión de 1962 y Laurence Olivier utilizando maquillaje color caoba junto a Charlton Heston en Kartum (1966) para lo cual, en una entrevista a The Telegraph Joel Coen diría “Nos encantaban esas cosas, solo que no nos dábamos cuenta de que estábamos mirando basura”.



La Historia se desarrolla en un periodo de tensiones, el nacer de la televisión tenía a productores y trabajadores de la industria cinematográfica a la expectativa de lo que muchos pensaron como el final o el inicio del fin del cine, al mismo tiempo, la tensión entre comunistas y capitalistas estaba latente, muchos actores no entendían o veían lo importante de su posición política en este suceso, mientras en el futuro no lejano al desarrollo de la historia se hablará y se harán análisis de Walt Disney y su campaña sucia, enajenadora contra el comunismo, o de Chaplin y su fijación al socialismo.
En la historia el secuestro de la principal estrella masculina de Capitol Pictures durante la filmación de la más ambiciosa película hecha hasta el momento evidenciaría estos sucesos de los 50’s marcado por producciones con contenido religioso, alegres musicales, acrobáticos westerns y los dramas en vestido de gala que acompañaran estas tenciones.
Este secuestro denota como el McCartismo comienza a extender sus manos entre la comunidad cinematográfica en el que los principales acusados fueron los escritores a quienes utiliza los Coen; un grupo intelectual pero inocente que planea el secuestro con una razón anticapitalista pero sin renunciar a las virtudes del sistema que atacan.
La prensa por su parte se muestra sensacionalista en un ir y venir de favores que permiten el funcionamiento de otros engranes de la industria para que las cintas sean un éxito sin dejar pasar la promiscuidad de las estrellas, la oculta homosexualidad de algunos actores y directores, los aberrantes sucesos de una actriz posible madre soltera. Así ante la acumulación dispareja de riquezas económicas con que cuenta la industria que reafirma la idea de renunciar al bien común y brillar individualmente como una estrella.



A modo de síntesis, la historia cuenta con un gran contenido histórico y valora la historia de Hollywood como una de gran relevancia para la humanidad, los Coen logran esto con un gran reparto y excelentes actuaciones que denotan las criticas; fanatismo, manipulación, exageración, sumisión. Debido a ello podemos ver unas asombrosas transformaciones interpretativas que desnudan la industria con personajes insoportables como Scalett Johansson, interpretación de actores naturales y extras por de bajeados pero importantes y que deben hacer frente a talentos como los de Josh Brolin, el engreído George Clooney, Tilda Swinton, Frances McDomand y por supuesto el que no suelo considerar buen actor pero cada vez más frecuente con grandes directores Channing Tatum.
Lo principal o que más se intentó vender de la historia es su humor, aunque la dirección es excelente, el manejo muy bueno, nada que no se espere de los Coen, en esta película les falta manejo en la risa, se intenta hacer un humor fino pero muy malo, no por ello el guion no deja de ser bueno, la dirección inteligente y agradable al nivel que nos acostumbraron los Hermanos Coen.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Regreso a casa
Regreso a casa (2014)
  • 7,0
    2.451
  • China Zhang Yimou
  • Gong Li, Chen Daoming, Zhang Huiwen, Guo Tao, ...
9
La inclemencia del tiempo ante el triunfo del dolor.
El regreso a Casa de Zhang Yimou no podría poseer menos elementos para hacer una película de tan grande potencial, a pesar de que Gui Lai no se compare a sus películas más emblemáticas a la Maldición de la Flor Dorada (2006), La Casa De Las Dagas Voladoras (2004), Hero (2002) o Vivir (1994). A lo que yo llamaría “realismo mágico” (si así se le permite llamar) del entamado cultural chino, y a eso me refiero a batallas épicas donde predomina un sentido espiritual como saltos irreales, fuerza demoledora, paisajes de ensueño marcados de simbolismo chino, la película tiene una fuerte carga política, social en la narrativa propia de las mejores historias del cine o por que, la literatura.
La película posee un argumento poderoso, Zhang Yimou se remonta a los 70’s y el final de la revolución cultural China; la guerra popular que se prolongo por más de diez años por toda el territorio, con la intención de acallar a intelectuales y lideres políticos que pondrían en peligro el control que Mao Zedong, que aunque se le atribuyan ideas filosóficas del materialismo dialectico, aciertos económicos a nivel rural y urbano, aciertos en materia militar, y aciertos sociales muy positivos, los más fervientes maoístas no podrían negar el atentado ocasionado contra miles de personas por el hecho de pensar diferente o simplemente entender un poco de arte y cultura de Europa principalmente.
Y es que así inicia la historia, Lu un hombre capturado y que pasa diez años en prisión, logra escapar e intenta reunirse con su familia: Yu su esposa y Dandan la hija que dejo a los tres años de edad, el partido que logra en Dandan insertar un discurso de “Verdad” que permite que está le sea fiel al partido y por ende atente contra la vida de sus padres, traicionándolos.
Finalizada la revolución cultural, los presos políticos retoman su libertad y pueden regresar con sus familias, es ahí donde el dolor es aún más fuerte, ya nada vuelve a ser igual. Dandan se enfrenta al sufrimiento y el fracaso de lo que ella consideraba el mundo que deseaba, mientras los personajes se plantean el dilema del perdón y el eterno regreso.
La vejez resulta ser en ese orden de ideas el asunto principal, de forma violenta y visceral Zhang Yimou carga al espectador con un exceso de melancolía e ira ante aquel demonio llamado tiempo y las herramientas que nos atan a él, la poesía, la música, el recuerdo de un tiempo mejor están siempre presente como un fantasma ante la recursividad humana y el instinto de resistencia y esperanza.
Pero claro, nadie escapa a esta desazón, ni siquiera Yang, personaje responsable de parte del dolor de los tres personas principales y de su propia familia ante la inclemencia de la razón y el control político.
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26 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una segunda madre
Una segunda madre (2015)
  • 7,0
    2.145
  • Brasil Anna Muylaert
  • Regina Casé, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, ...
8
Clases sociales y la emancipación desde económica desde el genero.
En una economía de mercado la gran mayoría de trabajadores depende de un salario que se incorpora como recurso para una subsistencia y la de la familia. Se está en presencia de una multitud de personas, hombres y mujeres, que en el devenir histórico han perdido su existencia objetiva en el proceso de creación de clase social donde se genera identidad económica otorgada por el valor de sacrificio en la construcción de cultura.
Esa construcción de cultura debe tener un soporte y solo existe mientras ese soporte es permeado por sentimientos de amor, pero ¿qué sucede cuando el soporte se ve truncado por la inexistencia del material tangible que genera ese amor, el no criarlo y de la carencia de compartir en físico? La ropa, el alimento, los vestidos adquieren un valor innecesario agotando las personas en la dinámica del siempre producir.
El valor de cambio en el trabajo de Vel pierde importancia ante el tedio y el sufrimiento de la lejanía de su hija, no criarla mientras llena de amor, amistad y buena educación a un hijo ajeno pero propio por la crianza y su destino laboral, generar desazón y hacen el espíritu de ella incompleto.
Es así como ese poseer propiedad se convierte en poseer características infundadas en el amor y el respeto limitados por lo que vería Marx; “la sociedad en su conjunto se está dividiendo más y más en dos grandes campos hostiles, en dos grandes clases que enfrentan directamente una con la otra: la burguesía y el proletariado” puesto que “en la medida que millones de familias viven bajo condiciones económicas de existencia que les distinguen por su modo de vivir, por sus interés y por su cultura de otra clase, aquellas forman una clase”
Estas dos clases que se enfrentan carecen de la concepción clásica del bien y el mal del cine, es decir, no hay maldad, simplemente se originan unas relaciones producto de su propia construcción social, construcción cultural, ni el que tiene los recursos económicos, ni Vel como empleada son personas malas, pero si funcionan bajo lógicas diferentes que desde el espectador genera el deseo de apoyar y estar con la empleada que sacrifica su vida y la de sus seres queridos por la de su hija que no ve en diez años y por su hijo ajeno que ha criado a costa de un pago de su madre biológica en uno de los países más desiguales del mundo, Brasil.
En este contexto de lucha de clases y enfrentamientos económicos, se desarrolla un empoderamiento de genero, “Brasil a cambiado” y ese cambio comienza por una restructuración mental evidente en la forma de concebir el mando y la autoridad entre la madre y la hija en relación a un patrón. Jesica hija de Vel, rechaza la condición que le quieren imponer de sirvienta o “menos persona” para generar una revolución en su madre.
La condición intelectual de Jesica, ante Vel, que no parece haber tenido esa oportunidad de indagar en libros es emancipadora y lleva a un análisis exhaustivo de cómo se originan esas dinámicas de producir, que terminan en una formación cultural que reafirma la generación de clases.
Está opresión laboral se transfigura cuando no hay un factor más poderoso que el material o la producción que lo controle, cuando no hay una persona que motive y llene de amor nuestras vidas, no hay más remedio que renunciar a la esclavitud para recomponer un camino perdido de años de usencia maternal causadas por el destino y la impotencia de lo material.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dioses de Egipto
Dioses de Egipto (2016)
  • 4,1
    9.161
  • Estados Unidos Alex Proyas
  • Gerard Butler, Nikolaj Coster-Waldau, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites, ...
2
de tal Ojo tal Horus
El atractivo que generan las mitologías, su enriquecida literatura que permite tomar miles de elementos para entender el mundo y su funcionamiento, permiten entre otras cosas crear historias de diversa índole. Lo difícil en ello, es que la invención de estas historias lleven a una película a enriquecer el mundo cinematográfico y generar debate ante un tema trascedente para el mundo o por lo menos formador de personas.
El primer error de la película, radica en lo que debería ser su fuerte, la ambientación parece más de los capítulos I, II y III de Star Wars, un Egipto antiguo que dista mucho del real, unos efectos que llegan hacer ridículos, absurdos, y una edición sobrecargada de elementos propios de una película de humor y sátira. El guión, es pobre y se burla de un momento y una cultura que le ha brindado a la humanidad más de lo que se suele creer, o saber por ahora.
difícilmente se le rescate algo a esta película, no suelo escribir sobre ellas, pero es triste perder el tiempo con estas cosas cuando hay tanto poder e historias que fortalecen el que hacer cinematográfico; Es lenta, predecible, banal, sin guión y hasta ridícula, con escenas que dan vergüenza.
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34 de 54 usuarios han encontrado esta crítica útil
El lobo detrás de la puerta
El lobo detrás de la puerta (2013)
  • 6,4
    1.484
  • Brasil Fernando Coimbra
  • Milhem Cortaz, Leandra Leal, Fabiula Nascimento, Tamara Taxman, ...
8
Inseguridad? Justicia? Venganza? Miedo y traiciones.
Película de traiciones amorosas, intriga, inseguridades y miedos, la historia relata deseo, posesión de una persona que denota inseguridad, narrada por partes y puntos de vista arrojados según un agente de policía va indagando y cuestionando a cada uno de los personajes sobre lo acontecido: el secuestro de una niña.
La presión de compararse con otra persona enloquece y daña una relación que pudo durar mucho tiempo y ser placentera para todos los involucrados. ¡pero un momento!.. no es solo inseguridad, aquí también hay venganza de la peor que alguien pueda pensarse, aunque para algunos tal vez sea justicia y equilibrio, aunque con algunos victimas inocentes como suele suceder en las guerras.
Nos muestra otra parte de Rio de Janeiro, no tiene que redundar en sus playas, música y monumentos o lugares históricos relevantes, simplemente es la historia de unas personas que viven y toman decisiones más allá de su entorno reconocido mundialmente.
No tengo que contar mi vida, para decir que te llega y puedes relacionarte con la historia, o simplemente no, pero si divertirte y pasar un buen rato viéndola.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La chica danesa
La chica danesa (2015)
  • 6,8
    25.288
  • Reino Unido Tom Hooper
  • Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts, Amber Heard, ...
6
Genero: el patrón preferente ante el miedo del yo
“Todo el pensamiento moderno es permeado
por la idea de pensar lo imposible”
(Michael Foucault)

Einar Wegener o para ser más exactos Lili Wegener fue la primera persona en relazarse una cirugía de cambio de sexo, un individuo con un notable éxito artístico y un personaje perfecto para Tom Hopper quien le encanta hacer historias biográficas “atípicas”.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX el género era socialmente determinado con rudeza, siguiendo a la teoría Queer actual, el género es el resultado de una construcción social ficticia, o como diría Foucault “la Homosexualidad apareció como una de las figuras de la sexualidad cuando fue rebajada de la práctica de la sodomía a una suerte androginia interior, de hermafroditismo del alma. El sodomita era un relapso, el homosexual es ahora una especie” aunque este no recura necesariamente a prácticas sexuales de penetración.
Y por su puesto, porque si parece claro y se admite la legitimidad de sentirse “otro” independiente de las características fisiológicas, para los transgenero (y habló de los que fueron, son y serán) la construcción de mujer no se desarrolla sobre la base del sexo biológico, la importancia de lo simbólico puede adquirir una nueva dimensión en la ruta de su experiencia; Einar no soñó tener senos o vagina en vez de pene, quería ser esposa, menstruar, ser mama de manera natural. En ese ámbito psíquico se empieza a replantear el mundo preguntas como ¿qué es ser mujer u hombre y en qué se basa esa supuesta identidad de género? Será que como decía Nietzsche “el sexo es una trampa de la naturaleza para no extinguirse?” entonces, ¿qué podemos decir de la sexualidad la cual no está condicionada genéticamente?
Lo cierto es que Lili seguía las ideas feministas de Haraway quien sentía un rechazo a la división sexo/genero por considerar que conduce a terribles consecuencias en la historia del ser humano, el travesti y el transgénero son agentes subversivos no necesariamente diferentes entre sí aunque la sociedad así lo quiera plasmar por el código heterosexual, social impuesto.
De esto nos habla la película, sin duda podríamos tomar sucesos y pensarnos el ser sexuado y/o sexualizado de diversas maneras ya sea dentro de la corriente feminista y sus vertientes, como su contra parte, pero entremos a lo técnico de la obra.
La película es fuerte en los recursos mecánicos, la dirección es elegante, la fotografía, el manejo de cámara, el audio, son elementos dignos y realizados sin duda por profesionales que les encanta la historia y grabar sobre ciertas épocas ya no tan remotas pero tampoco tan distantes, un encuadre del mundo moderno y sus “atributos” occidentalizados.
Lo mejor son los actores, sino fuera por una presión social que traería consecuencias y criticas difícil de curar para Hollywood, el Oscar 2016 a mejor actor se lo debería llevar Eddy Redmayne sobre un Leonardo DiCaprio, muy bueno generalmente, pero por desgracia para él siempre superado por alguien más. Redmayne muestra una mujer en todo su potencial y un hombre “como la sociedad lo impone”, un actor intachable que se convierte en uno de los mejores de esta nueva era cinematográfica, en la película es aún superior cuando los dos personajes interactúan al tiempo. Y claro, habló por Alicia Vikander quien hace de Gerda la esposa de Einar y amiga de Lili.
La historia es lenta y puede aburrir aquellos que no disfrutan de un gesto, y de un tratamiento poderoso, y aunque da mucho sobre lo cual reflexionar y aprender, el guion no es bueno y lo dificulta, aún así es propio para pensar que “la locura no se puede encontrar en estado salvaje. La locura no existe sino en una sociedad, ella no existe por fuera de las formas de la sensibilidad que la aíslan y de las formas de repulsión que la excluyen o la capturan” (Michael Foucault).
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12 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
El niño y el mundo
El niño y el mundo (2013)
  • 7,2
    1.039
  • Brasil Alê Abreu
  • Animation
9
Territorio salvaje, la frontera de todos y nadie
Así como hace parte de la naturaleza: el amor que
Tiene a la guerra como medio, se erige sobre
el odio mortal por la humanidad

Para cuando el descubrimiento del Nuevo Mundo o mejor, para cuando lo españoles llegaron América, los pueblos que vivian en él eran sofisticados y “extraños” en cuanto a cultura se refiere, el resultado de encuentros, mutilaciones, despojos, culturales, cruces de seres de colores, aromas, aspectos, dialectos diferentes terminarián en esa forma lasciva de satisfacer plenamente esos deseos siempre insatisfechos de la humanidad, partiendo del bautizmo de sangre y dolor que maldice un continente por siempre o como diría Galeano, que mantiene a su gente y latinoamerica con las venas abiertas por siempre.
Menino descubre un país invadido de colores, texturas, grupos sociales. Un continente que sufre. que la falta de diálogos sobran cuando sabemos que se refieren al parcero-a, compañero-a, amigo-a, socio-a, indigena, afro, gitano, colono, al garoto-a, guajiro-a, campesino-a, al sumerced, che, cherador, Brasilero-a, Argentino-a, Chileno-a, Mexicano-a, cubano-a, panameño-a, haitiano-a, peruano-a y todo persona que habita el continente, y por desgracia, al saqueo y capitalismo salvaje que es lo que predomina en la historia.
Este mundo de colores, dibujado con diversas tecnicas que van de las más simples a las más sofisticadas, se desarrolla en Brasil, el miedo, la necesidad que este niño tiene ante la ausencia de su padre, al amor por él, lo llaven a recorer y conocer estos colores, una amazonia repleta de belleza, animales, esa naturelza hermosa, virgen en gran proporsion, unos campos, cultivos, montañas, rios, sabanas, desiertos con gente trabajadora.
Pero en el continente más diverso del plantea ha sido bautizado con sangre, sus riquezes y los beneficios naturales que contine han hecho desde la colonia que los paises “del primer mundo” usen estas caracteristicas para hacer dinero y desequilibrar la balanza mundial, las dictaduras y la operación condor desaparecieron gente sebramdo terror, miedo, acabando con la inosencia y experanza de muchos niños.
Las grandes multinacionales extraen materias prima que transfiguran y venden de nuevo a estas regiones por un precio a un mayor que el justo, la gente trabajadora tiene que privarse del sueño, de una buena alimentación e incluso de diversion para poder subsistir, siempre en compañía del amor y el compañerismo.
La música en la película es la excusa y aliento que encunetran muchas personas antes un mundo en decaida, al igual que la samba el bossa nova, nacen en fabelas como contra parte del control político y la corrupción, se convierte así la música en fuente de energia, motor del corazón ante el rechazo y la resistencia de este capitalismo salvaje e hipocrita, la música tranciende en folclor, en fiesta y los mejores recuerdos de un niño y su entorno.
Película invadida y hecha a colores, éstos caracterizan un pais y un continente entero, porque está historia no solo habla de las fabelas, de rio de janeiro, de los campos, las playas, la selva y por supuesto de la gente y música del Brasil, habla de todo un continente que ha soportado explotación laboral, robos, muerte, destruccion de la naturaleza causada en mayor medida por entidades extranjeras que abusan de la inocencia del niño, de la inocencia de un continente que es “nuevo” y “menor” por obligación , de esa invensión de las fronteras.
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10 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Winter on Fire
Winter on Fire (2015)
  • 7,0
    873
  • Ucrania Evgeny Afineevsky
  • Documentary
3
El nacimiento de Euromaidán
El nacimiento de Euromaidán

Desde que Ucrania logra la independencia de la Unión Soviética en 1991, el país ha estado marcado por presiones internas, la más fuerte originada con el arribo a la presidencia de Viktor Yanukóvich, hombre curioso que primero fue relajado del poder en 2004 por posible fraude en la elecciones, para que es su segundo mandato del 2010 fuera obligado a dejarlo al 2014.
El atentado a los civiles en ese proceso que inicia con marchas pacificas es real, la corrupción del presidente y su equipo de trabajo era evidente, la no firma del tratado o alianza con la unión Europea también, pero ello fue solo un grano de arena en el mar del conflicto.
La parte pro-Europa de la que habla el documental se caracterizó por tomar el poder y ser principalmente una facción de extrema y ultra derecha, un movimiento en esencia neonazi; después del triunfo Kiev argumentó que los neonazis eran parte del ejercito ucraniano y que estos eran controlados por el gobierno, Finalizada la disputa mostrada en el documental algunas regiones de ucrania buscaron su independencia y se aliaron a Rusia, generando una división geográfica y una guerra civil en el país que aún tiene sus consecuencias en la actualidad.
El documental en ese orden es simplista, no enfatiza o invita a los videntes a conocer más de fondo el problema, se centra en mostrar la destrucción y el ataque de la policía en contra de los pro-europeos cuando la división era muy fuerte, muchas personas del país eran pro-rusas ya sea porque estuvieran a favor del presidente o contra él.
Ukraine's Fight For Freedom Es una propaganda bien lograda que les permite llegar a los premios Oscar de la academia, para que personas como yo lo vean y puedan ser fácilmente engañadas o enteradas de una pequeña parte de un conflicto, y esta pequeña parte relatada desde la voz de los manifestantes sin entrar mucho en versiones y tenciones de los aparatos estatales, noticias u otra acción que permita entender o tomar conclusiones propias, ¡pero claro! El poder para el pueblo
No es simplemente que no se quería al presidente, no es solamente que no se firmará con la Unión Europea, ¿porqué? ¿qué compromisos había estipulados en ese pacto? ¿quiénes eran los pro-rusos y que pedían? ¿qué acontecimientos y pronunciamientos políticos se hacían mientras la gente protestaba? ¿ese símbolo que tanto se puede observar en brazaletes, fuego y ropa de los manifestantes es nazi o a qué hace referencia? ¿es una investigación lo que se hace o una propaganda?
El tratamiento de la película es muy bueno, el director sabe en que momento meter imágenes y en que momento cortarlas, sabe que a la gente le gusta el mormo y el amarillismo, lo sabe, pero ¿es un buen investigador? Personalmente no estoy desacuerdo con ello y me sorprende que la academia lo tuviera en cuenta.


Lo mejor: el tratamiento y manejo de las imágenes le dan un estilo atractivo y entrenado a la historia.

Lo peor: el manejo de la información, da la sensación de ser manipulado, además que no enfatiza en las causas del problema y la otra cara del conflicto.
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47 de 55 usuarios han encontrado esta crítica útil
A War (Una guerra)
A War (Una guerra) (2015)
  • 6,4
    1.465
  • Dinamarca Tobias Lindholm
  • Pilou Asbæk, Tuva Novotny, Dar Salim, Søren Malling, ...
6
La guerra y continuidad de la política por otros medios
No cabe duda que el cine Danés es de los más prometedores y valiosos desde antes de la existencia de dogma 95, las incoherencias y afectaciones del siglo XXI lo reafirman en ese panorama de empoderamiento cinematográfico.
Desde el incido de la guerra contra el terrorismo o incluso desde la políticas de Rooselvet o La doctrina Esienhower el miedo a la guerra a dejado de ser la continuación de la Política por otros medios a ser algo aún más fuerte que encierra valor económico y transformaciones culturales con argumentos cada vez más repudiables y problemas mentales o dramas propios creados (en un 90%) y juzgados por occidente.
Entre los elementos de cualquier guerra se destacan el odio, la violencia primitiva y el azar a las probabilidades desde el calculo y la inteligencia, es por lo cual que antes de los tratados en protección a los civiles las guerras no debían detenerse hasta desarmar y abatir al enemigo, justamente realizado por un acto de fuerza obligando a obedecer la voluntad del ganador de la contienda.
Pero qué nos dice esta película? Más allá de un breve aparición de Talibanes que controlaban todo el territorio Afgano en los 90s y la ofensiva norteamericana iniciada en octubre de 2001, los aliados (la Otan) proceden a destruir a los talibanes y ocupar el país para forzar el transito a la “Libre empresa” y la democracia. Lo que se pensó lograr en pocos años termino extendiéndose hasta nuestros días (en el 2009 Obama envía 30.000 soldados más) de allí Pilou Asbaek es uno de aquellos hombres que llegan al país, un soldado modelo de los que difícilmente deben contener el mundo, un líder nato de pensamiento rápido, pero con un conflicto personal “muy” fuerte según la película.
El comandante esta alejado de su familia, su mujer se intenta mostrar como alguien fuerte pero marcada por una división de genero; le falta el “Macho” el que le ayuda a equilibrar, controlar, crear respeto por medio de la autoridad (en este caso lograda por la figura paterna) originando la presión y guía que esta busca desempeñar en el hogar.
El Comandante que respeta a los habitantes de Afganistán termina por cometer un error que afecta a civiles para salvar su vida y la de sus compañeros, los dilemas morales no terminan ahí, de igual manera que una guerra, la supervivencia se confronta con el odio y la necesidad de doblegar al enemigo, acorralarlo aunque este enemigo no sea producto de disputas económica, ni territoriales, es producto de leyes y pensamientos éticos producto de la historia humana.
Este error lleva al protagonista a confrontar una de la leyes más violadas en palestina y el medio oriente gracias a esa estigmatización de los pueblos mal llamados terroristas pero que es trabajado a perfección en la película de tal manera que solo lo haría la "justa" y "santísima" sociedad occidental.
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19 de 29 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lobo
Lobo (2014)
  • 6,6
    1.029
  • Jordania Naji Abu Nowar
  • Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji Audeh, ...
7
Katagario
situando la historia en el contorno ambiental del desierto de Arabia durante los primeros años del siglo XX y un paraíso ajeno a la Gran Guerra europea, pero tocado asimismo por la misma en virtud de las ambiciones beligerantes tanto de británicos como del Imperio Otomano. Sin duda, suficientes ingredientes para trazar un poderoso drama humano e intimista de acento neorrealista.
una historia silenciosa muy alejado de las cintas más vigorosas y trepidantes edificadas en occidente, una historia entretenida y aparatosa. He de confesar que tal vez espere más tal vez por el boom que le da una nominación al Oscar y el deseo de las competidoras a la primera cinta colombiana nominada este año también.
Es una historia de supervivencia y hermandad, las palabras con las que inician permiten entrever lo que sucederá. Al igual que lo lobos aprovecha al mejor postor para su supervivencia pero no olvida y lo encierra la traición, ese ritual de paso, que aunque obligado lo llevan a dejar la inocencia y el miedo.
Los tonos cálidos predominan en una fotografía atractiva que dan ese aire de sed y soledad. La oscuridad de la noche acompañada solo de una luna y el calor de una fogata. es el viaje de un niño que jamás regresará, llegará siendo otro (si es que llega) de su viaje por ese desgarrador paso de la humanidad, ese paso por la historia ante la amenaza del terror.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Spotlight
Spotlight (2015)
  • 7,3
    42.360
  • Estados Unidos Thomas McCarthy
  • Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, ...
6
La Naturalización de la hipocresía.
Por la fecha y boom mediático se convierte en una cinta obligatoria especialmente en iglesias e institutos.
Lamentablemente la producción sencilla, las carencias técnicas y la crudeza con que se tratan la propuestas, hacen que espectadores acostumbrados a grandes superproducciones hechas con el único y mas que legítimo objetivo de entretener, perdamos de vista las cualidades de estas pequeña “maravilla”.
Las críticas “Tradicionales” pintan una semblanza de por donde va la historia. No me extenderé en ello. Solamente agregar que un mundo marcado de dolor e hipocresía debe ser mostrado, y mostrado y mostrado para nuevamente ser mostrado con la esperanza de la no repetición (lamentablemente por el completo entramado de entes físicos y espirituales, difícil creer). Efectivamente, los aparatos legales de cada país varían, pero por desgracia en estos temas suelen tener la misma regla, por miedo, “amor”, fe, “ética” de las jerarquías católicas y la burocracia política; si, claro, suelen tardar años en hacerse públicos, y más en un país tan conservador como Estadios Unidos.
No es para nada sensacionalista, sin embargo se queda corta en la fuerza de sus argumentos e intenta escandalizar un tema por desgracia naturalizado en mucha gente, pero que no logra lo que si lo haría un medio de comunicación. Alarmar al mundo, o a parte del mundo que le interesa cambiar la suciedad de él.
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19 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Siyama: Village of Warriors
Siyama: Village of Warriors (2008)
  • 3,5
    25
  • Tailandia Preecha Songsakul
  • Than Thanakorn, Thitima Maliwan, Nattanun Jantarawetch, Bawriboon Chanreuan, ...
4
Antimanual de Historia.
Inicia una historia interesante de un país desconocido, un suceso que al parecer es muy importante para Asia oriental … sorpresa, el impulso se pierde cuando esta en juego una visión impuesta vulgarmente.
los objetos, su cultura y la relación del entorno permiten entender un suceso como producto de alguna fatalidad del destino. Tales objetos según su posición, el lugar y el momento van recreando las circunstancias de una línea de generaciones que reproducen el suceso en toda obra y base venidera (política, cultura, lingüística, económica y claro social)
Claro está que la interpretación es el núcleo o la parte más importante de la práctica histórica (investigador(a)) su escancia general y el momento global determinan toda actividad del historiador. Es así como la interpretación de los realizadores de la película es un corolario que no respeta la complejidad de la simbología y la era, claro, ellos hablan de su país y un suceso que les es más cercano y personal que a los de este lado del continente preocupado por reinados, futbol y fiesta. Pero su argumento es banal, ridículo, la película entonces se convierte en un espejo de la peor parte de Hollywood y adolecentes fantasiosos y pues si bien la historia parte de problemas, la cinta se convierte en una más a histórica con algunos vestuarios interesantes, tecnología adecuada. Pero farsante y tonta por momentos.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La tierra y la sombra
La tierra y la sombra (2015)
  • 6,6
    527
  • Colombia César Augusto Acevedo
  • José Felipe Cárdenas, Haimer Leal, Edison Raigosa, Hilda Ruiz, ...
8
Recarga de Homenajes y la estetica supera la narrativa.
La nueva tendencia cinematografica colombiana ha logrado lo que tanto se deseabá en los 90s e inicios del 2000. Sacar el cine colombiano de aquel lugar violento, morboso y que alimentaba la idea del pais de los narcos y la traición.
Cesar Augusto nos trae una película cargada de Homenajes, la influencia de Tarkovski se hace evidente, o que hablar de películas como el Caballo de Turin de Volker y Erika Bok , pero aún así, no es algo nuevo en la industria colombiana, al parecer las escuelas y universidades cinematografias del país priman la estetica sobre la narración, films como Los Viajes del Viento, La Sirga, el Vuelco del Cangrejo son la evidencia de ello, sin embargo, se ha dejado de lado lo que personas como Aljure le han otorgado al Cine Nacional, y es un buen Guión.
No podemos decir que la Tierra y la Sombra es 80% Tarkovsky, si bien en él encontramos un guion, unos discursos potencialmente profundos que no estan en la pelicula de Cesar Augusto, auque el entorno quemandose como sucede en el Sacrificio, tomas largas como en Stalker, vacios existenciales como en Nostalgía son evidentes homenajes, La sombra y la tierra carece de fuerza discursiva, conversaciones poeticas e incluso existenciales, las señales de un Valle del Cauca desconocido, de un país arrojado al abandono estatal son el eje central de la historia.
Tal vez la película ha sido inspirada por el mayor de los Buendia en 100 años de soledad, tal vez en la Hojaras o simplemente la actitud mecanica de vincular cualquier historia colombiana, del campo y el arte al ya inmortal Garcia marquez, tal cual ha sido expresado por el blog de crtica “La Pajarera del Medio” por ser este valle del Cauca (lugar donde se desarrolla la cinta) un lugar mitico, poetico cargado de realismo magico. sin embargo, lo perimero que se resalta en la pelicula, son sus planos y movimientos de camara al igual que su fotografia, de ahí el premio recibido en Canes que la acreditan como la película colombiana más importante hasta el momento.
Finalmente y al igual que el Sacrificio de Tarkovsky, la casa es el personaje principal, y a traves de ella nos inserta en un lugar donde la sombras predominan y ayuenta todo tipo de vida.
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12 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Timbuktu
Timbuktu (2014)
  • 6,6
    4.247
  • Mauritania Abderrahmane Sissako
  • Abel Jafri, Hichem Yacoubi, Kettly Noël, Toulou Kiki, ...
8
Yihad: el temor de Ala
Historia que relata los días de Tombuktu (la ciudad Mítica de Malí) bajo el control de extremistas religiosos, radicales islamistas a causa de la Sharia o Ley Islámica integrista que siguiendo los lineamientos de la Yihad determina las normas y conductas apropiadas según el Coran y los deseos de Ala.
por fortuna para el pueblo Malí la dictara impuesta por sanar Diner Finalizó luego de la intervención del estado francés, siendo de tan solo unos meses en el año 2012.
La película es dura, pero sin darse importancia combina la concepción que tienen algunos musulmanes acerca del Yihad, tanto de aquello que ven en esta doctrina una guerra santa que busca mantener un estatus quo a toda costa, no de igual menea pero si inocentemente también aquellos que consideran que esta doctrina se representa de manera personal, al igual que los debates que tienen algunos seguidores sobre el tema, la historia los representa sutilmente ante la imposibilidad de una vida cotidiana alterada por el paso de despotismo irracional.
Para aquellas personas que disfrutan del tratamiento cinematográfico. existen escenas que cautivan y son hechas con una refección, hermosura que terminan por hacer olvidar algunos planos que pueden pasar de aburridos, una escena de footbol, una de canto y otras cuantas que se podían convertir en spoiler de ser nombradas.
Personalmente, este películas me despiertan sierra fascinación y un odio que podría no ser tal sobre el Islam, genera deseos de indagar más sobre sus 5 pilares (1 profesión de fe, 2. Limosna, 3. oración, 4. ayuno y 5. peregrinación a la Meca) ya que desde la distancia y lo que otorga el cine genera terror, el mismo que debe sentir Sissako y que lo han llevado a ser considera el director Humanista que no sé si es pero parece... habría que ver el resto de su trabajo!
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
La bicicleta verde
La bicicleta verde (2012)
  • 7,1
    5.537
  • Arabia Saudí Haifaa Al-Mansour
  • Reem Abdullah, Waad Mohammed, Abdullrahman Algohani, Sultan Al Assaf, ...
7
El velo: entre dios y ellas.
Wadjda es una película sencilla, que quizás en manos de una directora más experimentada nos podría traer una obra de arte sin precedentes, aún así es una historia atrevida, critica ante las costumbres y la sumisión de la mujer en un mundo Islamico.
Sin embargo la defensa del velo y sus costumbres, no son ni políticas, ni religiosas si quiera, es una convicción personal arraiga a la fe, nombrado en el Corán una sola vez de manera sutil y hace referencia tanto a hombres como a mujeres de allí que la actitud y culto hacia éste, sea meramente cultural, ya dirían las feministas de tercera generación que esta película es una oda al feminismo neolítico de occidente debido a la tristeza de sus escenas y la poca esperanza que se vislumbra para estas mujeres.
Los movimientos feministas islamicos no son nuevos, comienzan en los 90s como continuidad del feminismo nacionalista árabe, que cobró importancia entre los años 40 y 50 en que las mujeres lucharon codo a codo por la descolonización hasta ser marginadas nuevamente en el periodo de independencia. está película es homenaje a esa época, en la que el marxismo como critica de la región plantea otra alternativa de vida, con ella la del feminismo laico, el cual no dio fruto por que el pueblo árabe es un pueblo arraiga al islam que constituye una memoria, una historia como experiencia milenaria que el pueblo se niega a dejar.

Si bien el feminismo islamico comenzó en los 90, no lo hizo de la nada, es la continuación del feminismo nacionalista árabe, que cobró importancia entre los años 40 y 50 y en el que las mujeres lucharon codo con codo con los hombres por la descolonización. Pero después de la independencia, fueron marginadas y el feminismo nacionalista quedó muy ausente. La generación joven, la que ha seguido y tenido acceso al estudio del islam, ha visto que todo lo que decían las feministas laicas no era del todo cierto, que la lectura que las instituciones han hecho de los textos sagrados, todas controladas por hombres, son las responsables de la marginación de la mujer, una historia milenaria que ha originado en personas como Haifaa criticas y empoderadas de una lectura contra aquellas instituciones que han hecho de sus textos sagrados una ofensa patriarcal.
Película interesante que por momentos solo causa rabia y asco ante sistemas tan opresivos e insignificantes (claro, desde mi visión) no quiero "morir para tener 90 mujer o 90 bicicletas" como lo citan en una conversación, considero que los elementos propios del islam podrían hacer de esta película una rica en su fotografía, en sus planos y sus guiones. sin lograr esto que se convierte en critica ortodoxa del cine logra lo deseado, atraer al público y critica un sistema patriarcal despótico.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Taurus
Taurus (2001)
  • 6,5
    307
  • Rusia Aleksandr Sokurov
  • Leonid Mozgovoi, Mariya Kuznetsova, Serguei Razhouk, Natalia Nikoulenko, ...
7
debilidad del moribuno.
Sokurov es un cuervo que emigra o migra o inmigra, transmigra o inclusa denigra… es miel, ajo, pero sobre todo sal y lluvia.

Su película Taurus sobre Lenin en la completa debilidad del moribundo, narra la historia de un hombre impotente que solo recuerda un poco de las ideas de Marx y se aferra a la lectura de como Carl paso sus últimos días, mientras Stalin espera su muerte en el pasillo, sin saber que sucede en un mundo creado por “él”; Taurus hace referencia al signo zodiacal, fuerte, decidido y al mito del minotauro, un monstruo dotado de gran poder y sabiduría pero que también sufre.
Soruvkov trabaja (como lo haría en el arca rusa y hasta en Fausto) con los iconos de la cultura rusa para destruirlos quizás por el rechazo que siente por el mundo soviético y sus errores, como materialista clásico , nos muestra esos valores “eternos” que han durado lo suficiente para ser inmortales y nos inserta en una de las tatas versiones de la muerte del líder: tiene problemas motoros producto de la bala alojada cerca de su espina dorsal, Lenin tiene afasia, Lenin morirá de un tiro causado por Stalin según Trosky, Lenin tiene alzhéimer, Lenin no puede multiplicar… Como siempre, el sorprendente ascetismo ruso. Los sepias y los verdes ahondando la tragedia que se desliza naturalmente, sin espasmos, con una pétrea dignidad.

_ Hace tiempo que quiero preguntarte una cosa.
¿Pretendes seguir viviendo cuando yo muera?
_ Por qué lo preguntas?
_ Por nada. Simple curiosidad
¡Cómo crees que será? ¿Continuará saliendo el sol?
¿Continuará habiendo tanta perversión?
¿O se acabará todo, se desvanecerá, desaparecerá?..
¿Soplará el viento? ¿Soplará?.. Di.
_ Si, soplará.
_ Bueno soplará el viento, saldrá el sol…
El necio proletariado luchará contra el canalla burgués
hasta que empiece a vomitar sangre.
_ Ya está bien.
_ No tienes ni idea de lo que te espera cuando yo ya no esté.
_ Viene alguien.
_ Así que después todo seguirá igual.
_ Sí, todo seguirá exactamente igual.
_ Es maravilloso. Hilarante.
¡Así que no lo habías pensado nunca!
_ Pensar, pensar… ¿En qué?
_ En la vida después de mí.
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8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
El arca rusa
El arca rusa (2002)
  • 7,2
    3.811
  • Rusia Aleksandr Sokurov
  • Sergei Dreiden, Mariya Kuznetsova, Leonid Mozgovoy, Edisher Giorgobiani, ...
7
Navegando por siempre: la Cuarta es la vencida.
Sukurov suele sorprender por la fotografía, los planos y poesía producto del aprendizaje (discípulo declarado) que obtuvo de quien para muchos es el mejor director de cine Ruso Tarkovsky (incluso por encima de Eiseistein), puesto que se trata de quizás el primer film largometraje filmado en una sola casi perfectamente, excepto, por algunos errores de los actores que miran a la cámara, pero quizás cuatro intentos de grabación eran suficientes para crear esta obra que podría ser catalogada como un film Dogma, aunque el director se incluya en los créditos.
La cinta es un homenaje a la Rusia zarista grabada en el museo del Hermitange en San Petersburgo, famoso por ser obra de Pedro el Grande, lugar de sitio donde se soportó a los nazis en su arribo a la ciudad, lugar de la revolución Bolchevique y por supuesto, sitio que habitaban los zares, convirtiéndose así el museo más importante de Rusia.

Sobre la Historia:
En su único plano secuencia, realiza un viaje espacio-temporal por Rusia a través de una voz en off que le otorga el protagonismo al espectador acompañado por la interpretación del Francés Marques de Custin, quien realiza críticas a la cultura Rusa por clonar los modelos europeos dejando de lado su condición asiática.
Estos momentos históricos suceden sin orden lógico, seguramente intencionalmente motivados por el rechazo y los conflictos de Sukorov al periodo socialista, una antología al zarismo y la dependencia del país a los modelos culturales adoptados de Europa.
Realizada Para aquellas personas que gustan del arte, la historia y por supuesto de los experimentos cinematográficos.

Sobre mi apreciación:
No dejó un puntaje de 10 porque aún me hace falta entender y reconocer muchos sucesos y personajes de la historia Rusa, aunque debería bastar con sentirse parte de un manejo de cámara, de un país que marco a la humanidad y que está destinado a navegar por siempre.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Il Mare
Il Mare (2000)
  • 7,0
    653
  • Corea del Sur Lee Hyun-seung
  • Lee Jung-jae, Jun Ji-hyun, Kim Mu-Saeng, Seung-Yeon Jo, ...
6
Il lago??
Al ver esta película se descubre lo indignante que son algunas producciones de Hollywood, puesto que Il Mare es la versión anterior (quizás la original) a la pobre y aburrida Casa del Lago de Keanu Reeves y Sandra Bullock lanzada en 2006.
La cinta coreana es interesante, con una hermosa fotografía y una música agradable para cada momento, Para ser una historia de amor, es muy recursiva, cosa que personalmente considero que hace pobre este estilo de cine.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Camilo, el cura guerrillero
Camilo, el cura guerrillero (1974)
  • 7,4
    40
  • Colombia Francisco Norden
  • Documentary
7
Superficial pero importante.
La película muestra a un camilo parcializado, es decir carece de contexto, porque simplemente se enfoca en una parte de la vida de camilo, justamente su camino a la guerrilla, sin embargo este camino fue acompañado por diversos procesos académicos, sociales que fueron muy relevantes en su vida y son simplemente nombrados pero enfatizados, su condición Relación con la fundación de la facultad de Sociología en la Universidad Nacional y su cercanía con Jaime Arenas con quien fundaría el Frente Unido en 1964.
El documental olvida su teoría “Amor Eficaz” en la que argumenta que el ser humano debe esparcir su amor en la tierra y esta destinado a trabajar por los mas necesitados, la religión o debe tener como bandera la vida en el más allá sino que esta se suple en vida, de allí su distanciamiento por el marxismo (solo a nivel Teórico) puesto que para el este tipo de izquierda revolucionaria carecía de sentido al no tener el valor más importante en él y es justamente su no aceptación de Dios y doctrina Religiosa, cosa que para camilo como Cura era el principal punto del que debía estar acompañada su campaña, junto con una incorporación de todos los sistemas de lucha sin recurrir a fanatismos ni a partidos políticos.
A pesar de esto, el documental aunque enriquecedor es superficial al no refutar en asuntos importantes de su vida, n se trata simplemente de pensar en que llego a la guerrilla y como llego, sino el proceso que esta decisión acompaño y lo que esta misma representaba.
Las entrevistas son realizadas a un pequeño sector que aunque sea de izquierda (un 20%) no deja de ser elite, se olvida de la gente con la que trabajo y por quien trabajo. No obstante para ser un documento visual antiguo y realizado por un extranjero (Francisco Norden, lo que le da una mayor acogida y mejor distribución) es un importante trabajo de memoria en un país donde se olvida e ignora su dolor pero se enfatiza mucho en el de nivel extranjero como el “caso” de Venezuela.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil