Leí "La mécanique du coeur" de Mathias Malzieu hace 6 años si no recuerdo mal y fue tal la emoción que este libro despertó en mí que desde entonces he estado esperando que se estrenase la película para ver si comprometía o superaba la novela. Todos sabemos que normalmente suele ser más de lo primero y menos de lo segundo. Pero en este caso la dirección parecía que iba a correr a cargo de Luc Besson, lo cual ya de entrada parecía una garantía de cierta calidad. Y la banda sonora estaba ya hecha y a disposición de todos pues, como es costumbre en Malzieu, después de escribir cada uno de sus libros se encierra en el estudio con su banda Dyonisos a componer la música que su propia historia le ha inspirado. Y en este caso contó con la colaboración de Olivia Ruiz, figura destacada de la escena del pop francés y clara influencia en la caracterización del personaje femenino de la película.

No ha sido Luc Besson finalmente su artífice (demasiado ocupado con "Lucy") sino que la dirección ha corrido a cargo del inexperto Stéphane Berla, acompañado en el proceso del propio Malzieu, que de esta manera se ha asegurado de supervisar hasta el más mínimo detalle su proyecto más mimado y personal.

La atmósfera en la que nos hunde la película es tan onírica que uno se pregunta si está viendo la última obra de Tim Burton, asomándose a un cuadro de Dalí, leyendo un pasaje de Gabriel García Márquez o disfrutando con la última serie de la HBO.

El personaje principal, Jack, es el prototipo romántico y gótico de un joven que sufre por amor: pálido y enfermo pero resuelto a dejarlo todo por su enamorada. Si fuese mujer, podría ser una de las heroínas de las británicas hermanas Brönte. Pero es varón, está claramente inspirado en los rasgos físicos de su propio creador y podría perfectamente tratarse de una encarnación de Gustavo Adolfo Bécquer a juzgar por su intensidad sentimental.

Resultan estimulantes las referencias al momento histórico en el que sus creadores quieren emplazar el relato y en este sentido es curioso ver a Jack el Destripador persiguiendo al otro Jack en uno de los momentos más surrealistas de la película o comprobar cómo es Georges Mélies, padre del cine francés, quien va guiando al joven desvalido en su conquista amorosa a lo largo de algunas tomas que tienen un parecido asombroso con "La Invencion de Hugo", la película que hace 3 años rodó Martin Scorsese para rendir tributo a los orígenes del cine.

La película va desplegándose como un caleidoscopio de colores alucinógenos, una caja de sonidos mágicos, un cofre de aromas tibios, una paleta de sabores prohibidos, hasta llegar a un clímax perfectamente construido en el que la emoción se desborda y entre esfuerzos para aligerar el nudo que tengo en la garganta me digo a mí mismo que, en este caso, la película ha llegado incluso más lejos de lo que llegó el libro.

Como siempre, algunos pensarán que ésta es una película para niños porque ha sido contada mediante personajes animados. Pero quienes sepan ver más allá descubrirán una de las historias de amor más hermosas que se han contado en el cine en los últimos años.

Khumba, ópera prima de Anthony Silverston, es una película de animación sudafricana que se estrenó el año pasado con no poco éxito en su país de origen, pero que ha tardado en llegar hasta el nuestro. Está prevista una secuela para el 2015 y, con un poco de suerte y gracia divina, si se estrena en Sudafrica el año que viene, en España podamos disfrutar de ella -quizás- en 2016. Khumba narra la historia de una cebra peculiar que tiene solo la mitad de su cuerpo rayado y que es acusada por el resto de miembros de la manada de traer maldiciones a su comunidad.

El diseño gráfico y la animación de la película son más que aceptables teniendo en cuenta que el estudio detrás de la producción no es Disney-Pixar o Dreamworks, con lo cual el presupuesto presumiblemente tampoco habrá sido el mismo.

A pesar de un villano que no se entiende muy bien qué quiere y de un desenlace cuanto menos apresurado,  la trama fluye con bastante gracia con algunas reminiscencias a El Rey León o incluso a Madagascar que a algunos complacerán y a otros molestarán.

En ocasiones tengo la sensación de que se va a arrancar en un musical con tal de alinearse con los referentes a los que hace alusión y ser así un producto más "coherente", pero al poco me doy cuenta de que no se atreve a hacerlo. O quizás en esto sí se note la falta de presupuesto.

Sin embargo, lo que es para gusto de un servidor poca valentía en el enfoque, pocas agallas a la hora de crear algo si no nuevo al menos memorable -y elevar la animación a los altares de género cinematográfico mayor de donde nunca debería salir- se convierte en contundencia si hablamos del tema sobre el que trata la película. Si no fuera por esto, Khumba no sería más que una película de dibujos animados que cumpliría decentemente con el objetivo de mantener a los niños entretenidos durante hora y media.

Pero Khumba se convierte en una película de animación necesaria de obligado visionado en las escuelas al tratar el tema de la diversidad. No es la primera ni mucho menos. De hecho, hay innumerables antecedentes en el terreno mismo de la animación. Pero no obstante, esa cebra que es diferente y cuyo sueño es ser como todas las demás cebras despierta una ternura sin igual que nos hace levantarnos contra la estupidez humana y replantearnos la concepción de "lo normal". Porque, damas y caballeros, lamentablemente, las cebras no son más reacias a la diversidad que las personas. Khumba podría ser uno de los niños y niñas de color blanco  que nacen no todos los días pero sí todas las semanas de un padre y una madre negros en el continente africano y que son discriminados porque aún en el siglo veintiuno hay quien cree que albergar un niño albino en la familia es sinónimo de mala fortuna. Khumba podría ser uno de estos niños o niñas tristes, pero en cambio su belleza se revela en el momento en que comienza a aceptar su diversidad como un rasgo propio y único. En ese momento, el niño que ha crecido siendo un paria entre sus semejantes se convierte en alguien tan hermoso como la modelo afroamericana Diandra Forrest, quien ha hecho de su rareza un símbolo de belleza y éxito. A veces, todavía, del cine se pueden sacar grandes lecciones.

La Navidad de 2011 pasará a la historia cinematográfica por habernos traído el milagro de 'Arthur Christmas'. No es ninguna novedad que las grandes (y no tan grandes) productoras de animación guarden sus pesos pesados para esta época del año en forma de estreno cinematográfico o lanzamiento en DVD (Disney es experta en ello y Dreamworks se ha apuntado un tanto recientemente con 'El gato con botas'), pero en el caso de 'Arthur Christmas' la Navidad no es tan sólo un “accidental” motor del consumo exacerbado que nada tiene que ver con la historia, sino que es parte protagonista y esencial de la película.

Aquí la productora británica Aardam (responsable de títulos como “Wallace & Gromit”) nos presenta la historia de Arthur, el hijo pequeño de una estirpe milenaria ( la de los Papás Noel) que, como cada año, la noche del 24 de diciembre tiene la titánica tarea de hacer llegar un regalo a cada niño y niña del mundo. El último Santa Claus es (ante todo) un hombre a punto de jubilarse, que confía en su ejército de elfos y en su hijo mayor (un freak de los gadgets de tecnología punta, probablemente todos con una manzana mordida en el dorso) la organización de esa única y frenética noche de trabajo, consciente de que en breve le va a tocar dar el relevo a uno de sus dos hijos, para dedicarse en cuerpo y alma a su oronda y entrañable esposa (¿un homenaje velado a la ex primera ministra británica Margaret Thatcher?).

Las cosas, con este planteamiento bastante sencillo, se complican cuando Papá Noel olvida hacerle llegar su regalo a una niña del norte de Inglaterra y su hijo Arthur, que no está dispuesto a permitirlo, decide emprender viaje hasta ese punto con la ayuda de la elfa Briony y de su abuelo (otro viejo Papá Noel un poco senil), prescindiendo de todo tipo de tecnología y modernidad en pos de recuperar las tradiciones que hacen que a día de hoy (la mayoría de los adultos) sigamos asociando la figura de Santa Claus a valores tales como la inocencia, la ilusión y la generosidad, como cuando éramos niños.

Ésta es una película realizada con las más modernas técnicas de animación pero con un regustillo clásico que nos encanta. Muy recomendable en fiestas navideñas, no sólo para los niños.

El gato con botas tiene bajo nuestro punto de vista una cosa muy buena y otra muy mala, lo que la convierte en la típica película entretenida para ver con tu sobrino un sábado por la tarde que no tengas nada mejor que hacer.

Comenzamos por lo positivo: la animación. Dreamworks está mejorando la animación de sus ultimas películas hasta tal punto que, de seguir así, al menos nosotros dejaremos de considerarlo el estudio que "quiere pero no puede" ser como el maestro Pixar. La expresividad de todos los personajes pero especialmente del impertinente pero entrañable huevito Humpty resulta bastante impresionante. La caracterización es sencillamente inmejorable, esquemática pero repleta de elocuencia. Y los actores que ponen voz a los protagonistas en la versión original de la película -Antonio Banderas en el papel de un seductor gato con botas que nos recuerda demasiado al Zorro y Salma Hayek como una femme fatale en la piel de una gatita de suaves pezuñas- no hacen sino subrayar el carisma de estos personajes tan dispares.

Sin embargo, esta película pincha en el ritmo de los primeros 20 minutos -cuesta engancharse a ella- pero sobretodo en el desarrollo de la trama, que se vuelve pegajosa y densa por momentos y acaba siendo poco verosímil (incluso para un niño, único publico al que parece ir dirigida). Errores éstos que dejan en evidencia un guión lamentablemente flojo, un popurrí burdo de tres de los cuentos populares que a todos nos han contado en la cama cuando aun no contábamos con dos dígitos de edad:  Juanito y las habichuelas mágicas, La oca de los huevos de oro y El gato con botas que le da titulo. La fórmula que con Shrek parecía funcionar a la perfección haciendo cuadrar todos los elementos de los cuentos que versionaba como si de encaje de bolillos se tratara, en este spin-off del ogro verde resulta extraña, forzada, artificial y al final uno tiene la sensación de estar viendo una versión animada del Zorro que pasa por diversas aventuras a lo largo de una hora y veinte sin apenas un hilo conductor en la historia que le aporte coherencia.

"Las vidas de Grace" (Destin Cretton) es una de esas películas raras que te abordan en un momento dado del modo más inesperado. Es como ser asaltado por la calle. Nadie se levanta un día y se siente preparado para ello. Recuerdo experimentar sensaciones parecidas tras el visionado de "Pequeña Miss Sunshine". Son películas que vienen en un envoltorio suave y dulce pero cuando comienzas a digerirlas te provocan un fuerte ardor de estómago. A día de hoy "Pequeña Miss Sunshine" es una de mis películas favoritas. Y, a juzgar por "Las vidas de Grace", parece ser que el cine independiente americano sigue estando en plena forma.

Ésta es una película que quizás no aporta gran cosa desde un punto de vista formal o incluso técnico, pero los amantes de eso tienen "Transformers" esta semana en la cartelera. Ésta es una película que gustará a quienes disfrutan de las historias pequeñas, del cine que nace de la vida misma, de lo jodida que casi siempre es la vida, sobretodo en un centro de acogida de menores. El tándem interpretativo Brie Larson - Kaitlyn Dever resulta de lo más estimulante que he visto en todo el verano y la aportación de John Gallagher Jr. ("The Newsroom") es sencillamente maravillosa.

La historia resulta creíble de principio a fin, redonda tal y como la trama narrativa pretende ser al acabar exactamente igual que empieza. Si algo podemos reprocharle es quizás un desarrollo más lineal, más sencillo, de los personajes secundarios, de esos chicos y chicas que tanto han sufrido y de los que tanto podríamos aprender. Quizás veinte minutitos más de metraje hubiesen dejado mejor sabor de boca en quienes han disfrutado esta película tanto como yo. Parece ser que a veces, lo bueno, si no tan breve, dos veces bueno.

Lo mejor: Salvando las distancias, esta cinta tiene algo que me recuerda al mejor François Truffaut en "Los cuatrocientos golpes".
Lo peor: La falta de desarrollo de algunos personajes secundarios a los que se podría sacar mucho partido.