Tiene su gracia que definir una película y su estilo visual cómo videoclipero es claramente un desprecio hacia el film. Y juro que no lo entiendo. No lo entiendo simplemente porque el cine es un arte en constante evolución y modernización. El otro día, viendo “La Tentación Vive Arriba” no pude evitar pensar en cómo hemos cambiado esa puesta en escena teatral por una nueva forma de hacer cine (salvo algunas excepciones que tienen aroma a clásico, cómo es “University Of Laughs”, genial ejemplo nipón). Hoy eso ha quedado desfasado y el cine juega diferentes bazas, siendo una de ellas el poderío visual, que es precisamente lo que destila este film.

“Confessions” está envuelta en un preciosismo absoluto, con una fotografía en tonos azulados y grises, inusualmente bella en contraste con la frialdad que representa. Otros recursos tachados cómo “videocliperos” son, bajo mi punto de vista, absolutamente magníficos, rozando la perfección. Cómo la literatura de García Márquez y su realismo mágico… aquí se representan las emociones a través de imágenes, convirtiendo lo fantástico en normalidad. Un ejemplo: una pompa que se rompe cerca del oído representando la pérdida de una figura importante durante la infancia. Y por supuesto ese clímax final, dónde este recurso y realidad se dan la mano para bajar a los infiernos y conocer a través de la imagen la representación de la consecuencia más grave que podía tener para uno de los adolescentes.

Otros recursos mal tachados cómo innecesarios e incluso directamente malos, cómo el reiterado uso de la cámara lenta, son este film pequeñas notas de autor que dotan de carisma y alma propia a un film que sólo con su guión, interpretaciones y el resto de apartados técnicos (cómo la increíble OST) seguiría siendo una de las mejores películas realizadas durante el curso del año pasado.

“Confessions” arranca de manera arriesgada y difícil, en plena anarquía, dónde una profesora de manera amena y una frialdad increíble relata la muerte de su hija y las circunstancias en las que se produce. Parece que cuenta cosas inconexas unas con otras, aunque finalmente hilvana todo para que haga parte de lo mismo. Un monólogo que servirá como entrante de la curiosa forma narrativa del film, el cual está plagado de reiteraciones no sólo soportables sino necesarias, sobre el mismo tema (una y otra vez), con giros inesperados y en los cuáles se revela que la bondad y la maldad son dos extremos separados por una delgada línea. Quiénes creíamos buenos, en realidad hacen uso de características negativas para tomar sus propósitos. Quiénes inspiran lástima en realidad no son tanto víctimas cómo verdugos. Quiénes son malos, son malos siempre, e incluso más malos todavía… Pero todo está perfectamente explicado, debido a la complejidad de los personajes, quiénes a través de sus relatos van describiéndose a sí mismos, sus virtudes y sus más repugnantes defectos.

(Sigue en SPOILER)...

Una ya se aburre de lo reiterativo que resulta encontrarse con films lapidados por críticas excesivamente subjetivas dónde lo que prima es la censura al contenido y no la calidad del mismo. Porque parece increíble que en pleno S.XXI, superados ya los tijeretazos metidos a los metrajes en la época franquista, hay quién aún quiera censurar determinados films por la violencia de sus escenas. Pero sí , aún sucede. Y no estamos hablando nunca de imágenes dónde la sucesión de depravaciones sea reales precisamente, causa por la que sería la primera en no sólo gritar todo tipo de improperios, sino además en pisar una comisaría para denunciar tales hechos. Sin embargo cuándo yo, embriagada por el morbo del enésimo film más violento de la historia (cómo TODOS), acudo a ver una obra de FICCIÓN, soy consciente de la irrealidad de tales imágenes de las que ya estábamos advertidos.

Y sí, destaco en mayúsculas FICCIÓN porque la carga emocional que tiene este film no es más que placebo, cómo en absolutamente todas las películas, fueran del género que fueran. No se me olvida nunca que detrás de una tortura, un asesinato y hasta este nuevo término de “newborn porn”, se esconde trozo de látex bien filmado, por lo que nadie resulta herido durante la grabación. Saber además que destaco el TODOS porque precisamente TODOS somos quiénes consumimos este tipo de productos por su publicidad ganada por la violencia que contiene. Y que son MUCHOS quiénes se rasgan las vestiduras vilipendiando la FICCIÓN cuándo todos los días comen frente a un telediario que puede mostrar imágenes snuff verdaderas, cómo esas en las que periodistas son ejecutados a manos de talibanes.

Además existe hoy la extraña manía de tener que justificar la violencia en pantalla con algún mensaje de trasfondo para complacer a determinado público. Y no me lo explico… ¿A alguien le satisfizo el supuesto mensaje de “Holocausto Caníbal”? ¿Era suficiente el criticar las barbaridades japonesas durante la Segunda Guerra Mundial para justificar las torturas en “Los Hombres Detrás Del Sol”? ¿Puedo disfrutar de “Saló” porque es del grandioso Passolini? ¿Acaso “La Matanza De Texas” tenía algún tipo de mensaje oculto que justificase todo el derrame de sangre? Y sí, la mayoría de las anteriores son películas de culto. Inclusive dos de ellas contienen muertes reales (de animales) y aún así siguen recibiendo todo tipo de halagos. Nadie recurre al trillado tema de la “violencia sin justificación”. Tampoco veo que nadie se acuerde cuándo visualiza esta nueva oleada de ¿gore? de que en las anteriores expuestas (que tienen al menos dos décadas de existencia) se suceden violaciones, se empalan mujeres, se tortura hasta el punto de que los intestinos salgan por el recto de un personaje, se congelan extremidades para arrancarlas a cuajo después, se come mierda, se parten cuerpos con motosierra, etc. Y lanzo una pregunta al aire… ¿Son todas ellas BASURA? ¿A la misma altura de la que nos ocupa? [Sigo en Spoiler]

Lejos queda la unanimidad con la que critica y publico alababan a la opera prima de un desconocido Blomkamp. En ‘Chappie’ lo que recibe el sudafricano es de todo menos unanimidad: a día de hoy, pocos días después de su estreno, tiene tan solo un 29% en Rotten Tomatoes y de forma casi irónica recoge una nota media de 7.4 en IMDB. Y juro que no entiendo que lo que hace algunos años fascino a propios y extraños en ‘District 9’, llegando inclusive a convertirse en candidata al Oscar, horrorice aquí ahora a unos cuantos que de forma errática despotrican sobre la (in)volución del director.

Porque, queridos usuarios de esta gran familia, ‘Chappie’ bien podría haber sido rodada paralelamente con ‘District 9’, con la que comparte y de la que hereda prácticamente todo. En esta Sharlto Copley cambia la piel de alienígena antipático por el acero de robot simpático, llevando siempre en ambas el tótem de todo argumento dado en películas de Blomkamp: la marginación (AKA es un paria). De nuevo además tenemos grupos de delincuentes organizados armados hasta los dientes que viven al margen de la sociedad. Y por si el mensaje de su opera prima no había quedado claro, el sudafricano nos da una vuelta más sobre el mismo argumento. Que no señores, que no hay esperanza en el ser humano: tratamos al diferente como escoria y si tiene algo de especial, le utilizamos para nuestro propio beneficio.

En ‘Chappie’ sin embargo se arriesga más, y no me refiero al estilo narrativo, que era mucho menos clásico en ‘District 9’. La del robot es una película donde se fusionan infinidad de géneros, y donde explota mucho más la comedia hasta en algunos casos rozar la parodia (y si alguien no está de acuerdo, que alguien me explique qué hacen Die Antwoord haciendo de sí mismos de forma bastante sobreactuada, con nombres incluidos). Blomkamp sigue rodando aquellas situaciones inverosímiles de antaño, pero ahora las dota de algo más de credibilidad: por lo menos quien se salta todo control de seguridad tiene acceso a las instalaciones, y no como aquel Copley en evolución que accedía a donde quisiera a base de cuatro disparos mal dados. Y no solo eso, sino que sigue abusando de la ternurita que transmiten sus personajes marginados, al punto de intentar tocar el lacrimal del espectador. No se preocupe quien haya visto ‘District 9’ y espere personajes y entes malignos desarrollados con nada de profundidad: si te gusta el caldo, toma dos tazas.

Queda claro entonces que no hay tanta diferencia entre ambas. Ahora analicemos a ‘Chappie’ sin comparaciones, como obra única, que es en realidad como toda película debiera ser analizada.

Debajo de la escarcha que recubre la película y la hace, a primera vista, un producto Blockbuster de entretenimiento un tanto inocuo, existe toda la evolución de un personaje de infante a (casi)adulto, que pasa por todas sus etapas y que difícilmente no robara el corazón del espectador. Blomkamp nos habla del ‘nurture’ como método de aprendizaje. Y nuestro guía en tal proceso será Chappie, que es un robot que ‘nace’ con una ‘tabula rasa’. En su infinita inocencia y causando la carcajada del espectador, Chappie no entiende que crece en un entorno de delincuencia, ni que significa llevarse el dedo a la nariz (gesto que aprende siendo un infante y repite siempre a lo largo del film), ni tan siquiera entiende la diferencia entre estar dormido y estar muerto. Y es en esa ignorancia que nos enternece en la que de repente se despierta su conciencia y da el paso final a su existencia como ser vivo: el miedo a su propia muerte.

Pero mientras se encuentra en este proceso, ‘Chappie’ también nos deja ver como ese entorno que le rodea le amolda y le influencia para convertirse en quien es una vez pasada su infancia. Y es que, como dije anteriormente, Blomkamp vuelve a hablarnos del miedo al diferente, del acoso, la marginación, la falta de humanidad y la explotación de alguien semejante a nosotros. Ante tal panorama, donde lo que le rodea es destrucción y muerte, es de hecho cuando Chappie toma conciencia de que ha de luchar por su existencia, una existencia que ni siquiera entiende porque otros le quieren arrebatar.

Y ahora sí, cubriendo toda esta parte de la película que más de uno deseara que hubiera sido mejor y más desarrollada, se encuentran las ‘estrellas’ de la película, unos Hugh Jackman y Sigourney Weaver que soportan el peso de unos personajes planísimos y desaprovechados, que sirven como enlace para la parte de acción final. Una parte que resulta muy entretenida, tanto como de poco original. Y sin embargo, una parte que juega sus últimas cartas tratando un tema casi ineludible en una película como esta… (1)

Supongo que sin tan siquiera haber sido estrenada en España, poco puedo hacer para que la opinión general de esta comedia sci-fi cambie. Pero en los recuerdos de esta humilde cinéfila que gusta de dejarse las gafas de pasta en casa cuando ve un producto como el que nos ocupa, esta película quedara guardada por mucho tiempo. En aquella parcela de la memoria donde ‘Transformers’, ‘Fast & Furious’ y demás Blockbusters de verano son borrados a los pocos minutos de haberse visto.

La vendieron como una cosa y resultó ser un thriller-dramón apocalíptico sobre una serie de personajes en una situación límite, y por ello le caen críticas negativas por doquier. Ah, bueno, pues menuda gilipollez… ¿Es por ello una mala película?

Me gusta la forma en la que Gens empieza: presenta personajes estereotipados hasta en el corte de pelo. Creemos saber entonces la película, y la sabemos. Sabemos que personaje va a ser moralmente intachable, cuáles lucharan por el liderazgo, quiénes perderán la cordura antes y hasta tenemos historia de amor prohibido de por medio. Pero a mitad de la película, cambiamos de género, y Gens desarrolla hasta el extremo unos personajes a los que viola, martiriza y tortura sin descanso, sorprendiéndonos con el grado de violencia psíquica que alcanza y dándole la vuelta a la tortilla… Porque tiene más razón que un santo, y en nuestra vida diaria nosotros también no somos más que estereotipos cortados con el mismo patrón, y sólo el tiempo y las experiencias vividas desnudan nuestras sutiles (o no tan sutiles) diferencias.

Que “The Divide” tiene fallos (y gordos) es una verdad a gritos, pero que al final perdono y hasta me gustan. Es reiterativa y larga, pero exceptuando alguna escena, no podría recortar mucho más el metraje sin dejar algo imprescindible en el camino para su lento desarrollo. La música y el final, Sony Vegas total, es una ida de olla, de acuerdo… ¿Pero no posee una fuerza increíble?

A partir de aquí, me veo en la obligación de entrar en SPOILERS porque es imposible defender el film de tanto ataque sin entrar en materia. Si has leído hasta aquí, entonces simplemente te recomiendo que la veas, porque te parezca acertada o fallida, es un ejercicio cómo mínimo interesante.

1. Mucho se ha hablado de la película que puedo ser y no es. Podría haber sido una película de experimentos médicos, de acción desenfrenada y con banderitas americanas. De hecho, se trata el tema en la película… ¿Fueron los musulmanes? ¿Los norcoreanos? Y pregunto retóricamente… ¿Necesitábamos otra película con Estados Unidos mirándose el ombligo? Yo agradezco el riesgo que toma Gens: somos parte del búnker y no necesitamos saber más que los personajes. Los hombres de blanco (que son científicos principalmente, no militares) son sólo una excusa para sellar esa puerta y que esperemos lo mismo que los protagonistas: una respuesta que al final entendemos que no importa nada.

2. Entrando en materia principal, y obviando los comentarios sobre el nivel actoral (que peores mierdas tragamos en el género), creo que todos los personajes (exceptuando a Adrien, cuyo personaje sólo sirve para terminar de semi-explotar a otro) están bien desarrollados:

Es seguro que para ello fue hecha y desde luego, si tanta polémica suscita es porque remueve estómagos y mierda por doquier. He leído sobre “Family Guy” cuentos asombrosos sobre los cimientos en los que se construye e incluso insultos directos a su creador, Seth MacFarlane. Pues se acabó. Alzaré la bandera blanca y después clavaré el regatón en los ojos de quiénes son capaces de ignorar las cualidades de esta magnífica serie, incluso aquellas objetivas.

Vayamos por partes. Parece ser que “Los Simpson”, esa moribunda televisiva que vive del recuerdo de lo que un día fue, es la todopoderosa creadora de todo. Casi que creó los dibujos animados y hasta la televisión… y casi me lo creo y todo. No seré yo no obstante quién baje de su trono a “Los Simpson” y cargue contra ella (y sobretodo, contra sus magníficas 10 u 11 primeras temporadas), pero hemos de ser fieles a la realidad, no me jodáis más. “Padre De Familia” no son “Los Simpson”, pero es que nunca pretendieron serlo. De plagios, nada. Hay toda una orgía de inspiraciones tras Peter y cía, pero no es exclusivamente “Los Simpson” quién ha tomado parte en ésta. Muchos años antes se emitía en la televisión americana “All In The Family”, de la que también bebe lo suyo. Y si me pongo tocacojones, podemos sacar del baúl de los recuerdos “The Life Of Larry” y “Larry & Steve”, cortos dirigidos por MacFarlane que sirvieron de base para crear después “Family Guy” (de hecho, en éstos nacen Peter y Brian y se gestan otros, cómo Stewie, Lois o Chris).

Pero si algo me jode es que se diga que “Family Guy” no tiene crítica constructiva alguna, que sólo rezuma odio y humor absurdo. “Partial Terms Of Enderament” es un “¡Zás, en toda la boca!” para todas estas críticas.

Era evidente que jamás llegaría a emitirse en la televisión americana. Si ya una vez decidieron prescindir de la emisión de ese compendio de agujas y abortos llamado “Imprint”, era previsible que el tema del aborto tratado en una serie tan irónica, sarcástica y (¿por qué no?) cabrona cómo “Family Guy” iba a ser un “Directo a DVD”. Y así fue y así la disfrutamos.