Desde que Hereditary se estrenó en Sundance a principios de este año todos los fanáticos del terror nos pusimos alerta. "La película más aterradora de los últimos años", "Seriamente perturbadora" entre otros elogios que no hicieron más que dejarnos con ganas de que se estrene en nuestra sala lo más pronto posible. En el medio tuvimos (por lo menos en Argentina) la imposiblemente tensa A Quiet Place y la violentísima Ghostland. Ambas muy distintas pero enormemente satisfactorias propuestas. Y finalmente llegó Hereditary.

Hacer películas de terror en el siglo XXI no es sencillo. Todo está contado y caer en clichés es lo común, pero el público es cínico y se da cuenta lo fácil que es subir el volumen y entregar un susto efímero y olvidable. Las películas que caen en esto son muchísimas y por eso el género tiene tanta mala fama, pero por suerte en los últimos años tuvimos las excelentes It Follows y The Witch apostando al terror atmósferico. Éstas, junto a las The Conjuring del maestro de la puesta en escena James Wan, son las más claras influencias modernas de Hereditary. Del siglo pasado, podemos nombrar a Rosemary's Baby como principal referente.

La película se puede dividir en dos partes: la primera, más cercana al drama familiar, va cocinando el terror poco a poco, construyendo un clima tenso e incómodo desde la puesta en escena de Ari Aster y las actuaciones. Conocemos a la familia: Annie (una extraordinaria Toni Collette cuya actuación merece la nominación al Oscar, lástima que ya sabemos cómo trata la Academia al cine de terror), su esposo (un contenido Gabriel Byrne), el hijo (Alex Wolff, que está excelente también), la hija (Milly Shapiro, silenciosa y enigmática) y la abuela, cuya muerte inicia la historia pero su personaje es esencial a lo largo de la película. Nos metemos en su miseria, en toda la tristeza y tensión que se respira en esa casa (la película es muy claustrofóbica, saliendo poco o nada de ese nido de los horrores).

Ahí está uno de los grandes triunfos de Hereditary frente a otras películas de terror: te acerca demasiado a sus personajes. Los compadecemos y seriamente deseamos que nos le pase nada malo, porque pareciera que ya nada puede ser peor a lo que están viviendo durante esta primera parte. Pero de repente llega un giro, que también representa una de las mejores escenas de la película por lo genuinamente perturbadora y lo bien pensada que resulta (comentada en el spoiler).

Y este giro da lugar a la segunda parte, donde el horror más puro se desata. No se puede comentar demasiado porque todo sería spoiler, pero en serio que es horror tras horror. El climax se hace largo, denso a nivel emocional por la crudeza y necesitamos que semejante cúmulo de monstruosidades tiene que llegar a su fin porque no damos más. El final llega y todo cobra sentido. Quedan cosas sueltas, eso sí, porque la película te invita a verla nuevamente para descubrir todos sus detalles que en un primer visionado pasan obviamente desapercibidos.

Hereditary está destinada a convertirse en una película de culto. Su guion, repleto de aciertos e ideas (y que juega excelentemente con la incertidumbre, al punto de no saber nunca para dónde va a tirar la historia), sus actuaciones, de un nivel altísimo, su soberbia puesta en escena y fotografía y su increíble equilibrio entre desarrollo emocional y escenas perturbadoras (son muchas, en serio), dejarán a Hereditary en un digno lugar en la historia del cine.

Jordan Peele se está convirtiendo en una promesa del género de terror. Con Get Out logró una cinta que funcionaba perfectamente como película de terror, como una de comedia (sin caer en lo absurdo) y como comentario social.

Esta vez regresa con Us, una cinta sobre doppelgängers que se libera al fantástico más delirante. En este caso, el guion es bastante menos sólido que el de Get Out, y flaquea sobre todo en el tercer acto, pero volvemos a encontrar un buen trabajo de puesta en escena (la primera secuencia es magistral -homenaje a Tiburón incluido-), otro gran trabajo en la fotografía y una excelente banda sonora de Michael Abels. El comentario social de la película es bastante más sutil que el de Get Out, y Peele logra que el espectador salga de la función con respuestas (todo tiene una explicación dentro del universo de la película), pero también con preguntas sobre qué realmente quiso decir el director. En spoilers dejo mi intepretación.

Nada más y nada que menos que 14 años pasaron desde aquella mítica Los Increíbles, con la que muchos crecimos. 14 años después y finalmente se estrena su esperada secuela.

Vuelva a dirigir Brad Bird, tras un tropiezo (por lo menos para mí), como lo fue Tomorrowland (2015). Pero del que no se puede dudar de que algo de cine de animación el tipo sabe (imposible olvidar esa joya que fue The Iron Giant).

La película arranca donde termina la anterior: nuevamente tenemos a la familia Parr, ahora viviendo en un motel y con problemas económicos. Helen obtiene un trabajo con el que podría dar por terminada la ilegalidad de los "supers".

Este punto es importante a resaltar puesto que la película se inscribe en esta nueva ola del girl power y el feminismo. Helen es la que trabaja y lucha contra los malos mientras que Bob tendrá que hacerse cargo de los problemas domésticos de sus hijos. Este marco feminista también puede verse en la relación entre el personaje al que le pone la voz Saul Goodman (y de la que yo no pude disfrutar puesto que en Argentina difícilmente se estrena una película de animación con sus voces originales) y su hermana. Incluso hay un par de diálogos entre ésta y Helen que se refieren nada implícitamente al empoderamiento femenino.

El guion va oscilando entre las dos tramas: la de Helen y su búsqueda por atrapar al villano de turno ("el rapta pantallas", me pregunto si ese nombre tan bien pensado es el original o sólo decidieron escogerlo para mi querido doblaje latinoamericano), que otorga la parte más de acción, y la de Bob lidiando con la tarea de matemáticas de su hijo Dash, los problemas románticos de la adolescente Violet y los infinitos poderes del pequeño Jack Jack (el personaje que más gustará a los chicos, probablemente -bah, a mí también fue el personaje que me resultó más simpático y ya estoy arriba de los 20-). Esta parte es la más cómica y aunque el humor es bastante inocente tiene sus momentos.

Mi principal problema con la película es lo intrascendente que resulta. Si por algo es reconocida Pixar es por esa profundidad emocional que la destaca del resto de las compañías de animación. A ese nivel, Los Increíbles 2 está lejos de Inside Out o de Toy Story 3. Es mucho más ligera y por eso no cala tan hondo. Y a esto se le suma un conflicto que no termina de desarrollarse del todo (falta intensidad en escenas clave).

Más allá de esto, Los Increíbles 2 sigue siendo una digna película de animación, con un buen guion y una buena dirección de Brad Bird. Es entretenida y no hace falta pedirle mucho más.

Sigue la historia de un oficial español llamado Don Diego de Zama que espera su transferencia a Buenos Aires desde la ciudad de Asunción en el Siglo XVII. Este es el puntapié con el que arranca la cuarta película de Lucrecia Martel. En esta ocasión, la salteña plasma su personal visión sobre la novela de Antonio di Benedetto.

Desde antes de su estreno, la cinta ya estaba condenada a ser incomprendida y odiada. Como bien lo dijo la misma directora en una entrevista que ronda por ahí, las series (salvo los animes y la nueva Twin Peaks) se han encargado de malacostumbrar al espectador, terminando con el juego lúdico de la puesta en escena cinematográfica y poniendo todo el foco en el guion. La gente puede aguantar 7 capítulos seguidos de 40 minutos pero no resiste una película de 2 horas. Esto mismo lo vi en mi sala: sólo estábamos yo y una pareja (era tarde y y la función era justo después del partido de la Selección). Cuando faltaba alrededor de media hora para que la película acabase, la pareja se fue.

El espectador que se interese por el CINE (y que probablemente será tachado de snob por los fans de Stranger Things), encontrará en Zama una película con una atmósfera ominosa, que se hace presente en cada plano (una pena que los cines estén pasando copias con el formato inadecuado), en una fotografía impecable, en cada momento cercano al realismo mágico (voces inexplicables, un mueble que se mueve solo) y en cada gesto de Daniel Giménez Cacho.

Es necesario resaltar el trabajo de este actor hispano-mexicano: más de una persona se quejó porque no hay forma de empatizar con el personaje. Un hombre que espera su traslado para reunirse con su familia, que se ve obligado a responder al gobernador y hacer cosas que evidentemente no le interesan (se mueve con pesar en el espacio cinematográfico) con tal de lograr ese fin. ¿No hay forma de empatizar con eso?

Durante la primera parte de la película, más episódica y menos convencional, Martel hace un soberbio juego con el sonido: te mete de lleno en esos paisajes y al mismo tiempo genera tensión. Fauna, gritos, disparos; todo se construye desde el fuera de campo. El tercer acto, muy conradiano, nos acerca a la "barbarie" a la que teme Zama, dejando para el final un enfrentamiento esperado durante toda la película.

Hablar de esta película es hablar del horror más puro y crudo. La masacre de Texas es suciedad, caos, muerte, sadismo, desesperanza.

Con una primera parte cargada de suspenso, y una segunda repleta de terror, esta película logra, gracias a un montaje tan desquiciado como la mítica familia que presenta, un miedo que cientos de slashers posteriores intentaron copiar, en vano en su mayor parte.

La puesta en escena es magnífica, todo desprende un olor a podredumbre, desde esa casa infernal, hasta el coche donde viajan los desafortunados jóvenes.

La galería de personajes es de lo más perturbadora: Cara de cuero, su hermano, el padre, el abuelo. De los jóvenes cabe resaltar a Franklin, quien aporta otro tipo de terror: la inmovilidad.

La cinta cuenta con secuencias inolvidables (la de la camioneta al principio, las persecuciones, la cena), lo que hace que, quiera uno o no, sea muy difícil olvidar esta obra maestra del horror.