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Críticas de KaoruTakarai88
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Críticas 29
Críticas ordenadas por utilidad
6
27 de enero de 2024
115 de 174 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuando durante meses te han vendido una película como obra maestra, lo que no esperas es salir del cine pensando: "He visto Barbie". Y Barbie me gustó, pero no esperaba que Pobres criaturas me pareciera casi lo mismo, sólo que para un público menos generalista.

Pobres criaturas es una reinterpretación de Frankenstein en la cual el cerebro de una recién nacida es implantado en el cuerpo de una mujer adulta; igual que Barbie experimentaba el mundo humano desde la inocencia de quien sólo ha conocido una realidad ideal, Bella (Emma Stone) se enfrenta a la vida desde la inocencia de quien no ha sido maleado por los imperativos sociales.

La cinta está estructurada en episodios y cada uno de ellos tiene sus propias características visuales: del blanco y negro a la coloración más saturada, de planos en ojo de pez y gran angular a planos-detalle... Cada episodio se articula en un lugar diferente y, al tiempo que la estética va cambiando (ropa, escenarios, casi género), Bella va descubriendo y desarrollándose en el mundo.

Diría que la temática central de la película es la sexualidad femenina, vista desde la naturalidad de la inocencia y no capada por factores como la religión o el machismo estructural. En este sentido, el director busca generar impacto e incomodidad con escenas relativamente explícitas y contraponiendo el placer que la protagonista descubre con situaciones en que a la mujer éste le es arrebatado, como la prostitución o las relaciones de sometimiento y maltrato.

Lo que más me gustó de la película fue su parte inicial, el planteamiento de la "criatura" en un episodio de terror gótico que homenajea los clásicos en los que se basa e incluye elementos steampunk y gore, así como un doctor Frankenstein memorable e hilarante (enorme Willem Dafoe). También creo que es el momento en que Bella está mejor perfilada, ya que a partir de cierto punto tuve la sensación de que a alguien se le había olvidado que se suponía que nos estaba contando la historia de un personaje que por dentro es una niña; y es que esto me generó incredulidad en varios apartados, pues la película llega a un tratamiento del personaje que no encaja bien con esa supuesta edad mental (y omite problemas y traumas que Bella debería haber desarrollado con las vivencias que plantea). En el fondo, pienso que hay un sacrificio consciente de esta consistencia del personaje en favor de explorar el tema del sexo, y aun así cuando acabó la cinta tuve la sensación de que había pasado por todo de puntillas, sin profundizar y sin arriesgarse; la encontré demasiado complaciente para el planteamiento tan atrevido del que partía.

Así que sí: para mí, es una Barbie dirigida a un público más adulto y (quizá) cultureta. Artísticamente es una maravilla, incluso cuando llega a saturar al espectador de tanto elemento distinto condensado en dos horas (la reinterpretación arquitectónica de París es mi sueño erótico); se libera de las americanadas que no me gustaron de la peli de Greta Gerwig y muestra una interpretación maravillosa y directa al Oscar de Emma Stone. Seguro que se va a quedar en mi cabeza dando vueltas bastante tiempo y que voy a volver a su imaginario un montón de veces. Ahora, también pienso que la historia en sí, desnuda de artificios, se queda en sosa y poco arriesgada.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
KaoruTakarai88
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2
26 de mayo de 2019
74 de 98 usuarios han encontrado esta crítica útil
La historia de estas dos mujeres, tan viral en los últimos años, era un caramelo para cualquier director, y más para una Coixet que supuestamente es maestra en retratar emociones y conflictos.
Elisa y Marcela empieza bien, correcta, pero a medida que avanza se va desinflando.
Los personajes protagonistas transmiten muy poco. Marcela es la que lleva el peso y la actriz realiza un trabajo correcto, pero olvidable. Elisa es una seta.
La fotografía y el blanco y negro no aportan nada interesante, y el hecho de haber rodado en Galicia es totalmente anecdótico porque ni se ven apenas exteriores, ni la mayoría de actores son gallegos o fingen serlo, sino que hablan como castellanos de la Meseta.
Hay un par de momentos intensitos en plan "cine de autor" que parecen pegotes en una cinta tan poco creativa.
Al rural gallego se lo presenta como bárbaro y bruto, sin atisbo de luz en ninguno de los personajes secundarios y sin análisis de la situación.
La historia avanza por una relación que se desarrolla con la naturalidad del pensamiento de 2019; los personajes no se plantean nada, no manifiestan ningún tipo de inseguridad al tocarse por primera vez, no se enfrentan a ninguna duda personal. Al mismo tiempo, no hay consecuencias ni se le da peso alguno a lo que la sociedad piensa de ellas, al maltrato que se les da por ser pareja. Se pone un plano de pedradas y ya se olvida por completo.
Los personajes secundarios son una masa informe que sólo está ahí para sustentar un panfleto pobre, pero es llamativo que sean todos tan planos. Ejemplo: la familia de Marcela, compuesta por el típico patriarca autoritario que tiene sometida a su esposa; y dicha esposa, que se comporta como una ovejita pero resulta que a escondidas lee a Emilia Pardo Bazán. ¿Quién dijo cringe?
Mención aparte merece el retrato de Portugal. Porque, si bien Galicia tenía poco de Galicia y los actores hablaban como salmantinos, al menos no eran gente tan famosa como Lluís Homar inventándose el idioma portugués (en VOSE) mientras cuenta chistes de españoles. Oporto aparece a través de imágenes de archivo y personajes claramente no portugueses que ni siquiera han tomado una clase o recibido el guión en portugués.
Y ahí aparece un contraste curioso: portugueses buenos y modernos, "gallegos de aldea" y españoles brutos y bárbaros. Ok, Isabel.
El final es otro gran cringe, pero ya se acumulan demasiados.
En fin, un despropósito. Cero profundidad, escenas de sexo de todo menos emocionantes, localizaciones que no imprimen su identidad en la narración, secundarios planos y protagonistas casi igual de planas.
Elisa y Marcela merecían un poco de respeto por su historia.
KaoruTakarai88
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7
25 de junio de 2022
63 de 82 usuarios han encontrado esta crítica útil
Elvis es uno de los mayores artistas de la historia de la música y el entretenimiento; sin embargo, su carrera podría haber llegado mucho más lejos.
En esta cinta se nos cuenta, a buen ritmo y con una inteligente elección de los recursos narrativos, cómo surgió el fenómeno, a qué obstáculos se tuvo que enfrentar y cómo a sus cuarenta acabó siendo una atracción fija en Las Vegas.
El montaje del director me parece todo un acierto, fresco y dinámico, sin miedo. La interpretación de Austin Butler es muy buena y, sumada a la caracterización, hace que estemos viendo en todo momento al rey del rock, sin ninguna duda. También me gusta cómo se aprovecha la biografía de Elvis para narrarnos los acontecimientos más importantes de la historia de Estados Unidos durante esa época, así como el efecto que tenían sobre la sociedad y sobre el artista. Otro enorme acierto es el homenaje a la música negra, poniendo también de relieve cómo Elvis triunfó haciendo esa música porque él era blanco.

Mi gran problema con la cinta es que, aunque como he dicho Butler hipnotiza, no se llega a profundizar en la personalidad de Presley. Se nos cuenta de dónde viene, por qué se mete en el mundo artístico, qué errores comete, cómo se enamora de Priscilla (me hizo ilusión ver en la gran pantalla a Olivia Dejonge), cómo es un adicto al escenario. Sin embargo, salí del cine sin llegar a tener muy claro quién era, cómo veía cuanto le estaba pasando.
A cambio de esa información, lo que sí obtenemos es un papel en mi opinión excesivamente grande y caricaturesco de su mánager, interpretado por Tom Hanks, que me pregunto si habría sido tan relevante de haberlo hecho un actor de menor renombre. El Coronel no sólo es el narrador de la película, sino que está presente en pantalla tanto como el propio Elvis y protagoniza escenas dignas de villano Disney. Si lo que buscaban era contar la historia del mánager y cómo sangró a Elvis toda su vida, habría gestionado el personaje y la narración de otra forma; tal como se desarrolla la cinta, sus escenas me dieron un poco de vergüenza ajena y me estropearon la que por lo demás me parece una película muy digna y que homenajea con mucha clase a un artista icónico e inolvidable.
KaoruTakarai88
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8
4 de enero de 2013
32 de 38 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rurouni Kenshin se encuentra en el altar de las historias que me han cambiado y emocionado hasta el punto de ser capaz de devorarlas una y otra vez y seguir enamorándome, y creo que soy difícil como público cuando se trata de algo que realmente me gusta, así que esta película debe de estar bastante bien hecha cuando me ha gustado tanto.
Para empezar, la historia es diferente a la del manga original. A fin de introducir en un par de horas el primer arco del manga, necesitaban condensar los acontecimientos y reducirlos de manera que solamente hubiera uno o dos villanos grandes. Ha sido el propio Nobuhiro Watsuki el encargado de mover los hilos y hacer todo encajar, y en este sentido creo que se ha hecho un gran trabajo para que todo quedara en su lugar sin mancillar la historia original. En fin, que tenemos a Jine Udo trabajando a las órdenes de Kanryu Takeda y a Hajime Saito metido en el asunto desde el principio; sin descuidar la forma en que Kaoru y Kenshin se conocían en el manga y sin olvidarnos de los siempre queridos y entrañables personajes principales.
La historia no sólo está bien llevada argumentalmente, sino que además ha habido un interesantísimo trabajo de adaptación al cine de carne y hueso, y se ha sabido hacer que cada pequeño detalle resultara realista: desde la cicatriz de Kenshin, pasando por la ambientación, hasta las interacciones entre los personajes. Incluso las batallas, que se han mantenido un poco exageradas para no alejarse demasiado del manga, están medidas y modificadas de forma que no resulten excesivamente fantasiosas.

Los personajes están bastante bien caracterizados y las interpretaciones son buenas. De Kenshin se dejan ver varias caras, y Takeru Sato es AMOR; para mí ha sido una elección acertadísima. Emi Takei también me gusta como Kaoru; es cierto que el guión no permite que la fortaleza y valentía de Kaoru se vean en todo su esplendor, pero la actriz lo hace bien. Sanosuke (Munetaka Aoki) tiene momentos tan Sanosuke que yo lo amo y ya está, pese a que me habría gustado verle interactuar con Megumi (Yu Aoi), quien, por cierto, es guapísima y traduce a la perfección las distintas facetas del personaje. Repito que me han gustado mucho Teruyuki Kagawa como Kanryu, y Koji Kikkawa como Jine. Taketo Tanaka es el Yahiko perfecto, al menos aparentemente.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
KaoruTakarai88
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6
13 de mayo de 2012
29 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tengo que comenzar aclarando dos cosas: la primera, que las únicas películas de Tim Burton que no amo locamente son Batman, Mars Attacks! y El planeta de los simios; la segunda, que, pese a mi evidente falta de objetividad ante cualquier trabajo de este GENIO, no comprendo las bajas notas que se le están dando a Dark shadows.
Cuando salíamos del cine, un amigo me comentó que este filme es como el Glory to the filmmaker! de Takeshi Kitano: un homenaje a sí mismo, un estudio y una lección de cómo hacer películas, en este caso, de Tim Burton. Y es que hay tanto de Tim en esta cinta que por momentos puede resultar grotesca o extraña incluso para los que le conocemos a fondo. Sin embargo, esa falta de tapujos sólo la hace más disfrutable.
Se trata probablemente de la película más gamberra de Burton en mucho tiempo. Divertida (¿quién dice que es un tostón? ¿habéis visto lo mismo que yo?), sexy, dinámica, tierna, oscura y brillante a partes iguales... Dark Shadows no es Eduardo Manostijeras, no es Sleepy Hollow, pero definitivamente es una película de Tim Burton y su inconfundible marca de identidad se deja ver incluso en los más mínimos detalles. Y es que Tim pocas veces trabaja con historias originales, pero siempre convierte en original cualquier historia.
Visualmente es una absoluta maravilla. El reparto es vertiginoso: los siempre infalibles Johnny Depp y Helena Bonham Carter, una guapísima Michelle Pfeiffer, la comedida pero preciosa Bella Heathcote y una Eva Green más sensual que nunca; sin olvidar la breve aparición de Christopher Lee y su guiño a Drácula. Las interpretaciones son sensacionales, especialmente la de la gran Green (que ya me había enamorado como Morgana en Camelot). La banda sonora, ¿qué decir de la banda sonora? No sólo Danny Elfman hace un trabajo impecable, sino que la cantidad de temazos de los 70 que suenan están seleccionados por oídos con verdadero gusto.
Como puntos negativos señalaré el escaso desarrollo de algunos personajes, que por otra parte están bien caracterizados y definidos, pero que en una cinta de dos horas no pueden hacer mucho más. Tampoco creo que el doblaje en español le haga un gran favor a la fluidez de los diálogos, que por momentos, como comentaba antes, suenan hasta forzados, probablemente más por culpa de la traducción que a causa de malos guiones.
No es la obra cumbre de Burton, pero sí una cinta entretenida, divertida, con una calidad fotográfica impresionante y unas interpretaciones más que memorables. Es un Tim sin miedo, sin red de seguridad, con toda la carne en el asador.
Y, señores, aunque fuera terroríficamente mala, sólo por haberme permitido cantar en el cine a todo pulmón canciones como Paranoid (Black Sabbath) o No more, mr. Nice Guy (Alice Cooper), se merece el mayor de los aplausos.
KaoruTakarai88
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