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Críticas de Elcinederamon
Críticas ordenadas por:
Johnny cogió su fusil
Johnny cogió su fusil (1971)
  • 7,8
    16.348
  • Estados Unidos Dalton Trumbo
  • Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland, Marsha Hunt, ...
8
Un relato antibelicista desgarrador
Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo, es un drama de cine independiente norteamericano y una película de culto basada en un joven que al ser herido de gravedad en la primera guerra mundial, queda postrado en la cama de un hospital ciego, sordo, mudo y sin extremidades mientras piensa en el modo de poder comunicarse con los demás. Con esta desgarradora historia, el director construye uno de los mayores films antibelicistas que se recuerdan, ya que su angustiosa trama, machaca al público con las heridas físicas y también psicológicas que la guerra produce en los hombres a través de un argumento asfixiante, que guarda en su interior varios detalles fílmicos únicos para dejar en el espectador la sensación de haber visto un cine distinto, de ese que se queda en tu interior para siempre por lo irrespirable de su historia.
También hace críticas abiertamente a la supuesta democracia, a la ignorancia del pueblo hacia el patriotismo, a la actividad del gobierno hacia los heridos de guerra y a la libertad hacia la eutanasia en las personas que lo deseen mediante la intensa trama que expone su director y guionista Dalton Trumbo, penetrando en el espectador con un relato doloroso que va de menos a más y hace al público partícipe de lo horrible que tiene que ser quedar postrado y solo en una cama de hospital, además de incomunicado por no poder hablar con nadie debido a las lesiones producidas en la batalla. Dalton Trumbo da forma por tanto, a un guion con la total intención de abrir los ojos a todos aquellos que serían capaces de dar la vida por su país, sin molestarse en pensar siquiera en las posibles consecuencias de todo esto.
Los elementos que mejor funcionan en la película son: la narrativa desesperanzada y triste del protagonista con voz en off. Alternar la fotografía en blanco y negro cuando es el infausto presente que vive el protagonista y en color cuando son sus recuerdos del pasado los que entran en escena. Y el montaje inteligente que marca un ritmo absorbente y desde luego lúcido, ya que también usa el flash-back para montar toda la historia. También se puede destacar la música que pasa de rítmica y militar a melódica y emotiva según el momento de la historia, y los vestuarios y caracterizaciones de militares, trabajadores del hospital y civiles que junto con los decorados y exteriores te transportan al momento y lugar en cuestión.
Para finalizar, considero Johnny cogió su fusil, una obra abiertamente antibelicista que sin pelos en la lengua ofrece la cruda realidad de los heridos de guerra al público a través de la lastimosa historia que vive un joven herido en la primera guerra mundial, mostrando con ello un producto provocador y único en el séptimo arte que cautivará a los buscadores de cine independiente y personal que siempre presenta algo nuevo -y en este caso perturbador-, al cinéfilo exigente ávido de cine dramático y real en estado puro que critica abiertamente todo lo que daña la guerra.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Suspense
Suspense (1961)
  • 7,8
    7.170
  • Reino Unido Jack Clayton
  • Deborah Kerr, Peter Wyngarde, Megs Jenkins, Pamela Franklin, ...
8
Un estupendo thriller de terror clásico por el queno pasan los años
Suspense, de Jack Clayton, es un film de terror e intriga basado en una institutriz que es contratada para criar en una enorme mansión -donde ocurren extraños acontecimientos- a los sobrinos huérfanos de un hombre rico más preocupado por sus negocios que por los niños. Con esta interesante trama se construye un título clásico de terror imprescindible para los amantes del género, ya que crea fehacientemente una atmósfera atrayente repleta de desconcierto en la que poco a poco la protagonista va descubriendo e investigando misteriosas apariciones. Se crea con ello, una cinta digna de elogio en la que merece la pena destacar su parte técnica y sobre todo las interpretaciones.
Tiene el aliciente la película, de ser realizada en una época en la que los films de terror eran complicados de elaborar de manera que persistieran el paso del tiempo, y lo logra el director de modo magistral, con mucho oficio y determinación al crear inquietud y tensión para el espectador, que visualiza con expectación una película que va creando la atmósfera apropiada poco a poco hasta llegar a un final que se queda eficazmente en la retina del público. Parte de culpa de esto -por no decir casi toda- es la participación en el guion de Truman Capote, que junto con William Archibald dan forma a un argumento que está basado en la novela de Henry James "Otra vuelta de tuerca".
En esta brillante adaptación, merece destacar por encima de todo, las lúcidas interpretaciones de Deborah Kerr en un papel de institutriz puritana, y también la enorme actuación infantil de Martin Stephens, que en el último tercio de la cinta ofrece una auténtica demostración interpretativa para deleite del espectador. Son buenos también los acompañamientos de Peter Wyngarde, Megs Jenkins y Pamela Franklin entre otros. Todos estos son ataviados con ropas distinguidas de época que marcan claramente la clase alta a la que pertenecen los personajes, cumpliendo con una notable labor que junto con los decorados y exteriores te transportan al momento y lugar en cuestión.
En cuanto a la parte técnica, la fotografía en blanco y negro es elegante y evocadora para cumplir con una tarea estéticamente inspiradora que hace buen uso de los claroscuros. La música logra un sutil acompañamiento a través de sonidos perniciosos que estimulan al público y otros penetrantes que llenan de intriga la sustanciosa historia. Los planos y movimientos de cámara exprimen lo mejor de la trama y las interpretaciones mediante el buen uso de la cámara en mano, seguimiento, avanti, circulares, rotación y subjetivos que dan dinamismo con un estilo bastante particular y acertado para la historia que ofrece la película. Mencionar también, que en el montaje se usa el flash-back al principio para narrar a través de la mente perturbada de la institutriz los duros recuerdos de todo lo ocurrido.
En definitiva, considero Suspense de Jack Clayton, un film imprescindible dentro de su género al que no afecta nada el paso de los años y que mantiene de modo atractivo el suspense y la tensión mediante una brillante dirección, un guion trabajado, unas sublimes interpretaciones y unos logrados movimientos de cámara que hacen de esta película, un trabajo inolvidable y desde luego de lo más recomendable para todos aquellos cinéfilos clásicos que busquen cine de terror e intriga de calidad, de este tipo que no cae en el efectismo para llamar la atención en lo que ofrece, sino que se apoya tan solo en detalles técnicos estupendos y unas interpretaciones que no dejarán a nadie indiferente, en especial la de Martin Stephens.
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El misterio de God's Pocket
El misterio de God's Pocket (2014)
  • 5,5
    1.359
  • Estados Unidos John Slattery
  • Philip Seymour Hoffman, Richard Jenkins, Christina Hendricks, John Turturro, ...
7
Posiblemente, la mejor mezcla de comedia y drama que he visto
El misterio de God´s Pocket, de John Slattery, es una comedia dramática de cine independiente norteamericano basado en un delincuente de poca monta, que tras la muerte supuestamente accidental de su hijo, intenta enterrarlo sin éxito mientras por otra parte se intenta averiguar qué es lo que verdaderamente le ocurrió a este. Con esta insólita trama, el director da forma a un film sorprendente en su humor negro que desconcierta y descoloca al público a partes iguales con lo que se le va ofreciendo, ya que su afilada historia deja evidencia de los pocos escrúpulos que tienen los protagonistas mientras todo transcurre como si tal cosa.
Con este entramado, se logra tallar un film diferente en muchos aspectos que será apreciado por los buscadores de un cine independiente con sello propio, ya que su estilo poco convencional no dejará a nadie indiferente por las retorcidas situaciones que se van mostrando. Todo esto además, es llevado a cabo con una narrativa con voz en off al principio que es profunda e irónica, siendo el resto jocoso en sus sombrías situaciones que harán reír al público por el contraste que produce la inexpresividad de los protagonistas ante sorprendentes historias. Cabe señalar también, el montaje con flash-back que huye de lo más acostumbrado y utiliza el flash-back para explicar al público como se llega hasta lo que se ofrece al principio del film.
En cuanto a la parte interpretativa, destacar que son auténticas y con una inusual oscuridad psicológica que es tomada a broma para aumentar la sensación hilarante del film. Como protagonistas Philip Seymour Hoffman está irreprochable en un impasible papel y luce también la actuación de John Turturro en un papel remarcable. Son buenas además, las colaboraciones de Richard Jenkins que está cómico en su apatía y Christina Hendricks en un personaje indolente. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones comunes pero bien trabajados que junto con los decorados te transportan a ese inaudito lugar como es God´s Pocket.
Técnicamente, la película es certera en lo que ofrece. La fotografía es oscura y también impactante en una tarea sombría y desde luego tétrica en lo que va mostrando. La música es turbadora en sonidos recónditos que hipnotizan al público y que es usada solo en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor personal a través del uso del seguimiento, subjetivos, tercera persona y la cámara en mano para aumentar el dramatismo de la cinta. También merece la pena destacar, los efectos visuales que se centran en enardecer la violencia del film y aumentar el desconcierto.
En definitiva, considero El misterio de God´s Pocket, una obra magnética en su implacable historia que es arrebatadora en su humor malsano y dejará traspuesto a todos aquellos que la visualicen, ya que lo que va mostrando de su interior es oscuro en humor por mezclar con mucho oficio el drama y la comedia con un estilo nocivo que dejará una grata sensación a todos de haber visto un cine diferente y digno de mención. Por lo que, sin duda alguna, es un film bastante recomendable si te gusta esta mezcla de géneros que no dejarán a nadie con la sensación de indiferencia.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La venganza de Jane
La venganza de Jane (2016)
  • 5,4
    3.022
  • Estados Unidos Gavin O'Connor
  • Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Noah Emmerich, ...
7
Una agradable sorpresa para los amantes del western y la venganza
La venganza de Jane, de Gavin O´Connor, es un western basado en la venganza de una joven casada con un hombre perseguido por la ley, en el que este vuelve un día a casa con 8 heridas de bala en la espalda, y ella se encarga de buscar ayuda para defenderlo de la banda rival que lo ha herido gravemente. Con esta sustanciosa historia que transcurre en un acertado trasfondo de western, se consigue crear un film que toma como base el desquite de su protagonista y en el que también está el aliciente de que tanto los buenos como los malos tienen un oscuro pasado en común. Se consigue por lo tanto con esto, crear poco a poco una atmósfera que va generando más y más tensión e incertidumbre a medida que avanza la trama, atrapando eficazmente al espectador.
Su argumento, que también expone la parte que ocupa cada personaje en la historia y la vida de la protagonista alrededor de estos en los últimos siete años, hace brillar la película al exponer un pasado turbio y difícil de digerir de la protagonista, que será apreciado por los cinéfilos más exigentes ávidos de cintas repletas de venganza y una acción que se hace de esperar y que se va cociendo poco a poco, logrando con ello complacer a todos tras su visionado, excepto a los más impacientes que no logren aguantar su ritmo lento. Todo esto se lleva a cabo con una narrativa insidiosa y desde luego conspiradora, que con profundidad añade enigmas al film de modo muy certero. También destacar -quizás por encima de todo-, el original montaje con flash-back que va explicando la historia al espectador mediante los recuerdos de los protagonistas.
En cuanto a la cuestión técnica de la cinta, es notable en varios de sus aspectos: la fotografía consigue a través de un luz tenue que hace gran uso de los claroscuros, una tarea estimulante y desde luego inspiradora que te transporta al momento y lugar. La música es intensa y penetra en el público gracias a unos sonidos rítmicos y turbadores que hacen sentir la continua amenaza que sienten los protagonistas. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor mediante el uso de los primeros y primerísimos planos, subjetivos, tercera persona, generales, seguimiento y cámara en mano, que exprimen lo mejor de la acción y las interpretaciones. Merece la pena también señalar, que el film tiene unos efectos visuales y de sonidos bien trabajados que enardecen la sangre y la violencia en determinadas escenas.
Las interpretaciones, de caras bastante conocidas, son lúcidas cada uno en su propósito. Como protagonistas de la cinta Natalie Portman está aceptable en un buen papel, Joel Edgerton mejora el registro de la anterior con una profunda interpretación y Ewan McGregor sorprende a todos tanto en su caracterización, como en su trabajo de cabecilla de la banda, papel que por cierto clava. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos del western en una notable tarea que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
Concluyendo, considero La venganza de Jane, un western dramático digno de elogio que toma como base una acertada venganza y sobre todo una estructura de personajes compleja en la que todos tienen algo en común que quedará bien saldado al final. Es por tanto, un trabajo bien construido y con unos personajes con un oscuro pasado que satisface a todos los incondicionales del género que se decidan a visualizarla, ya que es una obra que tiene todos los componentes necesarios para dejar buena sensación tras su visionado.
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Techo y comida
Techo y comida (2015)
  • 6,6
    4.594
  • España Juan Miguel del Castillo
  • Natalia de Molina, Mariana Cordero, Jaime López, Mercedes Hoyos, ...
7
Un drama que te atrapa y se queda dentro de ti
Techo y comida, de Juan Miguel del Castillo, es un drama social basado en la crisis económica en el que una joven Jerezana, madre soltera y sin trabajo, malvive con su hijo en un piso que no puede pagar mientras busca un trabajo que no aparece. Con esta cruda realidad, el director saca los colores a la población con una tremenda verdad que aún muchos no quieren comprender, y además, la expone desde diversos puntos afectados para dejar evidencia que no es algo que dañe solo a algunos, sino que es algo que perjudica a todos. Logra con ello, atrapar al público y dejar mella en él con una historia que puede pasarle a cualquiera.
Las interpretaciones son de lo mejor de la película en convicción y por estar llenas de talento. Como protagonista absoluta Natalia de Molina se echa el film a las espaldas en un deslumbrante papel lleno de profundidad y dramatismo, derrochando la rabia y la desesperanza de una mujer que lucha con todo en su contra. Son buenos también los acompañamientos de Mariana Cordero, Jaime López, Mercedes Hoyos y Gaspar Campuzano entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones humildes que dejan evidencia de la clase social a la que pertenece la protagonista.
En cuanto al guion, escrito por el director, puede estar perfectamente basado en hechos reales aunque no sea así, ya que las situaciones que plasma ocurren cada día en muchos lugares del país, con lo que el espectador siente la asfixia económica que padece el personaje al que da vida Natalia de Molina, al ser partícipe de un modo u otro de la misma realidad que la aprieta a ella. Es por tanto un film, que recuerda tristemente la cruda actualidad que vive el país y que es palpable para todo aquel que lucha cada día por esquivarla. Esto se lleva a cabo con una narrativa desoladora y llena de tristeza que a través de unos diálogos llenos de desilusión, dejan claro la situación que vive nuestra joven y desafortunada protagonista.
En cuanto a la parte técnica, la película es competente al tener una fotografía alusiva que transporta eficazmente al público. La música es usada en contadas ocasiones para no desviar la atención de la trama. Los planos y movimientos de cámara añaden dramatismo a la película mediante el uso de la cámara en mano continua y el seguimiento. Cabe destacar también, que el montaje marca un ritmo lento que llega a ser asfixiante por la lenta desesperación que va sintiendo el personaje, aunque es de corta duración y eso hace que no se haga demasiado largo.
Resumiendo, considero Techo y comida, una obra desoladora que te devuelve a la triste realidad de un país abocado a la crisis económica más profunda que se ha conocido en la democracia, machacando al público con esa triste actualidad que por momentos se nos escapa y que este film sirve como prueba evidente. Con todo esto, es una película que aún con sus fallos, es digna de elogio por ser el primer largometraje de un director, que ha comenzado con buen pie y con reconocimiento de crítica y público a través de una película que nos devuelve a una triste realidad que lleva ya años haciendo de las suyas.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
La bruja
La bruja (2015)
  • 6,1
    21.128
  • Estados Unidos Robert Eggers
  • Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, ...
5
Escasa de metraje y sobresaltos
La bruja, de Robert Eggers, es un drama psicológico de terror y cine independiente norteamericano basado en una familia de colonos que vive en Nueva Inglaterra, en 1630, y temen un bosque cercano en el que sospechan que vive algo sobrenatural. Con este entramado sobre la mesa, se construye un film bastante pretencioso cuya primera mitad es bastante floja y no crea demasiado interés ni inquietud. Después la cosa cambia y empieza el desconcierto, a través de una historia turbia y algo tenebrosa que mantiene con más oficio al público pegado al asiento, pero sin embargo no termina de arrancar en ningún momento y concluye sin pena ni gloria para decepción de los seguidores del género.
Uno de los puntos positivos que tiene, es colocar su argumento en una época en la que el cristianismo y la ignorancia hacia lo sobrenatural es desmesurado. Con ello, se logra crear una atmósfera siniestra apoyada en una fotografía alusiva que hace buen uso de los claroscuros y llena de misterio la película. La música usada para crear ambiente es triste en sus melodías nostálgicas, además, también son usados sonidos intensos que hacen sentir una continua sensación de amenaza. Los planos y movimientos de cámara consuman una decente labor técnica mediante el uso de los subjetivos, primeros, primerísimos planos y seguimiento que ayudan a crear más tensión en la película.
El guion, escrito por el director, es presuntuoso en su empeño de crear una trama distinta al resto de films de terror, y para ello, se apoya en el drama psicológico al ir creando más y más tensión a través de una familia que siente que algo se cierne sobre ella, y a cada minuto que avanza la historia, es más recelosa de sus propios miembros de la familia. Pero con todo esto, en ningún momento se llega a sentir una inquietud efectiva, por lo que falla en este menester y deja para el final lo mejor aunque sin dejar al espectador perplejo con su resolución. Esto se lleva a cabo con una narrativa llena de intriga que añade enigma al film y profundidad en sus sombrías conversaciones. Merece la pena señalar, que el montaje lineal y seguido marca un ritmo paulatino que es algo asfixiante pero de corta duración.
En cuanto a la parte interpretativa, señalar que son cumplidoras y convencen en su intención de aparentar ser una familia del siglo XVII a través de sus miedos y extremo cristianismo. Cuenta para ello con caras que no son conocidas para el público como de Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson y Ellie Grainger entre otros. Los vestuarios y caracterizaciones usados para estos son sugestivos del momento y lugar en cuestión en una notable labor que junto con los decorados y exteriores te transportan eficazmente in situ.
Para finalizar, considero La bruja una obra meramente aceptable en algún detalle visual, técnico y de vestuarios pero poco más, ya que se queda bastante corta en su intención de dar miedo o generar desconcierto con profundidad al espectador, ofreciendo un producto poco atractivo que se queda a medias en su intención de crear terror. Por lo que, es una cinta bastante endeble que puede que le guste a alguno de los incondicionales del género terror, aunque repito que es fallida en su intención de utilizar el drama psicológico para aumentar una sensación de turbación que es prácticamente inexistente.
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11 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hermanísimas
Hermanísimas (2015)
  • 4,6
    2.365
  • Estados Unidos Jason Moore
  • Tina Fey, Amy Poehler, Maya Rudolph, Ike Barinholtz, ...
6
Algo más de humor de lo que en principio me esperaba
Hermanísimas, de Jason Moore, es una comedia basada en dos hermanas cuarentonas que una vez se enteran de que sus padres van a vender la casa donde se criaron, deciden pasar un fin de semana en ella antes de la venta y organizar así una fiesta. Con este argumento, el director expone un divertido entramado que será del agrado de todos aquellos que les guste el cine comercial sin demasiadas complicaciones, logrando con ello hacer reír gracias a las ocurrencias y situaciones insólitas que ofrecen unas hermanas que ya vienen de vuelta en la vida, y que están dispuestas a todo por pasar una gran noche con los amigos de la infancia.
En cuanto a la parte técnica, el film es competente y no cojea por ningún lado. La fotografía usada es lumínica y competente en una vistosa labor que es estéticamente apropiada. La música es rítmica y estimula al público con sonidos que añaden diversión, además, son usadas de forma acertada canciones de los 80 y los 90, época en la que eran jóvenes las hermanas y sus invitados. Los planos y movimientos de cámara consuman una decente labor técnica mediante el uso de los plano-contraplanos, aéreos, grúas, seguimiento, generales y cámara en mano, que sacan lo mejor de las interpretaciones y las escenas. Como nota negativa, el montaje seguido y acompasado marca un buen ritmo aunque le sobran varios minutos de metraje.
El guion, escrito por Paula Pell, es jocoso en su idea de mostrar a dos hermanas ya creciditas despedirse a su manera de la casa de sus padres mediante una fiesta en la que invitan a sus amigos de la juventud, generando con ello multitud de situaciones divertidas que consiguen aunque no sea un gran film, al menos sea una cinta cumplidora que agrada ver y hace pasar un buen rato al espectador. Esto es llevado a cabo con una narrativa insinuante y desde luego expresiva, que contiene unos diálogos disparatados repletos de mordacidad y un tono burlón que gusta escuchar.
Por el lado interpretativo, destacar que las actuaciones son genuinas en un inesperado dúo femenino que hará reír al público. Como protagonistas, Tina Fey y Amy Poehler están estupendas en unos jocosos papeles que será del agrado de todos aquellos que se aventuren a ver la película. Cuenta también con las colaboraciones de John Leguizamo, Maya Rudolph, John Cena y Santino Fontana entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos y comunes de cada personaje, en una correcta labor que junto con los decorados cumplen con su cometido para trasladar al público al lugar en cuestión.
En definitiva, la considero una película con detalles hilarantes en la que los adolescentes con ganas de marcha, son sustituidos en esta película por adultos ya creciditos, que después de tantos años de "aparente" formalidad, pasan una noche loca para hacer pasar un rato agradable al público que no espere films trabajados, sino comedias sin excesivas complicaciones más allá del humor basado en situaciones insólitas y acidez en las palabras que utilizan para llenar de risas su visionado.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ocho apellidos catalanes
Ocho apellidos catalanes (2015)
  • 4,4
    31.548
  • España Emilio Martínez-Lázaro
  • Dani Rovira, Clara Lago, Karra Elejalde, Carmen Machi, ...
5
Inevitablemente, baja el liston de Ocho apellidos Vascos
Ocho apellidos catalanes, de Emilio Martínez-Lázaro, es una comedia romántica secuela de Ocho apellidos vascos en la que Rafa (Dani Rovira), con la ayuda de Koldo (Karra Elejalde), intentan que Amaia (Clara Lago), no se case con su nuevo novio catalán (Berto Romero). Con esta trama, que sigue la misma línea que la anterior entrega y que resulta ser de menor calidad, se lleva a cabo una historia que da vueltas sobre lo mismo, (los intentos de Rafa de que Amaia no se case para poder así recuperarla), aunque en esta ocasión las notas de humor son más predecibles con los tópicos regionales y además resulta tener menos gracia en su interior, para chasco de todos aquellos que fueron cautivados por la primera entrega.
La idea de la película es la misma que en la primera parte, pero no está tan acertada y su humor no brilla con la misma fuerza. Además, el factor sorpresa aquí falla, las bromas son menos jocosas y sus interpretaciones no son tan hilarantes y resultan ser más forzadas. Por lo que es inevitable comparar para peor esta cinta con Ocho apellidos Vascos, ya que tiene un guion menos trabajado cuyas ocurrencias intentan ser más finas, cuando en realidad se equivocan con esa intención. Aunque tiene momentos hilarantes eso sí, y en líneas generales no defrauda, es evidente que baja el listón después de una primera parte que cautivó a la sociedad española.
Las interpretaciones, con las mismas caras en Ocho apellidos catalanes, tienen notas de humor buenas que hacen reír pero es ineludible descubrir que son menos auténticas. Cuenta de nuevo con Dani Rovira, Clara Lago, Karra Elajalde, Carmen Machi, Alfonso Sánchez y Alberto López, y se unen en esta nueva entrega para añadir la nota de humor catalán Berto Romero y Rosa María Sarda. Además, dejan entrever la intención de rodar más adelante Ocho apellidos Gallegos. Emplean para todos estos unos vestuarios y caracterizaciones alusivos a cada región para añadir un toque extra de humor a la película.
En cuanto a la parte técnica se cumple con su cometido. La fotografía es sugestiva a cada lugar visitado, predominando lo lumínico en una tarea bien cuidada en detalles. La música es acertada y está bien usada en cada escena según lo que representa. Los planos y movimientos de cámara consuman una oportuna tarea que ayuda a sacar lo mejor de las interpretaciones dentro de su entorno. Merece la pena también resaltar, que el montaje seguido y acompasado marca un buen ritmo, y debido a su corta duración pasa en un santiamén y no se excede innecesariamente. Y que su narrativa, como era de esperar, es evocadora de cada lugar y personaje para aumentar el humor.
Concluyendo, considero Ocho apellidos catalanes, una película aceptable aunque inevitablemente baja el listón de humor de la primera parte al mostrar una misma versión pero con el trasfondo y los tópicos catalanes para hacer reír al espectador. Con todo esto, mencionar que aunque no consigue el nivel esperado, no es tampoco una cinta que no merezca la pena ver si te gustó Ocho apellidos Vascos y las bromas sobre los tópicos que se escuchan de uno y otro lugar. Por lo que si te decides a verla, sepas que veras algo de menor calidad, pero que te hará reír en alguna que otra escena con lo que se te va ofreciendo.
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Deadpool
Deadpool (2016)
  • 6,8
    49.264
  • Estados Unidos Tim Miller
  • Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein, Gina Carano, ...
8
Divertida, afilada y bestia como pocas
Deadpool, de Tim Miller, es un film fantástico y una comedia de acción Spin-off de Marvel basada en el antihéroe Deadpool, un ex-operativo de las fuerzas especiales que tras ser sometido a crueles experimentos adquiere el poder de la curación rápida. Esta es la base de la que se sirve el director para mostrar a un personaje de lo más afilado y satírico. Un anti héroe que es recordado por su jerga y por tener un retorcido sentido del humor que provocará las risas no solo de los seguidores del cómic, sino de todo aquel que se aventure a descubrir una obra que deja poso tras su visionado y abre las puertas de Marvel a todos aquellos, (como por ejemplo un servidor), que tanto trabajo les cuesta ver este tipo de cine fantástico y de acción.
Deadpool brilla por ofrecer algo nuevo y por su originalidad en varios detalles. Por ejemplo: su humor negro que se toma a los superhéroes y a sí mismo a broma (Ryan Reynolds se ríe de sí mismo a través de su personaje). Su montaje con flash-back y posterior enlace con el principio de la película, logrando una curiosa operación que llama la atención del espectador. Su narrativa ordinaria que es de lo más ácida y desde luego burlona para hacer reír a carcajadas con un humor bestia. Y que cuando es preciso, (aunque son pocas las ocasiones), cambia de registro y se toma la trama en serio para no desmoronar la historia con tanto humor.
Técnicamente, el film también brilla. La fotografía es estimulante en sus imágenes portentosas y desde luego impactantes que añaden emoción a la película. La música es variada según la acción y llena de ritmo e intriga la historia en un sutil acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara logran atrapar la total atención del espectador mediante el uso de la cámara ralentizada en las escenas de acción, circulares, grúas, rotación, cenitales, nadir y cámara en mano, que añaden mucho dinamismo a la película. Destacan también, como era de esperar, los efectos visuales y de sonido sorprendentes que dan espectáculo en las batallas.
En cuanto a la parte interpretativa, son acertadas y genuinas tanto en el humor como en el drama. Como protagonista absoluto Ryan Reynolds está notable en el que posiblemente sea su mejor papel, siendo buenos y apropiados en diversión los acompañamientos de Morena Baccarin, Ed Skrein, Gina Carano, T.J. Miller, Rachel Sheen y Brianna Hildebrand entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones asombrosos, que dejan fascinado al público en una tarea estéticamente bien lograda y que junto con los decorados de exteriores te transportan eficazmente in situ.
Resumiendo, considero Deadpool una obra necesaria de conocer y digna de elogio, en la que el director logra tallar una historia provocadora e implacable pero también divertida y repleta de acción, que conforma un estilo novedoso y apetecible para disfrutar de principio a fin, ya que acierta en lo que arriesga y no se olvida tras su visionado. Por lo que considero la cinta, aún dentro del universo Marvel, un género distinto al ser su fuerte más bien el humor afilado a través de una narrativa borde y satírica para satisfacer no solo a los seguidores del mencionado cómic, sino a todo el público dispuesto a disfrutar del más puro humor negro y bestia que se le pueda ofrecer.
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Objetivo: Londres
Objetivo: Londres (2016)
  • 4,8
    7.495
  • Estados Unidos Babak Najafi
  • Gerard Butler, Aaron Eckhart, Morgan Freeman, Jackie Earle Haley, ...
4
Acción sin sentido y poco más
Objetivo: Londres, de Babak Najafi, es un thriller de acción que toma como base el terrorismo al mostrar de qué modo en el funeral del primer ministro británico, son atacados los principales líderes políticos por una desconocida organización terrorista. Con esta sensacionalista historia, el film entretiene a ratos aunque empalaga en su continua acción y trama demasiado efectista que es amena para el público más comercial, pero no para el más exigente que busque cintas más trabajadas. Por lo que dicha obra, carece prácticamente de todo a excepción de explosiones, disparos y la continua tarea de proteger que tiene el guardaespaldas del presidente de EEUU a este, en un día en el que sin duda se gana el sueldo.
En cuanto a la parte técnica, es de lo poco que se puede rescatar de la película. La fotografía es impactante por las continuas escenas de acción y está bien cuidada en detalles evocadores de cada lugar. La música es estimulante en sus ritmos alentadores que arrollan dando emotividad o inquietud a la historia según es requerido, aunque en ocasiones puede llegar a cansar. Los planos y movimientos de cámara, logran una dinámica tarea a través de los circulares, rotación, aéreos, seguimiento, subjetivos y grúas en continuo movimiento que dan velocidad al film. Y merece la pena también señalar, los efectos visuales y de sonidos sorprendentes en las explosiones y la violencia que es de lo más decente de la cinta.
Aunque no quede más remedio que citar el guion, indicar que está escrito por Katrin Benedikt, Christian Gudegast y Creighton Rothenberger. En primer lugar comentar, que arranca demasiado pronto en lo interesante de la trama sin crear antes una atmósfera más preparada e inquietante que enganche al espectador, y en segundo lugar que se construye una historia poco creíble que tan solo puede llegar a gustar por su energía al público más joven y buscador de acción sin demasiada profundidad en la trama. Para esto, se utiliza una narrativa expresiva y también efusiva que añade algo de intriga al film. Destaca también, (y es de agradecer), que el montaje seguido y acompasado es de corta duración, con lo que pasa su visionado en un santiamén.
Las interpretaciones, con caras conocidas de este tipo de cine, son aceptables y contundentes. Como protagonistas Gerard Butler está decisivo en un duro papel, Morgam Freeman trabaja con autenticidad como es normal en él y son decentes los acompañamientos de Jackie Earle Haley, Angela Bassett y Aaron Eckhart entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios evocadores de cada personaje según su oficio ya sea político, guardaespaldas, policías y militares, cumpliendo con una correcta labor que junto con los decorados y exteriores te transporta in situ.
Con todo lo mencionado, considero Objetivo: Londres, un obra puramente comercial y no atractiva ni original, que construye una historia basada en la acción y en la venganza que resulta además bastante predecible y poco creíble. Por lo que, no es recomendable a no ser que te guste la acción aún sabiendo que la trama está poco trabajada y es bastante flojita, ya que en cuanto al cinéfilo más exigente, saldrá decepcionado con lo poco y malo que se le ofrece en este prescindible film.
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9 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Crueldad intolerable
Crueldad intolerable (2003)
  • 5,5
    20.728
  • Estados Unidos Joel Coen
  • George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Geoffrey Rush, Billy Bob Thornton, ...
5
De las más flojitas de los Coen
Crueldad intolerable, de los hermanos Coen, es una comedia romántica basada en un famoso abogado de Los Angeles especialista en divorcios, que se acaba enamorando de una mujer que es experta en exprimir a sus ex maridos. Con esta sustanciosa historia, los Coen confeccionan un film que resulta ser de los más endebles tanto en trama como en interpretaciones de toda su carrera, ya que, aunque la idea que plasman es buena, el desarrollo queda algo flojo y además no son sus comentarios tan afilados como suelen ser en las comedias de estos agudos directores. Es por tanto un film bastante light y poco corrosivo, aunque eso sí, posee en su interior la narrativa ingeniosa y verborrea típica de los Coen.
Aunque unos directores tan aclamados como estos, se pueden permitir el lujo de hacer lo que les viene en gana y con esa intención puede que les salta una película entretenida pero bastante floja como es este caso, dejan la sensación desde que comienza la película que no han puesto todo su empeño y malicia fílmica para bordar una cinta como lo han hecho en otras ocasiones, con comedias tan alabadas como el Gran Lebowski o a menor escala El hombre que nunca estuvo allí. Con lo mencionado, no quiero decir que pases de ella -ya que contiene algún que otro detalle jocoso-, sino que de todo lo que son capaces de ofrecer los Coen, se quedan tan solo a las puertas del ensayo de lo que podría haber sido un film notable.
Las interpretaciones, de caras bastantes conocidas y ya usadas en otros films de los cineastas de Minnesota, son cumplidoras pero sin brillo. Como protagonistas George Clooney trabaja con humor y carisma en su línea más habitual de comedias y Catherine Zeta-Jones está sensual y persuasiva en un papel a su medida. Cuenta también con las colaboraciones de Billy Bob Thornton, Geofrey Rush, Cedric the Entertainer y Edward Herrmann entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios sugestivos del personaje según su condición o profesión en la que predomina lo elegante y distinguido para marcar la clase alta a la que pertenecen los protagonistas.
En cuanto a la parte técnica del film, como era de esperar, si está más tomada en serio que su trama. La fotografía es alusiva en una tarea estéticamente apropiada y lumínica para transportarte al lugar, la música es estimulante y está bien escogida en sus ritmos y melodías que añaden cierta intriga al film, y los planos y movimientos de cámara son buenos mediante el uso de los plano-contraplanos, grúas, cámara en mano, avanti, retroceso y seguimiento que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
En resumen, considero Crueldad intolerable una cinta meramente entretenida, que deja al público con la sensación de haber esperado más de un film construido por unos directores y guionistas que saben tallar joyas fílmicas de alto nivel, tanto en comedias como en dramas. Aunque en esta ocasión se queden a medias en el camino del éxito y el reconocimiento con una película que con la trama tan sustanciosa que posee, podría haber sido más tomada en serio en un humor más afilado y característico de los Coen.
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Cemetery of Splendour
Cemetery of Splendour (2015)
  • 6,4
    962
  • Tailandia Apichatpong Weerasethakul
  • Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, ...
4
Lenta, tediosa y fallida
Cemetery of Splendour, de Apichatpong Weerasethakul, es un drama fantástico y surrealista basado en una ama de casa de mediana edad que cuida de un soldado que tiene la enfermedad del sueño, y mientras lo atiende, acaba cayendo ella en la misma dolencia. Con esta extraña premisa se expone al público un profundo e hipnótico trabajo, que se empeña en querer ser una película de culto solo apta para cinéfilos exigentes, aunque en realidad lo que construye es más bien una obra aburrida y poco comprensible que no llega a cuajar en ningún momento, y que se vuelve más y más narcótica a medida que avanza su incomprensible historia.
Técnicamente, no es mala, pero no se complica nada en su confección, ya que la fotografía es bastante común y se centra más bien en los exteriores, la música es inexistente y los planos y movimientos de cámara son demasiado fríos al ser excesivamente lejanos, sin usar en ningún momento planos más cálidos que acerquen al público a la historia. Con lo que se trasmite una gélida sensación de trabajo demasiado estático ,que se obsesiona por ser onírico y lo que único que consigue en este respecto es resultar tedioso para el espectador.
También es necesario recalcar, que el ritmo que se marca en la película es demasiado pausado y hace que la cinta sea soporífera y desde luego inapetente para el público, ya que además le sobra metraje para lo que ofrece y los detalles interesantes se hacen de rogar demasiado hasta salir en la trama, y cuando estos llegan, el espectador está ya falto de interés e inmerso en el sueño. Parece por momentos, que el director intenta emular al gran Andréi Tarkovski, como si quisiera esculpir el tiempo en su obra, aunque lo único que consigue contagiar al público es la apatía.
En cuanto a las interpretaciones, apenas trasmiten al ser demasiado comedidas y poco expresivas, además son muchas las colaboraciones de actores sin mucha experiencia, y los que la tienen (que además ya han repetido en otras ocasiones con el director), tampoco son lúcidos o dignos de mención, como es el caso de Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi y Sakda Kaewbuadee. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones humildes y carentes que no brillan por su elaboración, pero que si son efectivos para transportarte eficazmente al lugar en cuestión.
Concluyendo, considero Cemetery of Splendour, un obra irregular que aunque guarda en su interior una idea con potencial, no es capaz su creador de desarrollarla con atractivo para el público, y este acaba dormido como los militares que aparecen en ella. No es por tanto, una cinta digna de ser recomendada y tan solo puede resultar interesante a los seguidores de las películas lentas y extrañamente profundas, aunque también lo veo difícil, porque por mucho que te empeñes en sentirte magnetizado por lo que se intenta trasmitir, acabas cayendo en el bostezo continuado y en las ganas de que termine lo antes posible.
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7 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dheepan
Dheepan (2015)
  • 6,7
    3.585
  • Francia Jacques Audiard
  • Jesuthasan Antonythasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby, Vincent Rottiers, ...
7
Un drama real sincero y con mensaje en su interior
Dheepan, de Jacques Audiard, es un drama social sobre la inmigración basado en un hombre, una mujer y una niña, que se hacen pasar por familia para huir de la guerra de Sri Lanka y llegar a Francia, y una vez allí, intentan prosperar como pueden en un país del que desconocen su lengua y costumbres. Con esta trama tan real, se construye un drama desgarrador que con sencillez y mucho realismo, deja evidencias de lo que superan los inmigrantes cuando comienzan una nueva vida en un país extranjero que ignoran por completo. Es por tanto, un film valiente y arrojado, que sin complejos acerca culturas y problemas internacionales al gran público sin querer en ningún momento ser efectista ni artificial en lo que ofrece.
Las interpretaciones que dan forma a la película, son de caras desconocidas y logran un trabajo apropiado para lo que muestra la cinta, aportan además profundidad psicológica y verosimilitud a los personajes del primero al último, ya que logran hilar unas notables actuaciones que no pasan desapercibidas. Cuenta con las colaboraciones de Jesuthasan Antonythasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby y Vincent Rottiers entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios humildes y carentes que marcan claramente la pobreza y los bajos fondos en los que suelen vivir los inmigrantes.
En cuanto a los detalles técnicos y visuales, merece la pena resaltar que la fotografía hace buen uso de los claroscuros en una tarea estéticamente idónea y repleta de detalles. La música es turbadora y penetra en el publico gracias a unos sonidos hipnóticos. Los planos y movimientos de cámara ayudan a crear un ambiente dramático que añade inquietud a la historia mediante el uso de la cámara en mano, subjetivos, primeros planos y planos-contraplanos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno. Cabe destacar también, algunos efectos visuales sorprendentes que sobrecogen al publico por enardecer la sangre y la violencia.
El guion, escrito por el director junto con Thomas Bidegain y Noé Debré, es muy creíble al tratar un tema tan de actualidad como la inmigración, y muestra como unas personas huyen de los conflictos de su país y de sus demonios internos, para acabar descubriendo que cuando las cosas se tuercen vuelve estos demonios a ellos aunque las circunstancias y lo que les rodea sean distintos. Es esto la clave del film, lo que le da forma y hace pensar al espectador sobre los problemas que genera la violencia y sobre todo las marcas indelebles que la guerra deja en las personas normales. Todo esto se lleva a cabo con una narrativa sugestiva de la procedencia de cada personaje, predominando el tono desesperanzado, irascible o profundo en un trabajo natural que hace cavilar al espectador. Señalar también, que el montaje lineal y seguido se toma su tiempo en ir desarrollando su historia y sus personajes.
Con todo esto, considero a Dheepan una obra sincera y bien trabajada que va de menos a más y atrapa con estilo propio y sin florituras al espectador, ya que su trama incitadora y su historia de inmigración, deja evidencias de algunos de los muchos problemas que tienen que sortear -y que a veces no consiguen hacerlo-, los que huyen de sus países en guerra para llegar a otro bien distinto. Donde su lenguaje y sus costumbres poco a nada tienen que ver con el que tenían, y el futuro que tienen que afrontar para poder prosperar allí es totalmente desconocido. Es por eso, que la película deja tras de sí una sensación triste y nostálgica, además de preocupante, por la situación actual que vive Europa con esta temática y que se refleja tan bien en su film Jacques Audiard.
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Trumbo. La lista negra de Hollywood
Trumbo. La lista negra de Hollywood (2015)
  • 7,0
    12.929
  • Estados Unidos Jay Roach
  • Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, ...
8
Un trabajo bien construido y necesario de conocer
Trumbo: La lista negra de Hollywood, de Jay Roach, es un drama biográfico con toques de comedia basado en la vida profesional de Dalton Trumbo, un famoso guionista de Hollywood que fue incluido en una lista negra acusado de comunismo en los años 40, cuando comenzó la caza de brujas del senador Joseph McCarthy. Con esta historia, tristemente real, que protagonizó un país que se caracterizaba supuestamente por su libertad, se desgrana poco a poco un film que de forma acertada informa a todo aquel que se interese en descubrir la vergonzosa caza de brujas que vivió Hollywood a finales de los años 40, debido al temor de la guerra fría que envolvía a los norteamericanos durante aquellos turbios años.
Técnica y artísticamente, la película está bien confeccionada, ya que su fotografía es evocadora a la época y lugar en cuestión y está bien cuidada en detalles, los planos y movimientos de cámara, aún siendo sobrios, ayudan a crear el tenso ambiente que se generó esos días a través de los plano-contraplanos, generales, subjetivos y tercera persona. La música del film, acompaña sutilmente cada escena según es requerida con sonidos emotivos, intrigantes o insidiosos, y su montaje, aunque algo largo, es oportuno al montar piedra a piedra todos los detalles escabrosos de la historia desde sus comienzos a finales de los años 40, hasta el posterior reconocimiento de Dalton Trumbo en la década de los 70.
Las interpretaciones, son soberbias del primero al último y se apoderan junto al guion de todo el atractivo del film. Cuenta con la magnífica interpretación de Bryan Cranston, que lejos de su más reconocido papel en la serie Breaking bad, logra una deslumbrante actuación dando vida al personaje que da nombre al film. Son buenos también los acompañamientos de Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning y Louis C.K entre otros, (destaca como curiosidad, que los actores que hacen de dobles de interpretes clásicos como por ejemplo John Wayne, no se parecen en nada al auténtico). La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de la época y el lugar en los que predominan lo elegante y distinguido al más puro estilo Hollywood, en una notable labor que junto con los decorados y exteriores te transporta in situ.
El guion, escrito por John McNamara, está basado en unos hechos reales que marcaron el cine americano y lo sacudieron con el estúpido miedo al comunismo, privando de la más básica libertad a todos aquellos integrantes afiliados a este partido político, acaparando con ello la total atención del espectador exigente y buscador de buenos dramas reales, que quiera ser informado a fondo de la caza de brujas del Macarthismo. Esto se lleva a cabo con una narrativa afilada y satírica en el caso del protagonista, que es impecable y desde luego sugestiva y deja bien claro la irónica personalidad de Trumbo.
En definitiva, la considero un drama biográfico estupendo y desde luego necesario por informar al público sobre la triste caza de brujas que machacó a los artistas y guionistas de Hollywood en los años 40. Por lo que el director, logra crear un film que hace justicia a la emblemática figura de un guionista como Dalton Trumbo, que no obtuvo el justo reconocimiento en su momento, y que si lo recibe con este film para ser descubierto y admirado por el gran público amante de los buenos films clásicos del Hollywood dorado.
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La verdad duele
La verdad duele (2015)
  • 6,2
    8.801
  • Estados Unidos Peter Landesman
  • Will Smith, Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin, Albert Brooks, ...
6
Interesante, pero no llega nunca a arrancar
La verdad duele, de Peter Landesman, es un drama basado en hechos reales que muestra como un neuropatólogo forense, descubre a través de la autopsia realizada a un ex jugador de futbol americano, un nuevo síndrome ocasionado por los múltiples golpes que reciben estos en la cabeza. Con esta trama tan incitadora, sobre todo para el pueblo norteamericano, el director y guionista pone en la palestra una provocadora afirmación que pretende informar al mundo sobre la terrible enfermedad que padecen algunos jugadores de este deporte por los continuos golpes en la cabeza que reciben en el juego. Es por tanto, una obra valiente y decidida a sacar a la luz un problema real que levanto asperezas dentro de este deporte.
Con un argumento tan comprometedor entre manos, Peter Landesman hila un film que va generando interés aunque no llega a despegar en ningún momento, ya que da vueltas sobre el problema en sí y los avances que hicieron para publicarlo, pero la película no muestra pasión y carece por tanto de algo de chispa al centrarse tanto en huir de un sensacionalismo que desde luego no posee, pero hace que se quede algo corta a la hora de trasmitir al público lo tremendo de su historia. Nada por tanto sobre la superficie, de lo que sin duda fue un bombazo para un país en el que la NFL es dueña, como dicen en la película, de lo que antes lo era la iglesia, los domingos.
Las interpretaciones, que cuentan con caras bastantes conocidas, son algo efectistas pero acertadas en lo que ofrecen y cumplen con su cometido. Como protagonista, Will Smith se ve algo forzado a gustar en su interpretación y son mejores los acompañamientos de Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin, Albert Brooks y sobre todo un magnífico David Morse, que atrapa la total atención del espectador en las escenas en las que aparece. La dirección técnica utiliza para estos, unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de cada personajes ya sean médicos, jugadores o representantes de este deporte en una correcta labor.
El guion, escrito por el director y basado en el artículo de Jeanne Marie Laskas, tiene entre manos una gran historia que no son capaces de tallar todo lo bien que se podría haber hecho, ya que son comedidos y se mojan poco en sus averiguaciones y sobre todo en las reacciones de aquellos que son dueños del futbol americano. Consigue con esto marcar de forma mesurada una cinta que tiene mucha miga en su interior, y que sin embargo, no logra brillar en ningún momento para satisfacer plenamente al espectador medio. Esto se lleva a cabo con una narrativa alusiva de cada personaje que es generalmente expresiva, irascible e incluso discordante en el caso de los jugadores afectados por esta dolencia.
Concretando, la considero un film que no termina de cuajar y va dando vueltas sobre lo mismo sin llegar a apasionar en ningún momento a un público que espera con ansia que se le ofrezca una trama no solo provocadora, (ya que la historia real en sí misma lo es), sino que el argumento que sale en la cinta tenga más intención de señalar a culpables y dejar claro sobre la mesa que es un problema que lleva pasando muchos años y se ha ido ocultando para no saltar la alarma de una sociedad que es ajena a todo esto. Por lo cual, es una película que sin llegar a defraudar te deja con ganas de más y con la sensación de que el problema en cuestión no ha sido expuesto del todo, sino tan solo a pinceladas.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Nadie quiere la noche
Nadie quiere la noche (2015)
  • 6,1
    3.716
  • España Isabel Coixet
  • Juliette Binoche, Rinko Kikuchi, Gabriel Byrne, Matt Salinger, ...
7
Otra cinta personal y profunda de una directora que no se conforma con lo convencional
Nadie quiere la noche, de Isabel Coixet, es un drama de aventuras y supervivencia basado en personajes reales en el que la mujer de un conocido explorador, va en su búsqueda a Groenlandia donde emprende un viaje que cambiará su vida para siempre. Con esta historia, la directora muestra una trama en la que la obsesión de la protagonista por cumplir lo que pretende, abre el camino a distintas situaciones personales y humanas que son el verdadero fuerte del film, en especial, la relación que surge entre ella y una esquimal que sin saberlo comparte con ella el mismo hombre, dando lugar esto a una hermosa amistad entre estas dos mujeres tan distintas entre sí, que tienen que aprender a comunicarse y comprenderse para sobrevivir al duro invierno que les espera en la tundra cercana al polo norte.
En cuanto a los detalles técnicos de la cinta, la fotografía cumple con una parte importante de esta al mostrar imágenes lumínicas y también oscuras que son evocadoras del lugar, cumpliendo con una labor sobresaliente y desde luego inspiradora. La música acompaña las escenas oportunas con sonidos intrigantes y melódicos que añaden melancolía y conmueven con belleza al espectador, para acercarlo más aún a su historia. Los planos y movimientos de cámara consuman una soberbia tarea mediante el uso de la cámara en mano, reconocimientos lentos, detalles, primeros y primerísimos planos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su inhóspito entorno.
El guion, escrito por Miguel Barros e inspirado en personajes reales, llama especialmente la atención por centrase en las vivencias de Josephine Peary (Juliette Binoche), en lugar de las de su marido el famoso explorador Robert Peary, que supuestamente fue el primero en atravesar el polo norte, dando así de lado el guionista la épica hazaña del explorador para concentrarse más bien en la parte femenina que cubre esta historia tras la realidad conocida, concediendo así más importancia a la cara b de la aventura que al hecho histórico real. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off de la protagonista, que es reflexiva y que con su tono académico remarca la desesperanza de lo que va a ocurrir en la película. Merece también especial mención, el montaje lineal y seguido que imprime un ritmo lento, casi majestuoso en la trama, que no es del gusto de todos pero hipnotizará a aquellos que no les importe siempre y cuando se le ofrezca a cambio algo notable.
Las interpretaciones, son de lo mejor del film y convencen por su integridad. Como protagonistas, Juliette Binoche luce con profundidad y verosimilitud un enorme papel y destaca el acompañamiento de Rinko Kikuchi, que da credibilidad a su personaje esquimal. Son también buenas las colaboraciones secundarias de Gabriel Byrne, Matt Salinger y Velizar Binev entre otros. Los vestuarios y caracterizaciones escogidos para estos personajes, son sugestivos de la época y el lugar, así como de su clase social en una estupenda tarea que obtuvo un merecido Goya y que junto con los decorados y los exteriores, te transportan eficazmente al momento y lugar en cuestión.
Resumiendo, considero a Nadie quiere la noche una película profunda y hermosa cuyo mayor fuerte es la relación humana que surge entre Josephine (Juliette Binoche), que es la esposa del famoso explorador Robert Peary y la mujer esquimal (Rinko Kikuchi), satisfaciendo con ello a los buscadores de dramas bien trabajados que pretenden ser puros sin nada artificial que los adorne. Logra así, Isabel Coixet, cautivar al espectador ávido de un cine auténtico que recuerda por algunos detalles visuales e interpretativos a grandes superproducciones como Memorias de África o Doctor Zhivago, aunque a menor escala, por la lucha de las protagonistas y su obsesión por sobrevivir a los elementos extremos y la naturaleza más salvaje.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Barton Fink
Barton Fink (1991)
  • 7,4
    23.329
  • Estados Unidos Joel Coen
  • John Turturro, John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, ...
8
Extraña, atrayente y hipnótica cinta de los Coen
Barton Fink, de los hermanos Coen, es un drama de cine dentro de cine basado en el Hollywood dorado de los años 40, en el que contratan a un guionista de teatro para que escriba el guion de una película de lucha libre, y una vez llega este a su hotel, sufre un bloqueo mental que le impide escribirlo. Con esta historia, los geniales cineastas de Minnesota hilan su cuarto largometraje. Una película, que ante todas sus rarezas inexplicables y turbia ambientación, mantiene con mucho estilo y eficacia al espectador pegado al asiento preguntándose, ¿Qué es lo que ocurre en ese extraño lugar?. Y todo, bajo el manto de aparente normalidad y excentricismo que ofrecen unos personajes que dominaron la Meca del cine en los años 40. Completan así los Coen, el primer film en el que critican y homenajean a partes iguales su amado cine.
Técnicamente, los directores vuelven a brillar con su particular estilo visual. La fotografía usada, es algo lúgubre y oscura para dar una atmósfera asfixiante a la película. La música, es intensa y llena de intriga las escenas oportunas para estimular al público con sus enigmáticos sonidos. Los planos y movimientos de cámara, tienen el habitual estilo bien cuidado de los hermanos Coen, en el que usan sobre todo los planos subjetivos y la cámara en mano para dar un toque particular a las escenas claves. Merece la pena también destacar, el montaje lineal y seguido que no se toma la más mínima prisa en exponer su historia y sin embargo no se hace pesado en absoluto.
En cuanto al guion, escrito por los directores, va de menos a más y gusta por tener en su interior un drama con toques de comedia que tiene un entramado confuso y desde luego desconcertante que apasiona a los cinéfilos más exigentes, y en especial, a los incondicionales de los Coen, ya que su estilo propio en este film está bastante definido y no deja duda de su calidad fílmica y narrativa. Además, al ser la falta de inspiración su principal trama, parece ser un guiño de los mismos directores a sus comienzos en el cine, y tiene alicientes en su interior como mostrar detalles con doble sentido que harán pensar al espectador y buscar su verdadero significado, por lo que no es un film sencillo de comprender en absoluto. Todo esto se lleva a cabo con una narrativa dinámica típica de los Coen que está llena de carisma, siendo además de lo más sugestiva según su personaje.
Las interpretaciones, repletas de caras conocidas, son profundas cada una en su estilo. Destacan por encima de todos, John Turturro en un papel tímido y excéntrico, muy lejos de su registro más habitual y un soberbio John Goodman que construye un personaje sombrío que brilla con luz propia en lo que sin duda es uno de sus mejores papeles. También trabajan en el film otros actores secundarios que aportan su granito de arena como es el caso de Steve Buscemi, Jon Polito y Frances McDormand. Para estos emplea la dirección artística, unos vestuarios y caracterizaciones evocadores y bien trabajados según el personaje en una estupenda tarea que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
Con todo esto, Barton Fink se perfila como una de las películas más chocantes y misteriosas de los hermanos Coen, aunque sin embargo, es de las más atrayentes y se queda eficazmente en la retina del espectador. Por lo tanto, deja tras de sí la sensación al público de haber visto una película admirable y digna de elogio que aunque sea incomprensible en muchos aspectos, es precisamente esa su mayor fuerza para hacer cavilar al espectador que tenga la intención de llegar a lo más profundo posible del corazón, de una de las mayores joyas cinematográficas que han lanzado los Coen al séptimo arte.
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Knight of Cups
Knight of Cups (2015)
  • 5,7
    1.412
  • Estados Unidos Terrence Malick
  • Christian Bale, Cate Blanchett, Natalie Portman, Brian Dennehy, ...
6
Tiene lo mejor y lo peor de Malick
Knight of Cups, de Terrence Malick, es un drama romántico basado en un guionista de Hollywood perdido sentimentalmente, que busca el amor verdadero y a sí mismo a través de vivencias esporádicas y profundas con varias mujeres que le ofrecen distintos sentimientos. Con esta trama, el director ofrece belleza a través de imágenes hipnóticas que proporcionan al espectador seguidor de Malick, un viaje por sus sueños y el de sus personajes, como es habitual en sus historias, y calar con ello en el público que busque estar magnetizado por el universo de un curioso cineasta que tiene tantos detractores como incondicionales en el mundo del séptimo arte. Aunque lo que es indudable, es que posee un estilo único y reconocible que no pasa desapercibido por ninguna clase de públicos.
Visualmente, la película vuelve a ser un poema a través de unas imágenes espectaculares y bien escogidas que atrapan al espectador y lo fascina por estar cuidadas al más mínimo detalle. La música, es emotiva y da un toque nostálgico al film con sus melodías que sugestionan al público en un sutil acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara, como es habitual en su director, vuelven a ser un punto fuerte en su cine a través del uso de la cámara en mano continua, subjetivos, steadycam y seguimiento que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno. Es necesario también mencionar, que el montaje del film que es lineal y seguido y está dividido en capítulos, no se toma la más mínima prisa y se hace en ocasiones algo lento y pesado para el espectador más impaciente.
El guion, escrito por el director, carece de un sentido lógico y pierde al público con una historia que solo encaja en la cabeza de su creador, siendo por tanto esto un punto negativo para una obra, que aunque quiera brillar más con la estética y la profundidad de sus personajes, no ofrece una trama a la que te puedas agarrar y comprender para dar algo de sentido a la cinta. Esto es llevado a cabo con una narrativa reflexiva, en la que merece la pena destacar que el protagonista de la película encarnado por Christian Bale, no pronuncia ni una sola palabra y tan solo son sus pensamientos los que brotan con voz en off para encandilar al espectador.
Las interpretaciones, son magníficas como es habitual en los largometrajes del director, aunque brilla por encima de todos un Christian Bale que encandila al público con sus movimientos y miradas y se hace cargo de casi todas las escenas de la película, siendo también notables los acompañamientos de Cate Blanchett, Natalie Portman, Brian Dennehy, Antonio Banderas y Freida Pinto entre muchos otros. Todos estos son ataviados con variados vestuarios según su condición, ya sean elegantes, informales o sugestivos de cada personaje para cumplir con una tarea de lo más oportuna.
En definitiva, la considero una cinta que posee lo mejor y lo peor del universo Malick, ya que tiene altibajos en lo que ofrece y encanta y desencanta, aburre y enamora, inspira y relaja, y así sucesivamente en un cúmulo de sensaciones, que hacen sentir al público en todo momento que están viendo una cinta del peculiar cineasta Tejano, aunque es inevitable descubrir que no está al alto nivel capaz de ofrecer por no inflar el corazón de sus seguidores solo con sus espectaculares imágenes llenas de lirismo y sensualidad, y se sustenta solo en sus característicos detalles técnicos y visuales para seducir a un público que se acaba saturando de lo que ofrece el realizador, y acaba pidiendo algo más que en ningún momento llega a aparecer.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mustang
Mustang (2015)
  • 7,2
    10.733
  • Francia Deniz Gamze Ergüven
  • Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, ...
8
Un drama sincero y tristemente verosímil
Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, es un drama familiar basado en 5 hermanas huérfanas de entre 12 y 16 años que viven con su abuela y sus tíos, y debido a un malentendido de inmoralidad, son encerradas en su casa durante un verano idílico a la espera de que las casen en contra de sus voluntades. Con esta premisa, se expone un film incitador que conecta con sinceridad al público a una triste realidad que aún se profesa en algunos lugares del mundo, siendo por tanto la privación de la libertad más básica de unas adolescentes, la provocadora historia que encuentra el espectador en una obra notable, valiente y desde luego bien llevada a cabo por un director, que no intenta en ningún momento añadir nada artificial a su trama, sino tan solo mostrar los hechos tal cual son.
Técnicamente, la película es visualmente atractiva, gracias a una fotografía lumínica que logra inspirar al público con sus imágenes bellas de la naturaleza y de unas jóvenes que empiezan a descubrir el mundo y a sí mismas. La música, usada solo en los momentos oportunos, es hipnótica y añade nostalgia al film, evocando a recuerdos emotivos. Los planos y movimientos de cámara, dan un toque personal y dramático al usar la cámara en mano continua, planos subjetivos, seguimiento y detalles para exprimir lo mejor de la historia y las interpretaciones. Cabe señalar también, que el montaje lineal y seguido no se toma prisas pero marca un buen ritmo a la película y no se hace pesada en absoluto.
En cuanto al guion, escrito por el director junto con Alice Winocour, es de lo más sincero y noble al exteriorizar eficazmente las vivencias de unas jóvenes que intentan ser reprimidas por la sociedad y su familia en el momento más difícil de sus vidas, como lo es la adolescencia en sus primeros contactos con el sexo masculino. Además, presenta a cada una de las chicas también por separado para mostrarnos sus defectos y sus virtudes, y como afrontan las dificultades que tienen que superar en una época del año que podría haber sido idílicas para ellas, y sin embargo, se convierte en un infierno debido a la poca transigencia de su familia. Todo esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off de una de las protagonistas, siendo el resto de lo más expresivo y desde luego sugestivo a las complicadas edades de las jóvenes.
Las actuaciones, de unas caras prácticamente desconocidas por el público, son bordadas y derrochan un realismo perturbador de unas chicas que parecen en todo momento que no están siendo grabadas por una cámara. Cuenta con las verosímiles interpretaciones de Gúnes Sensoy, Elit Iscan, Doga Zeynep Doguslu, llayda Akdogan y Tugba Sunguroglu que son las encargadas de dar vida a las 5 hermanas que intentan disfrutar de los comienzos de sus vidas y son reprimidas y encerradas en contra de su voluntad por su familia, a la espera de ser casadas con desconocidos.
Concluyendo, lo considero un film necesario para ser conscientes de las diferencias sociales y religiosas que hay en otros países. Además, todo lo que se hace en ella tiene la intención de llegar al espectador con naturalidad, y lo consigue con nota, ya que su dirección, guion, interpretaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa, están confeccionados con la firme intención de calar irremediablemente en el espectador buscador de dramas con un trasfondo tristemente real, que es bello y conmovedor a la vez, dejando una profunda sensación de impotencia al público al descubrir como aún en muchos paises, es la mujer un ciudadano de segunda sometido a la voluntad de los hombres, las costumbres y las religiones.
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0 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sargento negro
El sargento negro (1960)
  • 7,5
    4.696
  • Estados Unidos John Ford
  • Woody Strode, Jeffrey Hunter, Constance Towers, Billie Burke, ...
7
Un drama judicial con un trasfondo de western
El sargento negro de John Ford es un drama judicial y un western que toma como base el racismo a través de la acusación de violación y muerte de una joven blanca a un sargento de raza negra. Dirigida con un ritmo paulatino y con un estilo directo que toma como base el flash-back para explicar la historia, es una obra notable y bien trabajada aunque sea un título de menor calibre dentro de la vasta filmografía del director, pero sin embargo, contiene los elementos necesarios para tener al público pegado al asiento, mostrando además mensajes de honor, dignidad y entereza para satisfacer a los cinéfilos clásicos que sean seguidores del estilo más puro y habitual del director.
La fotografía es lumínica y alusiva del western en un trabajo bien cuidado en detalles sugestivos que son estéticamente apropiados y te transportan eficazmente al momento y lugar en cuestión. La música es evocadora del género en sus estimulantes sonidos y melodías intrigantes que llenan de inquietud el film a través de unos intensos sonidos en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica sobria al más puro estilo del director con su avanti para fijar la atención del espectador, generales, plano-contraplanos, planos americanos, seguimiento y reconocimiento que se centran en sacar lo mejor de cada escena en conjunto y no en individual. Cabe destacar también, el montaje con flash-back original para su momento que va retrocediendo en el tiempo y muestra los hechos mediante las vivencias de cada personaje.
Las actuaciones son concisas y verosímiles del primero al último en un elenco de caras no muy conocidas. Como protagonistas Woody Strode está convincente en su labor de acusado, Constance Towers trabaja con sensibilidad y acierto y Jeffrey Hunter cumple con contundencia en su labor, siendo buenos los acompañamientos de Billie Burke, Juano Hernández y Willis Bouchey entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos del western de militares, caballeros e indios en un notable trabajo que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por James Warner Bellah y Willis Goldbeck, crea un sustancioso entramado por la acusación de violación de una mujer blanca por parte de un hombre de raza negra para mantener al público pegado al asiento, dando varios puntos de vista y narrando la historia de forma que crea un ambiente de interés e intriga que llega eficazmente hasta el final, concluyendo un film recordable cuyo fuerte eso sí, es más bien el drama judicial que el western. Esto se lleva a cabo con una narrativa impoluta y directa que con tono clásico y expresivo deja clara la condición de cada personaje.
Concluyendo, la considero un western y un drama judicial notable que sin ser deslumbrante mantiene con mucha intención al espectador pegado al asiento con su trama que pone el racismo en la palestra para añadir un punto extra a lo que ofrece el film, y más aún teniendo en cuenta el momento en el que se estrenó la película. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de El sargento negro, una cinta vistosa y cumplidora que sin ser de las mejores del director, si mantiene intacto su estilo e intención para satisfacer a los incondicionales del género.
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