¿La gran sorpresa del cine norteamericano de la temporada? Sinceramente me repatea este cine enfático y sensacionalista en el que se nos viene a decir que el éxito y la gloria requieren la asunción de degradantes sacrificios y la aceptación de humillaciones fascistas.
Andrew Neiman es un joven estudiante de batería de jazz obsesionado con llegar a ser un grande, y lucha por ello en la Academia buscando la aprobación de su despótico profesor Fletcher. La relación sado-masoquista entre el tirano Fletcher y sus alumnos, como proceso de catarsis artística, es el hilo argumental de la cinta.
Cierto que J.K. Simmons está más que convincente en su (odioso) papel de desalmado. Es probable que haya profesores como él, pero, la verdad, no tengo mucho interés en conocerlos, ni a él ni al papanatas aprendiz, atolondrado capaz de renunciar al amor por una quimera. Total, dos personajes la mar de antipáticos y una visión terrorífica de las escuelas de jazz como salvaje campo de batalla entre los aspirantes por ocupar un puesto en la orquesta.
Gracias a la providencia, el Jazz hoy en día goza de una salud prodigiosa - visión no compartida por el revisionista maestro, anclado en Ellington y Parker- y no creo que sea debido a métodos degradantes como el de este instructor militar (primo hermano del sargento de “la chaqueta metálica”).
La excelencia exige denodado esfuerzo (además de talento), pero de ahí a la inmolación redentora ante el gurú… va un trecho.
Por otro lado, echo en falta el auténtico espíritu del jazz más allá del papel pautado: la improvisación, el feed-back de las jam sessions, donde los músicos se dan la réplica en una vorágine sin red.
Seguro que la película triunfa, encierra elementos dramáticos de alto voltaje que encandilarán a muchos. A mí me ha parecido un truño tendencioso y falaz.

Decepción y hastio son las sensaciones que me ha producido la tan aclamada cinta. Spike Jones parte de una idea interesante que no sabe llevar a buen puerto a causa de un guión (nominado al Oscar) pobre y sin recorrido.
La profunda soledad del individuo en un mundo interconectado, oxímoron fundamental de la naciente era cibernética, es el objeto del film. El tratamiento oscila entre la comedia satírica y la ciencia-ficción filosófica - la relación humano-máquína nos retrotrae a "2001 odisea del espacio" y sobre todo a "Blade Runner, obras inconmensurables al lado de esta nadería-.
Salvamos de la película algunas secuencias -los ciudadanos autistas caminando por la calle hablando con su terminal-, la plasticidad de algunos planos de la megaurbe y la actuación de Joaquin Phoenix, que hace lo que puede para hacer verosimil su personaje. Pero, no llegamos a creernos la historia y se nos hace larga y pesada, cargante la voz del OS - versión doblada, no puedo referirme a Scarlett Johansson-.
Ante tanta alabanza en los medios y en la prensa especializada, estoy pensando que quizás mi Sistema Operativo Intelectual esta quedando obsoleto y no es compatible con los tiempos. Tendré que resetearlo y ponerlo al día.

Impresionante la última película de Nuri Nige Ceylan. Si ya nos había entusiasmado en trabajos anteriores - "Lejano", "Érase una vez en Anatolia"...- en ésta última se sale y nos brinda una obra maestra deslumbrante.
A priori, la duración de 3 horas y 15 minutos puede echar para atrás a más de uno, pero, la verdad, cuando terminó me dio mucha pena; estirar las piernas un poco y hubiera seguido encantado otras tres horas en el hotelito de la Capadocia, huesped oculto bajo la sombras de la sala de cine, observando las vicisitudes y comportamientos de unos seres humanos, demasiado humanos, con sus contradiciones y sus miserias, con sus cuitas y sus anhelos. Además, ¿se quejaría el aficionado a la literatura si le ofrecen la edición completa de "En busca del tiempo perdido" de Proust al precio de "El alquimista" de Coelho? Pues eso mismo, ¡calidad y cantidad! Cierto que, como también ocurria en su anterior "Érase una vez..." -la elaborada obra requiere una maceración a fuego lento-, la primera hora y media se demora en la presentación de los personajes y sus relaciones, pero no sobra ninguna secuencia y el tempo es el adecuado para abrir el crescendo sostenido de una formidable segunda parte, en la que se perciben claros ecos del gran Ingmar Bergman.
No voy a destripar la historia, simplemente decir que trata de la condición humana: de la soberbia y de la humillación, de la miseria y de la compasión, de la soledad, del desamor y del paso del tiempo.
Formalmente es muy hermosa, los paisajes ancestrales del interior de la Turquía asiática -la recóndita Capadocia con sus lares paleolíticos- son espectaculares-, la dirección de actores espléndida y la emotiva sonata de Schubert cataliza las emociones en los momentos álgidos.
Imprescindible obra mayor de un creador en estado de gracia.

Wim Wenders fue durante nuestros años mozos uno de nuestros referentes en el cine europeo con cintas tán estimulantes como "En el curso del tiempo" y "El amigo americano" en los años 70 y ya en los 80 "Paris-Texas". Sin embargo, a partir de los 90 su carrera en el cine de ficción ha sido errática, irregular, con obras tan pretenciosas como fallidas.
Por el contrario, afortunadamente, su trabajo en el cine documental mantiene un nivel sobresaliente (curiosamente algo parecido ocurre con otro cineasta alemán y contemporaneo, Werner Herzog) , desde aquel homenaje a la música cubana que supuso "Buena Vista Social Club", pasando por "The soul of a man"- emocionante recuerdo de la figura del gran Skip James y otros bluesmen del delta, hasta las mas recientes "Pina", espléndida cinta en 3D sobre la obra de la coreógrafa Pina Bausch y esta "La sal de la Tierra", que no desmerece en nada a las anteriores.
En este trabajo Wenders nos muestra la vida y obra del gran fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, y para ello cuenta con la inestimable complicidad del propio hijo del artista que codirigue el proyecto. Las impactantes fotografías recogidas en los distintos viajes de Salgado a escenarios atrozes -las minas de oro de Brasil, las matanzas genocidas, los conflictos étnicos y endémicos en el Africa central, las hambrunas en el Sahel- integran un mosaico espantoso, fiel reflejo de la crueldad y abyección a la que llega el ser humano.
La convivencia con tanto horror no sale gratis, y el propio Sebastião llega a un estado de malestar - "se le enferma el alma" dice- que no puede seguir con su labor y da un brusco giro a su carrera para dedicarse a retratar la Naturaleza, el ártico, la fauna...en una huída esperanzada hacia la comunión con la madre Tierra.
Es un apasionante doble retrato: el de Sebastião Salgado, un gran artista gráfico y humanista; y el retrato antropológico de una especie bárbara y sanguinaria. Tremenda, imprescindible.

Implacable indagación neorrealista de la miseria y de la desesperanza que asolan a gran parte de la población hoy en día en España.
Rosales nos introduce en la vida de Carlos y Natalia, una joven pareja, como hay miles en los suburbios de Madrid. Apenas tienen recursos para vivir, trabajo precario y miserable -cuando hay- , y han de apechugar con su entorno: unas familias sin posibles, padres envejecidos y frustrados, parados, hundidos por el rodillo de la crisis galopante. Para más inri, traen al (sub)mundo una niña, ahora tienen que luchar por ella.
Desgraciadamente, no es una estampa exagerada en el presente social de los barrios de las grandes urbes. El modelo de desarrollo ha fracasado y lo pagan los más débiles. Lo reálmente loable de la cinta es su autenticidad, que hace que vivas y sufras con ellos su adversidad. Los personajes son de carne y hueso, hablan como chavales de arrabal. Rosales acierta de pleno con el reparto, todos ellos actores y actrices poco conocidos, y con la austeridad de la obra, no hay música incidental, ni falta qué hace -ni para edulcorar ni para enfatizar una realidad de por sí extremadamente dura-.
Quizá no esté a la altura de sus imprescindibles "Las horas del día" y "La soledad", pero Jaime Rosales ha recuperado el pulso y vuelve como baluarte del cine autoral. En esta obra renuncia a la experimentación extrema que habia extraviado sus últimos proyectos y vuelve al entorno familiar más cercano, como en "La soledad", si bien no puede evitar subrayar la idiosincracia de autor con alguna secuencia irritante - esas imágenes aceleradas de fotografías del smartphone, que terminan mareándote-; no hay Rosales sin espinas.
Resumiendo, otra más que notable película de buen cine español. Eso sí, incómoda, como la realidad desoladora del país, no es un divertimento, es mas bien un doloroso documento notarial de la vida de cualquiera de esos 2 millones de familias con todos sus miembros activos en situación de desempleo. ¡Terrible! Esto sí que es cine de terror.