Fui a ver esta película con las expectativas altas:

- 6 nominaciones a los Oscar: Película, guión, fotografía, actor de reparto, actriz de reparto y banda sonora
- Dev Patel, que tanto nos conmovió en "Slumdog Millonaire" (a años luz de esta película) compartiendo pantalla con las estelares Rooney Mara y Nicole Kidman.
- Una historia que aparentemente parecía dar mucho de sí.

Pero mi gozo en un pozo. Y es que la academia cada día busca con más ímpetu resarcirse de los errores pasados. Pura fórmula: desigualdad social + actores de renombre + música trágica de piano = "éxito" asegurado.

Pero: ¿y el cine? ¿nos olvidamos del cine? La película es una sucesión de tomas de no más de un minuto, los planos apenas se aguantan, abusando de los cortes, y no da cabida a los excelentes actores, no da tiempo a empatizar con ellos, ya que cuando intentas conectar, han crecido un año, han cambiado su forma de pensar o pertenecen a otra familia (el que más me transmite es Sunny Pawar, a pesar de su corta edad). La banda sonora no innova, no vas más allá de una recurrente (y simple) melodía de piano que a más de uno seguro que le hace conmoverse, pero parece que nos obligan a sentirnos mal, y yo no caigo. No caigo en una historia que a medida que avanza pierde fuelle y no transmite emoción alguna, y menos aún con sus reincidentes flashbacks y delirios, que paralizan la historia y, sinceramente, cansan.

El personaje de Rooney Mara podría omitirse y la historia apenas cambiaría. Me parece desaprovechar una actriz con mucho talento.

Mención aparte la fotografía de Greig Frasier (también realizó este año "Rogue One"). Una maravilla, especialmente en la primera parte de la película, donde retrata los paisajes áridos y sobrepoblados de la India con especial belleza.

Respeto sus buenas intenciones pero a mi no me atrapa. Una más entre muchas.

"El universo es un vacío cruel e indiferente. La clave para ser feliz no es la búsqueda de sentido, es mantenerse ocupado con tonterías sin importancia. Entonces, eventualmente, estarás muerta”.

Con esta frase Mr. Peanutbutter, el Golden Terrier coprotagonista de la serie Bojack Horseman y reflejo de una filosofía nihilista activa, nos ilustra las diferentes capas de la serie.

A priori uno se enfrenta a Bojack como la prima-hermana de Padre de Familia: humor para adultos negro, absurdo y sexual impreso en un conglomerado de referencias pop. Y en efecto esa es la primera impresión que da la serie. Sin embargo, si una le da una oportunidad, se dará cuenta de que donde buscaba entretenimiento ligero de 25 minutos de duración encontrará el reflejo perfecto de sí mismo y de las emociones humanas en una serie que marca un cambio de paradigma en las series animación para adultos.

Cuando una serie comienza, el equipo no se conoce. Los personajes se van creando paso a paso: a medida que se suceden los episodios y temporadas , éstos “hablan” al equipo y desvelan matices inexistentes en su concepción. Así, cuando los guionistas, directores, actores de doblaje, animadores etc. se conocen entre ellos y conocen su forma de trabajo se produce un nuevo enfoque ajustado a los personajes y se disipa la niebla con la que uno se puede encontrar al empezar. Bojack tardó en encontrar su tono una temporada y media, pero se descubrió a sí misma y se convirtió, en mi opinión, en la mejor serie de animación para adultos desde Los Simpsons.

Bojack Horseman fue la estrella de la sitcom Horsin Around en los años 80. Reflejo de Charlie Sheen, vive de las rentas ahogado en alcohol y drogas tratando de escribir sus memorias con la ayuda de Diane, su ghostwriter particular y otra de las coprotagonistas de la serie. Profundizando en el pasado gris de Bojack, las heridas se abren, y el pus que emanan dará lugar a 6 temporadas donde, tapizadas por las alfombras rojas del panorama hollywoodense, veremos a nuestros protagonistas marchitarse y florecer, caerse y levantarse; atravesando realidades existenciales (la depresión “de caballo” de Bojack, la búsqueda fútil del sentido de la vida de Diane en un mundo de tiburones) y sociales (fracking, posesión de armas, aborto, campañas políticas...) que nos hacen preguntarnos como detrás de los dibujos de unos cuántos animales puede esconderse una realidad tan terrenal, que pondrá en evidencia tu propia humanidad. Creéme, vas a llorar.

Pero no todo van a ser lágrimas. Bojack Horseman nos deleita con un repertorio de humor absurdo, lingüístico, macabro y metacinematográfico y un sinfin de gags visuales, algunos evidentes y otros escondidos, como recurrentes remakes “animalizados” de obras de arte clásicas.
En este contexto las tramas de Todd, otro de nuestros personajes (humano, como Diane), son las más hilarantes y disparatadas.

Otro de los elementos clave de la serie es que pese a que gran parte de los capítulos son autoconclusivos, todas las acciones tienen repercusión por nimias que sean, formando verdaderos puzzles de acontecimientos que se ensamblan de forma magistral tanto dentro de una misma temporada (medalla de oro para la tercera) como dentro del conjunto de la serie, que cerró el broche este mismo 2020 con uno de los mejores finales de la historia de la televisión.

Así, de la mano de Bojack, Diane, Mr. Peannutbuter, Todd y Princess Carolynn (felina mánager de Bojack, que representa el súmmun de la concialiación del trabajo y la maternidad) y un trabajadísimo elenco de secundarios viajarás por un Hollywood plagado de autocrítica y, de camino, pararás en una selección de obras maestras: capítulos arriesgados en fondo y forma como “Fish out of water”, “Times Arrow” o “Free Churro” que bien merecen un ascenso allá donde vayan el “Ozymandias” de Breaking Bad o la Boda Roja de Juego de Tronos.

Como último consejo, recomiendo ver la serie en versión original por su sobresaliente casting de voces y la cantidad de juegos de palabras que se pierden en la traducción.

En conclusión, Bojack Horseman es una obra maestra tanto dentro como fuera del género de animación que combina el drama más humano y la comedia más poliédrica, arriesgando en estilo y evolucionando siempre a mejor.
Desde el universo cruel e indiferente de Bojack y Diane a las tonterías sin importancia de Todd y Mr. Peantbutter, todo sobresale en una de las mejores series de Netflix.

Julio, Agosto y Septiembre no son desde luego los mejores meses para ir a disfrutar de una película al cine. Desafortunadamente, las productoras/distribuidoras se guardan los caramelos para las Navidades y las temporadas de premios, donde el frío aprieta y la gente conoce qué películas están nominadas. Sin embargo, acabando el verano, nunca viene mal una aventura en crucero a pesar de los malos augurios que esperemos.

Yucatán, con Daniel Monzón como director ("Celda 211) y Jorge Guerricaechevarría como guionista, habitual de Álex de la Iglesia y del propio Monzón, se perfila como una alternativa aceptable, a pesar de que la crítica no acompaña.

Tras unos brillantes créditos iniciales Monzón nos presenta una comedia del arte del timo cuyo escenario principal es un crucero transatlántico, con un Rorigo de la Serna notable y un Luis Tosar con pelo y algo por debajo de lo que nos tiene acostumbrados, acompañados de una Stephanie Cayo preciosa y fuerte, que se come la pantalla y no se deja dominar por este par de gandules.

La película oscila entre lo musical, la comedia negra, el slapstick, el drama, la comedia familiar... Dando como resultado un conjunto en general satisfactorio pero con muchos peros.

El trabajo de la cámara es bueno, y a nivel técnico se ve estimulado por el elevado presupuesto. Sin embargo algunos efectos fallan, y si se observan con atención saltan a la luz ciertos gazapos.

El guión está pasado de vueltas en ciertas ocasiones, hay demasiados personajes y la trama se para y avanza a trompicones. Las últimas escenas son cuanto menos prescindibles y algunas situaciones se tornan histriónicas y chirriantes.

Presenta un reparto polifacético, con un interesado esfuerzo por mostrar las diferencias, aunque hay ciertos personajes que no pasan del cliché.
Como secundario destaca el papel de Joan Pera, doblador de Woody Allen, objeto central del timo, un panadero ganador de un bote de 160 millones de euros.

La reflexión moral de la película versa sobreel valor del dinero en contraposición del valor de la vida, un mensaje repetido en el cine hasta la saciedad, que sin embargo si consigue suscitar ciertas cavilaciones.

No es la película del mes, pero sí que hará que pases un par de horas entretenidos en tiempos donde la cartelera no estira el chicle.

David Lynch es uno de esos directores dispares, como Darren Arrofnosky, Yorgos Lanthimos o Lars Von Trier que o te encantan, o rechazas. He de decir que no conozco demasiado de Lynch, pero tras el visionado de "The Elephant Man" (1980) o "Mulholland Drive" (2001), esperaba una propuesta más alentadora.

La película está en vuelta en una atmósfera onírica (típica de este director), que nos cautiva y magnetiza con esos planos y enfoques a orejas, escaleras, o momentos mágicos como la canción que da nombre a la película. Sabemos que algo hay bueno, que David Lynch nos está tendiendo una trampa, que nos acabará sorprendiendo con alguna peripecia, algún giro de guión inesperado, algún "esto no era lo que tú pensabas, bellaco". Pero ese momento nunca llegó.

La película está plagada de situaciones absurdas y personajes ridículos inmersos en una burbuja delirante. Kyle MacLachlan y Laura Dern meten las narices donde nadie les llama para encontrarse con "otro mundo" perverso y sucio, en el que Dennis Hopper es el rey (de lo pérfido y de lo grotesco) e Isabella Rossellini la víctima. Todo ello hilvanado por el fortuito encuentro de una oreja humana mutilada.
Partiendo de esta base la película alterna escenas a la cual más escabrosa, solamente sostenida por la mano de Lynch en la fotografía y en la música, y por esa sensación de "aquí hay gato encerrado" que nunca llega. Quizás es eso lo que Lynch quiere, que caigamos en la trampa, que esperemos algo más para luego darnos con un canto en los dientes. Nunca conseguiremos entrar en la mente del director, eso está claro.

Así pues, lo que podía haber sido una buena película, queda reducida a una chapuza con toques de genialidad, puesto que carece de las tres cosas más importantes de una película: un buen guión, un buen guión y un buen guión.

Dirección: 8
Guión: 2
Personajes/actores: 2
Imagen y sonido: 8
Mensaje: 3

NOTA FINAL: 4,6/10

http://breakingcinemacj.blogspot.com.es/

Algo dentro de mi se inquietaba cuando la gente nombraba "La vida de Brian".

- ¿La has visto?
- Si... creo... la recuerdo, recuerdo que no me gustó...
- ¡Sacrilegio! ¡Lapídenlo! ¡Crucifíquenlo! ¡Échenlo a las fieras!

Sin más dilación, me propuse enmendar mi error con un segundo visionado, dispuesto a fusionarme con la plebe cantando "Always look on the bright side of life", con sus subsecuentes silbiditos pegadizos. Y... no la puedo considerar una obra maestra, ni por asomo.
La idea es original, sin duda, una estupenda sátira de la vida del Jesús histórico(*) a través de la vida de nuestro protagonista, Brian, el vecino de al lado de Cristo.
Cinematográficamente no es nada especial . El humor, ambiguo: una desproporcionada combinación de situaciones ingeniosas y graciejas infantiles (**) en forma de "sketches" propios de "Cruz y Raya", con personajes a menudo esperpénticos que buscan la risa tonta. Sin embargo, en conjunto se hace amena y divertida, y el cierre del filme, hace que a regañadientes, me una a cantar esa pegadiza canción...