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Críticas de Adrian Esbilla
Críticas ordenadas por:
¿Por qué lloras, Susan?
¿Por qué lloras, Susan? (1967)
  • 5,5
    108
  • Reino Unido David Greene
  • Gig Young, Carol Lynley, Oliver Reed, Flora Robson, ...
6
La parte que te faltaba
Una muy curiosa adaptación de un cuento de August Derleth inspirado en ciertas ideas de su amigo H. P. Lovecraft (ambientación en el conocido territorio de Dunwich inclusive) que en cambio se aparta del horror preternatural presente en el original para acercarse a una especie de melodrama turbio que mezcla maldiciones familiares, superchería, ritos de madurez y sexualidad conflictiva en un conjunto atractivo e insólito que viene a certificar la heterogeneidad del horror británico de las década de los 60, aunque en este caso Inglaterra esté travestida de Nueva Inglaterra.
Comenzada por Ken Russell y retomada luego por el habitualmente gris, pero aquí inspiradísimo, y casi exclusivamente televisivo David Greene logra plenamente la creación de un clima pringoso e incómodo desde su mismo principio y cuenta con momentos culminantes como el paseo por la playa que termina en turbador acoso -resuelto mediante una música desquiciante un extraordinariamente cinemático montaje que combina planos aéreos que relacionan a los personajes con el hermoso paisaje costero y planos cortos que los encierran de manera asfixiante-, perfecto ejemplo de cómo la película transforma mediante la planificación y las interpretaciones lo mundano en amenazador.
Absolutamente genial Oliver Reed, actor especialmente dotado para los personajes volcánico y formidable la bella Carol Lynley, ambos en doloroso contraste con la imperturbabilidad de u desubicado Gig Young, y curiosos parentescos con un título tan alejado, en principio, como Perros de paja. Por lo demás un trabajo a recuperar o descubrir, un tanto frustrante en su resolución, principalmente por que la vulgaridad de lo real siempre es mucho menos estimulante que la posibilidad de lo fantástico, y en el cual los seguidores de Los Simpson reconocerán rápidamente el signo de la trama. Del ridículo título español mejor no comentar nada.
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13 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los diablos de la oscuridad
Los diablos de la oscuridad (1965)
  • 5,1
    52
  • Reino Unido Lance Comfort
  • William Sylvester, Hubert Noël, Carole Gray, Tracy Reed, ...
6
Azufre y mermelada
Curioso, aunque menor, ejemplo de la producción fantaterrorífica británica durante la fértil década de los 60, que reincide en la presentación de la siempre correcta sociedad inglesa como terreno abonado o coartada perfecta para la existencia de un universo paralelo de ocultismo, nigromancia, vampirismo y satanismo (ahí es nada). Un conglomerado de pasiones y vicio que late bajo el aburrimiento de clase.
El ya veterano Lance Comfort dirige con cierto buen gusto y apuntes de suntuosa elegancia malsana en la puesta en escena y en, sobre todo, el interesante tratamiento del color (el contraste entre verde, rojo y blanco) que puntea y otorga cierta atmósfera a otra historia de normalidad corrompida. Por lo demás tarda en arrancar, tienta el ridículo en algunas ocasiones, se cierra de manera harto precipitada y anticlimática y está mediocremente interpretada, a excepción de la pareja de villanos a los que interpretan la carnal Carole Gray y el atildado actor francés Hubert Noël, dotado de una expresión simultáneamente suave y despiadada perfecta para el personaje. En cualquier caso se ve con gusto y guarda un puñado de imágenes poderosas: un cuadro que sangra al ser cortado, un travelling lateral sobre el cuerpo tendido, sobre terciopelo verde y cubierta solo de una sábana blanca, de la pelirroja Tracy Reed posando para el susodicho retrato que pinta el mismísimo Siniestro o un crucifijo enjoyado que, caído accidentalmente, deja la marca de una quemadura sobre la espalda de la misma modelo.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cuarto hombre
El cuarto hombre (2007)
  • 6,2
    60
  • Serbia Dejan Zecevic
  • Nikola Kojo, Marija Karan, Dragan Petrovic, Bogdan Diklic, ...
3
Una herramienta
Mediocre muestra del más que interesante thriller serbio de los 2000, al que desmerece, ya que no supera, cualitativamente, el nivel medio de cualquier subproducto excedentario internacional dirigido al mercado del DVD o a la televisión. Se salva por su intrigante inicio y algún detalle aislado (los uniformes de los tres ejércitos, Yugoslavia, Serbia y Montenegro y Serbia, en el armario del protagonista, por ejemplo) pero malgasta una anécdota argumental no por tópica menos sugestiva y con ciertas posibilidades en el caso de haber sido guiada con algo de músculo. El resultado carece de solidez (con un planificación, iluminación, etc... según patrones totalmente estandarizados) y no va más allá de ser un mixto de “El caso Bourne” y “Memento” aderezado con la expiación de los demonios post-bélicos hasta desaguar en un final directamente vergonzante. Sin sorpresas de ningún tipo, obvia, progresivamente formularia, mal interpretada (a excepción del ubicuo Bogdan Diklic, veterano actor de enormes recursos y exactitud expresiva) y con una banda sonora indigna de un film profesional.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre que podía engañar a la muerte
El hombre que podía engañar a la muerte (1959)
  • 6,3
    240
  • Reino Unido Terence Fisher
  • Anton Diffring, Hazel Court, Christopher Lee, Arnold Marlé, ...
6
Todo el tiempo no es suficiente
Uno de los títulos Fisher menos conocidos de su antológica producción Hammer que se resiente de una estructura y un origen teatral que determina en gran medida, no ya le desarrollo dramático-narrativo, sino una puesta en escena meno fluida, menos vigorosa de lo que era ley en tan formidable director, magistral en su dominio del espacio, en la tensión interna de la escena que nace de la combinación entre el movimiento interno de unos actores que reconstruyen el encuadre y los desplazamientos de cámara.
La historia en si es apasionante, con ramalazos de ciencia-ficción en clave retrofuturista y citas a la mitología de Jack el Destripador (excelente el neblinoso prólogo nocturno, repetido por Fisher en la magistral “El cerebro de Frankenstein”) o incluso a “Los crímenes del museo de cera” (esa galería de bustos que el protagonista esculpe y colecciona) que ayudan a dejar un agradable gusto a pastiche decimonónico y culterano siempre agradable. Por lo demás ofrece la habitual mixtura de elegancia y perversidad de la casa y permite lucirse al excepcional Anton Diffring en uno de sus escasos papeles protagonistas, una intensa combinación de mad doctor frankesteniano y amante arrebatado. Artista y asesino.
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los nuevos centuriones
Los nuevos centuriones (1972)
  • 6,8
    296
  • Estados Unidos Richard Fleischer
  • George C. Scott, Stacy Keach, Jane Alexander, Scott Wilson, ...
6
Cartografiando la noche
Resulta llamativo que una película tenga su principal interés y su mayor carencia exactamente en el mismo sitio. En este caso en su estructura narrativa. El estilo impresionista, a base de cuadros dramáticos casi independientes pero interconectados entre si por los personajes, que ya viene dado por la excelente base literaria de la novela de Joseph Wambaugh en la que se basa. El autor, antiguo policía todavía en servicio cuando publicó en 1971 este “Los nuevos centuriones”) y renovador de la novela policial a base de una autenticidad documental que destilaba las enseñanzas de los chicos de la comisaría 87 de Ed McBain para mezclarlas con la nueva percepción que la ficción norteamericana estaba ofreciendo sobre las fuerzas de la ley en un periodo pantanoso de pesimismo vital y dudas morales, plantea un fresco de relaciones alrededor de una serie de novatos que durante cinco años aprenderán lo que es, de verdad, el trabajo policial y como este afecta a sus vidas personales y a su percepción del bien, de la ley y de todo lo demás.
Esto funciona a la perfección sobre el papel, el vértigo de la narración, la multiplicidad de puntos de vista, la repetición de rutinas, el conocimiento y complicidad que el lector establece tanto con los personajes como con su entorno resulta muy difícil de traducir cinematográficamente y aunque Fleischer lo intenta y parcialmente lo consigue (todo lo que atañe al excepcional personaje y actuación de George C. Scott), es, esta misma cualidad de tapiz humano y geográfico lo que hace chirriar un film que se mueve entre la lucidez y el canto al uniforme. Perdido, a veces, en meandros sentimentales, carente de vértigo, indefinido en cierto sentido por culpa de pequeñas historias que no se concretan en algo consistente y en personajes que apuntan valor pero se quedan en eso. Así y todo merece la pena recuperarlo y no le faltan buenos momentos, consistentes actuaciones y una voluntad de no revolcarse en la sordidez sino de buscar una mirada ecuánime, honesta.
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14 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los hermanos Rico
Los hermanos Rico (1957)
  • 6,7
    152
  • Estados Unidos Phil Karlson
  • Richard Conte, Dianne Foster, Kathryn Grant, Larry Gates, ...
7
Ribbon of darkness
Una de las mejores películas de uno de los directores más injustamente olvidados de su tiempo, Phil Karlson. Maestro del cine más intenso y más barato que adapta en esta ocasión una novela de George Simenon (que desconozco). Un esplendido Richard Conte es un hombre de negocios, antiguo contable del Sindicato del Crimen lastrado por todo tipo de lazos afectivos con el jefe de la organización para la que aún trabajan sus hermanos. Cuando estos fallen en un trabajo, Eddie Rico será reclamado para buscarles. A partir de aquí comienza una carrera frenética hacia la nada, fatalismo americano y culpa de serie-b. Karlson afila un film moral, penetrante y vertiginoso sobre la manipulación, la traición, la maldad y la búsqueda de la redención. Sobre como el pasado se arrastra como una lápida encargada por anticipado.
Violenta (incluyendo un sorprendente disparo en el cráneo), demoledora y abrasiva. Tanto que casi se le puede perdonar su pactista final (imposible eludirlo en la época por otra parte), un reducto de esperanza instantánea, tanto para el espectador, saturado de tanta amargura, como para el propio protagonista, inductor de la muerte de todos aquellos a los que intentaba salvar.
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12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Noticia de una violación en primera página
Noticia de una violación en primera página (1972)
  • 7,0
    155
  • Italia Marco Bellocchio
  • Gian Maria Volontè, Fabio Garriba, Carla Tatò, Jacques Herlin, ...
6
Paz en nuestro tiempo
Un perfecto ejemplo del cine político de la convulsa Italia de los años de plomo y la "estrategia de la tensión" de la mano de un Marco Bellochio que destripa minuciosamente el funcionamiento de una prensa corrupta en proceso de putrefacción moral, fijándose en los entresijos de la manipulación realizados, no desde la grosería ideológica que se desactiva a si misma al caer prácticamente en la parodia, sino de la sutileza de una carcoma cerebral vestida de orden intachable. Así el asesinato y violación de una joven será instrumentalizada mediante la fabricación de un culpable “ad hoc”, transformando lo circunstancial y plausible en verdad inquebrantable y perfecta.
Mediante una estética que se acoge a un estilo verista (con un cierto abuso del material de archivo), que se pretende urgente y fiero pero termina por resultar plano, casi televisivo. Pese a que la dirección ofrezca poco en cuanto a puesta en escena y planificación –la parición de Volontè directamente desde la oscuridad en el tramo final, la cruda conversación con su esposa, la transición que muestra en crimen real y la estupenda panorámica que sigue el intento de huida de la muchacha- la escritura lo compensa, esquivando en lo posible la tentación del didactismo y acogiéndose a la presentación de unos personajes siempre ambiguos. En ese sentido es ejemplar y memorable el protagonista que compone con su intensidad habitual el gran Gian Maria Volontè, un personaje tortuoso y siniestro, extrañamente lúcido.
Lástima que a Bellochio no le alcance el talento porque entre manos tenía la posibilidad de realizar su “El estrangulador de Boston”, un fresco de un momento, de una sociedad, a través de sus crímenes. Los físicos y los éticos.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bloody Territories
Bloody Territories (1969)
  • Japón Yasuharu Hasebe
  • Akira Kobayashi, Ryoji Hayama, Tadao Nakamaru, Hiroshi Nawa, ...
6
El crepúsculo de los caballeros tatuados
“Bloody Territories”, sin ser en absoluto un film memorable, tiene un doble interés, por una parte la garantía de diversión, ritmo y estilo que supone el cine del Yasuharu Hasebe de los 60 y primeros 70, cuando era uno de los realizadores abanderados del cambio estilístico emprendido por la Nikkatsu a mediados de los 60. Por otra la oportunidad de encontrar un género, el “yakuza eiga” en este caso, justo en su momento de cambio, debatiendose entre romper los últimos lazos con el “ninkyo eiga” y su concepción romántica del fuera de la ley, o lanzarse al abismo que a mordiscos estaba a punto de abrir el nuevo “jitsuroku eiga”, las películas basadas en la crónica negra con las que Kenji Fukasaku y la Toei cambiarían el género de arriba a abajo.
En esta encrucijada histórica radica lo más interesante de una cinta en absoluto despreciable por si misma, pero sobre la que pesa demasiado esta indefinición. Algo a lo que no es ajeno el carácter de vehículo para el cambio de imagen de un progresivamente endurecido Akira Kobayashi, aquí el último yakuza con código en un universo crepuscular.
Por lo demás una historia farragosa de clanes enfrentados que narra la conversión del crimen organizado en asociaciones empresariales. Tocada por un desmayo de ritmo en la parte central que Hasebe sortea con su poderoso estilo visual y apurando un desaforado sentido del melodramatismo que desembocará en un tercio final, este si, apoteósico. Haciendo cumbre en el enfrentamiento a cuchillo y traiciones que aprovecha espléndidamente el decorado de la oficina y las escaleras de un enorme edificio moderno en contraste directo con un climax nocturno y callejero que mezcla la sangre con el agua.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los hermanos Del Hierro
Los hermanos Del Hierro (1961)
  • 7,4
    153
  • México Ismael Rodríguez
  • Emilio Fernández, Antonio Aguilar, Julio Alemán, Patricia Conde, ...
7
Hay un veneno
Insólito western moral mexicano de sorprendente parentesco argumental, tonal y conceptual con el sobrio “El sabor de la venganza” que firmase en 1963 Joaquín Romero Marchent contando, al igual que aquí, la historia de unos hermanos envenenados y condenados por el deseo de venganza de una madre. Dirigido por el exitoso Ismael Rodríguez, más que curtido como realizador de multitud de títulos a mayor gloria de Pedro Infante, asombra por su intensa atmósfera fatalista, su desafuero melodramático y un vigor formal que acoge momentos casi fantastique (el plano cenital con la madre, una soberbia Columba Domínguez, dando vueltas dentro de la casa azotada por el viento mientras sus hijos se dirigen a cumplir un destino monstruoso) potenciados por una magnífica fotografía nocturna y de interiores, elegantísimas transiciones (del velatorio a una noche de amor y vuelta solo con un elegante movimiento y un imperceptible corte) enfrentadas a ráfagas de montaje abrupto, casi violento y a un uso insensato del zoom.
Resulta igualmente llamativa la forma en la que antecede ciertos modismos del spaghetti-western, desde ese principio que anticipa el de “La muerte tenía un precio”, al plano subjetivo desde el punto de vista desde el cañón de una arma.
Muy bien interpretada, especialmente por el nutrido reparto de secundarios estelares donde destacan con fuerza Emilio “Indio” Fernández como el desencadenante de la tragedia y un Ignacio López Tarso como torturado pistolero que enseñará a los muchachos a manejar el revolver, y rematada con un final por completo memorable.
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18 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mátalos y vuelve
Mátalos y vuelve (1968)
  • 6,1
    67
  • Italia Enzo G. Castellari
  • Chuck Connors, Frank Wolff, Franco Citti, Leo Anchóriz, ...
5
Más rápido (si puedes)
Divertida mixtura de spaghetti-western y hazañas de comandos que toma por igual elementos de la “Secreta invasión” de Roger Corman, los “Doce del patíbulo” de Aldrich (film saqueado por antonomasia en la época), el “Río Cochos” de Gordon Douglas o “Los profesionales” de Richard Brooks pasados por el pintoresquismo tebeístico del western all’italiana y la túrmix de Enzo G. Castellari en un film que resume perfectamente su praxis como director: acción, acción y acción.
Un reparto estupendo que une/enfrenta a Chuck “El hombre del rifle” Connors con un sólido equipo de secundarios habituales del cinema bis -Frank Wolff, Leo Anchóriz, Ken Wood (esto es Giovanni Cianfriglia) o Furio Meniconi bajo su colorista seudónimo de Men Fury (sic.)-, una banda sonora tan buena como era (casi) norma, fotografía soleada del gran Alejandro Ulloa que privilegia los amarillos y terrosos, estupenda secuencia pre-créditos donde todos muestran sus habilidades especiales y su perfecta coordinación (hay que subrayar la economía narrativa de Castellari que no pierde tiempo en desarrollo ninguno y define a los personajes únicamente por lo que hacen y como lo hacen, perdiendo cualquier entidad dramática pero ganando inmediatez y una cierta idea de la iconicidad), detalles tan impagables como el bazooka avant la lettre, cinismo al por mayor, traiciones sin cuento y en general un ritmo tan, tan trepidante que atropella incluso al guión.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Leptirica (TV)
Leptirica (TV) (1973)
  • 5,6
    48
  • Yugoslavia Djordje Kadijevic
  • Mirjana Nikolic, Petar Bozovic, Slobodan Perovic, Vasja Stankovic, ...
6
Escapitina
Toda una curiosidad televisiva que, pese a su evidente modestia de medios y a un ritmo un tanto cojo, resulta agradable para conocer un poco, tanto la escasa producción fantaterrorífica yugoslava como, y sobre todo, un rico folklore tratado aquí desde una óptica costumbrista que acoge por igual el humor tumultuoso (las divertidas fuerzas vivas del pueblo tratando de embaucar a un nuevo molinero mientras buscan la tumba del vampiro local) y horror de raíz mitológica (fascinante al resultar por igual ajeno y familiar). Una fábula campesina entre la desmitificación y la advertencia que termina por beneficiarse de su prosaica realización (incluso deja un hermoso plano de cierre con una mariposa posada en la sien del protagonista) y que deja claro que los universos mágicos están, en realidad, llenos de reglas.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una pistola para Ringo
Una pistola para Ringo (1965)
  • 5,4
    186
  • Italia Duccio Tessari
  • Giuliano Gemma, Fernando Sancho, Lorella De Luca, Nieves Navarro, ...
5
Bandido guapo
Primera entrega del díptico sobre el infalible pistolero Ringo “Cara de Ángel” con el que Duccio Tessari y Giuliano Gemma trataron de proponer una alternativa blanca y relajada a la progresiva brutalización y a la rampante roña estética que se fue adueñando del eurowestern. Por lo tanto una historia del bolsilibro sin mayores dobleces, un tebeo en el que prima el sentido del humor, los personajes arquetípicos y sus correspondientes caracterizaciones consabidas (incluido el gran Fernando Sancho como voceras y malvado bandido mexicano) y en la que todo esta presidido por el desenfado y la sonrisa del entrañable Gemma, versión mediterránea de héroe siempre guapo que compuso el Burt Lancaster aventurero de “El halcón y la flecha” o “El temible burlón”. Aparte de esto y de su innegable capacidad para entretener, destacar algún detalle tan loco como esa bala en carambola, una cierta estilización producto de elegante buen gusto en la realización por parte del reivindicable Tessari y el sorprendente personaje de dura pistolera ablandada por el amor que firma nuestra fogosa Nieves Navarro, a.k.a. Susan Scott.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Viva Blackpool (Miniserie de TV)
Viva Blackpool (Miniserie de TV) (2004)
  • 6,9
    76
  • Reino Unido Julie Anne Robinson, Coky Giedroyc
  • David Morrissey, Sarah Parish, Thomas Morrison, David Tennant, ...
6
Now I don't speak any English, just American without tears
Una serie apreciable aunque no especialmente memorable que tiene el buen gusto de referirse (aunque en muchos aspectos lo banalice y en otros tanto lo simplifique de forma aplastante) al universo tortuosamente pop, crudamente lúcido y post-modernamente mulirreferencial del gran Dennis Potter, de donde toma esencialmente el uso de la música popular para forzar la disonancia interna de la ficción y como fuerza evocadora (para los personajes y para el público) a la vez, como fuga mental y comentario socarrón. Usa con cierta inteligencia la geografía kitsch de la ciudad de Blackpool como fondo luminoso contra el que contraste la negrura de una familia en descomposición y combina las convenciones de diferentes géneros- desde el thriller policial al melodrama romántico o la comedia negra y, claro está, el musical- para radiografiar el fondo tras la forma. Pero no siempre logra armonizar un conjunto resbaladizo por sus muchos elementos, amén de que la manera de introducir las canciones termina por resultar rutinario en ocasiones -especialmente por empeñarse respetar una cierta estructura en todos los capítulos en lugar de dejar fluir con mayor naturalidad y de este modo integrarlas más profundamente- y que algunos números se balancean peligrosamente del lado de lo cursi sin ironías. Muy bien interpretada por su elenco masculino, sobre todo un soberbio David Morrisey como el (literalmente) hecho a si mismo Ripley Holden y ese David“Doctor Who”Tennant que crea un personaje tan desagradable y carismático que lo valida como un perfecto John Costantine, en cambio sorprende la flojera de su reparto femenino con una Sarah Parish que limita su interpretación al mohín casi por completo. Así y todo resulta disfrutable y abundan los grandes momentos y las elecciones agudas (memorable ese “Brilliant mistake” del siempre grande Elvis Costello) que convierten este trabajo en una disfrutable rareza, aunque su originalidad sea relativa.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Arena (Naked Warriors)
The Arena (Naked Warriors) (1974)
  • 5,4
    32
  • Estados Unidos Steve Carver, Joe D'Amato
  • Pam Grier, Margaret Markov, Lucretia Love, Paul Muller, ...
4
Chicas con ropas de verano
Un film razonablemente simpático y locatis dentro de sus perroneros presupuestos, que divierte en sus dos primeros tercios (incluso deja una hermosa imagen: la preparación para morir de la esposa del entrenador de los gladiadores. Un momento extrañamente lírico en medio de la caradura) pero aburre soberanamente en un penoso desenlace donde pesa demasiado el regusto entre televisivo y cutrón de la dirección de Steve Carver (¿con ayuda de Aristide Massaccesi, aka Joe D’Amato, más allá de la fotografía?), firmante de la despendolada “Una mamá sin freno” también en 1974, con Angie Dickinson prolongando las hazañas familiares/criminales de la antológica “Mamá Sangrienta” (1970) de Roger Corman pero con mucho más folleteo.
A fin de cuentas una variación sobre la temática ya (casi) agotada del WIP, substituyendo las cárceles más o menos exóticas e indispensablemente sórdidas al que se le incorpora un intento de resurrección tardía del peplum (está coproducida por Italia, lo que hace fácil intuir el reciclaje de añejo vestuario y decorados) con la aparición por sorpresa del indispensable Mimmo Palmara y todo. Permitiendo este contexto “romano” el robar sin prejuicios momentos de la primera parte del “Espartaco” kubrickiano aderezado con sus buenas raciones de carne y erotismo gordo, para una historia (o así) de idealismo y revolución en plena decadencia (sic.) y lucir la siempre bienvenida presencia carismática y subyugante de la gran Rosalba Neri, en esta ocasión como malvada jefa de las esclavas.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Parents
Parents (1989)
  • 5,8
    271
  • Canadá Bob Balaban
  • Randy Quaid, Mary Beth Hurt, Sandy Dennis, Bryan Madorsky, ...
6
The Saturday Evening Post
Más allá de su trabajos para televisión el único largo dirigido por el actor y escritor Bob Balaban, y una verdadera lástima que así sea porque “Parents” con todas sus insuficiencias, excesos (un barroquismo visual que puede resultar agobiante) o desequilibrios resulta un film estimulante, originalísimo y genuinamente siniestro en su contemplación de los horrores, imaginarios y reales, del mundo de los adultos desde el punto de vista de un niño de imaginación más bien excitada, con la incomprensión y la paranoia a toda potencia. Una mixtura de “grand guignol”, cuento cruel de elaboradísima estética retro (con constantes alusiones a Norman Rockwell y a la publicidad de la época o un memorable uso de las canciones en la banda sonora), comedia excéntrica y genuino “american gothic” de repulida superficie y aterrador interior. A descubrir, brillantemente interpretado (Randy Quaid soberbio), repleto de malicia y especialmente acertado en esa comprensión del extrañamiento infantil, de ese sentimiento marciano de no pertenencia, metaforizado en el canibalismo como sentido último de integración/absorción social.
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10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Apunten al camión de policía
Apunten al camión de policía (1960)
  • 6,3
    72
  • Japón Seijun Suzuki
  • Michitaro Mizushima, Mari Shiraki, Misako Watanabe, Shinsuke Ashida, ...
6
La necesidad del artesano
Un agradable trabajo de la primera etapa de la carrera del extraordinario talento Seijun Suzuki, que además de funcionar con total validez por si mismo y mostrar la notable desenvoltura profesional del director, sirve para conocer y contemplar la manera en la que Suzuki ayuda a construir un género no solo desde su base industrial sino también desde sus constantes estéticas. Un proceso de construcción análogo a la futura demolición del mismo que emprendería en breve, demostrando con claridad que para lanzarse a deconstruir primero hay que saber hacer, que para desmontar y forzar mecanismos hay que conocer su funcionamiento interno a la perfección.
De esta manera lo que queda aquí es un “thriller” por el carril que transpone al Japón de la época las coordenadas del “noir” y el misterio de la escuela norteamericana, tanto la cinematográfica en clave “b” (desde la fotográfica en claroscuro, al uso de la voz en “off” pasando por la férrea primera persona en punto de vista narrativo) como la literaria (con citas directas a Ellery Queen o William Irish) al que Suzuki incorpora sus propios intereses estilísticos; una irrefrenable querencia por el “pulp” y la estilización, ejemplificada en detalles como el francotirador que pega su chicle en la mirilla antes de disparar o la importancia de unas gafas de sol en la resolución. A lo que se suma un inicio y final extraordinarios, con detalles tan ingeniosos como la lectura de los carteles de peligro de la carretera a través de la lente telescópica del fusil, ejerciendo así tanto de señales para los personajes como para el espectador, o la rara abstracción del tiroteo entre los trenes.
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6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Su majestad Minor
Su majestad Minor (2007)
  • 4,5
    294
  • Francia Jean-Jacques Annaud
  • José Garcia, Vincent Cassel, Sergio Peris-Mencheta, Mélanie Bernier, ...
7
Palomas en la cabeza y falos de madera
Nacida de un extraño cruce entre un Terry Gilliam primerizo, no solo en su estilo formal entre desvencijado y barroco a lo pobre sino en el uso de una comicidad anacrónica y chocante muy propia del área de influencia de los Monthy Python, y “la trilogía de la vida” de Pasolini en su decidido aspecto de celebración vitalista donde lo fabulesco y lo mitológico son retratados de un modo abiertamente mundano. Un tratado de antropología inventada, de edades pre-homéricas en las que la convivencia entre el mito (a la cabeza ese expansivo sátiro, llamado Pan claro, que se folla todo lo que se mueve y lo que no se mueve también, no hay más que ver lo que disfruta del curvilíneo y acogedor tronco de un árbol con forma de posaderas) y en las que la cotidianidad constituye un “work in progress” religioso que da forma a las creencias sobre la marcha y en el que la maravilla y lo fantástico son cosa de todos los días. A Jean-Jaques Annaud se le termina por ir el invento de las manos víctima de excesos de todo tipo y el guión no sabe rematar la caricatura tragicómica como es debido pero el resultado final es un film verdaderamente insólito y por completo ajeno a cualquier sentido de la vergüenza (y también de la medida, es cierto) donde se abraza el primitivismo mediterráneo, el canto al erotismo (y más en tiempos de cine des-sexualizado) y a la sensualidad, la utilización sandunguera (y perfectamente coherente) de lo soez, lo escatológico y lo cruel, que logra dejar momentos tan memorables como la noche de luna que Minor y su amada pasan follando en la copa de un olivo rodeado de lobos, conviviendo con otras escenas pobre o equivocadamente resueltas en las que la caricatura se impone y el oficio de Annaud desaparece. Pese a todo un trabajo que no merece ni el olvido ni el desprecio (pese a lo comprensible de su fracaso) aunque solo sea por su audacia a (literalmente) calzón quitado, por lo evidentemente suicida de su propuesta, por su carácter de fiesta única, a veces grotesca y exagerada, simplona pero también divertidísima, donde aprender algo y olvidar otro tanto. Una leyenda descabellada en la que una belleza despampanante tiene celos de una cerda, donde un gorrino será sucesivamente: buen salvaje, imbecil, rey, nuevamente imbecil y finalmente hombre, donde una paloma decide el destino de un pueblecito y donde, al fin y al cabo todo o casi todo es posible.
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9 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mali svet (A Small World)
Mali svet (A Small World) (2003)
  • Serbia y Montenegro Milos Radovic
  • Miki Manojlovic, Lazar Ristovski, Branko Djuric, Bogdan Diklic, ...
5
Fábula de lo que pudo haber sido
Un film pequeñito, pequeñito, tanto que casi ni se le ve y sin ser más que eso merece un vistazo por sus buenas intenciones y su gracejo general que viene a ser algo así como la versión balcánica de las historias de vidas cruzadas que hicieron estragos en prácticamente todas las filmografías habidas y por haber. En este caso una serie de incidentes catastróficos con el epicentro en el hijo nonato del protagonista, que es nada menos que el narrador omnisciente de la peripecia, y desarrollada entre una tormentosa tarde y una coda que no puedo revelar. Simpática desde luego y lustrada por un "all star cast" de cuidado que además de reunir a los dos protagonistas de “Underground” recurre a varios de los habituales (y magníficos) secundarios de la escudería de Goran Markovic, con momentos muy graciosos, sobre todo ese descacharrante dúo de policias, buenos diálogos y un apreciable sentido del “gag”, tanto verbal como visual, haciendo uso de la repetición como arma cómica infalible. Maneja bastante bien su alambicado dispositivo narrativo y deja un par de buenas imágenes (la lágrima deslizándose por el generoso canalillo de la pastelera a la cabeza) pero a veces insiste demasiado en lo caricaturesco y sus interpretes resultan un tanto más histriónicos de la cuenta, amén de desprender cierta sensación incómoda de cortometraje alargado y rellenado.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Balkan Express
Balkan Express (1983)
  • 6,7
    32
  • Yugoslavia Branko Baletic
  • Dragan Nikolic, Bora Todorovic, Tanja Boskovic, Velimir 'Bata' Zivojinovic, ...
6
Ran so hard the sun went down
En mi relación (que casi parece romance) con el cine balcánico, hasta hace bien poco tangencial y gracias a la bondad de los extraños (guiño doble a Nick Cave y a Ian McEwan) amorosamente dedicados a la arqueología y a una mal pagada difusión, ahora ya considerable, comienzan a perfilarse una serie de curiosas interferencias y paralelismos que no deja de sorprenderme con el cine español e incluso más allá, se revelan no pocos rasgos culturales/vitales compartidos, especialmente el concepto (muy mediterráneo también) del pícaro y la picaresca. Si los trabajos de Ferreri y Berlanga reverberaban en “El espía de los Balcanes” y el Almodóvar más sucio asaltaba sorpresivamente en “Dos estranguladores andan sueltos”, en este “Balkan Express”, en estos supervivientes en el ojo de la desesperación, héroes a la contra, genuinos pícaros y entrañables zánganos que chocan brutalmente contra la historia y se ven arrastrados por una corriente que les obligará a bracear con un valor que hasta el momento les resultaba ajeno, aparecen prefigurados muchos de los rasgos de ese “¡Ay! Carmela” que sigue siendo de lo mejor de Saura. En ambos casos se experimenta una toma de conciencia que extrae un desprendimiento desconocido, una renuncia al más rampante egoísmo, una verdadera humanidad que obliga a los protagonistas a sobreponerse a lo que es su propia naturaleza: sobrevivir. En definitiva un film más que apreciable aunque no esté totalmente logrado, con una muy buena reproducción de época pero con una insuficiente puesta en escena, plana y casi televisiva, poco imaginativa en general y excesivamente funcional. Compensada, eso si, por unas excelentes interpretaciones (en especial Bora Todorovic con su rostro de pura derrota y Dragan Nikolic como el héroe más improbable) y por todo tipo de aciertos tragicómicos, desde lo más negro a lo costumbrista, que planean sobre la peripecia de esta banda de músicos de pega, vagos, ladrones y caraduras que recuperan (o conocen) la dignidad con genuina ternura explicitada en el bellísimo diálogo final; -“¿A quién quiere Popeye?”, -”A ti”.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Gracias y favores
Gracias y favores (1982)
  • 6,5
    552
  • Estados Unidos Bruce Beresford
  • Robert Duvall, Tess Harper, Betty Buckley, Ellen Barkin, ...
7
Los nuevos tradicionalistas
Un “americana” mezcla de sequedad y ternura que supone casi el último buen título (al menos hasta la nada despreciable “Paseando a Miss Daisy” y despues de ella, también) de Bruce Beresford, uno de los más interesantes directores de finales de los 70 y primeros 80 asombrosa y rápidamente devaluado tras este exitoso (y hoy olvidado) trabajo, el primero tras su soberbia etapa australiana. Beresford impone su estilo sobrio y un punto árido, basado en la fuerza de una puesta en escena y una planificación precisa y sin altisonancias llamativas, sobre cualquier posible tentación melodramática en esta historia de un acabado cantante borrachín que termina por rehacer su vida tras una monumental curda al conocer a la mujer y el muchacho que regentan la gasolinera y motel en el que se ha quedad tirado. Una historia de amor tan sincera como desnudada de folletín entre dos personajes necesitados que además usa con elegancia la belleza magullada del “country”, el único “blues” posible para los blancos, de los “honky tonk heroes” a los que cantaba Waylong Jennings como simbología vital y perfecta ambientación rebosante de autenticidad, planteando con inteligencia y modestia una (otra) relectura de los códigos del “western” en su vertiente “contemporánea”. Dramática, tierna, rugosa y sobretodo profundamente americana en esa segunda oportunidad, en esa posibilidad de rechazar el pasado pese a que el pasado siempre vuelva a asomarse, siempre vuelva a revolver el polvo.
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil