Star (Sasha Lane) se encuentra atrapada en una vida que no siente como propia cuando tiene su primer encuentro con Jake (Shia LaBeouf), con quien siente una atracción inmediata, y su diverso grupo de amigos. Asfixiada por responsabilidades que le han sido delegadas, decide emprender el viaje hacia una nueva vida en busca de la anhelada libertad.

Uno de los reclamos de American Honey es la construcción del relato gracias a la magistral elección y uso de la banda sonora, que Andrea Arnold (Fish Tank, 2009) reconoce que ha sido dada por los propios personajes y que funciona como narrador de la historia. Apareciendo en la mayoría de los casos como música diegética, las letras de artistas como Rihanna, Bruce Springsteen, Big Sean o Lady Antebellum dejan de ser simples canciones y se convierten en la definición de una generación.

La supervivencia como estilo de vida se convierte en protagonista en esta road movie donde los personajes son el reflejo de una juventud salvaje y con ansias de libertad. Ganar dinero es la meta de estos jóvenes que se presentan como víctimas del mundialmente conocido sueño americano. American Honey se transforma así en un retrato de América y los Estados Unidos, del discurso de la igualdad de oportunidades y el rechazo a la libertad, de la defensa de unos valores y la contradicción de los actos. En definitiva, se trata de un reflejo repleto de contradicciones donde la realidad irrumpe con fuerza haciendo añicos todo sueño.

A través de una fotografía natural alejada de todo artificio y empleando el formato 4:3 para enfatizar los primeros planos, el objetivo de Arnold logra captar las sensaciones de Star durante el viaje, donde constantemente se persigue el registro de elementos de la naturaleza que ensalcen la vida que, según la madre de Star, proviene de estrellas muertas.

American Honey es una crítica a las falsas promesas de éxito aderezada con drogas y alcohol, un retrato de la cruda realidad que vive la juventud americana magníficamente interpretada por el reparto principal. Pero también es un canto a la esperanza, a la ilusión de encontrar aquello que deseamos donde menos lo esperamos. Porque, tal y como canta Rihanna, encontramos el amor en un lugar sin esperanza.

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Eva (Evan Rachel Wood) y Nell (Ellen Page) son dos hermanas que viven junto a su padre (Callum Keith Rennie) en una casa inteligente en mitad del bosque. Como producto del desarrollo tecnológico, todas sus funcionalidades quedan inutilizables con la ausencia de energía eléctrica. Un apagón que afecta a todo el país, obligará a la familia a recuperar un estilo de vida más primitivo e independiente de la electricidad.

Como si estuviesen experimentando un estado de fuga, las hermanas han olvidado cómo era la vida antes de la tecnología y la supervivencia les obliga a adaptarse al medio, concibiendo cada vez con mayor normalidad la situación en la que se encuentran. Sin embargo, la transformación de su modo de vida no será tan fácil cuando descubran su dependencia de la energía eléctrica, haciendo aflorar sus diferencias y sumiéndolas en un estado de pánico constante.

Mediante unos planos iniciales muy evocadores, Patricia Rozema introduce a las protagonistas y las diferencias entre ambas: Eva, caracterizada por su amor incondicional hacia la danza y una obsesión por conseguir la perfección artística muy próxima a la de Nina en Cisne Negro (Darren Aronofsky, 2010), se presenta como la hermana mayor y responsable; Nell, estudiante de medicina, destaca por su carácter sociable y rebelde. Ambas tendrán que resolver sus diferencias y mantenerse unidas para hacer frente a la escasez de suministros, incluso si esto conlleva negarse cosas que consideran vitales y esenciales para mantenerse cuerdas en un ambiente tan hostil.

En cuanto a las localizaciones, es realmente interesante el emplazamiento de la casa de las protagonistas, convirtiéndose en una crítica a la propia tecnología que nos impide ver más allá de las pantallas que nos retienen entre paredes y nos privan de disfrutar del universo natural que nos rodea. Dicha naturaleza es un elemento omnipresente en todo el filme que, a través de encuadres muy cuidados, logra hacerse un hueco en cada plano. Pero, ¿qué ocurre cuando las pantallas se apagan? El verdadero carácter sale a la luz y se inicia una lucha entre iguales que no saben cómo administrar los recursos disponibles, introduciendo la ley del más fuerte promulgada por Darwin.

Atendiendo a la banda sonora pero muy especialmente a los efectos de sonido, el personaje de Eva adquiere especial relevancia. La música es el combustible que la mantiene activa y el apagón genera en ella una agonía que necesita contrarrestar. El metrónomo se convierte en la solución a sus anhelos musicales, adoptando el papel de su propio corazón que late gracias a su razonable y justificado amor por el baile.

En el bosque es una historia sobre la humanidad y su capacidad de supervivencia a través de los ojos de dos hermanas que tienen que hacer frente al miedo, el aislamiento y la violencia. Es un relato sobre qué pasaría si lo que damos por hecho desapareciese de repente y cuáles serían las consecuencias de nuestro propio egoísmo como seres humanos. Una historia donde la capacidad de reinventarse y empezar de cero son la única solución.

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Treinta y dos años después de que los Cazafantasmas liderados por Bill Murray detuvieran la invasión fantasmal que asolaba Nueva York, la ciudad vuelve a llenarse de ectoplasmas. Y esta vez, el equipo compuesto por los doctores Venkman, Stantz y Spengler no es la solución. ¿A quién vas a llamar?

La realización de un reboot siempre es analizada con una mirada muy crítica. El caso de Cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984), considerada un clásico de los 80 y una de las mejores comedias de la historia, ha generado un notable rechazo. ¿Cuál es la razón? Hay que ser muy valiente para ponerse al frente de una película heredera de un clásico de tales proporciones y más aún si pretendes hacer un remake. Sin embargo, no estamos ante una nueva versión de los Cazafantasmas que sigue al pie de la letra los pasos del guión original. El filme de Paul Feig recoge los elementos esenciales e icónicos de la película de 1984, tomándolos como punto de partida, y construye una nueva historia. Y lo que es más interesante, nuevos personajes.

Cazafantasmas surge a raíz del contacto entre dos científicas y antiguas amigas, la malhumorada Abby Yates (Melissa McCarthy) y la recatada Erin Gilbert (Kristen Wiig), que comparten su interés por lo paranormal. La adhesión al grupo de la excéntrica ingeniera Jillian Holtzmann (Kate McKinnon) será fundamental para la construcción de las armas que emplearán para salvar el mundo. La afición por el mundo paranormal se convierte en oficio cuando avistan un fantasma en la antigua Mansión Aldridge y deciden dedicarse a ello profesionalmente. Patty Tolan (Leslie Jones), trabajadora del metro que presencia una aparición, será la última en sumarse al equipo y brindará a las Cazafantasmas uno de los sellos indiscutibles de la película original, Ecto-1.

Mejores efectos especiales, nuevo reparto. Pero, ¿cuál es la principal diferencia respecto a la original? La película de Feig está protagonizada por mujeres. ¿Por qué mujeres? La intención de director y guionista era reclutar a los mejores cómicos del momento, que resulta que son mujeres. No obstante, lo que desconocían era la repercusión de su decisión y la polémica que desataría. Cazafantasmas, a pesar de ser una película cuya principal pretensión es divertir y entretener, se ha convertido en uno de los largometrajes más criticados, incluso antes de su estreno. Feig dirige a cuatro mujeres que han llegado a situarse en el punto de mira por cuestiones de género. Sin embargo, más allá de moderarse, el filme exalta la fuerza y el poder femenino, exprimiendo el carisma de las actrices protagonistas y volviendo del revés los estereotipos de género. A este respecto, Kevin (Chris Hemsworth) se convierte en víctima del odioso y tradicionalmente vinculado a la mujer rol de, en este caso, hombre florero. Se trata de un secretario atractivo pero cuyo intelecto brilla por su ausencia, rasgos que permiten a Hemsworth desarrollar un papel cómico muy diferente al del Dios del Trueno.

Ante dicho panorama, la mujer es la principal beneficiaria. Ya no queda relegada a un segundo plano, sino que se convierte en protagonista de la historia (importante la ausencia de componente romántico como elemento central). El rol de secretaria deja de ser una opción y se alza como heroína ante la inminente amenaza sobrenatural. El uniforme de trabajo es funcional y cómodo, nada de atuendos sugerentes e imposibles que conviertan a las protagonistas en simples fetiches. Todo ello sumado a personalidades dispares, reflejadas originalmente a través del vestuario de cada una de ellas, y físicos realistas, que en lugar de impresionar buscan un acercamiento a la realidad. Por tanto, Abby, Erin, Holtzmann y Patty representan a mujeres reales con defectos y virtudes que las proclaman como las Cazafantasmas de una nueva generación. Generación que huye del tradicional heteropatriarcado y necesita nuevos modelos a seguir, y qué mejor ejemplo que mujeres independientes capaces de luchar contra el mal y que no necesitan más que el apoyo mutuo para acometer satisfactoriamente la misión.

En definitiva, Cazafantasmas es una película que alcanza con éxito su objetivo de hacer reír y divertir gracias al tono cómico que domina las situaciones a las que se enfrentan las protagonistas, que incluye a parte del reparto original a través de cameos, que propone como heroínas a mujeres reales sin superpoderes y que no ignora la polémica suscitada y la critica en sus diálogos. Si Cazafantasmas es considerada una película feminista se debe a los logros que ha conseguido respecto a la representación de la mujer en Hollywood y que, tal y como se adelanta en la escena final tras los créditos, podría ser solo el comienzo de esta nueva generación de mujeres armadas con protones.

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Miradas y rostros del mundo comparten sus experiencias más dolorosas y reflexionan sobre temas tan transcendentales para la humanidad como la felicidad, el amor, la muerte, la pobreza, la violencia e, incluso, el sentido de la vida. Las opiniones contrastan y sacan a relucir aspectos que, generalmente, en un país desarrollado se mantienen ocultos bajo un manto de consumo y materialismo. Sin embargo, los reconocidos como países pobres no son los únicos que albergan núcleos de pobreza. Con esta premisa asistimos a imágenes donde podemos observar los rostros protagonistas de las historias que se narran, lecciones de vida que invitan a reflexionar; combinadas con magníficos planos aéreos de paisajes naturales y urbanos de todo el mundo.

¿Por qué la escasez desarrolla el optimismo y el sentido de la felicidad? El documental recoge testimonios muy diversos pero que coinciden en el hecho de que la felicidad no reside en la abundancia sino en ser consciente de aquello que tenemos y valorar nuestras posibilidades. Críticas al consumismo desmedido y exaltación de la conciencia de que menos es más. Pero, como han demostrado algunos de estos rostros, esto no implica conformismo. Saben que su situación es consecuencia de las decisiones de alguien ajeno a sus circunstancias y no dudan en dirigirse directamente a ellos, exigiendo mejoras como satisfacer las necesidades básicas de un pueblo sin el cual no estarían donde están.

Si nos conociéramos mejor, podríamos convivir mejor, afirma uno de estos rostros. Y lo dice con total certeza de que está en lo cierto. En un mundo tan diverso, preferimos centrarnos en la diferencia, olvidando que el mayor denominador común que compartimos es más importante: somos humanos. Comportémonos como tal y superemos dichas diferencias. Lo diferente no implica amenaza ni negatividad, al menos no debe hacerlo. Su función debe ser despertar el interés por conocer nuevas culturas y costumbres, porque todas forman parte de una misma raza: la raza humana. Sin embargo, existen factores como el miedo al otro que anulan la hermandad entre diferentes culturas, impidiendo el enriquecimiento mutuo, a veces, por medio de la violencia, aspecto también tratado en el documental.

Estas son algunas de las reflexiones que suscitan el visionado de Human, una película de, aproximadamente, cuatro horas y media que no cesa en su empeño por cuestionar cualquier aspecto de nuestra vida. Basta con escuchar las voces de sus protagonistas y la emoción con la que comparten sus historias mediante una de las formas más valientes que puede darse: frente a una cámara y sin ocultar su imagen; para sentirse, como el propio título del film indica, humano. Identificarse con las historias y empatizar con sus protagonistas es el primer paso para disfrutar de este viaje por la naturaleza humana de la mano del fotógrafo Yann Arthus-Bertrand, quien nos invita a valorar nuestra posición en el mundo y a ser felices aquí y ahora porque "existen muchos tipos [de felicidad] y solo una: estás vivo, así que eres feliz".

La Segunda Guerra Mundial es el marco histórico donde se desarrolla el relato protagonizado por Elisabeth Eidenbenz (Noémie Schmidt), heroína que construyó un hogar para mujeres y niños en medio de la hostilidad con la colaboración de dos españolas exiliadas a las que rescató de un campo: Victòria (Nausicaa Bonnín) y Carmen (Natalia de Molina).

Dirigido por Sílvia Quer (23-F, el día más difícil del Rey; Operación Jaque), el relato escrito por Margarita Melgar encuentra en la fantasía de la imaginación del carismático Pat (Max Sampietro) el hilo conductor de una historia caracterizada por el horror de la guerra. La visión propia de un cuento, donde la magia, los castillos y los dragones son elementos esenciales, tiene reminiscencias de otra obra de la cinematografía española enmarcada en la misma época: 'El laberinto del fauno' (Guillermo del Toro, 2006).

Ambientada en un periodo histórico determinado por la enfermedad, el hambre y la muerte, 'La luz de Elna' centra su foco en la Maternidad de Elna y las mujeres que la habitan. Este espacio, convertido en un refugio para las futuras madres y sus hijos, se sitúa en el punto de mira de las autoridades francesas con la única intención de arrebatar a la gran familia que conforma la Maternidad el hogar que han construido todas juntas gracias a Elisabeth Eidenbenz, figura de la Historia a quien se rinde homenaje en el filme y cuyo objetivo era dar vida, alegría y esperanza.

La vida en la Maternidad es presentada como una convivencia agradable, donde la sororidad femenina es pieza clave del argumento. La confianza y unión de las protagonistas es la base de esta historia en la que la figura masculina es concebida como una presencia externa que accede al centro en contadas ocasiones, la mayoría de ellas como presagio de dificultades que amenazan la tranquila existencia de estas mujeres.

Es interesante el emplazamiento de la Maternidad, localizada en mitad del bosque, entorno considerado peligroso para la mujer pero que, sin embargo, le hace sentirse protegida del conflicto armado. La dirección de arte aporta la armonía que define la vida en este lugar mediante la inclusión de colores como el azul y el blanco en un entorno donde el marrón es predominante.

'La luz de Elna' es un canto a la esperanza en tiempos de guerra, donde, a pesar de los temores, los perjudicados dirigen su mirada hacia el futuro y entierran los recuerdos de un pasado que envenena su memoria. Es una historia en la Historia, pero también es un relato de actualidad, donde los protagonistas son refugiados en busca de un hogar en el que el simple hecho de ser humanos les conceda una nueva oportunidad.

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