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Críticas de alcaide
Críticas ordenadas por:
X-Men: Fénix oscura
X-Men: Fénix oscura (2019)
  • 5,4
    2.645
  • Estados Unidos Simon Kinberg
  • Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, ...
4
A la espera de un nuevo reinicio para La Saga.
El hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra, una verdad tan cierta, que solo hay que ver como se las gasta Hollywood, cuando se trata de fabricar la mayoría de sus títulos comerciales, obviando la presencia y el criterio de los que verdaderamente, han sabido dotar de cierto grado de calidad y diferencia a un producto que de por si, ya nace por defecto manufacturado.

El mayor de los pecados de la franquicia X-Men, es haber renunciado a los parámetros establecidos hace algo menos de una década por Matthew Vaughn, en ese celebrado reinicio Pulp, que supuso para el universo mutante aquella 'Primera Generación', corroborado por Bryan Singer, padre de la criatura y responsable directo de que los superhéroes sean hoy legión en la gran pantalla, con la excelente 'Días del Futuro Pasado', todo un ejemplo de como se debe tratar a este tipo de producciones.

Cierto que 'Apocalipsis' era ya otra cosa, un trabajo peor calibrado y bastante feo en lo visual, que ya avisaba de una nueva fase de agotamiento, confirmada con el estreno de esta Fénix Oscura, un entretenimiento tan vistoso como falto de intensidad emocional, prácticamente nulo en la descripción de unos personajes, rodeados en todo momento de conflicto, pero incapaces, pese al enorme potencial de su reparto, de hacer convincentes sus respectivas motivaciones.

Tras la cámara, debuta como realizador Simon Kinberg, a partir de su propio guión adaptado, un estreno bastante desafortunado, pese al esfuerzo evidente y aislado de alguna secuencia meritoria, que continuamente arroja esa sensación de venirle grande un material bastante más complejo de lo aparente, con demasiados aspectos y relaciones entre sus innumerables personajes, para pasar de puntillas y entregarlo todo a los fuegos artificiales, descuidando gravemente la presencia de unos villanos mal presentados y peor desarrollados, impuestos de una forma extremadamente torpe.

En los apartados técnicos, destaca la excelente partitura de Hans Zimmer, que hace suya la banda sonora, galvanizando las notas con esa habitual potencia envolvente que le caracteriza, dejando un trabajo de calidad, que indudablemente representa el mayor hallazgo del film.

Finalmente, se viene a la memoria el recuerdo de la actriz Famke Janssen, la Fénix original, que tampoco era Katharine Hepburn, pero al menos repartía bastante más sensualidad y carisma, que el rostro petrificado y compungido de la televisiva Sophie Turner, que salvo enarbolar por enésima vez la bandera del feminismo, poco o nada hace por el todopoderoso icono al que representa, lo cual, teniendo en cuenta que hablamos de la verdadera protagonista de la función, deja bastante claro el escaso nivel de este última entrega, la cual parece diseñada para pedir a gritos desesperadamente un nuevo comienzo.



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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hijo
El hijo (2019)
  • 5,8
    2.108
  • Estados Unidos David Yarovesky
  • Jackson A. Dunn, Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, ...
6
Evil Superman
Con ese peculiar y llamativo universo de los superhéroes, convertido en la actualidad en una nueva piedra filosofal para el cine de máximo entretenimiento, es bastante natural que surjan, una vez asentado como género predilecto del público, una serie de variantes experimentales, que jueguen a retorcer un concepto que tampoco es precisamente ajeno en su origen de papel.

Precisamente James Gunn, realizador responsable de aquellos 'Guardianes de la Galaxia', firma como productor un trabajo que igualmente, tiene a sus hermanos, Brian y Mark, como responsables del guión original, completando un trabajo familiar curioso, sobre todo si se atiende a la naturaleza salvaje que lo contempla.

A los mando de este hijo, se encuentra David Yarovesky, en su segundo largometraje como realizador, tras aquel 'Inferno', el cortometraje que le unió a Gunn bajo el sello de los mencionados Guardianes, y que indudablemente, debió sentar muchas de las bases cómplices, que componen el film que nos ocupa.

A lo largo del recorrido por Brightburn, localidad de Kansas en el que se sitúa la acción, y que a su vez configura el título original de la cinta, resuenan algunos ecos oscuros y malignos, que surgen de presentar al héroe como un villano, con una clara motivación de mostrar a Brandon, su joven protagonista, como una especie de Superman a la inversa, tomando incluso prestados, a modo de homenaje, algunos detalles de su legendaria iconografía.

Con una pronunciada intención de mezclar géneros, 'El Hijo' se posiciona totalmente cercano al género de terror, incluso con más de un sobresalto, e incluso introduce, para disfrute de un servidor, ese gore de diseño que acaba por convertirla en un producto adulto, pese a que su enfoque sea a veces algo torpe y atropellado.

Del reparto, señalar lo justo que andan sus interpretes, algunos sacados seguramente de algún saldo televisivo, de entre los que destaca el protagonista de la función, un esforzado Jackson A. Dunn, que sin ser ninguna maravilla, cumple por encima del escaso bagaje que portan sus compañeros más maduros.

Finalmente, puede ser que 'El Hijo' no consiga cumplir todos los objetivos planteados en su origen, le falta un desarrollo argumental más consistente, menos de andar por casa dado su potencial, pero también es innegable que puede abrir una curiosa variante dentro de tan reconocible universo de fantasía, que quizá alcance mayor estabilidad en el futuro, y le aporte un mayor grado de solemnidad.




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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vengadores: Endgame
Vengadores: Endgame (2019)
  • 7,8
    20.950
  • Estados Unidos Anthony Russo, Joe Russo
  • Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, ...
6
Fin de una época heroica, para el cine de máximo entretenimiento.
Algo más de una década después, con veintidós películas a cuestas, y una media de dos títulos por año, ya poco importa que fue antes, si el huevo o la gallina, lo que si es innegable, es que la todopoderosa Marvel se ha salido con la suya, y la prueba es que casi un mes antes de su estreno, con la venta anticipada, ha colgado para muchas sesiones el cartel de 'no hay billetes', superando holgadamente a 'Infinity War', y vaticinando lo que sin duda será, uno de esos taquillazos estratosféricos de los que se hablará en el futuro.

El dinero tampoco hace mejores obras cinematográficas, ni gastarlo, ni recaudarlo, pero hay que reconocer, que ese poder de atracción que este universo de héroes de papel que Marvel expone, se ha cimentado desde un envidiable equilibrio, que pese a los altibajos, ha instaurado su imaginario de fantasía, por encima de cualquier pieza de entretenimiento en este nuevo milenio.

Gran parte del éxito, corresponde a sus realizadores, Los Hermanos Russo, currantes infatigables de un estilo ganador, que han depurado y moldeado pensando en una audiencia, a la cual han sabido anticiparse en gustos y preferencias, siguiendo el camino marcado por otros visionarios como Joss Whedon o James Gunn, de los cuales han recogido una serie de ideas, casi todas estéticas, que funcionaron en títulos anteriores, sin dejar de aportar ese característico tono de sobriedad y cercanía, que tan buenos resultados ha generado desde el estreno de aquel Soldado de Invierno.

En contra, una duración desorbitada, de 180 minutos, que acusa ese efecto pompa de jabón en algunos de sus pasajes, tan deslumbrantes como vacíos de contenido, dejan una sensación muy clara, que se podía haber contado lo mismo en menos tiempo, por mucho que Los Russo hablen de catarsis, que algo de eso contiene, las desconexiones son igual de evidentes durante su metraje, y algunas incluso se acentúan con un sentido del humor algo payaso, que portan algunos de sus Vengadores de relleno.

Pese a lo dicho, 'Endgame' plantea un escenario tan deseado, que a pocos importará que arrastre esos defectos, su implicación en lo emocional, a través de un cuidado tono fúnebre, que intensifica el espectro dramático, y el uso del ritmo vertiginoso en los momentos claves, culmina un vistoso epílogo para sus héroes originales, en un fin de época que indudablemente, será recordado por su capacidad para generar entusiasmo.

Para terminar, este punto y aparte supone el último huevo de oro para un cesto bendecido por el público, el único ente capaz de dar y quitar la gloria a cualquier producto fílmico, las tramas se cierran, y es bastante seguro que lo que vendrá luego, será peor en la comparación, porque todo lo que sube tiende a bajar, pero eso a Marvel le debe importar bien poco a estas alturas, eran muy pocos los que pensaban que se pudiera dar vida a su imaginario con tanta solvencia, y atraer a tantas estrellas del firmamento hollywoodiense para la causa. En ese aspecto, decir que no es tan buena, o que acusa algún defecto, son solo excusas para intentar distraer la atención de lo que verdaderamente importa, el estar ante un fenómeno cinematográfico que trasciende cualquier consideración, hasta alcanzar en más de una secuencia, ese codiciada etiqueta heroica.



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9 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Shazam!
¡Shazam! (2019)
  • 6,4
    4.406
  • Estados Unidos David F. Sandberg
  • Zachary Levi, Asher Angel, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, ...
4
La tormenta menos dispersa, más depurada, DC sigue buscando su estilo.
En otra época, fue el Western, allá por los años 50-60 del siglo pasado, luego le toco el turno a los espías bajo el telón de acero, un asunto que se extendió algo más de tres décadas, hasta que fue literalmente absorbido y devorado, en el peor de los sentidos, por el cine de acción, un género que ha mutado para traernos, gracias a esa maravilla visual incombustible, que representan los efectos generados por ordenador, a todos aquellos héroes de papel, que tímidamente comenzaron a asomar en la década de los 90, para acabar tomando la alternativa en el nuevo milenio, imponiéndose incluso a piratas saltimbanquis y robots gigantes transformables a su paso.

Cada época cinematográfica tiene su estilo, el público elige y es soberano, y ya pocos dudan del poder de este tipo de producciones, que han generado una curiosa guerra entre gigantes, que tiene a DC como un evidente patito feo que llega tarde al baile, y se encuentra con la más guapa rodeada de toda la atención, una Marvel equilibrada y sobrada de experiencia en la comparación, que no necesita encontrar un estilo propio.

Quizá algo agotada en las batallas, a la franquicia no le queda otra que seguir reinventándose, y recurrir al humor, uno de esos reproches generales que no ha podido obviar, y que ya se encontraba presente en la reciente ‘Aquaman’, algo que queda reafirmado con este nuevo personaje, uno de los pocos que no es completamente desconocido para un servidor, que tuvo la suerte de niño de verle actuar, en aquellas fascinantes aventuras de papel junto a Superman, con el cual comparte bastantes similitudes.

La buena noticia, es que parece que directores como David F. Sandberg, comienzan a ser ajenos a esa absurda lucha entre compañías, dejando a un lado todo rastro de pretenciosidad, en un esfuerzo por hacer un producto entretenido, salpicado de algunos homenajes retro tan de moda, que muestre cierta calidad formal pese a su marcado carácter comercial.

Unos objetivos logrados parcialmente, gracias a un tono inconstante pero vigoroso, que recuerda en cierto sentido, aquella tormenta tan vibrante como dispersa que representaban los primeros títulos DC, pero con un aspecto visual y narrativo más depurado. El peaje a pagar en todo esto es obvio, esa falta de pesimismo y oscuridad que los más acólitos de estos personajes echaran en falta, condenados a un trabajo enfocado, de forma más que evidente, al público infantil y juvenil.

Finalmente, en este reconocible universo hiper vitaminado de los superhéroes, ‘Shazam’ es a la vez tan mema como resultona, su relativa falta de pretensiones, expresada claramente en la sorna con la que Zachary Levy encara el papel protagonista, hará que los mas puritanos se lleven seguramente, y no faltos de razón, las manos a la cabeza. Para el resto, bastará con desconectar el cerebro durante algo más de dos horas, y dejarse llevar por su cuidado imaginario de fantasía.



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4 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Isabelle
Isabelle (2018)
  • 3,2
    26
  • Canadá Rob Heydon
  • Amanda Crew, Adam Brody, Zoë Belkin, Sheila McCarthy, ...
3
Subproducto de terror con olor a rancio.
Vivimos buenos tiempos para el cine de terror, uno de los géneros predilectos del público, el cual ha experimentado un importante auge de un tiempo a esta parte, espoleado por una serie de producciones ganadoras, sujetas en su mayoría a los rigores del cine independiente, el cual aporta cierto grado de serenidad y convicción a las propuestas.

Con bandera canadiense, y dirigida por Rob Heydon, en segunda película como realizador, 'Isabelle' juega a ser la típica película de Terror, que intenta competir en un universo cercano al impuesto recientemente por el malayo James Wan, a través de títulos como 'The Conjuring' o 'Insidious', que no en vano, ya han generado alguna fotocopia mala dentro y fuera de su propio universo.

Intentando huir de la comparación, Heydon asume ese tono independiente, obligado en parte por un presupuesto limitado, y busca desesperadamente una identidad clásica, a través de una historia bastante común, con la tradicional concepción malograda de la joven pareja protagonista, y esa presencia fantasmagórica que los acosa en su entorno familiar.

Sin sorpresas en lo argumental, al film solo le queda recurrir a algún susto genuino, que en parte borren esa sucesión de tópicos del género, en un trabajo que afortunadamente, y esto si es algo positivo a mencionar, solo dura 80 minutos, un standard que este tipo de producciones, que tienen poco o nada que contar, deberían asumir como algo obligatorio.

Finalmente, 'Isabelle' no es pese a todo un film absolutamente despreciable, su falta de pretensiones, y algún destello interesante en lo visual, junto a un formato decente, hacen que en una mínima parte, se disculpen toda esa batería de defectos que la acompañan, provocados por una falta de talento general, que se extiende desde la dirección hasta esos inexpresivos actores de segunda fila, y un desenlace pésimo, despertando un aroma a rancio, que solo los más devotos del cine de terror podrán justificar, una vez haya sido estigmatizada por todos, como un subproducto absolutamente olvidable.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Behind the blue door
Behind the blue door (2016)
  • Polonia Mariusz Palej
  • Dominik Kowalczyk, Ewa Blaszczyk, Magdalena Niec, Michal Zebrowski, ...
5
Interesante y cuidada cinta de fantasía polaca.
El cine europeo tiene una deuda con el género fantástico, demasiado preocupado por lo social, ha olvidado activar esa fabrica de sueños, que suele ser bien acogido generalmente por la masa cinéfila, tal es la escasez de títulos que suele acompañar a tan peculiares universos fílmicos.

El realizador polaco Mariusz Palej, se marca varios retos de dificultad en su debut como realizador, ente ellos, y quizá el más complejo, entregar a un niño el protagonismo de la cinta, apostando claramente por el tono infantil como arco central de su desarrollo narrativo.

La buena noticia es, el enfoque adecuado que Palej imprime a un trabajo nada condescendiente, que camina entre dos mundos, el real, y el de la pura fantasía, escondido este último tras esa puerta azul que da nombre al título, con algún desajuste confuso, pero con las ideas muy claras tanto en la puesta en escena, como en el uso de una fotografía muy cuidada y preciosista, que ayudan bastante a la hora de hacer creíble ese tránsito entre escenarios.

Sorprende mucho, la enorme ambición de los responsables, ante una obra que indiscutiblemente abarca más en lo visual, de lo que realmente puede permitirse por presupuesto, pero que aún así consigue sorprender con algún diseño, en este viaje de tintes oníricos del joven Lukasz a través del dolor por la perdida, y su lucha incansable por revertir una situación profundamente adversa.

Finalmente, 'Behind the Blue Door', es una de esas películas que suelen reconfortar a todos aquellos que disfrutan con el cine de pura fantasía, un género al cual no se suma de forma memorable, entre otras cosas porque le falta ser más valiente en sus conclusiones, demasiado tramposa para obtener una mejor consideración, algo que tampoco borra del todo una serie de hallazgos, que la contemplan como un trabajo interesante y parcialmente recomendable.



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Lost In Apocalypse
Lost In Apocalypse (2018)
  • China Sky Wang
  • Martin Yang, Mingyi Yang, E'Naan Zhang, Ray Wang, ...
4
Sosa y falta de originalidad, no ocupará un lugar destacado en el subgénero Z.
No hace tanto tiempo, era el cine japonés el que competía por hacerse in hueco en el panorama fílmico internacional, pasado un tiempo, fue su vecino surcoreano el que comenzó a dar buenas muestra de su talento, y es justo ahora, en la actualidad, cuando ese dragón dormido que es China, una vez desperezado de su pasado y pesado yugo comunista, y de una forma de hacer películas más bien intimista, comienza a asomar su enorme potencial al resto del mundo.

Con esa clara intención de competir, el realizador Sky Wang modela esa clase de producción, que puede tener un verdadero alcance comercial a nivel planetario, gracias a la mezcla de dos tendencias tan queridas por el público, como son el subgénero de zombies y el cine de acción, un coctel de cierta garantía, que cuando menos, suele proporcionar buenas dosis de entretenimiento.

Basado en un cómic, el film de Wang no es muy consciente del tipo de fantasía que persigue, y la clase de universo que quiere presentar, sumido en ese caos habitual de amenaza constante, y dividido en dos escenarios, de un arranque en el que los infectados se muestran lentos y clásicos, pasamos a los corredores del cine actual, mientras las escenas, con mayor o menor vigor, se suceden sin demasiada sorpresa argumental.

Del reparto, destaca la implicación de un grupo de actores para los que se ha intentado dibujar cierto perfil emocional que resulte creíble, lástima que por estirar en exceso tales historias, se desconecte de una trama principal y de una acción, que sin ser para nada novedosas, al menos consiguen atrapar sin alardes ese mencionado entretenimiento.

Finalmente, cabe señalar que 'Lost in Apocalypse' no es para nada una mala película, su cuidada factura y su esfuerzo por competir con bandera china, juegan a su favor, pese a que su alarmante falta de originalidad, quizá por el miedo al vértigo de su realizador con el material, la aleje de una mejor consideración dentro del aclamado Género Z.



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Ghost Mask: Scar
Ghost Mask: Scar (2018)
  • Corea del Sur Takeshi Sone
  • Yurika Akane, Yuha Lee, Sô Hirosawa, Sayuri Itô, ...
6
La piel que habito.
Existen sótanos oscuros dentro de cualquier universo fílmico, algo a lo que el cine asiático no es ajeno, y menos aún, el cada vez más emergente gigante surcoreano, uno de los territorios más atractivos a los que se puede recurrir en la búsqueda de producciones de calidad.

Con la clara vocación de alejarse de cualquier etiqueta preestablecida, el realizador japonés Takeshi Sone contruye, en su cuarta película tras la cámara, un extraño y sangriento drama de misterio, que se muestra, una vez comienza a hacer comprensible su trama, muy irónico y agresivo con el espectador.

Esa es su mayor virtud, construir un esquema argumental no lineal, que transita con una descarada originalidad por esa feria de complejos emocionales y físicos, que tanto afectan a la sociedad coreana actual, tan obsesionada con la imagen, desde que se ha revelado de forma internacional, la cual expresan a través de infinidad de seriales televisivos, donde muchas de sus estrellas más jóvenes, han recurrido a la cirugía para mejorar su aspecto.

El otro aspecto a tener en cuenta en el film de Sone, es precisamente ridiculizar el tono emocional y sensiblero que sus vecinos suelen imprimir a ese tipo de productos, llevando su parte final al exceso, y provocando un sangriento apocalipsis quirúrgico con sus protagonistas, las cuales se implican bastante con una historia, que requiere un esfuerzo poco convencional.

Para terminar, quizá no serán muchos los que aprecien el nivel de sátira de ‘Ghost Mask- Scar’, su estructura desordenada y su desvarío en las conclusiones, la alejan de una valoración corriente, pero ese es el mejor argumento que esgrime, junto a una duración medida, que apenas supera los 80 minutos, y ese nivel de exigencia que los asiáticos suelen tener con sus películas.



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Trauma
Trauma (2017)
  • 4,0
    100
  • Chile Lucio A. Rojas
  • Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill, ...
2
Subproducto de horror extremo.
Segunda película del chileno Lucio A. Rojas, tras ‘Sendero’, una opera prima que ya declaraba ese gusto por el cine de horror extremo, un subgénero más bien oculto, que pese al poco reconocimiento y recorrido que suele tener a nivel comercial, contiene alguna que otra joya entre sus títulos.

Con un arranque prometedor, que recuerda a los excesos derivados de películas como ‘A Serbian Film’, el film de Rojas se etiqueta como un trabajo que intenta abarcar más de lo que realmente puede, descuidando el aspecto argumental, o un dibujo concreto en los personajes, los cuales se expresan de una forma excesivamente primaria, lo que alimenta cierta confusión en su esquema expositivo.

Parte de esa confusión, queda confirmada una vez se desmadeja la historia, que si bien podía apuntar en origen a algún tipo de crítica social o política, queda finalmente difuminado, sencillamente porque Rojas solo tiene la intención de provocar al respetable, el resto de consideraciones que deben formar a ‘Trauma’ como película, son meramente irrelevantes.

Alguna desconexión en los diálogos, propia del choque cultural con el lenguaje chileno, sobre todo en su aspecto coloquial, unos actores implicados pero igualmente limitados en su capacidad interpretativa, y una conclusión muy por debajo de su arranque, con un filtro nocturno muy poco atractivo, acaban por condenar al film como un subproducto que desperdicia claramente su potencial.

Para terminar, un aviso, este no es un film recomendable para estómagos sensibles, solo los amantes del cine extremo, encontrarán en ella alguna secuencia interesante, pero ni tan siquiera ellos podrán justificarla como un título decente, que bien podría provocar ese trauma al que alude el título, si se acude a ella poco entrenado en esta clase de producciones.



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Nine Meals From Chaos
Nine Meals From Chaos (2018)
  • Argentina Iván Noel
  • Rosana Rossotti, Oscar Mira, Emanuel Renzini, Zoe Osan, ...
4
Cine independiente post apocalíptico a la argentina.
El cine sudamericano independiente, comienza a transitar lugares comunes, que le alejan del clásico retrato social, para embarcarle en géneros más comerciales, que en parte, consigan acercar su voz al panorama internacional.

Con un esquema parecido a la mexicana ‘Cómprame un Revolver’, de reciente estreno, el argentino Iván Noel construye un film post apocalíptico, que al igual que aquella, tiene a los niños como protagonistas de un relato, que según palabras del propio realizador, está parcialmente inspirado en ‘El señor de las moscas’, por esa reconstrucción de valores, que supone entregar a los menores el control de la supervivencia.

De forma absolutista, Noel acapara todas las facetas de la producción, a través de su propio guión original, mientras se encarga de factores técnicos como la música, o la fotografía, escenificando un loable esfuerzo en su octava película como realizador.

Como principal virtud, el trabajo de Noel con los niños es realmente destacable, hablamos de actores menudos con escasa o ninguna preparación, pero de los que siempre se persigue una mirada mas limpia e inocente, algo que la cámara del director consigue capturar en más de un pasaje del film.

Por contra, la sensación de estar ante un trabajo que se podría haber definido como cortometraje, que acusa buena parte de esos largos silencios contemplativos que expone, y que rompe de manera absurda la pared de realidad en su parte final, para estropear lo que hasta entonces, era una interesante y visceral fantasía.

Finalmente, algún que otro hallazgo, como el uso de la voz en off para ir detallando interesantes conceptos antropológicos, o el viaje nómada y primitivo de sus protagonistas, quedan presentes en un film modesto, que quizá vuela demasiado libre para acabar estrellándose contra el suelo, aunque no por ello, haya que considerarla como una obra totalmente despreciable.



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Bruma de otoños grises
Bruma de otoños grises (2017)
  • España Juanfran López
  • Juanfran López, Mabel Cañavate, Neska Arbus, Daniel Bengo, ...
5
Refugiados en el cine indie, esperando un futuro mejor para el cine español.
Que falto está el cine patrio de verdadero talento, ante los ojos del aficionado al celuloide, se suceden un sinfín de títulos cortados por el mismo patrón, fabricados para acaparar subvenciones y trasnochadas promociones, coronadas con esas dichosas galas de postureo, que esconden una triste realidad acomplejada, y es que por desgracia, y pese a quien pese, estamos muy lejos de ser una potencia a nivel internacional en el planeta cine.

Es por eso, que cuando uno encuentra en el terreno independiente, a un realizador con el potencial del granadino Juanfran López, no puede dejar de pensar, con cierta sensación de rabia, que debería ser tipos como él, los que nos defiendan en un futuro próximo en este panorama globalizado, aunque solo sea porque saben aportar una mirada fresca y competente, a un producto por lo general demasiado viciado.

Tras ‘La Leyenda de Zaphomet’, aquel encantador homenaje a ‘Lupin III’ de ínfimo presupuesto, López da un nuevo golpe en la mesa, en su quinta película como realizador, ya no sufre el vértigo del primerizo, aumenta sus recursos y explota la ambición de ir a más, esa que suele definir a los ganadores, para construir una film de género, que transita por el thriller criminal, y ese un tono de oscuridad derivado de un argumento, que tiene el secuestro y asesinato de menores como principal motor de inquietud.

Con el control absoluto del aspecto creativo, el realizador demuestra en todo momento que sabe lo que quiere, y lo ofrece al público de forma explícita, no se esconde tras cortinas de humo, su visión es nítida y su instinto para resolver ciertas situaciones, incluido un final sorpresa muy convincente, resultan ciertamente prometedoras.

Por otro lado, ‘Bruma de Otoños Grises’ dista mucho de ser un film memorable, algunas desconexiones y ciertos puntos muertos, la alejan de tal consideración, la mayoría de interpretaciones amateurs tampoco están a la altura, y seguramente molestaran al espectador medio que no sepa ver más allá, porque ante todo, este es sin duda un film honesto, que consigue un buen equilibrio con sus más pronunciados defectos, gracias a una cuidada y sorprendente factura técnica.

Finalmente, Juanfran López ha construido un trabajo de género entre lo clásico y lo moderno, según palabras textuales, el film evoca al misterio de las novelas de Agatha Christie, el cine de Alfred Hitchcock, y también, y como máxima influencia, al videojuego ‘Heavy Rain’, no en vano, el film transcurre en otoño como bien indica su título, ese es el mérito del realizador, no tiene miedo a experimentar, asumir riesgos en la búsqueda de una identidad propia, afrontar la tarea de guionista en solitario, equivocarse de forma consciente y seguramente, aprender de los errores, todos ellos factores que, justamente, suelen convertir a un cineasta en un verdadero autor.



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Nosotros
Nosotros (2019)
  • 5,9
    7.874
  • Estados Unidos Jordan Peele
  • Lupita Nyong'o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker, ...
6
Terror genuino expuesto a la excentricidad.
Una vez consolida la fórmula ganadora de Blumhouse, adjunta de la Productora Universal para asuntos de Género de Terror y Suspense, queda apuntalar en cierto sentido, parte de ese prestigio logrado en los últimos tiempos, que incluye una inmerecida estatuilla dorada a mejor guión original, pero que igualmente, consolida un triunfo inesperado y merecido, para una división creada hace algo mas de 10 años, de forma más bien modesta, e ideada para generar producciones de bajo presupuesto y gran rentabilidad, que en parte, no empañara ese legado mítico de Monstruos, que su hermana mayor adquirió en la primera mitad del Siglo Pasado.

Precisamente, es el regreso de Jordan Peele, ganador de aquel Oscar con 'Déjame Salir' en 2017, lo que nos ocupa, en su segundo trabajo como director y guionista en solitario, recogiendo los frutos de aquella opera prima, para extender ese conflicto que genera la máxima desconfianza, y una serie de inquietudes genuinas, muy reconocibles para un espectador, que seguramente asumirá con cierto entusiasmo, un juego diseñado para triunfar entre las grandes audiencias, ávidas de esas dichosas palomitas de alto contenido en sal.

Esa es la principal virtud de Peele, hacer comprensibles sus ideas, y saber implicar al respetable, aplicando una notoria habilidad técnica, que consigue capturar el interés con una sucesión de secuencias de impacto muy bien rodadas, convirtiendo en tangible la pesadilla de una familia expuesta al reflejo de su propio espectro negativo, una idea que, como ha reconocido el realizador, se inspira en un episodio de la serie 'La Dimensión Desconocida', titulado 'Mirror Image', y a un 'Alfred Hitchcock Presenta' llamado 'The Case of Mr. Pelham', influencias que demuestran su carácter cinéfilo y su deuda con la pequeña pantalla.

La normalización del asunto racial, es otro de los factores positivos del enfoque de Peele, al igual que su anterior trabajo, no hace un discurso directo del problema, e incluso extiende su crítica a la sociedad actual, sin tener en cuenta el color de la piel, eso si, entregando al protagonismo a una genuina familia afroamericana, capitaneada por una siempre impecable Lupita Nyong'o, estrella de un reparto que cumple con la difícil tarea de duplicar su interpretación.

Por contra, hay que reprochar el uso de un humor excéntrico, que en este caso no estropea la parte final como en su anterior trabajo, pero si desconecta de sus mejores virtudes a un film, que igualmente deja en su recorrido algunos cabos sueltos, sujetos a una causa que posiblemente, y con mayor o menor acierto, desfallece un poco al intentar abarcar demasiados temas en su argumento.

Finalmente, y con solo dos películas y algún trabajo para tv, a Jordan Peele habrá que seguirle la pista, su gusto por las formas sencillas, su capacidad para conectar con el público, y su talento visual, unidos a una absoluta falta de pretenciosidad, le convierten en un valor en alza, por mucho que 'Nosotros' se encuentre en las antípodas de lo memorable, se aprecia su esfuerzo por buscar el horror en su estado más elemental, un factor que pese a la ambigüedad de muchos de sus pasajes, consigue quedar aislado de forma convincente en más de una escena, haciendo al menos de su propuesta, un título relativamente sugerente.


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Mula
Mula (2018)
  • 6,7
    11.358
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Clint Eastwood, Bradley Cooper, Dianne Wiest, Michael Peña, ...
6
Clint Eastwood, leyenda viva del Séptimo Arte, firma su posible testamento como actor.
Con la palpable sensación, de estar ante los estertores fílmicos del último clásico vivo del cine norteamericano en activo, resulta bastante justo echar la vista atrás, y recapitular sobre los algo más de 60 años de la carrera de Clint Eastwood como actor y director, uno de los autores más reconocibles y comprometidos con la máxima calidad, dentro de la cinematografía contemporánea.

No son pocas las obras maestras dentro de una filmografía tan extensa, que contiene igualmente algún altibajo, pero que siempre se contempla con satisfacción, gracias al enorme oficio de Eastwood, para evocar ciertos lugares comunes en el subconsciente cinéfilo, lo cual intensifica dotando de un convincente tono dramático, y cierta incorrección política a su trabajo.

Basada en hechos reales, 'Mula' recorre parte la geografía norteamericana, suscrita a ese género de carretera que tan buenos resultados suele ofrecer en pantalla, basada en hechos reales, se presenta como un vehículo cómodo y manejable para el veterano realizador, que sobre su base, se permite añadir asuntos como la vejez o la familia, asumiendo el protagonismo del film, y haciendo incluso un esfuerzo autocrítico, que yuxtapone a la parte criminal de la historia, bastante menor en intensidad e interés, pero igualmente resuelta con alguna dosis de tensión genuina.

Como factor determinante, Eastwood saborea el film como un sorbo largo de whisky añejo, envejecido a fuego lento, despertando ese gusto por las formas sencillas, las historias cercanas, que conectan con el público, a través de personajes que se expresan con naturalidad y credibilidad, también porque sabe rodearse de actores talentosos e implicados, como es el caso de un Bradley Cooper cada vez más en alza, que acepta aquí el rol secundario, junto a veteranos siempre cumplidores como Dianne Wiest o Lawrence Fishburne.

Finalmente, y cerca ya de las 90 primaveras (cumple 89 años en mayo), Clint Eastwood, 'El Serio', como le llamaba mi mamá, es una de esas presencias capaces de justificar cualquier defecto de forma, se puede afirmar con garantías, que 'Mula' no uno de esos títulos memorables que acompañan la estrella del realizador, pero solo pensar que seguramente, podemos estar ante su último trabajo como actor, ya debería ser motivo suficiente para disfrutar tan celebrado encuentro, asomados a las puertas de eternizar pronto y definitivamente su imagen, como incuestionable leyenda del celuloide.


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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Capitana Marvel
Capitana Marvel (2019)
  • 6,1
    14.683
  • Estados Unidos Anna Boden, Ryan Fleck
  • Brie Larson, Samuel L. Jackson, Jude Law, Ben Mendelsohn, ...
5
Crítica a 'Capitana Marvel': Entre #MeToo y el puro negocio, (posiblemente sean lo mismo) y no por casualidad, un 8 de Marzo.
Con Marvel ya no sabe uno si fue antes el huevo o la gallina, sencillamente porque eso de destriparla para encontrarle las entrañas llenas de oro, ha desencadenado una explosión tan incontrolada de su universo, que ya resulta imposible abarcar mentalmente, todo lo vivido en algo más de una década.

Con toda seguridad, esta Capitana surge en un momento idóneo, al menos para ciertos temas extra cinematográficos, tales como la defensa a ultranza de ese a veces desquiciado movimiento #MeToo hollywoodiense, que amenaza con barrer de un plumazo cualquier tipo de incorrección que le venga en gana, incluso juzgando asuntos ya archivados, que privan al Séptimo Arte de presencias tan necesarias como la del maestro Woody Allen, que para los que no lo sepan, fue declarado inocente de tales asuntos hace casi treinta años.

En la búsqueda del máximo beneficio, Marvel sigue esa corriente, un 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer, para traernos al último personaje definitivo para su trama, bien plagada ya de todas las presencias heroicas posibles, (también es cierto que con mayoría masculina) algo que no le supone un problema, a la hora de encajar en su lujoso mecanismo otro rostro supuestamente indispensable, con vistas a ese fin de ciclo que supondrá esa nueva y muy próxima entrega de Vengadores.

A los mandos dos realizadores, Anna Boden y Ryan Fleck, que también ejercen labores como guionistas, responsables de dar forma a una idea ciertamente revolucionaria, que pretende iniciar una nueva vía en tan reconocible universo, ambientando su trama en la década de los 90, (los nuevos 80) con mas tesón que capacidad, todo hay que decirlo, y un sentido del humor excesivamente básico, pero que sabe recurrir hábilmente, cuando la cosa decae y se asoma al precipicio, a ese habitual equilibrio que suele portar el sello Marvel, muy rico y comprometido en ofrecer siempre la máxima calidad visual, así como un meridiano y sano entretenimiento.

En el reparto, la oscarizada Brie Larson, se enfunda de forma adecuada, las mallas de este híbrido entre los gestos de Supermán, y las formas del icónico Capitán América, del cual parece tomar cierto relevo, bien acompañada por secundarios de la talla de Jude Law, o Samuel L. Jackson, siempre cumplidores en sus respectivos roles, y dando alguna replica interesante al máximo protagonismo de la actriz.

Menos afortunada ha estado Larson con sus declaraciones previas al estreno del film, lo que nos devuelve a esa realidad incuestionable que dice, que todo exceso no hace sino debilitar cualquier idea o movimiento al que se suscribe, algo que por otra parte, no debe afectar al recorrido ni a la calidad de la cinta.

Finalmente, y polémicas aparte, Capitana Marvel no se erige como un título fundamental dentro de tan particular universo, pese a los habituales destellos de talento visual mencionados, y a ese meridiano entretenimiento que ofrece, se muestra algo falta de energía en algunos momentos, seguramente por ese recorrido a marchas forzadas de un producto, que pese a las mejores intenciones, no siempre puede acertar plenamente en la diana.



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13 de 35 usuarios han encontrado esta crítica útil
Escape Room
Escape Room (2019)
  • 5,5
    3.123
  • Estados Unidos Adam Robitel
  • Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, ...
3
Subproducto cuyo único ‘Destino Final’ es reventar la taquilla.
No falla, si está de actualidad, Hollywood acude raudo a la llamada de cualquier idea que aún no haya expropiado, por mucho que acabe bajo una serie de filtros, o lugares comunes que el engranaje de La Meca del Cine es incapaz de esconder, y aunque solo sea porque al final debe lucir bonito, y todo lo barato que sea posible, factores claves en este nuevo renacer del género de Terror y Suspense.

Hablando de presupuestos, Sony se sube al carro de la Blumhouse para competir, con apenas 9 millones de dólares, con un trabajo tan evidente como su propio título indica, en el que seis desconocidos se ven atrapados en una puñado de habitaciones, donde tendrán que cooperar y resolver una serie de enigmas contrarreloj, si quieren sobrevivir a tan extrema experiencia.

Nada nuevo, al menos que no haya sido explotado en otras franquicias como ‘Saw’, y lo peor, si contuviera algunas dosis de gore, o alguna mayor cantidad de mala uva como aquella, quizás se las habría arreglado para distraer un tanto, la gran cantidad de defectos de los que hace gala, y que la acerca a ese tipo subproductos como ‘Destino Final’, a la que une una vocación muy parecida.

Todo esto funcionaba mejor bajo la protección de la Serie B genuina, títulos como ‘Cube’ (1997) de Vincenzo Natali, si conseguían atrapar al espectador en su inquietante imaginario, transmitiendo tensión y claustrofobia a partes iguales, lo cual convertía su ingenioso y macabro planteamiento, a una experiencia tan tensa como satisfactoria.

Personajes planos, una trama lineal y previsible, su director Adam Robitel asume tareas de narrador trasnochado, incapaz de ocultar un arranque prometedor, que se torna como un involuntario y lamentable auto spoiler, dada la incapacidad manifiesta de su principal responsable, para retorcer las historia más allá de lo convencional.

No sirve ni como crítica a ese poder oculto superior que mueve los hilos, hasta en eso es descuidado y confuso su esbozo, solo alguna línea de tensión puntual, consigue distraer por un instante la realidad de estar ante un film de escasa calidad, algo a lo que tampoco ayudan unos actores de saldo poco motivados, escogidos según el canon racial requerido, bastante habitual por otra parte en este tipo de producciones.

Finalmente, y con la seguridad de estar ante un título que pronto generará secuelas, hasta convertirse en una posible saga, que acabe por eternizar un producto destinado a satisfacer a esa horda de espectadores ruidosos y puñeteros, que no busquen algo más que un sobresalto genuino, mientras hunden despreocupados su brazo en el cubo de palomitas rancias, la recomendación es para esa minoría cinéfila que aún conserve una pizca de buen gusto, para que no se acerque a las inmediaciones de este Escape Room, si no quiere quedar atrapada en su indolente y banal fantasía.



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7 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Podrás perdonarme algún día?
¿Podrás perdonarme algún día? (2018)
  • 6,6
    2.462
  • Estados Unidos Marielle Heller
  • Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Julie Ann Emery, Jane Curtin, ...
7
Convincente ensayo sobre la precariedad en el ámbito literario.
En esa estrecha relación que une al cine con la literatura, tan antigua casi, como la propia concepción del Séptimo Arte, surgen a veces películas que consiguen capturar ese requerido espíritu de sofisticación, que suele acompañar a tan celebrado encuentro.

Basada en la memorias de Lee Israel, ‘¿Podrás perdonarme algún día? retrocede a principios de la década de los 90, para dar la vuelta al género del biopic, desmontando con mucho humor negro, y no pocas dosis de mala uva, la peculiar amistad que surge entre la inaccesible señora Israel, una escritora en horas bajas, y Jack Hock, todo un vividor, que aparece para encajar como un guante, en el degradado universo de la autora.

Como principal atractivo, el film recoge el máximo triunfo de su pareja protagonista, Melissa McCarthy, y el veterano Richard E. Grant, dos currantes del medio, entregados casi siempre a trabajos menores, que asumen dos papeles para su perfecto lucimiento, dejando entrever un nivel notable de talento, que hasta ahora había quedado básicamente ensombrecido por infinidad de productos de escasa calidad.

Tras la cámara, la realizadora Marielle Heller convierte la ciudad de Nueva York, en un bullicioso testigo mudo de los acontecimientos, recurre habitualmente al jazz como fondo musical, acercándose a ese retrato siempre prodigioso, que el maestro Woody Allen suele hacer de su querida Gran Manzana, un estilo que aporta equilibrio a las diferentes notas que confluyen en un trabajo que, salvo por algún bache puntual en su desarrollo, se configura sobrado de interés y encanto cinéfilo.

Otra de las grandes virtudes del film, es la de normalizar aspectos como el sida o la homosexualidad, factores que aplica de forma natural y acompasada al desarrollo de la historia, sin excesos ni clichés expositivos, lo cual, es un momento en el que parecen ser temas, a los que haya que recurrir casi de forma obligada para llamar la atención, es muy de agradecer.

Finalmente, y con la sensación de estar ante el tipo de obra honesta que Hollywood necesita, cabe recomendar este cuidado ensayo sobre la precariedad en el ámbito literario, como una de las producciones más convincentes del año, su buen gusto para huir de lo convencional, unido a cierta vocación crítica, capaz de menospreciar a fabricantes de best sellers como Tom Clancy, por aquello del temible bloqueo creativo, hará las delicias de todos aquellos espectadores aburridos de tanto exceso de productos manufacturados.



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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Green Book
Green Book (2018)
  • 7,6
    22.370
  • Estados Unidos Peter Farrelly
  • Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, ...
6
Paseando a Don Shirley con elegancia, sin pisar el acelerador.
Vivimos tiempos de excesiva corrección, son tantos los altavoces que promueven los diferentes movimientos que reivindican esto y aquello, que Hollywood, en su infinita hipocresía, siempre toma la iniciativa para ponerse en cabeza de carrera, a la hora de defender cualquier moda o tendencia que este de plena actualidad.

No se trata de deslegitimar causas tan nobles como el feminismo o el black power, que indudablemente, merecen ese derecho a la igualdad, tras innumerable tiempo chupando rueda, el conflicto en El Séptimo Arte, surge cuando todo esto afecta a la libertad creativa de la mayoría de producciones, demasiado tendentes a mostrarse cansinas o repetitivas, dando vueltas en círculo sobre ideas en exceso sobreexplotadas.

Basada en hechos reales, la primera sorpresa que ‘Green Book’ plantea, al menos a nivel cinéfilo, es la presencia de Peter Farrelly, el mayor de los famosos Hermanos Farrelly, en tareas como guionista y realizador en solitario, por primera vez en su carrera, y bastante alejado del tono gamberro y desenfadado, que acompañaba su particular filmografía hasta la fecha.

La historia de Don Shirley, un elegante y diestro pianista de color, del que Igor Stravinsky llegó a decir que su virtuosismo era digno de los dioses, y su curiosa relación con Tony Vallelonga, chofer de origen italiano y formas de barrio poco ortodoxas, es conducida por el subgénero de carretera, con un aspecto tan cálido y confortable, como el que proporciona la imagen de ese Cadillac DeVille azul celeste, transitando por las geografía norteamericana de principios de los años 60 del Siglo Pasado.

Un paseo de velocidad controlada, que huye consciente de los conflictos que podría generar ese libro verde, que da nombre al título, sin desarrollar de forma pronunciada los factores raciales o de carácter sexual, que harían del film un drama solido, más preocupado por capturar ese aroma clásico, que incluye cierto tono nostálgico, e incluso autobiográfico por parte de Farrelly, respecto a lo que suponía pertenecer entonces a la comunidad italoamericana.

Pese a la contraindicaciones, cabe destacar que el principal valor del film reside en su capacidad para cohabitar en una época en la que las películas se presentan todas técnicamente impecables, e incluso deslumbrantes, pero faltas de entusiasmo, algo que sus responsables han sabido resolver, ingeniándoselas para despertar algún que otro sentimiento genuino, gracias sobre todo al enorme trabajo de su duo protagonista, unos Viggo Mortensen y Mahershala Ali en estado de gracia, absolutamente implicados en dar vida a sus respectivos personajes, mas allá del típico dibujo convencional.

Finalmente, esta revisión a la inversa de ‘Paseando a Miss Daisy’, funciona como una road movie plena de esa corrección mencionada, algo que la aleja bastante de lo memorable, pero que gracias al trabajo de sus actores, y a saber tocar con cierta habilidad algunos resortes emotivos, cercanos a cierto costumbrismo familiar, se las arregla para convertir su travesía en algo cómodo y relativamente placentero.



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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Glass (Cristal)
Glass (Cristal) (2019)
  • 6,4
    13.363
  • Estados Unidos M. Night Shyamalan
  • James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson, ...
6
The True Marvel
En un aspecto más lírico, la definición de entusiasmo, se puede resumir como 'La exaltación del ánimo bajo la inspiración divina'.

Parece mentira que hayan pasado 20 años, el tiempo justo que hace que M. Night Shyamalan se convertía, por obra y gracia de un par de taquillazos, en uno de los directores estrella en el panorama fílmico internacional. El aquel momento, 'El Sexto Sentido' parecía, gracias a lo hábil de su planteamiento, y a conectar bastante mejor con el público gracias a su estrecha relación con el género de terror, bastante superior a su segunda obra, 'El Protegido', un trabajo que con el tiempo, se ha ido ganando por derecho propio, esa etiqueta de culto que distingue a las cuidadas piezas de artesanía, talladas para que el ojo clínico del buen cinéfilo, sepa distinguir la cantidad de hallazgos que residen a lo largo de su metraje.

Rescatado a tiempo por la Blumhouse, división de la productora Universal para coquetos productos de terror y fantasía, el realizador de origen hindú puso en marcha la segunda parte de su plan, dejando boquiabiertos con 'Múltiple', a todos aquellos que soñábamos con saber algo más de tan particular universo, y justificando cualquier exceso en la forma de un film, que evidentemente, requería de una continuación que reuniera a todos los personajes en un mismo escenario.

Todo comenzó en unos grandes almacenes de Philadelphia, en 1961, porque si cada uno tuvo su película, del protegido al múltiple, Don Cristal merece cerrar la trilogía, y ésta quedar sujeta a los desvaríos del super cerebro del villano, bien acompañado por el otro villano soldado, y ese héroe que intenta por todos los medios ponerle freno al caos. Este es sin duda el mayor elogio que se puede hacer a todo este material, que adapta, gracias al talento de Shyamalan, las viñetas de un cómic en algo tangible, expuesto con enorme virtuosismo visual y narrativo, al mayor prisma de realidad posible.

Otro de los aciertos de 'Glass', ha sido el saber desmarcarse de todas esas ideas que bullían en nuestro cerebro, tras haber puesto en marcha la imaginación con el final de 'Múltiple', la pega es que ha sacrificado parte de la epicidad que nutría a sus hermanas mayores, tenemos por ejemplo un buen final, sobrado y suficiente, pero no a la altura apabullante de lo que aquellas ofrecían, en parte, debido a que porta un tono más cercano a lo sombrío que a lo impetuoso, por mucho que contenga, como por otra parte era de esperar, alguna que otra escena sobrada de pura energía.

Esa visión algo oscura y deprimente, es en la que quizá, y dado ese mencionado carácter de realidad que Shyamalan persigue desde el origen, se forjan los mitos y leyendas, lo que nos lleva a ese punto que dice, que solo cuando tocamos fondo, podemos verdaderamente recuperar la fe, o como bien dijo Elijah Price en su momento, vivimos tiempos mediocres, y algunos comienzan a perder la esperanza, algo que permite en última instancia al film, mostrar un discurso consecuente con el turbio momento social y político que vivimos actualmente.

Imposible pasar por alto, el grado de implicación de un trio protagonista idealizado por méritos propios, en el que James McAvoy se vuelve a dejar la piel en la consecución de sus múltiples personajes, mostrando algunos que se quedaron en el tintero, y recibiendo la perfecta replica de unos Samuel L. Jackson y Bruce Willis algo envejecidos, pero siempre solventes y prestos a disfrutar nuevamente, de unos trajes hechos a su medida.

Finalmente, y echando algo de menos el concurso de un James Newton Howard ausente de la banda sonora, por motivos de presupuesto, y cuyo trabajo solo resuena en momentos puntuales, cabe señalar, recuperando la definición de entusiasmo, que seguramente estemos ante el fragmento más débil de toda la trilogía, pero eso no quita que podamos encontrar, gracias al enorme potencial del que puede presumir este universo, de esa exaltación del ánimo bajo la incontestable inspiración de su realizador, un Shyamalan autocrítico y consciente de sus errores, al que muchos intentaron denostar, pero que como todo buen cinéfilo debería saber, respira consciente como autor bajo la sombra de lo relevante.



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2 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La favorita
La favorita (2018)
  • 7,2
    15.935
  • Reino Unido Yorgos Lanthimos
  • Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, ...
8
Yorgos Lanthimos juega a las damas con exquisita perversidad.
A lo largo de la historia del Séptimo Arte, han surgido, en sus diferentes épocas, una serie de realizadores distinguidos por esa extraña habilidad para provocar al respetable, algo que irremediablemente genera esa habitual división de opiniones, tan capaz de acaparar el mismo nivel de de alabanzas, como el más absoluto torrente de desprecios.

En un proceso continuo de perfeccionamiento Kubrickiano, que comenzó como un leve apunte, por los pasillos de aquel hotel de 'Langosta' (2015), y continuó de forma mas evidente en la disección quirúrgica de 'El Asesinato de un Ciervo Sagrado' (2017), el griego Yorgos Lanthimos sube unos cuantos peldaños más en esa dirección, para acercarse a las formas de 'Barry Lyndon' (1975), posiblemente, la obra más completa de tan legendario autor.

Al igual que el maestro Kubrick hiciera entonces, Lanthimos se aleja de lo convencional, para dibujar un film de época diferente, a partir de un guión, que por primera vez en tan breve pero intensa carrera, no lleva su rúbrica, pero que encaja como un guante en su particular universo creativo, tan propenso a lo ambiguo.

Un trabajo de marcado carácter femenino, en el que el poder absoluto reside en la fuerza de su impecable trío protagonista, el cual encabeza la Reina Anna de Gran Bretaña (principios del S.XVIII), una monarca frágil y antojadiza que deposita su confianza en Sarah, la Duquesa de Malborough, hasta que la llegada de su prima, Abigail, pone en peligro la estabilidad de dicho vínculo.

Alejado totalmente de cualquier retrato histórico fidedigno, 'La Favorita' plantea un tablero de juego propio, en el que Lanthimos, se permite jugar a las damas con esa libertad perversa que suelen expresar los autores comprometidos, indagando en nuevas formas de provocación, perpetradas bajo el influjo que alberga un escenario clásico, ambientado de forma hermética para servir a la causa.

En el aspecto técnico, casi tan importante o más que la propia historia, la búsqueda por la perfección formal, es para el realizador heleno perseguir largas figuras en grandes espacios, o recurrir a la yuxtaposición de lentes angulares con planos cercanos, lo que provoca cierto grado de distorsión visual, ideal para someter al espectador de un modo brillante, despertando esa sensación inmersiva de estar atrapado, junto a los personajes, en el interior de grandes y fastuosos escenarios.

Otra de las cimas que la cinta ofrece, proviene de un reparto adecuadamente escogido y absolutamente implicado, en el que la reina Olivia Colman, consigue expresar con mayúsculas ese inagotable talento que portan los actores británicos, dando vida de forma envidiable a un ser débil, caprichoso, y fácilmente manipulable, que encuentra la perfecta réplica en su compatriota Rachel Weisz, siempre solvente, y de la única americana en la corte, Emma Stone, impagable para exprimir esa belleza feroz y profundamente turbadora de la que la intérprete hace gala.

Finalmente, Yorgos Lanthimos, unos de los más destacados renovadores del Cine Europeo actual, ha esculpido su obra más accesible hasta la fecha, cierto que no faltan en ella una serie de excentricidades marca de la casa, que por otra parte, consiguen apuntalar su carácter como autor original e impredecible, pero resulta indudable que el cambio de aires hacia un concepto más clásico, le ha venido de perlas para depurar ese estilo demasiado explícito, que lastra en parte la capacidad de sus anteriores trabajos, algo que en 'La Favorita', queda alejado por suerte en favor de un mayor grado de exquisita solemnidad.


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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El vicio del poder
El vicio del poder (2018)
  • 6,9
    8.405
  • Estados Unidos Adam McKay
  • Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, ...
6
Adam McKay dobla su apuesta.
Vivimos tiempos políticos muy convulsos, el auge de los partidos de ideología extrema a nivel planetario, que amenaza en algún discurso catastrofista, con devolvernos a la edad de piedra, parece haber despertado la conciencia de todos aquellos, que pretenden indagar en que momento pusimos en peligro nuestra libertad y nuestros valores, en favor de una seguridad impuesta por el miedo.

El norteamericano Adam McKay, se erige en ese punto, como un cronista algo esquizofrénico del reciente momento político y social que atraviesa Estados Unidos, tras diseccionar con acierto, la crisis financiera global provocada por las hipotecas basura, en 'La Gran Apuesta' (2015), un trabajo que asumía un texto muy complejo, repleto de tecnicismos, que sus responsables intentaban hacer comprensible, a través de una serie de apariciones estelares a modo explicativo.

Con la misma intención de transformar el biopic en algo bastante más dinámico, el realizador dobla su apuesta, para contarnos la vida y milagros de Dick Cheney, una de las personalidades más opacas e inaccesibles de la reciente historia política de su país, el cual alcanzó el poder absoluto, desde un supuesto segundo plano como vicepresidente, bajo el mandato de George W. Bush.

Con un estilo que recuerda bastante a lo que ya hizo Michael Moore, en ese prestigioso e impagable documental llamado 'Fahrenheit 9/11' (2004), el film de McKay avisa desde el inicio que estamos ante una historia real, a lo que se añade, que dada la falta de información sobre el personaje, han tenido que currárselo, según palabras textuales, como auténticos cabrones.

Insertando una serie de rótulos, mientras recurre a congelar la imagen y dar paso a un narrador bastante omnipresente, al que da vida el televisivo Jesse Plemons, el cual asume un misterioso protagonismo en bastante pasajes del film, este Vicio del Poder se queda a medio camino entre el relato biográfico y la mera denuncia política, a veces se posiciona de modo panfletario o se reduce a lo meramente conspiranoico, y no es porque lo que este contando no sea verdad, sencillamente, al no medir bien las cantidades de su excentricidad, se torna frívolo y falto de consistencia.

Pese a ello, también cabe destacar algunos aciertos en su narrativa, que a veces consigue encontrar algunos destellos, en base a esa manipulación legal de la que hacen gala los políticos más desaprensivos, capaces de retorcer la realidad, o valerse de mecanismos tales como la creación de un canal de noticias al servicio de sus intereses, en un todo vale totalmente ausente de valores y escrúpulos.

La Biblia de nuestra generación, 'Los Simpsons', que quizá y no por casualidad emite la Cadena FOX, ya avisaban del peligro, en un capitulo en el que el director Skinner robaba material en un colegio privado, al ser cuestionado por Lisa a tal efecto, este le respondía 'Brrr...Bienvenida al país de Dick Cheney', un detalle que no favorece el concepto que tienen gran parte sus compatriotas, respecto a la figura de tan opulenta y destacada águila republicana.

Del reparto, destacar el póker de ases que componen talentos tan contrastados como los de Sam Rockwell, que da vida de forma impecable, - con el reciente Oscar aún caliente bajo su brazo - a un George W. Bush que como muchos sospechábamos, podría aspirar al título del presidente más inepto que jamás haya pisado La Casa Blanca. Igualmente, y desde el plano secundario, la siempre impagable presencia de Steve Carell, - que ya trabajo previamente con McKay en aquella apuesta - dando vida a otro mezquino de la talla de Donald Rumsfeld, y el buen hacer de Amy Adams como abnegada señora Cheney, componen uno de los motivos más poderosos sobre los que poder recomendar el film.

Mención aparte merece el verdadero rey de la función, un Christian Bale que también repite con el realizador, y que comienza a agotar ya los calificativos, en un continuo exceso camaleónico que le ha llevado de nuevo a engordar varios kilos para enfundarse el físico y las formas de Dick Cheney, al que fotocopia de manera apabullante, en un esfuerzo que de momento le ha valido el Globo de Oro como mejor actor, el cual, y muy sorprendentemente, agradeció a Satanás, por haberle inspirado a la hora de afrontar el papel, algo que engrandece aun más su figura como actor.

Finalmente, es bastante probable que este Vicio del Poder no alcance el status que sus productores, entre los que se encuentra un Brad Pitt también responsable de la mencionada apuesta, habrían soñado para el film, un trabajo que intenta abarcar demasiado y ser excesivamente condescendiente con un público, que hasta cierto punto puede agradecer ese esfuerzo por intentar hacer amenos los detalles más densos de su historia, pero que igualmente, debe asumir esa desconexión con una serie de factores, que normalmente, y una vez se hayan bien ensamblados desde un punto de vista bastante más formal, suelen hacer memorable a cualquier producción.



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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil