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Críticas de vircenguetorix
Críticas ordenadas por:
Medalla roja al valor
Medalla roja al valor (1951)
  • 6,7
    474
  • Estados Unidos John Huston
  • Audie Murphy, Bill Mauldin, Andy Devine, Robert Easton, ...
8
El heroísmo y la cobardía, dos caras de la misma moneda.
Cuando preguntaron en cierta ocasión a Hemingway qué dijera el nombre de un escritor que le había marcado extraordinariamente, este no lo dudó ni un segundo y señaló a Stephen Crane.

A pesar de dejarnos con tan sólo 28 años, Stephen Crane se encuentra por derecho propio entre los mejores escritores norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX. Su producción literaria aun siendo exigua, posee una fuerza y belleza sin parangón. Aunque “El Hotel Azul” es a mi juicio su mejor obra, a la que debe su popularidad es a “La medalla roja al valor”, una novela corta de menos de 200 páginas, donde nos encontraremos uno de los mejores retratos que jamás se han hecho sobre la Guerra Civil Americana.

Su adaptación cinematográfica vino de la mano de John Huston, el director más cercano a Hemingway, por lo que era perfecto para cumplir la misión.

La película tiene mucho del libro, tanto que directamente todos los diálogos y la voz en off están tomados de la novela. El balance final no puede ser otro que una buena película de John Huston, pero es cierto que no está entre sus inmortales, quizá le faltó poner más carne en el asador.

Falta algo de crítica, que la hay, pero no lo bastante para acercarse a la novela. Y sobre todo el tono, mientras el libro es crudo pero poético, la película es mucho más realista pero solemne. Además con Huston siempre pasa una cosa y es que sus obras tienen un aire mesiánico, teológico, místico, que está muy bien, pero que no siempre está en consonancia con el material narrativo de partida. Y eso es sobre todo por la forma de rodar que tiene, que parece una película bíblica –como en “Moby Dick”- haciendo un uso excesivo de los picados y resaltando a los personajes. Cuando precisamente la novela de Crane lo que pretende es diluir al individuo entre la masa de la guerra, demostrando que esas pequeñas historias, tanto de cobardía o de heroísmo no le importan a nadie.

De todas formas estamos ante una película –casi un mediometraje- que debe estar en la videoteca cualquier cinéfilo, porque rezuma literatura de la buena por los cuatro costados. Ya no hablemos de la novela...
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19 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Wishmaster 2: El mal nunca muere
Wishmaster 2: El mal nunca muere (1999)
  • 3,6
    617
  • Estados Unidos Jack Sholder
  • Holly Fields, Chris Weber, Andrew Divoff, Vyto Ruginis, ...
3
El mar, idiota el mar.
Podría hablar de la película y todo eso, que si pertenece al subgénero de terror absurdo, con banda sonora vocal, es decir con gritos y donde el pobre diablo aparece como un bichejo que se arrastra por el suelo. Después de tantos siglos para ese progreso pensará él.

Mejor les cuento un chiste de miedo.

¿Saben cuál es la diferencia entre miedo, terror y pánico? Miedo es que te metan una sombrilla por el culo, terror es que intenten abrirla y pánico es que después de eso quieran sacarla.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Zombies (Wicked Little Things)
Zombies (Wicked Little Things) (2006)
  • 3,2
    718
  • Estados Unidos J.S. Cardone
  • Lori Heuring, Scout Taylor-Compton, Chloë Grace Moretz, Geoffrey Lewis, ...
3
¿Existen lexemas gafes?
Recuerdo que en lengua española algunos compañeros tenían siempre problemas para comprender que una palabra contiene dos tipos de monemas, los lexemas y los morfemas.

Me imagino que después de tantos años lo habrán entendido ya, pero por si acaso se lo voy a explicar por si me leen.

En principio lo que me explicaban era que el lexema era la raíz, lo invariable de la palabra y que al ir modificando el lexema el significado podía variar. ¿De verdad? No lo tengo tan claro.

Cojamos el lexema Card, y le añadimos distintos morfemas como –one, -ona, que nos encontramos, ¡¡pues sinónimos de cagarrutas!!

Por ejemplo René Cardona, J.S. Cardone, René Cardona Jr., René Cardona III y así hasta llegar a Irene Cardona en nuestros días. Coño, si hasta Cardeñosa tiene la misma raíz y falló el gol más claro de la historia de los mundiales.

Eso sí, todo tiene su excepción, aquí la encontramos con Daniela Cardone, esa sí que es un zombie que molaría que te apareciese en el bosque “mirando a Cuenca”.

La película fenomenal, sólo hora y media.
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5 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Juntos, nada más
Juntos, nada más (2007)
  • 6,5
    7.055
  • Francia Claude Berri
  • Audrey Tautou, Guillaume Canet, Laurent Stocker, Francoise Bertin, ...
5
Faites l’amour, pas la guerre.
Francia es el único país de Europa que siempre está de moda. El resto como Inglaterra, Italia, Alemania o España pasamos nuestros buenos o malos momentos, pero jamás estamos siempre arriba. A los franceses no les ocurre eso y mucho menos en lo referido a la cultura, siempre están presentes.

Que si Julio Verne, Alejandro Dumas, Flaubert, movimientos de vanguardias, poetas malditos, naturalismo, existencialismo, subjetivismo, nouvelle vague... no encontrarán un corte temporal donde los gabachos no tengan algo que decir a escala mundial. En el cine otro tanto de lo mismo. Siempre están ahí, con su industria consolidada, la más sólida de toda Europa, y encima ganando premios y exportando películas a todo el globo.

Aquí no digamos, entran media docena de películas francesas todos los meses. ¿Son buenas? Hay de todo, pero sí es cierto que nos venden mucho gato por liebre. “Juntos, nada más” es un caso bastante representativo de lo que digo.

Tiene los ingredientes que buscan ciertos espectadores –mejor espectadoras-. Historia bastante ñoña pero amable sobre el amor y la amistad basado en una novela de una mujer. Una actriz pelmazo pero querida por muchos/as (aquí que no me metan) como Audrey Tautou y un devenir tranquilo y de estética actual muy del gusto del cine de autor con personajes sencillos pero cercanos.

Y se acabó, para de contar, que si sigo lo hago hacia atrás. Y seguirán llegando como las lluvias en abril, estas comedietas francesas que no hablan de nada y por ello todo el mundo entiende.

Mi teoría sobre el éxito de estas películas es el siguiente. España, país de transición entre África y Europa, tiene en ocasiones tanto de lo uno como de lo otro, el fallo es que lo tenemos mal repartido. Me explico, mientras nuestras mujeres les gustaría ser francesas y se comportan como tal, los hombres en cambio somos moros. Creo que lo han entendido. Menos mal que l’amour est aveugle, si no, no ligaríamos nunca.
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18 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alejandro el Magno (Alejandro Magno)
Alejandro el Magno (Alejandro Magno) (1956)
  • 5,6
    891
  • Estados Unidos Robert Rossen
  • Richard Burton, Fredric March, Claire Bloom, Danielle Darrieux, ...
7
"-Al más fuerte". Últimas palabras de Alejandro Magno antes de morir.
Dentro de la reducida pero excelente filmografía de Robert Rossen, “Alejandro el Grande” es la película que tiene peor prensa entre los cinéfilos. Disiento totalmente. Puede que el problema está en lo que la gente espera encontrar y no encuentra.

El Alejandro de Rossen no es una película de batallas nigrandilocuente, es más bien una historia humana y filosófica con toques épicos, más cercana al cine europeo que al norteamericano, y por supuesto al teatro que a las grandes producciones.

La película empieza lenta, y se centra en las complejas relaciones entre padre e hijo, o lo que es lo mismo entre Filipo y Alejandro, magníficamente encarnados por dos actorazos como Fredric March y Richard Burton. Particularmente me alegro que fuera este último el que diera vida al macedonio ya que en un principio iba a ser Charlton Heston, y aunque este es un actor soberbio, no cabe duda que para el tono que quería Rossen, Burton queda mucho mejor. Tendremos la ocasión de ver unas actuaciones con sentimiento pero no sentimentales y unos diálogos verdaderamente poéticos. Los secundarios, entre ellos Peter Cushing, también rayan a alto nivel.

La película se filmó en España, y tiene por tanto esa luz mediterránea que nos acerca al mundo de la antigua Hélade. En ese momento el director, Robert Rossen se encontraba “en la nevera” en Estados Unidos investigado por la comisión de actividades americanas por lo que se vino a Europa a rodar una larga temporada.

En el último tercio la película gana ritmo y espectacularidad, y nos acercamos al Alejandro más megalómano, demostrando una evolución del personaje muy correcta y veraz. Toda la parte de los persas es no sólo entretenida sino visualmente preciosa.

Ya digo que muchos la considerarán aburrida, tediosa y la ignorarán o despreciarán como ocurre en nuestros días, pero si no la han visto, les puedo asegurar que mientras no se demuestre lo contrario estamos ante el mejor acercamiento fílmico que existe de uno de los mayores conquistadores de todos los tiempos y que además protegió como pocos a la cultura. Evidentemente la película “Alexander” de Oliver Stone es infinitamente peor.

No se dejen llevar por la nota que tiene y denle una oportunidad, ya verán como les gustará.

Una recomendación literaria sobre el tema. “Alejandro Magno” de Gisbert Haefs, gran novela, sin duda.
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30 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
Deseos humanos
Deseos humanos (1954)
  • 7,7
    4.131
  • Estados Unidos Fritz Lang
  • Glenn Ford, Gloria Grahame, Broderick Crawford, Edgar Buchanan, ...
7
La bestia humana.
“Deseos humanos” no está ni puede estar entre las grandes obras de ese genio que fue Fritz Lang, lo siento. Probablemente no es el culpable en sí, ya que trasladar a la gran pantalla una novela de Émile Zola de 1890, costumbrista y ante todo melodramática como era “La Bête humaine” no es tarea fácil como ya le pasó a Jean Renoir en 1939 con su versión que no fue muy boyante.

Y claro si encima quieres llevar la acción a Estados Unidos y convertirla en algo cercano al cine negro, resulta aún más complicado. Porque es que la historia no es de cine negro, aunque se quiera presentar así, es un drama que habla sobre distintas alegorías humanas, sobre la desesperación, la soledad, los celos...

Como siempre en este tipo de películas, lo que sujeta al armazón son los actores, Lang vuelve a repetir con la pareja protagonista que tan bien funcionó en “Los sobornados”, Gloria Grahame, que esta muy bien y en especial Glenn Ford, magnífico, acompañados de un elenco de secundarios a cual mejor.

Con la mano maestra de Fritz Lang en la dirección, fotografía en blanco y negro y atmósfera de perdedor realmente conseguida se cumple con creces.

Lo más flojo, sin duda, muchas partes del guión, que parecen que están concebidas sólo para que venga la siguiente escena sin reparar en su credibilidad. Por citar alguna podemos apuntar la torpe e insuficiente investigación y juicio que se realiza después del homicidio del tren, aunque no hay que desdeñar varias situaciones en la que las reacciones de los personajes son impropias de su perfil psicológico y se tornan un tanto extrañas que le hace que le reste verdadera complejidad a la película.

Por cierto, un recuerdo para los maquinistas de ferrocarril, grandes hombres sin duda.

Nota: 6,7
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27 de 30 usuarios han encontrado esta crítica útil
El intercambio
El intercambio (2008)
  • 7,3
    63.849
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, ...
8
Eastwood opina.
Parece que la suerte se le vaya terminando a Clint Eastwood con parte del público. Si ya comenzó cierta crítica con “Banderas de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima”, ahora con “El intercambio” la cosa ha aumentado.

Y que quieren que les diga, viendo el panorama del cine norteamericano en el 2008, películas como esta destaca en sobremanera. El problema es que Eastwood se ha hecho mayor y su punto derechista lo tiene más galopante, y eso molesta a muchos. Porque esta es una película a favor de la pena de muerte sin duda, ahora que tanto se cuestiona tal hecho en el país de las oportunidades y cierto sector progre de Hollywood -que también lo hay y mucho, aunque infinitamente menos que en España, donde son el 95%- lo ha castigado para la noche de los Oscar.

No creo que nadie en su sano juicio piense que las cinco nominadas a mejor película son todas mejor que “El intercambio”. Ya les digo que no.

Premios a parte, que me importan cada vez menos, la película que nos ocupa no es ni mucho menos una película menor de Eastwood, aunque de la misma forma tampoco podemos situarla entre sus mejores trabajos. Es una película zona UEFA en su carrera para que nos entendamos, con muchas virtudes y algunos defectos bastante importantes.

Entre lo más positivo citaría la capacidad de Eastwood para evocar el pasado como nadie lo hace en la actualidad. Sus decorados, vestuarios, localizaciones son excelentes, propios de un hombre de cine. Cada plano suyo es un canto al arte fotográfico, que de la mano de Tom Stern nos brinda una delicia para la vista.

Me consta que muchos esperaban que Angelina Jolie se la pegase con su actuación. Y para nada. Sale muy reforzada, aunque es cierto también que era un papel que la ofrecía todo y que en manos de otra actriz de más calidad ya hubiera ganado el Oscar antes de la ceremonia, que esté nominada ya es incluso un premio casi excesivo, aunque a mi juicio sin opciones reales.

Pero lo mejor es que con Eastwood sabes que lo que verás es una película con guión de los de antes, es decir literario, trabajado, de nivel, y no un producto donde los diálogos parecen los del patio de vecinos.
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18 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Escape de Absolom
Escape de Absolom (1994)
  • 4,9
    5.306
  • Estados Unidos Martin Campbell
  • Ray Liotta, Lance Henriksen, Stuart Wilson, Kevin Dillon, ...
4
Levante- Las Palmas X.
“Escape de Absolom” fue como no podía ser de otra forma un fracaso de crítica, pero no de público que es lo que interesa a la industria. A su director Martin Campbell le valió aquello para pasar a la serie A de las superproducciones y hacer sagas como la de James Bond o la del Zorro. Si eso es lo que buscaba en el cine, enhorabuena, se has hecho rico, si por el contrario lo que pretendía es hacerse un hueco en la Historia del cine, más vale que empieces a cambiar de proyectos rápidamente porque con 64 años ya no eres un niño.

Lo más triste es ver a Ray Liotta en este tipo de proyectos que además son ya habituales en su filmografía, sí, habrá que reconocerlo, se ha echado a perder, con lo alto que apuntaba ese chico.

La película dentro del submundo de la acción de los noventa estaría encuadrada en la parte media-alta. Vamos que las hay peores a patadas. Y si solo ves este tipo de cine te puede hasta gustar, no te digo más. En mi caso lo único positivo que puedo decir es que la conseguí acabar sin excesivo esfuerzo, aunque era de madrugada, no encontraba el mando y acababa de vomitar. Para que luego digan que el Ron es de maricones.
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15 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lunas de hiel
Lunas de hiel (1992)
  • 7,1
    10.323
  • Francia Roman Polanski
  • Peter Coyote, Emmanuelle Seigner, Hugh Grant, Kristin Scott Thomas, ...
6
RoMal Polanski.
Roman Polanski tiene dos grandes problemas; uno es cinematográfico y otro moral. El primero afecta sobre manera a la incapacidad que tiene para culminar un trabajo redondo. Por varias razones, esencialmente de guión, tiene el defecto de poder hacer dos películas en una, es decir muy buena una primera parte del metraje, muy mala la segunda. Esto no es anecdótico sino frecuente. Basta recordar “La novena puerta” o esta que comentaré ahora “Lunas de hiel”, pero también otras más clásicas como “La semilla del diablo” donde no sabe rematar con la espada una magnífica faena.

El tema moral me preocupa bastante más, Polanski desde sus comienzos está impregnado de algo malsano que podemos denominar negatividad. Vive constantemente en una especie de perversidad ética que le lleva a retratar u ocuparse de las alcantarillas del inconsciente. Lo cuál no es malo si se hace como terapia, pero no como pura recreación pajillera.

En “Lunas de hiel” vuelve sobre lo mismo que ya abordó en su ópera prima “El cuchillo en el agua”. Una pareja, un desconocido, un barco, un lugar claustrofóbico que no se puede abandonar y sobre todo una visión sobre la pareja que se define por enfermiza.

Y la primera hora de película es monumental, para un nueve perfectamente, y sin embargo acabará por convertirse una vez más en un producto de tal vileza, crueldad, depravación y enloquecedor que merece la pena que las personas que adoren esta película se hagan examen de conciencia.

Una cosa es el voyerismo, el sadomasoquismo o la lluvia dorada, y otra muy distinta recrearse en el mal, dándole carta blanca. Esto no es nuevo, Polanski ya lo había hecho en 1976 con esa diabólica película titulada “El quimérico inquilino”.

Quizá algún día, cuando ya no esté entre nosotros podamos saber mucho más de Polanski que hasta ahora estaba oculto. Y mientras tanto el Iker Jiménez con las pirámides de Egipto, ¡que no joder, que las construyeron obreros sin seguridad social!
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24 de 41 usuarios han encontrado esta crítica útil
Fuerza diez de Navarone
Fuerza diez de Navarone (1978)
  • 5,8
    1.582
  • Reino Unido Guy Hamilton
  • Robert Shaw, Harrison Ford, Barbara Bach, Edward Fox, ...
6
La guerra como entretenimiento.
En mi crítica de “Los cañones de Navarone” hacía alusión a que lo bélico se supeditaba a la aventura en todo momento.

En “Fuerza diez de Navarone” se va un punto más lejos, convirtiendo la película en acción pura y dura. Podemos decir que es casi una especie de versión militarizada de la saga Bond. Una gran parte del equipo técnico y artístico de estas películas aterrizaron en esta. Desde el director Guy Hamilton, (“Goldfinger”, “Vive y deja morir”, “Diamantes para la eternidad”) a la actriz principal Barbara Bach, chica Bond un año antes en “La espía que me amó”, pero también el villano, en este caso el mítico Richard Kiel, que dio vida a ese personaje de Tiburón en “Moonraker” o la anterior citada. Pero también otros como Edward Fox o el mismo Robert Shaw aparecieron anteriormente en alguna película de James Bond.

En definitiva, que o no la tomamos en serio, y entonces no hay por donde cogerla, ya que aquí más que nunca los alemanes parecen deficientes mentales a la hora de acabar con nuestros héroes o preferimos partir de una visión puramente evasiva buscando el entretenimiento en donde la película se mueve bien.

Desde el punto de vista positivo tiene varios alicientes, entre ellos, el marco de los hechos que son novedosos. Películas que traten sobre la SGM hay muchos, pero que aborden el capítulo yugoslavo se cuentan con los dedos de las manos. La fotografía y los paisajes son excelentes, y el reparto de protagonistas rayan a buen nivel como no podía esperarse menos.

Sobre el inserto del principio que comenta Miguel que enlaza esta con la anterior, hubo mucha polémica en su día y acabaron en los tribunales, no olvidemos que esta es una película de la MGM y la original de la Columbia Pictures, y el productor de la primigenia Carl Foreman se opuso en todo momento a ello, pero el productor de la que comento, Samuel Z. Arkoff –por cierto productor de muchos de los filmes de Roger Corman- al final se salió con la suya, y es la versión que podemos encontrar si adquirimos el DVD.

Le daremos un seis siendo generosos por empatía, y porque se puede incluso disfrutar y es una buena opción para pasar un buen rato, además a la mujer se le puede engañar diciéndola que sale Harrison Ford. Ya tienes hecha la tarde del domingo.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los cañones de Navarone
Los cañones de Navarone (1961)
  • 7,4
    24.914
  • Reino Unido J. Lee Thompson
  • Gregory Peck, David Niven, Richard Harris, Anthony Quinn, ...
6
"La cerilla raspó ásperamente el metal oxidado del cobertizo de hierro acanalado, prendió y estalló, chisporroteando, en una lagunilla de luz". Comienzo de la novela "Los cañones de Navarone".
Existen sustantivos que por sí solos no dicen nada, o muy poco y que debemos adjetivarlos correctamente para que podamos afinar mucho más.

A mi juicio esto le ocurre a la mayor parte de las películas que englobamos dentro de lo que se conoce como cine bélico. Hay algunas que lo parecen pero no lo son y viceversa. Es un mundo muy complicado de definir, sin lugar a dudas, puede que el más difícil.

¿Es “Los cañones de Navarone” una película bélica? Evidentemente sí, pero no sólo eso, es ante todo una película de aventuras, característica muy común en los trabajos donde salen un ramillete de actores-estrellas y deben cumplir una misión con alemanes como oponentes.

La película tiene un realismo nulo, no lo duden, las situaciones que van aconteciendo son mera acción carentes de verosimilitud.
Es posible que a muchos les dé absolutamente lo mismo, pero personalmente el cine bélico convertido en aventurero no es mi favorito.

Y la culpa es del guionista, Carl Foreman, que curiosamente era el productor también, que buscó sobre todo el espectáculo, y lo logró sin lugar a dudas, aunque eso supusiera perder verismo.

Tengo en mi casa la novela de Alistair MacLean, curioso tipo este sobre el que comentaré alguna cosa ahora, y debo decir que está muy bien, mucho más realista, dura y menos sensacionalista. Exactamente pasa lo mismo con ”Fuerza 10 Navarone” que aunque más comercial, es una novela muy interesante que su versión cinematográfica rescata de nuevo sólo los fuegos de artificio y se olvida del suspense de los libros. No olvidemos que por ejemplo “Los cañones de Navarone” está incluida entre las cien mejores novelas de crimen y suspense de todos los tiempos. La película, como todos saben, va por otros derroteros.

Recuperando el tema de Alistair MacLean, quisiera hablar un poco de él. Un hombre de familia escocesa rica, su padre fue ministro, pero que sin embargo no hablaba apenas inglés ya que su madre sólo utilizaba el gaélico en casa. Luchó en la SGM, y estuvo presente en varias operaciones marítimas de bastante enjundia. Empezó a escribir casi por casualidad, después de aprender inglés, y al ganar un relato corto le encargaron una novela. En el año 1957 publicó la consabida de Navarone y su éxito fue fulgurante, hasta convertirse en uno de los maestros del género. Murió como debe dejarnos un buen escritor, divorciado, alcoholizado y exiliado en Suiza.

Si van a comprar un libro esta semana y no lo tienen muy claro, olvídense por un momento de la actualidad literaria -muy floja la verdad-, y busquen una de Alistair MacLean, y si nos les interesa lo bélico especialmente no pasa nada, “La muñeca ahorcada” una novela de suspense sobre los bajos fondos de Amsterdam con la droga y la prostitución como temas les fascinará.

Buena lectura.

Nota: 6,4.
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23 de 35 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ataque de los muertos sin ojos
El ataque de los muertos sin ojos (1973)
  • 4,6
    574
  • España Amando de Ossorio
  • Tony Kendall, Fernando Sancho, Esperanza Roy, Frank Braña, ...
4
El terror tardofranquista.
Para el subgénero de zombies, el año 1968 es una fecha marcada en rojo puesto que George A. Romero nos brindó esa estupenda “La noche de los muertos vivientes”, a partir de ahí y en casi todas las filmografías europeas de terror de serie B fueron apareciendo títulos que plagiaban, se inspiraban u homenajeaban a la película de Romero.

En España uno de los casos más evidentes fue el de Amando de Ossorio con su tetralogía sobre los zombies templarios. De todas ellas es la segunda parte “El ataque de los muertos sin ojos” donde encontramos los elementos más clásicos, es decir, un grupo de personas heterogéneas mal avenidas en una casa y rodeadas por multitud de zombies con ganas de sangre.

En el fondo este subgénero no inventa nada, no deja de ser una película del oeste como podía ser “La diligencia”, sólo que los apaches se sustituyen por muertos vivientes.

La película que nos ocupa es tremendamente resultona, tiene esa virtud tan española de sacar el máximo provecho a presupuestos ínfimos, que unido a su lograda estética y atmósfera agobiante le dan para aprobar sin más.

No tan afortunadas están las interpretaciones, casi siempre lo peor en muchas películas de serie B hispanas, que rozan en ocasiones la falta de profesionalidad e interés su participación en películas que sólo lo hacían para comer y que contrastaban con la ilusión de directores-productores-guionistas como Amando de Ossorio que al margen de tener mucha o poca calidad, al menos amaban el cine y no estaban sólo para ganar dinero, ya que más bien perdiéndolo, se embarcaban en un proyecto siguiente.

Para ellos mi recuerdo y para los otros mi desprecio.
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15 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
La bestia de la guerra
La bestia de la guerra (1988)
  • 6,7
    1.648
  • Estados Unidos Kevin Reynolds
  • Jason Patric, George Dzundza, Steven Bauer, Stephen Baldwin, ...
6
Operación Tormenta-333
Guerras ha habido muchas, pero como la invasión de Afganistán por parte soviética muy pocas. Si analizamos los beligerantes ya nos encontramos con aspectos surrealistas. La URSS acude en ayuda del gobierno marxista de la República Democrática de Afganistán, que nos guste o no, era el legítimo. Musulmanes comunistas ya de por sí es una contrariedad. Pero lo más curioso es que se enfrentan a fundamentalistas islámicos que son apoyados al mismo tiempo por países tan distintos como Irán, teocracia chií, China que son maoístas leninistas, Estados Unidos una democracia parlamentaria, que a su vez apoya a Irak en su conflicto contra Irán y por último Pakistán y Arabia Saudí, esta última gobernada por una casa real wahabista sunnita que tiene tensas relaciones con el Ayatolá Jomeini.

Los resultados de la guerra fueron horrorosos para todos. Para los soviéticos a parte de los 30.000 muertos, cientos de miles de heridos, dejó al país tocado y hundido y el régimen desapareció además de una crisis de falta de confianza social que no se ha cerrado aún. Para los afganos todavía peor, un millón de muertos, seis millones de desplazados y una economía de retrocedió a la Edad Media y un gobierno muy débil que terminó en pocos años sucumbiendo ante las facciones integristas talibanes que traería todo lo que vino después y sufrimos en nuestros días.


Llevar por tanto una historia de ese conflicto al cine, no resulta fácil, y mucho más si es de Hollywood y se rueda en Israel. Y sin embargo Kevin Reynolds, el amigo del Costner, logra sacar buena nota.

Los soviéticos no aparecen como seres endemoniados –como aparecían en “Rambo III”, sino como chicos que a miles de km. de sus casas sufren las consecuencias de la vida dura de un conflicto bélico. Incluso hasta el capitán -el niño de los tanques-, aunque perturbado, es un personaje que inunda la pantalla y que tiene una fuerza descomunal.

Tiene escenas muy bien rodadas, de un mérito considerable, como las que transcurren en el blindado, y además el desierto transmite sed, confusión, soledad y terror al mismo tiempo.

Evidentemente no es perfecta, tiene demasiadas imperfecciones como para ser tomada en serio, tanto de documentación como narrativamente. Los muyahidines no iban sólo con rifles de la guerra mundial y motocicletas, sino que contaban con armamento sofisticado como misiles antitanques guiados o morteros de 120 mm.
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55 de 65 usuarios han encontrado esta crítica útil
Imitación a la vida
Imitación a la vida (1959)
  • 7,6
    7.462
  • Estados Unidos Douglas Sirk
  • Lana Turner, John Gavin, Susan Kohner, Sandra Dee, ...
5
Sobre el turrón rancio.
En los años setenta un grupo de críticos europeos, especialmente franceses y británicos comenzaron a rescatar del olvido al director norteamericano de origen alemán Douglas Sirk. Hasta entonces Sirk había sido considerado un realizador menor, especialista de los melodramas amorosos, a los que se achacaban su banalidad, inverosimilitud y que abordaba temas en general sin demasiada importancia.

Particularmente creo que ese desprecio al que estuvo sometido tanto tiempo fue una injusticia, ya que Sirk cuanta con un puñado de películas que merecen figurar por sí solas entre el catálogo imprescindible de la década de los cincuenta. Ahora bien, tampoco acepto la nueva ola, que intenta situar a este director entre los más grandes de la historia del cine.

La historia de este alemán de Hamburgo es realmente curiosa, no fue como tantos otros contemporáneos suyos que tuvieron que exiliarse con la llegada de los nazis al poder. Más bien al contrario. Desde el año 1933 hasta casi empezada la SGM, fue uno de los directores favoritos del Ministerio de Propaganda Nazi, dirigido por Josef Goebbels, con el que mantenía una buena amistad. Su caída fue totalmente cinematográfica. Su primera mujer, seguidora acérrima de Hitler, de la que se había divorciado, fue la que denunció que Sirk se había casado con una actriz de origen judía en la segunda mitad de los años 30. Y eso, por muchos amigos que tuvieras era imperdonable en aquel momento, tal y como le pasó a tantos otros alemanes que vivían a costa del régimen, su matrimonio supuso su desgracia, como le ocurrió a Karl Haushofer, director de la Academia Alemana y del Instituto de Geopolítica de Munich. Su mujer tuvo que escapar a Italia, donde el tema judío nunca tuvo gran importancia, y Sirk acabó exiliado en Estados Unidos con la guerra ya empezada.

A pesar de que en los años 40 hizo sobre todo cine negro, como casi todos, muy pronto encontraría el género donde mejor se movió, el melodrama. Ahí nos dejó grandes películas, otras buenas, regulares algunas y discretas las menos.

En este último apartado sitúo su última película dirigida en Estados Unidos antes de regresar a Europa, “Imitación a la vida”, a la que considero una obra muy sobrevalorada, a la que se podía definir como un culebrón de serie alta pero nada más.

La novela en la que se inspira el guión es de Fannie Hurst, una Danielle Steel de su tiempo, autora de obras con títulos como “De amor también se muere”. Con semejantes mimbres realizar una gran película no resulta nada fácil, pero al menos Sirk consigue que el ritmo y la luminosidad de su puesta en escena –siempre fue uno de los directores más pictóricos de Hollywood- hagan que se desvíe la atención de las varias escenas totalmente irritantes por absurdas y ñoñas que nos encontraremos.

Apuntar que “Imitación a la vida” ha envejecido muy mal es una obviedad, se asemeja a una revista del corazón, que pasado un tiempo carece de verdadero valor.
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34 de 50 usuarios han encontrado esta crítica útil
Triple X
Triple X (2002)
  • 5,0
    22.963
  • Estados Unidos Rob Cohen
  • Vin Diesel, Samuel L. Jackson, Marton Csokas, Asia Argento, ...
2
Triple mierda
Cuando viví en Oviedo hace años, había un grupo musical muy conocido por aquella zona sobre todo, que se llamaban “Los Ilegales”. Tuve la suerte -aunque lo voy dudando-, de asistir a varios conciertos suyos donde entre otras joyas poéticas, tenían un tema titulado “Soy un macarra”, el estribillo era el siguiente:

Soy un macarra,
soy un hortera,
voy a toda hostia por la carretera.

Creo que el resto de las estrofas de la “canción” no merecen mayores detalles, aunque por si se quedan con la duda le rompen los dientes a cara de conejo de un puñetazo.

El caso es que hay muchas coincidencias entre el vocalista de aquel grupo, Jorge Martínez y el protagonista de “xXx”, Vin Diesel. Físicamente se parecen bastante, son alopécicos y aunque las barrigas de uno y otro no son similares - ya se sabe que la gastronomía asturiana no invita al cuerpo danone- llevan en definitiva las mismas pintas.

Aunque con mayor probabilidad en lo que más se asemejan sea en lo pésimos que han sido en sus respectivas profesiones, que a día de hoy tampoco tengo seguro cuáles son.

Los nazis en su día tuvieron la “brillante” idea de llevar a todos los judíos a la isla de Madagascar, rescatándola, propongo llevar a todos los tuneados de coches y piel al mismo sitio. Eso sí, sin las rubias de pelo rubio oxigenado de nombre Jennifer y minifalda cinturón, ya que esas al menos pueden servir para algo mientras conduces.
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10 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Kill Bill: Volumen 2
Kill Bill: Volumen 2 (2004)
  • 7,7
    136.264
  • Estados Unidos Quentin Tarantino
  • Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Vivica A. Fox, ...
7
Separar el grano de la paja.
Me pasa exactamente lo mismo que a Pablo Kurt. Cuando vi el volumen uno de Kill Bill en el cine salí horrorizado de cómo un director de su prestigio podía estar tantos años sin rodar para ofrecernos tal mierda. Por supuesto se me quitaron las ganas de ver en pantalla grande la segunda, por lo que la alquile el DVD meses después. Y la cosa cambió.

Aunque digan que forma un todo, se parecen tanto como el Antiguo Testamento y el Nuevo, es decir casi nada. Es como comparar al Michael Jordan que se metió al béisbol con el que jugaba al baloncesto.

Lamentablemente el volumen 2, a pesar de sus momentos verdaderamente sobresalientes, de cine de altísimos quilates, la primera parte es un lastre que no consigue quitarse de encima. De nuevo Tarantino por momentos vuelve a ponerse excesivamente “orientalista” y de nuevo la pifia. En cambio cuanto más cercano está del western o del cine negro se torna sublime. La mayor parte de las escenas dialogadas rayan a gran altura, mientras que las “consoleras” se quedan en una ordinariez y horterada made in karate kid.

Te puede gustar mucho un subgénero pero por ello no es necesario que lo homenajes o lo introduzcas en tus filmes si no estás dotado para ello. A José Luis Garci le encantan los westerns y nunca rodará uno. Pero claro, no tiene la prepotencia de nuestro loco de Tennessee.

Magníficas interpretaciones de Uma Thurman y Daryl Hannah, aunque me tengo que quedar con un inigualable David Carradine y sobre todo con Michael Madsen, eso sí debería ser un Oscar y no a lo que estamos acostumbrados últimamente.

Estos dos volúmenes separan sin lugar a dudas al espectador del fan, el que vea las dos iguales y al mismo nivel será un ultra, en cambio el que sepa valorar las diferencias de calidad de ambas un cinéfilo. Eligan donde se encuentran ustedes.

Nota: 7,3.
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16 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mordiscos peligrosos
Mordiscos peligrosos (1985)
  • 4,4
    1.237
  • Estados Unidos Howard Storm
  • Lauren Hutton, Jim Carrey, Karen Kopins, Cleavon Little, ...
5
Una flor en un jardín de cardos borriqueros.
Recuerdo haber visto “Mordiscos peligrosos” siendo niño en un cine de sesión doble, huelga decir que me encantó. Luego la habré visto dos o tres veces más, curiosamente lo que siempre me llamó la atención es que pasen los años que pasen Lauren Hutton sigue saliendo igual de guapa. Me explico. Bueno los que me conocéis ya sabéis que considero la moda más hortera del siglo XX a la de los ochenta. Un auténtico museo de los horrores, casi cualquier actriz que veas ahora que tenga ya más de cincuenta años sale más atractiva que cuando la ves entonces. Eso no pasa con los setenta o décadas anteriores.

Pero con la señora Lauren Hutton, no ocurre eso. En el año 85 sabe pintarse, vestirse, peinarse, moverse... mientras otras parecen Lily Monster. El cinco es por ella obviamente.

Del resto pues ya se sabe, Jim Carrey empieza con las muecas y el tema del sexo se trata peor que en el Landismo. No cabe duda que la comedia americana ochentera tiene su gracia, es gamberra, y a la vez no es hiriente ni ofensiva, pero al mismo tiempo no termina de cuidar los diálogos y terminan siendo casi siempre una sucesión de gags con carreras y golpes herederos del cine mudo. Podían haber copiado algo de los Hermanos Marx, pero quitando al gran Allen, los demás prefirieron a Abbott y Costello. Si es que el hombre tiende siempre a lo más fácil.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
La playa
La playa (2000)
  • 5,6
    40.354
  • Reino Unido Danny Boyle
  • Leonardo DiCaprio, Tilda Swinton, Virginie Ledoyen, Guillaume Canet, ...
6
Sin tetas (y porros) no hay paraíso.
Hay películas que son todo un estado de ánimo, verlas en el momento justo es adorarla o no hacerlo aborrecerla. A “La playa” le pasa eso, deberían de prohibirla o recetarla según los casos.

Sinceramente es muy difícil que alguien que le guste viajar pueda aborrecer esta película. Al menos viajar de la forma que muchos lo hacemos, sí, tirando para delante como los de Alicante, a pesar de que luego te ves en algunas situaciones surrealistas las más, peligrosas las menos, pero siempre inolvidables.

En “La playa” nunca se sabe bien lo que estás viendo, si es un viaje iniciatico, uno hedonista, una crítica a las minorías libertinas, una parida o simplemente una historia de cualquier libro de viajes. Tampoco Leonardo DiCaprio se define, pasa de héroe a villano, de cuerdo a loco, de enamoradizo a putero... esa dualidad la hace interesante, y la hace diferente.

Tiene algunos golpes muy logrados. Por citar uno la escena del tiburón y su posterior narración. El humor supera al drama a mi juicio, y eso es de agradecer, porque de lo que se trata aquí es de pasar el rato y “La playa” lo consigue.

Puede que sea realmente una soplapollez, no voy a discutir eso, pero estoy seguro que pasen los años que pasen siempre recordaras dos o tres escenas de ella al menos. Esa es una gran virtud del cine de Danny Boyle.

Estéticamente deliciosa, musicalmente pegadiza y narrativamente curiosa, hacen de “La playa” un trabajo que debe ser rescatado de las foribundas críticas a las que ha sido sometida.

Con respecto a Leonardo DiCaprio, muy correcto, su papel de norteamericano flipado, responde a la perfección al perfil que tantas veces nos hemos encontrado de niñatos por esas tierras donde Cristo perdió el mechero.

Si se van a ir de viaje exótico próximamente tres consejos, mucho autan, poco equipaje y un buen libro.
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48 de 56 usuarios han encontrado esta crítica útil
El último tren de Gun Hill
El último tren de Gun Hill (1959)
  • 7,4
    3.549
  • Estados Unidos John Sturges
  • Kirk Douglas, Anthony Quinn, Carolyn Jones, Earl Holliman, ...
7
Duelo de titanes.
Un año después de que la Columbia alcanzara gran éxito con el western de Delmer Daves “El tren de las 3:10”, la Paramount contraatacó presentando otra película con similar historia –tanto que algunas escenas parecen literalmente plagiadas-. Dirigida por un especialista del género, John Sturges, “El último tren de Gun Hill” se une a la larga lista de buenos westerns que dio la cosecha de 1959, uno de los cinco mejores años en cuanto a las películas de vaqueros sin lugar a dudas.

A finales de los años cincuenta resultaba un problema social la delincuencia juvenil y la falta de entendimiento entre padres e hijos y el western hizo de este asunto uno de sus temas favoritos, realizándose bastantes del mismo tipo.

La que aquí comento, tiene muchos de los convencionalismos comunes que esperamos encontrar en este tipo de películas, pero resueltos siempre de una manera brillante. Sin lugar a dudas Sturges se encontraba en su mejor momento, aunque estaba abandonando paulatinamente su etapa más clásica para pasar a una más barroca y manierista, en esta nos brinda una serie de travellings portentosos en especial el último de la estación de trenes.

Aún así su cine resulta magníficamente sencillo. Esa simplicidad a la hora de rodar una escena, sin enfatizar jamás, -por ejemplo el duelo final lo resuelve con un plano general, es decir, la antítesis de Leone-, es lo que le convierten en un director de planos maravillosamente cotidianos, aunque como digo aquí ya va probando otras cosas más novedosas que culminará en trabajos posteriores.

Rodada en Vistavision, uno de los favoritos de Alfred Hitchcock, “El último tren de Gun Hill”, es un western de gama alta que posee gran fuerza. Con un arranque magnífico, la historia adquiere tensión desde los primeros planos para ir paulatinamente transformándose en un western con aspiraciones a la tragedia.

Los dos protagonistas están perfectos, y aunque muy diferentes están totalmente equilibrados sin que resulte uno con mayor presencia que el otro. Aunque a los puntos creo que Anthony Quinn le gana a Kirk Douglas.

El guión de James Pole, muy interesante, incluso proindio, aunque demasiado cercano a la referida anteriormente de Yuma hace que le reste valor y carezca de originalidad.

Los diálogos son concisos, alejados de charletas y muletillas tan en boga hoy, pero a la vez son agresivos y bastante irónicos.
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25 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bolt
Bolt (2008)
  • 6,2
    22.613
  • Estados Unidos Chris Williams, Byron Howard
  • Animation
8
A que te pego un superladrido
Dentro de un contexto cultural donde las películas de adultos parecen de adolescentes y a la par, las de niños se asemejan a las de treintañeros, no es extraño que “Bolt” no terminase de triunfar.

Además lo de los animales cada vez se lleva menos. España, país ecocida por naturaleza, que abandona millares de mascotas al año en cruces de carreteras, está hasta el moño de perritos made in Walt Disney. Coño, como vas a llevar al peque a ver "Bolt" si el verano pasado camino de Cullera lo dejaste en la gasolinera. No sea que te pida otro.

Aquí no hay más que una película familiar para niños, y muy bien hecha, que excluye por tanto a los Manga-boys, que se pueden ir a otro sitio sin molestar.

Quería comentar el efecto terapéutico de (algunas) películas de dibujos animados. En el fondo, ¿cuál es el secreto de la vida? Pues esencialmente en joder al prójimo lo menos posible –descarto la posibilidad cero, sólo reservada para los Maestros-. Y esa es la clave, evitar los estados de ánimo que provoca la ira, el egoísmo, la envidia, el odio... las recetas para lograrlo no son universales, pero dentro de las recomendaciones generales tipo prospecto de medicamento, ver una de dibujos –de dibujos de verdad, no de un tío abriendo la cabeza a otro con un hacha gritando en nipón- puede ser un bálsamo que ayude a nuestro espíritu a no malearse más de lo que la jungla diaria nos obliga ya de por sí.

Ya lo dijo José Luis Garci, “el cine fue lo que más me ayudó en muchas noches muy oscuras de mi vida”.

Puede que “La naranja mecánica” sea mejor película, pero te aseguro que “Bolt” no te hará ser más cabrón, la otra puede que sí.


Nota: 7,7
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12 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil