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Críticas de Cromatico
Críticas ordenadas por:
Siempre es domingo
Siempre es domingo (1961)
  • España Fernando Palacios
  • María Mahor, Pepe Rubio, Mara Cruz, Carlos Larrañaga, ...
6
Sencillez narrativa y tono optimista para una cinta simpática
Uno de los grandes éxitos del pasado cinematográfico español fue esta visión dulzona y convencional de la juventud española de la época que presenta una trama previsible del todo con un enfoque distinto del que después ofrecerían films como "Bochorno" o "Nuevas amistades" que trataron el mismo tema en España con mayores pretensiones. En "Siempre es domingo" todo tiene solución y este tono de candidez constante sólo se compensa con una dosis de crítica social que hay representada por el personaje de María Luisa Merlo que interpreta a una chica pobre que consigue codearse con unos amigos de alta posición social mediante un truco para luego tener que llorar por lo que ha hecho. La muy veterana actriz tuvo una carrera intermitente en el cine interviniendo en no muchas películas más y se prodigó mucho más en teatro y televisión al igual que Carlos Larrañaga que fue su marido y que al intervenir en esta película ya estaba firmemente impuesto en el cine español gracias a sus brillantes creaciones en "Un vaso de whisky" y "A sangre fria". Junto a ellos encontramos a un selecto ramillete de populares figuras del cine español que dan sentido a la visión de un film modesto pero que genera cierta simpatía en el espectador que no acepta las indecorosas visiones que sobre la juventud española ofrece el cine español de los últimos años. Es un producto descafeinado pero al mismo tiempo revela verosimilitud en algunas situaciones y una sencillez narrativa que puede agradar.
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Vota a Gundisalvo
Vota a Gundisalvo (1977)
  • 4,2
    106
  • España Pedro Lazaga
  • Antonio Ferrandis, Emilio Gutierrez Caba, Laly Soldevilla, Silvia Tortosa, ...
6
Film situado en una época de nuestra historia ya bastante lejana
Una película interpretada por Silvia Tortosa poco antes de empezar a presentar el mítico programa de TVE "Aplauso" que se mantuvo bastante tiempo en las pantallas con un extraordinario éxito. Las escenas de destape y la vulgaridad de algunos diálogos restan interés a esta propuesta de película divertida. Por lo demás la película contiene esas cualidades que han convertido a Lazaga en un personaje mítico dentro de la historia del cine español. Se situa ya en los últimos momentos de su carrera y supone su última reunión profesional con el productor José Luis Dibildos. Siempre que se reunian en una película los nombres de Lazaga y Dibildos salian productos muy aceptables y aunque de esos productos es "Vota a Gundisalvo" el menos elegante de todos el film guarda todavía algunos alicientes. El film es un producto típico de su momento que ofrece una estampa relativamente amable de la España de entonces y por partida doble ya que el tema es la política tomada a broma. Por eso tiene un cierto valor como documento. Dentro del nefasto panorama ofrecido por el cine español en general durante esta época esta película destaca discretamente y además Laly Soldevila animó con gracia y personalidad el desarrollo de la obra. Antonio Ferrandis ya había intervenido en varios films de Lazaga anteriormente en papeles secundarios y aquí por fin accedió al protagonismo. Y narrativamente la película mantiene el tipo aunque el tono resulte desangelado en algunos momentos.
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Noche de vino tinto
Noche de vino tinto (1966)
  • 6,3
    152
  • España José María Nunes
  • Serena Vergano, Enrique Irazoqui, Annie Settimo, Rafael Arcos
5
Película curiosa para minorías aunque hermética y apagada
Se trata de una película minoritaria que a causa de sus características esenciales sólo podrá ser soportada sin aburrirse por un reducido círculo de espectadores. El planteamiento de una historia intimista con la noche y una joven pareja como protagonistas era prometedor pero ese planteamiento se pierde en medio de unos diálogos con poco sentido, unos experimentos visuales molestos y un escaso sentido del ritmo cinematográfico que hacen que la película vaya perdiendo fuerza progresivamente. Además es una película fría y distante. Tiene los defectos de la denominada "Escuela de Barcelona" pero no es de las peores muestras de dicho movimiento ya que es una de las tres obras en las que se pueden encontrar algunos valores del curioso movimiento artístico. Las otras dos obras de la "Escuela de Barcelona" que presentaban algún interés son "Fata Morgana" y "Dante no es únicamente severo" las cuales junto con esta "Noche de vino tinto" representan aquellas obras que juntan los defectos con las virtudes derivadas de unos planteamientos a contracorriente de lo que el cine español filmado durante el franquismo solia plantear para atraer al espectador. Nunes fue capaz de hacer el cine que quería en unas circunstancias no muy favorables a pesar de que en pleno franquismo no escasearon los experimentos raros como este en el cine español. En "Noche de vino tinto" se observa una iluminación pretenciosa y una atmósfera irregular con la que no se aprovecha del todo el interés estético que en principio podía tener la idea argumental. Claramente no deja un buen sabor de boca aunque tenga algún momento sugestivo.
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La reina del Tabarín
La reina del Tabarín (1960)
  • 5,3
    44
  • España Jesús Franco
  • Mikaela, Yves Massard, Dora Doll, Danielle Godet, ...
7
Un argumento convencional abordado de una manera sorprendentemente novedosa
La verdad es que Jesús Franco consigue darle un sabor especial a esta película de época y moviéndose dentro de una línea más convencional de la que luego fue habitual en su ancha filmografía logra una de sus pocas obras que pueden ser asumidas por parte del gran público. Tras un comienzo no demasiado vigoroso la película empieza a ganar entonación y la mezcla de convencionalismos y novedades en la forma de abordar el género musical dan lugar a un resultado digno que no deja indiferente. Por ello el film tuvo un cierto éxito que dió pie a que la cantante Mikaela tuviera una carrera cinematográfica que se tradujo en varios films más como algún western y algún que otro film de espionaje europeo y empezando con una nueva colaboración con Jesús Franco en "Vampiresas 1930" en la que el tono general era diferente al que presentaba "La reina del Tabarín". Acompañando a Mikaela están Yves Massard quien bordase su inolvidable papel en "Calle Mayor" y Danielle Godet cuya incursión más notable en el cine español fue "Autopsia de un criminal" y que demuestra en la película una finura verdaderamente especial. En resumen es este film musical una muestra de las varias que pueden encontrarse en los años 60 de que este realizador estaba capacitado para hacer un cine mucho más interesante del que realizó a partir de la llegada de los años 70 que en líneas generales fue de un interés nulo. La validez de los actores secundarios, la adecuación de Mikaela y Massard para protagonizar el proyecto y una ambientación acertada dan pie a un muy aceptable resultado.
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Armas para el caribe
Armas para el caribe (1965)
  • 6,0
    60
  • Francia Claude Sautet
  • Lino Ventura, Sylva Koscina, Alberto de Mendoza, Leo Gordon, ...
6
El ambiente donde se desarrollan las peripecias mantiene relativamente atento al espectador
El encanto de las coproducciones europeas en las que participaba Ágata Films durante los años 60 se mantiene aquí pero en menor proporción que en otros casos al caer en una cierta monotonía ambiental y narrativa una vez transcurrida justamente la primera mitad. Hay unos planos breves en los que el viento parece agitarlo todo en distintos puntos de la sugestiva zona geográfica elegida y una oportuna valoración estética de ese mar donde transcurren la mayor parte de las peripecias. Aparecen automóviles de refinado diseño y los planos marítimos que hay cuando los personajes principales hacen un recorrido en helicóptero tienen la capacidad de mantener la atención pero en la segunda mitad el relato se hace casi de tono intimista sin asimilar ya bien la esencia del género de aventuras y convirtiéndolo todo en un híbrido relativamente incómodo. Va perdiendo vigor a medida que avanza pero esa fotografía fina que tiene sostiene a ratos un producto para el que se reunieron dos figuras casi míticas en la cinematografía francesa a la que aportaron grandes éxitos como fueron el director Sautet y el actor Ventura. Sylva Koscina resulta bastante aceptable en su papel y de la parte española se puede destacar a Ángel del Pozo que fue un actor encasillado en un principio en papeles de chico cursi y que a partir de mediados de los 60 pudo cambiar el tono de sus interpretaciones. La intervención de Antonio Casas resulta muy acertada y no es muy larga como tampoco lo es la de Ángel del Pozo.
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Sólo para hombres
Sólo para hombres (1960)
  • 6,6
    493
  • España Fernando Fernán Gómez
  • Fernando Fernán Gómez, Analía Gadé, Manuel Alexandre, Elvira Quintillá, ...
7
Ingredientes de calidad en una película hecha con buen gusto
Una de las películas más agradables de Fernando Fernán Gómez que resulta ser muy superior a la fallida "El mar y el tiempo". La honesta intención de adaptar la obra del genial Miguel Mihura con el propósito de ofrecer un sano entretenimiento al espectador da pie a una película encantadora que refleja la habilidad de Fernán Gómez para contentar tanto a públicos populares como a públicos más intelectuales. Eso lo demuestra a través de su estilo de realización y como actor fascina al espectador desde el primer plano en el que aparece. Posiblemente Fernán Gómez y Analía Gadé representaron la pareja más perfecta que conoció la comedia española y especialmente en el marco de la productora Ágata Films que empezó con ellos y triunfó con rapidez. La simpática historia narrada en "Sólo para hombres" tiene su mensaje también y aunque no pierde nunca su tono amable existe en ella una obvia intención crítica. Pueden destacarse también las brillantes creaciones en papeles secundarios de Elvira Quintillá y Maite Blasco cuyas interesantes personalidades fueron más o menos bien aprovechadas por el cine. Y hay que mencionar también la presencia de otra actriz interesante como fue Ángela Bravo que se eclipsó tras unos pocos años de actividad interpretativa. En los años 60 eran frecuentes casos como este en el cine español. En resumen una producción muy aceptable con los alicientes suficientes como para conquistar al espectador.
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La muerte silba un blues
La muerte silba un blues (1964)
  • 5,6
    85
  • España Jesús Franco
  • Conrado San Martín, Danik Patisson, Perla Cristal, Georges Rollin, ...
5
Una obra cuidada estéticamente pero narrada con escasa habilidad
Una película donde Jesús Franco cuida mucho el aspecto estético pero descuidando a su vez el aspecto narrativo. De ahí que la película no consiga enganchar al espectador y que por ello ese argumento mal planificado no pueda compensarse con un elaborado tono fotográfico ni con una puesta en escena más o menos hábil. No obstante aquel espectador que sea poco exigente puede que se contente con esas imágenes sugestivas o que acepte el producto al compararlo con los detestables engendros que filmó Jesús Franco en décadas posteriores. Ha sido Jesús Franco un personaje especialmente singular y él caia simpático cuando hablaba de su trayectoria fílmica. De hacer un cine de género más o menos respetable durante los años 60 pasó a hacer un tipo de cine erótico mal engendrado y la frontera entre estas dos tendencias la representó "El diablo que vino de Akasawa" donde combinó las aventuras y el erotismo con resultados muy discretos pero con su sello personal. "La muerte silba un blues" realmente sólo destaca por esos planos nocturnos con coches circulando por calles vacías y por esos locales donde se interpreta música ambiental. Los planos de la piscina y el comienzo con el sonido del motor de un camión prometian bastante más. Hay en el reparto figuras que estuvieron muy de moda en el cine nacional de la época. Prestar atención a este film tiene cierto sentido a pesar de su discreto resultado.
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Cristo negro
Cristo negro (1963)
  • España Ramón Torrado
  • René Muñoz, Jesús Tordesillas, María Silva, Charo del Río, ...
6
Hay aspectos logrados en una película que mantiene un cierto interés hasta el final
Un folletín bastante más sórdido de lo que en principio podia esperarse realizado por un cineasta tan irregular como Ramón Torrado. Destaca por encima de todo la interpretación de José Bódalo que consigue estar brillante en un personaje que desencadena el conflicto sentimental que aturde al protagonista de la historia que es René Muñoz un actor sobrio y sensible encarnando a un muchacho de color enamorado de una chica cuyo padre no ve con buenos ojos el posible romance. La verdad es que aunque Bódalo destaca de manera especial todos los intérpretes están bien en sus roles y la película no es tan vulgar como otras filmaciones de Torrado sin ir más lejos los tres films de Manolo Escobar que vendrian poco después. Torrado unas veces dirigía fatalmente a los actores y otras veces se encontraba curiosamente más inspirado y en "Cristo negro" por lo menos mantuvo esa aceptable medianía artística propia de sus films más tolerables. El sentido de la fatalidad está conseguido y el ámbito geográfico está aprovechado facilitando a la cinta el sentido plástico que requería. A la obra le falta sin embargo algo para ser lo que se dice una buena película sin reservas pero no es desde luego uno de los peores empeños del director sino que se acerca a lo que Torrado lograba en los mejores casos. Es una obra válida con un peculiar sabor amargo. Se puede ver. No es mala y más o menos tiene consistencia.
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El ojo de cristal
El ojo de cristal (1956)
  • 6,3
    248
  • España Antonio Santillán
  • Carlos López Moctezuma, Armando Moreno, Beatriz Aguirre, Jesús Colomer, ...
6
Un planteamiento prometedor que dió lugar a una cinta tan irregular como atractiva
Una película irregular donde aciertos como una refinada fotografía en blanco y negro y una ambientación muy sugestiva en la Barcelona nocturna con callejones inquietantes se combinan con una cierta insipidez narrativa y una contraproducente acumulación de diálogos no siempre interesantes. La obra sin embargo al albergar tantas virtudes como defectos se queda en un aceptable tono medio de calidad. El muy interesante planteamiento argumental no está exprimido al máximo pero la película resulta más o menos grata también por algunas situaciones familiares cotidianas como esos macarrones que van a enfriarse en el almuerzo o la admiración sincera que un hijo siente por su padre que investiga el turbio caso. Menos mal que Antonio Santillán es al fin un cineasta colocado en su justo lugar por lo menos a raíz de esta cinta. El reconocimiento llega muy tarde como en otros casos de cineastas españoles activos durante los años 50 pero se le reconoce ya su dignidad al sacar buen partido artístico de unos presupuestos modestos especializándose con aceptables resultados en el género policíaco. En "El ojo de cristal" se analiza con cierto talento la psicología infantil y hay ese aire de grata modestia que caracterizó a muchas producciones del Iquino de entonces. Es una obra aceptable que refleja dentro de sus limitaciones lo bonita que fue la época del cine policíaco barcelonés. Lo que importa es que este periodo fílmico al fin es valorado.
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Los celos y el duende
Los celos y el duende (1967)
  • España Silvio F. Balbuena
  • José Alonso, Javier Armet, María Bassó, Manolo Codeso, ...
3
Un planteamiento tonto para una película que no tiene importancia ni interés
La segunda película que en solitario filmó Silvio F. Balbuena puesto que la primera había sido "Prohibido soñar" y las dos anteriores "Siempre en mi recuerdo" y "Sonría, por favor" fueron codirigidas por Manuel Caño. Por cierto que estas tres películas mentadas desde que se estrenaron no han vuelto a verse por ninguna parte porque existirán pocas copias o porque estarán olvidadas. "Los celos y el duende" desde luego merece poco más que el olvido porque sorprende que se emprendiera la realización de una obra cinematográfica con una falta de ideas tan extrema como la que presenta el guión de la película. Los diálogos son muy flojos y el espectador empieza a aburrirse seriamente después de los veinte primeros minutos. No existen recursos ni para conseguir una comedia ligera modesta porque el metraje se rellena con situaciones absurdas que no tienen ningún interés y unos números musicales flamencos que se hacen algo pesados. La película es un pequeño engendro donde es inexplicable que partiendo de una anécdota tan tonta e insustancial que combina el flamenco con los ligues de los amigos protagonistas se quisiera lograr algo que pudiera tener éxito. Sale un coche de color celeste de refinado diseño que llama la atención y la actriz María Silva que tanto brilló en espacios teatrales de TVE como por ejemplo en los titulados "Alicia en el París de las maravillas" y "Trampa para un hombre solo" tiene un papel que no le permite lucimiento.
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Doña Francisquita
Doña Francisquita (1952)
  • 5,6
    122
  • España Ladislao Vajda
  • Mirtha Legrand, Armando Calvo, Antonio Casal, Manolo Morán, ...
7
Refinamiento y delicadeza para conseguir un producto muy digno
Benito Perojo ya conocía a Mirtha Legrand por haberla dirigido en 1944 en la versión argentina de "La casta Susana" que fue un tema retomado por el cine español en los años 60. Y eso induce a pensar que quizá se le ocurriera traerla a España para protagonizar su nueva producción. El resultado fue bueno ya que el agradable tono de voz y la peculiar personalidad que revela en este empeño ayudan a que la cinta resulte digna. Mirtha Legrand tuvo aquí su única incursión en la cinematografía española y luego siguió triunfando en Argentina con films como "Ultraje" o "Luz en la sombra" entre otros y especialmente también ha triunfado como presentadora de televisión en un programa celebérrimo en Argentina. Hay un gran interés ambiental en la recreación fílmica de esta mítica zarzuela y hay momentos sugestivos como aquel en que la protagonista huye de las máscaras fantasmagóricas por las calles hasta refugiarse en una zona libre de extraños carnavales. La sensibilidad como narrador y la flexibilidad artística fueron las mayores virtudes de Ladislao Vajda que fue una figura fundamental en el cine español de los años 50. Y este film sin llegar a ser una obra maestra consiguió el objetivo de plasmar la pieza elegida con toda su hondura estética y así entusiasmar a los aficionados a la zarzuela y a los interesados en el concepto de la estética en general en el cine que aquí se manifiesta en el magnífico uso de unos refinados colores.
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Proceso a una estrella
Proceso a una estrella (1966)
  • 3,6
    43
  • España Rafael J. Salvia
  • Giancarlo Del Duca, José Toledano, Rocío Jurado, Elena Espejo, ...
6
Un melodrama que no aburre del todo y con más de un nombre interesante en su reparto
La mítica Rocío Jurado actuó correctamente en esta película y cantó bien también las canciones que adornan la historia por lo que el film aparte de su valor artístico que es mediano pero tirando a aceptable puede también tener un cierto valor sentimental para sus admiradores. Del resto del reparto de la película hay dos nombres que destacar. Uno es Carlos Ballesteros por ser una de las personas más elegantes que ha tenido el mundo del espectáculo en España. Este señor aparte de demostrar su talento en el teatro como por ejemplo en una versión de "La malquerida" junto a Nati Mistral también imprimió ese talento en sus papeles para el cine. El otro nombre destacable es Elena Espejo quien tuvo aquí su última aparición cinematográfica. Lanzada al estrellato mediante el célebre "Apartado de correos 1001" brilló a partir de ese momento en el cine español de los 50 y también produjo ella algunas películas. Rafael J. Salvia dirigía películas esporádicamente y participó como guionista principalmente en films de Lazaga y Gil. "Proceso a una estrella" está dirigida con un cierto sentido de la contención porque no se exprime a fondo el contenido melodramático del argumento ni tampoco se potencia mucho la parte de intriga. Una película con un planteamiento próximo al folletín y con el temperamento artístico de Rocío Jurado como centro de atención podía haber sido más emocionante. Pero de todas formas es una película válida con los alicientes justos para serlo.
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Piso de soltero
Piso de soltero (1964)
  • 4,2
    24
  • España Alfonso Balcázar
  • Alberto Closas, Cassen, Pepe Rubio, Pilar Cansino, ...
5
Por diversas razones representa una comedia muy poco chispeante
En alguna que otra escena de la película sale un tigre chico que no se sabe bien si es un peluche o si efectivamente es un tigre pequeño de verdad. Se trata "Piso de soltero" de una comedia bastante insípida con la que Alfonso Balcázar no consigue mantener la atención del espectador que se pierde en una serie de situaciones y diálogos carentes de consistencia que van dando forma a un conjunto fílmico más bien deficiente al faltar una mínima base narrativa con la que seguir las anécdotas de los desdibujados personajes. Con una discreta fotografía en color y un ritmo casi inexistente Alfonso Balcázar no consigue el mismo resultado que en "Cena de matrimonios" con la que logró un muy digno exponente de cine con profundidad temática. Lo único que puede decirse en favor de la película es que como en tantos y tantos otros casos de comedia hispana de esta época por la comparación que se hace con los exponentes españoles actuales de un género que está tocando fondo desde hace mucho tiempo en nuestro país salen ganando sin duda comedias como "Piso de soltero" que producen cierta indiferencia pero que por lo menos no irritan. Y hay que decir también que la calidad artística de Alberto Closas alivia ocasionalmente la monotonía del film. La filmografía de Alfonso Balcázar se hace horripilante cuando llegan los años 80. "Piso de soltero" es mediocre pero tolerable sin despertar entusiasmo.
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¡Hombre acosado!
¡Hombre acosado! (1952)
  • 4,7
    44
  • España Pedro Lazaga
  • Alfredo Mayo, Mario Berriatúa, María Asquerino, Rafael Arcos, ...
7
Una obra con un planteamiento modesto que alcanza un nivel artístico bastante respetable
El tratamiento fotográfico imprime una atmósfera particular a las distintas escenas de este film policíaco que estando construido desde una base convencional eleva su interés precisamente gracias a la preocupación estética revelada por un realizador que pasó a la historia del cine español como uno de sus artesanos más dignos. La puesta en escena en esta película es más convencional de lo que luego fue habitual en Lazaga careciendo por ello los movimientos de cámara de esa precisión que definia tan bien el estilo de un cineasta que se aficionó a experimentar con la cámara a medida que ganaba veteranía. Dirige con acierto a Mario Berriatúa que fue uno de los actores más eficientes y distinguidos del cine español de los años 50 y que volvería con papeles más secundarios a intervenir en algún que otro film más de Lazaga. Por su parte María Asquerino revela esa fuerza y ese estilo tan peculiar que la convertirían en una actriz muy especial. A nivel narrativo el film resulta ágil y tal vez sea porque todo se cuenta sin alargar innecesariamente los diálogos y centrándose sobre todo en la fuerza que tienen las imágenes incrementándose el interés en las escenas nocturnas y sin prescindir de una cierta delicadeza dentro de ese realismo bien controlado que tiene la obra. Dentro del largo esplendor que conoció el género policíaco en España este film tiene reservado su hueco.
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Atrapados en el miedo
Atrapados en el miedo (1985)
  • 3,6
    27
  • España Carlos Aured
  • Adriana Vega, Sara Mora, José Luis Alexandre, Joaquín Navarro, ...
5
Deja bastante que desear en muchos aspectos y no es una gran película
Ni el guión ni la puesta en escena ni la ambientación destacan dentro de esta modesta película de terror que parte de la escapada de un peligroso perturbado que se cruza con dos parejas que pretenden divertirse sin descartar lo sexual dentro de la diversión tal y como se nota en los mediocres diálogos donde cuando una de las chicas menciona a Drácula un chico le dice que allí el único que muerde es él. El planteamiento no era excesivamente original pero podía haber dado pie a una cinta que hubieran acogido con interés los amantes del cine de terror con un cierto nivel si se hubieran cuidado más y mejor los aspectos básicos del planteamiento general. Carlos Aured que había realizado muchas películas horrorosas antes de llegar a este proyecto demostró en la única obra que destaca en su trayectoría que no es otra que "La venganza de la momia" la capacidad de hacer un film con un acabado estético digno pero en "Atrapados en el miedo" no se cuidaron para nada esos aspectos estéticos que al menos alguna vez había cuidado Aured. Entonces el resultado es una película bastante cutre que sólo consigue entretener discretamente y que sólo por eso puede salvarse. Pudo salir mucho mejor. Protagonizan la obra dos actrices que anteriormente habian participado en el bochornoso cine erótico del destape con Ozores y Esteba en el caso de Adriana Vega y con Ozores también y el propio Aured en otra ocasión en el caso de Sara Mora.
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El enigma del yate
El enigma del yate (1983)
  • 4,9
    28
  • España Carlos Aured
  • José Antonio Ceinos, José María Blanco, Montserrat Torras, Silvia Tortosa, ...
5
Una obra fallida pero curiosa con defectos habituales en su director
Una película interpretada por Silvia Tortosa no mucho después de terminar su etapa como presentadora del mítico "Aplauso" en TVE. Su gran personalidad es lo único que da sentido a la visión del film que parte de un planteamiento sin duda prometedor que luego es desperdiciado a causa de unos diálogos endebles, la falta de progresos narrativos y unos intérpretes que carecen de buena presencia y de vigor interpretativo secundando a Silvia Tortosa. El interior de un yate era interesante dentro de una historia de suspense pero el director no consigue encadenar con fluidez las anécdotas que forman el film e incluye algunas escenas relativamente desagradables. Esto último lo de las escenas poco agradables era lo habitual en el cine filmado por Carlos Aured de cuya filmografía se pueden salvar tres títulos uno de los cuales es este pese a sus muchas limitaciones y que realizó un número considerable de horripilantes films alternando el cine de terror sangriento con el cine erótico cutre y tirando a bochornoso. Con "El enigma del yate" no se consigue el efecto que un film de intriga debe causar en el espectador ya que el argumento en principio atractivo está abordado sin lógica y se estira la trama sin apenas recursos para convencer minímamente. Un film discreto que no obstante puede despertar cierta curiosidad aún con todos los reparos expuestos.
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La verbena de la Paloma
La verbena de la Paloma (1963)
  • 5,1
    641
  • España José Luis Sáenz de Heredia
  • Concha Velasco, Vicente Parra, Ángel Garasa, Mercedes Vecino, ...
5
Aunque esté realizada sin especial habilidad puede la película entretener discretamente
Durante su etapa española Irán Eory combinaba intervenciones tan breves como las de "Sabian demasiado", "Vuelve San Valentín" y "El arte de no casarse" con intervenciones algo más extensas como la que tiene en esta versión de un tema ya tratado por el cine español otras dos veces. La versión de los años 30 filmada por Benito Perojo tenía los aspectos plásticos más elaborados y una mayor entidad estética con lo cual "La verbena de la Paloma" en manos de José Luis Sáenz de Heredia pierde casi toda su esencia original pues el entonces ya veterano director no consigue captar la esencia de lo popular ni proveer al espectáculo musical del suficiente interés como para que cristalice en algo tan sugestivo como lo que había conseguido Perojo que fue sacar el máximo partido de los recursos fílmicos para que la zarzuela no perdiera su naturaleza original y se mostrase con toda su hondura estética. La ya mentada Irán Eory y la hoy por hoy incansable Concha Velasco hicieron lo que pudieron y en algunas escenas despliegan una cierta simpatía aunque la atonía general de la narración influye mucho en la sensación final que produce el film. Del resto del reparto hay que destacar a Milagros Leal que era tan buena actriz como su hija Amparo y a Mercedes Vecino que había destacado en los años 40 en varias comedias modestas de Iquino. El reparto es lo mejor de este empeño.
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Ceremonia sangrienta
Ceremonia sangrienta (1973)
  • 5,1
    395
  • España Jorge Grau
  • Lucía Bosé, Espartaco Santoni, Ewa Aulin, Ana Farra, ...
7
Es un sugestivo espectáculo cinematográfico aunque tenga defectos
Una de las realizaciones de Jorge Grau quien como autor aportó al cine español piezas especiales por su peculiaridad como "Acteón" que es una de las grandes cotas del cine experimental o "Chicas de club" donde empleó un sistema narrativo nada convencional y al tiempo muy eficaz. En "Ceremonia sangrienta" por caer en algunas escenas en un mal gusto más o menos justificado dada la índole del tema como en el momento en el que se come carne con sangre en el plato o cuando más tarde aparecen varios platos con una comida que tiene muy mal aspecto no se logra un producto apto para toda clase de público ya que parece hecho para contentar estrictamente a los incondicionales del horror fantástico. Este defecto queda compensado por el hecho de que nunca el cine español por si solo ni coproducido con Italia como en el caso presente ha llegado en lo que a mostrar truculencias y efectismos en el cine de terror se refiere a los delirantes extremos del cine norteamericano. Casi siempre una producción española resultará más comedida en el terror que una producción norteamericana de ese género a pesar de lo cutres que son los films españoles de terror de Carlos Aured por ejemplo. En el film de Grau llaman la atención una Lucia Bosé muy sugestiva consiguiendo un gran lucimiento artístico y la belleza tan delicada e igualmente sugestiva de Ewa Aulin.
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Blanca por fuera y Rosa por dentro
Blanca por fuera y Rosa por dentro (1971)
  • 4,5
    55
  • España Pedro Lazaga
  • José Luis López Vázquez, Esperanza Roy, Pepe Rubio, Josele Román, ...
6
No convence del todo pero no es lo que se dice una mala película
La gracia indudable de Jardiel Poncela como autor no fue bien reproducida en las adaptaciones de obras suyas que existen en el cine español como en este caso donde la chispa original del tema no se nota al ser los diálogos reiterativos e insustanciales la base de todo. Quizá representada en el teatro donde cuentan más para el espectador las palabras que todo lo demás esta simpática historia triangular tendría algo más de sentido porque en esta versión fílmica se roza lo absurdo en muchos momentos y a eso contribuye un estilo interpretativo un poco exagerado como si con ese estilo se pretendiera compensar un poco la inadecuación de la obra escrita para ser pasada al cine. Por ejemplo Esperanza Roy ha estado capacitada para hacer interpretaciones más consistentes y las ha hecho en otros empeños mientras que aquí su interpretación se ve afectada negativamente por los factores expuestos. José Rubio se muestra discreto en su intervención y en general los componentes del reparto no están a la altura de creaciones anteriores. En las escenas rodadas en la carretera con automóviles circulando velozmente se nota el brillante sentido cinematográfico de Lazaga quien como en otras de las que se pueden considerar sus obras menores alivia con su estilo de realización las carencias que pueda haber en otros aspectos. Y es por eso que la película no resulta del todo olvidable.
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Ley de raza
Ley de raza (1969)
  • España José Luis Gonzalvo
  • Micaela Flores Amaya, Antonio Ruiz Soler, Fernando Marín, Ángel Lombarte, ...
8
Una película insólita que se ha difundido poco a pesar de su evidente interés
"La playa de las seducciones" y "Ley de raza" componen la escueta filmografía de José Luis Gonzalvo en el campo del largometraje. Aunque son dos películas muy diferentes en el tono y en el ritmo coinciden en algo y eso es lo profundamente detallista que es la puesta en escena de Gonzalvo quien procura también en "Ley de raza" no desaprovechar ninguno de los elementos que componen cada fotograma hasta el punto de que muchos de estos fotogramas constituyen estampas estéticas dignas de ser admiradas por el espectador que se interesa por esta rareza. A todos los elementos tanto del paisaje como de las escenas de interiores con cierta insistencia en los planos de gente comiendo tortilla de patatas o huevo frito les saca Gonzalvo un sentido estético adicional. El estilo narrativo puede parecer desangelado en los primeros momentos pero luego va sorprendiendo poco a poco pues tiene una serenidad muy particular y además no aparecen esos excesos en los que pudo caer dada la naturaleza del argumento. Se evitan los tópicos que no podian ser ajenos al tema del amor truncado entre un campesino y una gitana. Incluso el tema del amor contrariado por causas ajenas que ha sido tan tratado está abordado aquí con más acierto que en producciones españolas que son más famosas. Película especial con un reparto muy bien manejado además.
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