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Críticas de primo gose
Críticas ordenadas por:
You're Gonna Miss Me
You're Gonna Miss Me (2005)
  • 7,2
    26
  • Estados Unidos Keven McAlester
  • Documentary, Roky Erickson, Patti Smith, Thurston Moore
7
Grey Gardens vs. Rock & Roll
Documental centrado en la situación personal a finales del siglo pasado del cantante de los 13th Floor Elevators, Roky Erickson, y la consiguiente batalla judicial entre la madre y los hermanos de nuestro demente protagonista por su custodia. A mayores, también encontramos un bastante somero retrato de la historia de Roky, más en el plano personal que el musical, que básicamente se desarrolla a través de entrevistas con gente de la más diferente ralea: desde sus ex, a uno de sus hijos, pasando por vecinos que simplemente pasaron una parte de sus vidas intentando ayudar al bueno de Roky hasta que se hartaron de su carácter, hasta llegar a sus hermanos, en especial al menor, Sumner. También incluye algunas entrevistas con otros músicos, todos ellos con mucho más dinero en sus bolsillos, explicando lo genial que es Roky, lo mucho que los ha influenciado y tal pascual (lo más prescindible de todo, da asco ver a Patti Smith diciendo chorradas que podrían decirse también de los discos de Julio Iglesias con su misticismo de a cinco duros el kilo). Pero la verdadera protagonista de la cinta es la enfermiza relación entre Roky y su madre, otra que estaba cómo unas maracas, pero gracias a la cual se conservan ingentes cantidades de material de Roky desvariando, actuando en películas caseras con sus hermanos rodeado de parafernalia pseudo new-age y miles de desechos acumulados tras años y años de síndrome de Diogenes en su punto.
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Joe, ciudadano americano
Joe, ciudadano americano (1970)
  • 6,4
    129
  • Estados Unidos John G. Avildsen
  • Peter Boyle, Dennis Patrick, Susan Sarandon, Audrey Caire, ...
8
Pues si que paso en la realidad esto, si
Lo pongo en el spoiler para no fastidiarle la peli a nadie. En serio, si no la habéis visto ya, no lo leáis

Ya que estamos: primera aparición de Susan Sarandon en pantalla y en general fantástico trabajo actoral. Recomendable, y mucho, para cualquier fan del cine setentero americano. Además estamos hablando de uno de los primeros trabajos de la mítica Cannon, ojito.
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Owning Mahowny
Owning Mahowny (2003)
  • 6,5
    182
  • Canadá Richard Kwietniowski
  • Philip Seymour Hoffman, Minnie Driver, John Hurt, Maury Chaykin, ...
6
Canada rockea
Drama sustentado en las actuaciones de su duo protagonista y un John Hurt ofreciendo un contrapunto cómico al asunto. La peli falla un tanto en su excesivamente descriptiva primera parte, lo que provoca que la historia de vueltas sobre si misma sin que se de ningún desarrollo de interés, para acabar remontando gracias a la parte final, en la que se nos cuenta lo realmente jugoso de este relato, basado en hechos reales.

Curiosamente la primera parte es la más personal, pero está tan obsesionada en estilizar los personajes que acaba haciendo que estos se vuelvan antipáticos. Ello nos ahorra cualquier posible ñoñeria, pero el hecho de no profundizar en absoluto en la psicología de los protagonista resta también cualquier tipo de emoción. En la segunda la cosa se mueve en un estilo algo más cercano al de los grandes narradores de este estilo de historias (Scorsese, por ejemplo) y gana en consistencia lo que se pierde en carácter.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Matanza en la Décima Avenida
Matanza en la Décima Avenida (1957)
  • 6,6
    26
  • Estados Unidos Arnold Laven
  • Richard Egan, Jan Sterling, Dan Duryea, Julia Adams, ...
8
Yo llegué aquí por Mick Ronson, pero me quede por el servicio técnico.
Policíaco con ribetes noir que en su inicio puede llegar a parecer un clon de combate de On the Waterfront visto desde el otro lado de la barrera... pero no, tiene su chicha la cosa. Sin ser una obra maestra, puede presumir de una sensación de libertad narrativa en su desarrollo que me parece muy poco habitual en la época... a veces hasta casi se puede llegar a entrever un jirón de los nuevos cines que surgirán con fuerza comercial en Europa al principio de la siguiente década. Y todo ello gracias a sus 103 minutos, que le permiten huir del esquematismo de otras cintas de serie B del ocaso del cine negro americano y la rigidez cromática a la que obliga contar una historia en el menor tiempo posible. La película, pues, incluye giros humorísticos, escenas de tensión y acción, drama judicial y funcionarial, etc. A mayores, mencionar la partitura de Richard Rodgers, con un tema principal dinámico y tenso como una navaja de Taramundi.

En el debe del film, además de algunas actuaciones de las que dan algo de carraspera, una cierta sensación de ser una película de servicio público con un mensaje moralizante un tanto ingenuo.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
En tinieblas
En tinieblas (1939)
  • 6,9
    43
  • Estados Unidos William A. Wellman
  • Ronald Colman, Walter Huston, Muriel Angelus, Ida Lupino, ...
6
El melo clásico, vaya drama
En Tinieblas es un melodrama de época adaptación de otro relato colonial de Kipling, que incluye alicientes típicos de la era "dorada" de Hollywood (buen pulso, actuaciones enérgicas y glamourosas, algunos buenos dialogos, etc.), pero también con varios tics de esa misma era a los que no les ha sentado bien el paso del tiempo (personajes demasiado entregados a ideales rancios con ganas, coincidencias un tanto forzadas, etc). Pero lo más desconcertante es algo bien inusual en la época: la falta de un centro narrativo. Vamos, que no queda muy claro que quiere contar Wellman. Leyendo opiniones de gente que también ha leído el relato de Rudyard Kipling parece claro que este se centra en el fracaso de la experiencia humana, un tema demasiado rotundo y oscuro para el Hollywood del código y que intenta suavizarse de algún modo, lo que acaba resultando un lastre. Quizás una revisión de la película, desde el punto de vista menos ampuloso, más mesurado y sin un concepto moral del cosmos del cine actual podría soportar una trama tan poco centrada cómo esta, pero en un film de 1939 la sensación de extrañeza hace inevitable acto de presencia.

A pesar de todo ello la película, que consiguió mantener mi interés durante casi todo su metraje, tiene varios momentos brillantes. En especial cabe citar las escenas compartidas por Colman y Lupino, que hacía aquí su primer papel relevante, por lo que si sois flans irredentos de alguno de los dos, ignorad completamente las pegas que le pueda poner un cualquiera como yo y adelante.
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Más allá del bosque
Más allá del bosque (1949)
  • 7,0
    546
  • Estados Unidos King Vidor
  • Bette Davis, Joseph Cotten, David Brian, Ruth Roman, ...
3
Camp en el campo
Hoy en día ver una cinta protagonizada por Bette Davis es un ejercicio de masoquismo de lo más refinado. Está claro que la ¿buena? mujer tenía una pila de recursos interpretativos... demasiados para su propio bien, de hecho. Por que en demasiadas ocasiones su forma de usarlos, cual mono con una metralleta en pleno ataque de epilepsia, me hace preguntarme cómo consiguió el status de Meryl Streep de su época y porqué sigue existiendo un culto a su alrededor que consigue que incluso cintas tan flojas como esta obtengan un notable en esta sacrosanta web. Y si encima, a sus no muy bien llevados 41 años la ponen en un papel de mujer de rompe y rasga capaz de hacer perder el norte a un David Brian 6 años más joven que ella, a uno no le queda mas remedio que maravillarse por la categoría de los pecados de King Vidor para tener que dirigir el mismo año otra cinta tan ridícula como El Manantial. Tan descabellada suena esta premisa que la propia Bette, tras pedirle a Jack L. Warner que usase a Virginia Mayo para este papel (una elección de lo más juiciosa, si señora), le dijo que solo trabajaría en esta producción si le rescindía el contrato con la Warner Brothers... lo que le permitió rodar a continuación Todo Sobre Eva.

Por si esto no os parece ya un mérito lo suficientemente espectacular como para recomendar el visionado de Más Allá del Bosque, la película ha alcanzado otros cuantos logros que en nuestras vidas vamos a conseguir las pobres sombras que visitamos esta web. Por ejemplo, esta es la cinta en la que Bette escupe ese "What a dump!" por el que pregunta insistentemente Elizabeth Taylor a Richard Burton en la igualmente excesiva Quien Teme a Virginia Woolf. Tampoco debe desdeñarse su inclusión en una lista tan prestigiosa como "The 100 Most Enjoyably Bad Movies Ever Made" en THE OFFICIAL RAZZIE® MOVIE GUIDE, lista de indudable prestigio. Pero sobre todas las cosas, lo que más me ha gustado de esta cinta fue (continuo en el spoiler)
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Nunca en domingo
Nunca en domingo (1960)
  • 6,9
    666
  • Grecia Jules Dassin
  • Melina Mercouri, Jules Dassin, Giorgos Foundas, Titos Vandis, ...
8
El dualismo occidental ataca de nuevo 2
Emocionante película... si le pillas el punto. Si ese no es el caso es la típica cinta en la que uno puede acabar de mala hostia por lo maniqueo de su planteamiento y lo bufo de su desarrollo. En cierto sentido me ha recordado a otra fábula cinco años anterior, Comida Sobre La Hierba de Jean Renoir; ambas contraponen de forma bastante brusca dos formas de entender el mundo, una racional y otra emocional, sin atender en ningún momento a las zonas de sombra ni a los solapes entre pensamiento y sentimientos. Pero al contrario que en la cinta de Renoir, la forma de mostrarlo, llena de humor y joie de vivre, sin regañinas ni grandes aspavientos, me ha acabado enganchando a pesar de mis iniciales reticencias y de una actuación del propio Jules Dassin más pasado de rosca que Lina Morgan multiplicada por Millán Salcedo... bueno, igual tanto no, pero nos entendemos :)

Ojo, los que esperen aquí al Dassin de los filmes noir, se pueden llevar una hostia de considerables dimensiones. Esta cinta no tiene nada que ver con la aspereza y sequedad de The Night and the City o Rififi, la cosa, como ya se ha dicho, va más por el camino bufonesco de Tobacco Road de John Ford o God's Little Acre de Anthony Mann.

Y para acabar, ¡todos a la playa!
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
De repente, un extraño
De repente, un extraño (1990)
  • 6,0
    6.049
  • Estados Unidos John Schlesinger
  • Michael Keaton, Melanie Griffith, Matthew Modine, Beverly D'Angelo, ...
8
Digna del Brian de Palma más tramposo
Thriller ochentero muy bien facturado. Lo que me ha llamado especialmente la atención lo pongo en el spoiler.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Burden of Dreams (Un montón de sueños)
Burden of Dreams (Un montón de sueños) (1982)
  • 7,3
    278
  • Estados Unidos Les Blank
  • Documentary, Werner Herzog, Klaus Kinski, Claudia Cardinale, ...
6
Mucho mejor ver Mi Enemigo Intimo, pero tiene un pase
Como dice Paropo, Mi Enemigo Intimo es más reveladora. Este documental se centra sobre todo en los problemas logísticos y en las relaciones con los indios durante la grabación de Fitzcarraldo. Y cuando todo el mundo sabe que buena parte de la salsa la puso Klaus Kinski y sus recurrentes locuras, pues este documental se queda muy a medias. Pero para solucionar eso, gracias a dios, tenemos Mi Enemigo Intimo (que nunca me cansare de recomendar).

La cinta está bastante influida por la promesa que Herzog hace a los indios de hablar de su lucha por la propiedad de las tierras en las que llevan habitando todas sus vidas. Así que en alguna ocasión la cosa se transforma en el típico folleto bienintencionado de denuncia de la opresión a la que se ven sometidos los indígenas, aunque sin cargar demasiado las tintas. Ya sabemos que el reino de Herzog nunca ha sido de este mundo.

En fin, si Fitzcarraldo es una de vuestras películas de cabecera, estáis de suerte. Sumando la visión de este documental a la de Mi Enemigo Intimo podemos obtener una visión panorámica del rodaje de Fitzcarraldo que se mea por los "making of" tradicionales. Ya sabéis, esas promos en las que los actores de turno nos aseguran con cara de aburridos lo excitante que resulta la cinta de turno.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El discípulo del diablo
El discípulo del diablo (1959)
  • 6,5
    154
  • Reino Unido Guy Hamilton, Alexander Mackendrick
  • Burt Lancaster, Kirk Douglas, Laurence Olivier, Janette Scott, ...
6
Un MacKendrick a medias (como mucho)
El Discipulo del Diablo está basada en una obra teatral de George Bernard Shaw, pero ello no supone tener que aguantar el típico acartonamiento de las adaptaciones fílmicas del teatro: los escenarios cambian constantemente e incluso hay escenas rodadas en exteriores con un buen número de extras. Tampoco las interpretaciones recuerdan en ningún momento el origen en las tablas del guión, algo que podía esperarse de Laurence Olivier, pero no es el caso.

Sin embargo la película adolece de una falta de pulso que impide que pueda ser considerada como una obra maestra. El tono varía de unas escenas a otras de forma brusca, y cuándo se llega a la escena en la que Lancaster se interna en el cuartel de los casacas rojas yo me quede a cuadros; de un drama (tratado con una cierta ligereza, eso si) se pasa de repente a una escena de comedia absurda y delirante, en la que Lancaster más parece un superhéroe que una pastor presbiteriano como dios manda.

Quizás la respuesta a este repentino cambio de discurso se deba a los 2 diferentes directores que tuvo la película. En efecto, la cinta fue comenzada por el gran Alexander MacKendrick, y fue sustituido a causa de su excesivo perfeccionismo por el artesano Guy Hamilton, posteriormente, director de 4 películas de la saga Bond. Aún que quizás no sea MacKendrick el responsable de la escena de Lancaster en el cuartel, se hace difícil creer que no sea él quien filmo la escena del juicio en el que se enfrentan los personajes de Olivier y Kirk Douglas, cargada de un sano cinismo y dotada de los mejores diálogos de la cinta. Lo mismo puede decirse de la escena en la que la mujer del pastor va a visitar a Douglas en su "calabozo", una de las más divertidas de la cinta.

Otras escenas sin embargo, no alcanzan, a mi parecer, el fin pretendido. Por ejemplo, la del primer encuentro entre Lancaster y Douglas en el cementerio, aunque sirve para presentarnos a los personajes y sus diferencias, no acaba de funcionar como escena de comedia, que parece ser lo pretendido, lo que deja a uno con un sabor muy extraño en la retina.

¿Qué nos queda entonces? Por una parte una serie de memorables escenas, casi todas ellas protagonizadas por el personaje de Laurence Olivier (el histórico General Burgoyne), y por otra una película, en conjunto, deslavazada, y a ratos un tanto confusa para quienes no estamos familiarizados con la guerra entre los colonos americanos y la metrópolis británica, aunque lo realmente importante es la historia de crecimiento personal de los personajes de Lancaster y Douglas.
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12 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Target: Agente doble en Berlín
Target: Agente doble en Berlín (1985)
  • 5,6
    897
  • Estados Unidos Arthur Penn
  • Gene Hackman, Matt Dillon, Gayle Hunnicutt, Victoria Fyodorova, ...
5
Cine palomitero
Mal lo debía estar pasando Arthur Penn para aceptar este alimenticio encargo. Extraño, porque su anterior cinta, Georgia, sin ser ninguna maravilla, resulta mucho más interesante y propia de Penn que este ejemplar de cine comercial 80s, que incluye algunos de los tics más molestos de la década de los colorines: persecuciones a tutiplén que parecen incluidas a mayor gloria de los especialistas que las rodaron, mensaje ideológicamente plano, historia de superación y reencuentro vital más que previsible, etc. Penn intenta compensar estas concesiones dando un tono un tanto melancólico a las escenas más reposadas del metraje, pero sin que en ningún momento estas lleguen a emocionar o a causar una reflexión que pueda ampliar el horizonte del espectador. Además el guión deja algún que otro cabo suelto (ver spoiler).

Aún así, a pesar de sus evidentes defectos, la película se sigue con un cierto interés. Y a ello contribuye más que ningún otro factor la presencia de ese superdotado de la interpretación que es Gene Hackman; no que su labor resulte sobresaliente, pero siempre reconforta ver un actor que no tiene que forzar absolutamente nada para resultar creíble. Su actuación parece tan natural como el respirar; es como ver vídeos de Carl Perkins, en los que su forma de cantar parece brotar del mismo modo que el agua de una fuente. Por otra parte, ni Matt Dillon ni el resto del reparto desentonan o resultan poco creíbles, lo que eleva esta cinta, que podría resultar completamente vacua e insufrible en manos de otros, a la categoría de entretenimiento más o menos digno
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cardenal
El cardenal (1963)
  • 6,9
    1.204
  • Estados Unidos Otto Preminger
  • Tom Tryon, John Huston, Romy Schneider, Patrick O'Neal, ...
8
El catolicismo hecho fácil
El Cardenal es un extenso drama muy típico de la producción sesentera de Otto Preminger, y que a modo de compendio de toda su carrera, ribetea otros géneros anteriormente transitados por el vienés. Así nos encontramos rozando el melodrama durante los pasajes dedicados a la hermana del protagonista, de un tono más o menos cercano a Buenos días tristeza; el film político, al estilo de Tempestad sobre Washington, en el episodio anti-racista y el final vienés; la película romántica, a lo Rio sin retorno, en el escarceo secular de Tom Tryon en Viena, e incluso el drama puro y duro mientras el gran Burgess Meredith se adueña de la pantalla. Y ello sin olvidar los apuntes cómicos, casi todos ellos de la mano de un John Huston superlativo, un verdadero animal de la pantalla en el que es su papel más relevante como actor, ni la mirada casi etnográfica a los rituales vaticanos, en los que Preminger parece disfrutar parándose a contemplar todos sus detalles.
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9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Torero a la fuerza
Torero a la fuerza (1932)
  • 5,3
    35
  • Estados Unidos Leo McCarey
  • Eddie Cantor, Lyda Roberti, Robert Young, Ruth Hall, ...
4
Eran otros tiempos
Película rodada para mayor gloria de su protagonista, el cómico y cantante Eddie Cantor, plena de enredos y situaciones absurdas, pero aún así previsible desde su mismo principio. Por cierto, el argumento que se describe en esta página no se corresponde al 100 % con el de la copia que yo he visto. En esta última Eddie Cantor es americano (su presunta nacionalidad española es solo otro de los enredos del film) y se traslada desde los EEUU a México. Me imagino que en otros doblajes se cambiaron estos detalles, que en realidad no cambian nada la historia; no es un nuevo "caso Mogambo", vamos.

Cómo muchas otras cintas cómicas de esta época, su principal fallo se encuentra en lo fragmentario de su devenir; es decir, los diferentes episodios que componen el relato están mal engarzados entre si, abundando las digresiones que no aportan nada a la historia. Si bien, como ya he dicho, esto es una característica común a muchas comedias de esos años, como por ejemplo la marxiana Sopa de Ganso, del mismo Leo McCarey, hay que señalar que la debilidad de muchas de las situaciones, que para mi gusto, no poseen interés o gracia algunos, sitúan la película muchos escalones por debajo de la obra maestra de los Marx. En fin, el principal problema es el romo tipo de humor que escenificaba Eddie Cantor (especie de Lina Morgan de la época, y en cierto modo precursor de Jerry Lewis), cuya vigencia y frescura no pueden equipararse a la de los grandes monstruos de ese periodo que todos tenemos en mente. Y eso sin contar lo difícil que resulta creer que una persona de 40 años (la edad de Cantor al rodar el film) siga en la universidad. Aún así hay escenas salvables, como la huida del banco, o la primera aparición de Cantor en pantalla.

La cinta además está aderezada con un par de coreografías de Busby Berkeley, que se nota que fueron rodadas en los días previos a la (auto)imposición del celebérrimo Código Hays (léase, que se ve más carne de lo habitual), así como por varios números musicales para mayor lucimiento de Eddie Cantor, que canta (valga la aliteración) con su histrionico estilo, claramente anterior a la instauración de los micrófonos eléctricos.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Comida sobre la hierba
Comida sobre la hierba (1959)
  • 6,9
    388
  • Francia Jean Renoir
  • Paul Meurisse, Catherine Rouvel, Charles Blavette, André Brunot, ...
6
El dualismo occidental ataca de nuevo
Comedia bufa que contrapone de una forma un tanto gruesa los supuestos valores de la ciencia con la pasión. Y digo supuestos porque la ciencia no tiene unos valores fijos e inmutables, sino los que nosotros queramos atribuirles. La ciencia no defiende una sociedad mecanizada (como bien saben los seguidores de la física cuántica), por lo que me parecería mucho más interesante criticar los rasgos de autoritarismo que esconden los discursos científicos que asustar con la deshumanización de las relaciones personales cómo hace Renoir. Por cierto, que el mensaje de esta película me ha recordado en cierto modo al discurso de Jacques Tati.

Entre las fallas más evidentes de la película, la más grave es la falta de profundidad de los personajes, meros estereotipos con patas, cuya única misión consiste en dejar bien claro el mensaje que Renoir intenta inculcarnos. Y que conste que estoy de acuerdo con lo que dice, pero me parece un tanto innecesario recordarlo. Tampoco ayudan las interpretaciones de los actores, exageradas, bufonescas y faltas de recursos (Cfr. la escena en la que los primos del protagonista aparecen en casa de la campesina). Aún así la película se ve con agrado, y algunas de las situaciones, vistas con la adecuada predisposición, bien pueden arrancar una sonrisa.
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4 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esta tierra es mi tierra
Esta tierra es mi tierra (1976)
  • 6,9
    570
  • Estados Unidos Hal Ashby
  • David Carradine, Ronny Cox, Melinda Dillon, Gail Strickland, ...
8
Ese Hollywood
Biopic ligeramente basado en el libro "Bound for Glory" escrito por Woody Guthrie, que a su vez está también ligeramente basado en su propia vida. En la película solo se exponen las experiencias relatadas entre 1936 y 1940 y se ignora su crianza en Oklahoma, que si relata el libro. El título español de la película, que es el de su más famosa canción, no viene a cuento pues, ya que "This Land Is Your Land" no fue compuesta hasta la llegada de Guthrie a New York.

La película, como todas las de Hal Ashby en esta época, destaca por su equilibrio entre la melancolía y la celebración de la vida. Aunque, en mi opinión, la cinta no está a la altura de "Harold y Maude" o "El Último Deber" ello no quiere decir que no sea disfrutable. Por otra parte, hay que señalar que la vida de Guthrie se distorsiona claramente para darle un tono más epico a la narración (ver spoiler), como no podía ser menos en Hollyfoz, y por mucho que los 70s fuesen una época extraña en la ciudad de los sueños.
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12 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
La noche deseada
La noche deseada (1967)
  • 6,4
    336
  • Estados Unidos Otto Preminger
  • Michael Caine, Jane Fonda, Faye Dunaway, John Phillip Law, ...
7
Ondia, prime
Primero tengo que decir que de la puesta en escena no puedo hablar con propiedad, ya que la copia que he visto es la del VHS que se edito en su momento, en el que el cinemascope se recorta para adaptarlo al televisivo formato 4:3. Ello, evidentemente, arruina gran parte de los planos.

Según la crítica oficial a partir de El Cardenal se inicia una curva descendente en la carrera de Otto Preminger. Aunque no cabe duda de ello, tampoco debe menospreciarse por ello esta cinta, que aunque no atesora algunas de las cualidades más típicas de su cine en lo concerniente al guión, este está magnificamente engarzado. En fin, que el film reune el suficiente interés y está lo suficientemente bien narrado como para estar pendiente de lo que ocurre durante sus, quizás abultados, 145 minutos.

Lo más desconcertante para el habitual del cine de Preminger es el planteamiento maniqueo de esta película. Así el personaje de Michael Caine resulta excesivamente caricaturesco en ocasiones, ya que en contadas ocasiones se intenta mostrar y explicar la génesis de su egoísmo. Menos mal que Caine hace creíble cualquier personaje que aborde, porque sino la película si se podría haber resentido. También por suerte el papel del juez racista recae en el soberbio Burgess Meredith, ya que la parodia podría haber resultado excesiva para un drama de la seriedad de esta cinta (ojo, también se incluyen momentos más o menos humorísticos, casi todos a cargo de la familia del juez).

Más matizados resultan los "buenos". El personaje de Faye Dunaway (que realiza una notable labor en su primera película) bascula de forma maravillosa entre el apoyo a su marido y el pragmátismo más terrenal, sin que en ningún momento quepa dudar de la verosimilitud de sus motivaciones. También Thomas Ewell, el soldado recién retornado de Europa, encarnado por Loring Smith, está definido de una forma creíble y concisa, aunque su actuación no es precisamente memorable, en mi opinión. Me encanto la escena en la que tras la muerte de la madre de Reeve Scott (Robert Hooks) y el silencio de este, a Ewell le sale toda la educación racista que ha recibido, a pesar de todo el aprecio que siente por la familia Scott. Muy notable actuación de Jane Fonda, en el papel con más chicha y también, al igual que en el caso de Faye Dunaway, de los mejor delimitados. El papel de Robert Hooks, también encarnando a un ex-soldado, es el menos atractivo de todos, ya que se trata del típico hombre-de-una-pieza que acaba y empieza la película sin aprender absolutamente nada por el medio. Más interés reune el desempeñado por Diahann Carroll, pero por desgracia no juega más que un papel secundario (y un poco tramposo, una de sus intervenciones casi puede considerarse un deus-ex-machina, pero quizás estoy siendo excesivamente severo).

En definitiva, en mi opinión un buen film, disfrutable para cualquiera con gusto por los dramas sureños o con discurso antiracista, tan en boga por aquellos años.
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12 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Inocencia y juventud
Inocencia y juventud (1937)
  • 6,6
    1.706
  • Reino Unido Alfred Hitchcock
  • Derrick De Marney, Nova Pilbeam, Percy Marmont, Edward Rigby, ...
6
Pero esta película no se llamaba "Falso Culpable"?
De nuevo una película del gordo basada en un falso culpable. En el libro de conversaciones con Truffaut este le comentaba que todas sus películas acaban tarde o temprano por convertirse en la crónica de una persecución. En esta ya se empieza con la persecución practicámente desde la 3ª escena. La película sigue pues el esquema de otras como "39 Escalones" o "Con la Muerte en los Talones", aunque para mi gusto se situa muy por debajo de estas, a pesar de que cuenta con algún chiste excelente.

La principal remora que le veo a la película son las actuaciones de la pareja protagonista. Él está correctito, a lo sumo, y siendo generoso. Lo de la actriz principal (ni saberle el nombre quiero) es de juzgado de guardia. Nefasta actuación llena de mohines insoportables para mi (escasa, la verdad) paciencia.

Por otra parte tampoco me parece que Hitch se luciera mucho en el montaje de las secuencias de acción, sobre todo en aquellas en las que el coche se convierte en el protagonista.
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12 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Broadway Danny Rose
Broadway Danny Rose (1984)
  • 7,4
    8.141
  • Estados Unidos Woody Allen
  • Woody Allen, Mia Farrow, Nick Apollo Forte, Sandy Baron, ...
9
Nena, soy un perdedor, amame
De mis películas favoritas de Allen en los 80s, en mi opinión solo superada o igualada por Zelig y La Rosa Purpura del Cairo, film este último claramente emparentado con la película que nos ocupa por cuanto en ambos existe una cierta mirada nostálgica a diferentes formas del entretenimiento popular del siglo XX.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una mujer en la playa
Una mujer en la playa (1947)
  • 6,8
    1.040
  • Estados Unidos Jean Renoir
  • Joan Bennett, Robert Ryan, Charles Bickford, Nan Leslie, ...
6
Incomprensible a ratos
Yo no le pido a una película que sea realista; no tengo ningún problema en aceptar que Superman vuela, que las familias de las screw ball de los 30's sean todas ricas y otras cosas por el estilo. Pero si tengo un problema con las películas en las que las motivaciones de los personajes son tan poco coherentes como esta. Y reconozco que en la vida uno puede tener motivaciones que entran en conflicto, pero en una película se necesita explicar un poco mejor porque los personajes actúan como actúan.
En el caso de los personajes de Bickford y Ryan está claro. El primero es un amargado que solo puede tomarse la vida como un juego cruel, y se comporta en consecuencia con ello. El segundo es una persona confusa, y que espera satisfacer sus frustraciones emparejándose con una mujer a la que considera superior a él. Por desgracia la película se centra demasiado en el personaje de Ryan, que no sufre ninguna transformación a lo largo del film: empieza confuso (excepcional secuencia onírica del principio) y acaba aún más confuso. Sin duda la película ganaría si se centrase más en el pintor ciego y amargado, y la verdad no entiendo porque no lo hicieron así.
Caso diferente es el de las motivaciones de la exquisita Joan Bennet, que cambian, en mi opinión demasiado repentinamente, y sin que las explicaciones que la película ofrece se me antojen lo suficientemente convincentes. Sigue en el spoiler.
Y ello se debe, creo yo, a los cortes que sufrió la película, que a mi juicio extraen información del mayor interés para comprender, es decir, para poder ponerse en la piel de los protagonistas, sin duda algo esencial en todo film, pero aún más en un drama como el que nos ocupa. Para nada estoy de acuerdo con los usuarios que señalan que los cortes le dan una mayor fuerza narrativa a lo relatado, como, incidentalmente, si me parece que pasa en "La Parada de los Monstruos".
A pesar de todo ello si se dan unos ciertos elementos o secuencias en la película de gran fuerza, como los ya mencionados sueños (ese plano en el que la cara de Joan Bennet emerge de las llamas me parece de lo más vigoroso rodado por Renoir en toda su carrera), o la escena en la que Ryan y Bennet se encuentran por la noche en el barco encallado en la playa del título.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Se armó la gorda
Se armó la gorda (1971)
  • 6,8
    2.483
  • Reino Unido Ian MacNaughton
  • Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, ...
7
Mejor que el Flying Circus
Por dos razones.

1. Se concentran los mejores sketches, según el criterio de los autores, claro, no con el de cada uno de sus seguidores.

2. No hay risas enlatadas como en la serie, que es el peor truco de la historia de la televisión, y el que a mí más me repatea.

Y también tecnicámente es mejor; cuando existe un cambio de interiores-decorado a exteriores no hay esos cambios tan bruscos de iluminación que se dan en la serie.

En el debe de la película figuran algunos movimientos de cámara pretendidamente elegantes, que supongo serán cosa del ego del director.

Esperando que me destripen los fans de la serie me despido atentamente.
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4 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil