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Críticas de Elcinederamon
Críticas ordenadas por:
Sicario
Sicario (2015)
  • 6,9
    29.026
  • Estados Unidos Denis Villeneuve
  • Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Victor Garber, ...
8
De esta clase de películas que no te importa en absoluto pagar la entrada del cine de lo buena que son
Sicario de Denis Villeneuve es un thriller dramático basado en una joven agente del FBI que ingresa voluntariamente en un grupo secreto del gobierno para luchar contra el narcotráfico, y una vez dentro cuestiona sus actos y decisiones. Dirigida con un ritmo pausado que no se toma prisas en exponer su trama y con un estilo frío que muestra al cartel de México tal cual es tanto dentro como fuera del país, es una obra incitadora que pone al público en situación de uno de los mayores problemas criminales que tiene el mundo actual en asunto de drogas para dejar absorto a toda clase de espectadores, en especial a los más exigentes que siempre buscan exigir lo máximo al cine actual, concluyendo un incitador film que no deja a nadie indiferente.
La fotografía es alusiva y hace buen uso de los claroscuros según lo requiere la escena, logrando una tarea bien trabajada al más mínimo detalle para transportar al público a cada lugar. La música es intensa y penetrante en las escenas de acción para turbar al público con sus sonidos inquietantes que son usados solo en los momentos oportunos para estimular con un notable acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso del seguimiento, reconocimiento, generales, panorámicos, primera persona, subjetivos, cámara en mano, tercera persona, aéreos, grúas y travellings que exprimen lo mejor de la acción y las interpretaciones. Los efectos visuales y de sonido son estremecedores e incrementan las explosiones y la violencia en las escenas clave.
Las actuaciones son soberbias y deslumbrantes cada una en su estilo. Como protagonistas Emily Blunt está auténtica y sobria en un certero papel, Benicio Del Toro está lúcido en una fría y señalada labor y Josh Brolin algo chulesco pero muy acertado en su tarea, siendo buenos los acompañamientos de Victor Garber, Jon Bernthal, Daniel Kaluuya, Maximiliano Hernández y Dylan Kenin entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugerentes de SWAT, FBI y de narcotraficantes mexicanos en un magnífico trabajo que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Taylor Sheridan, va de menos a más en un entramado provocador que busca llegar al fondo de los cárteles de México, exponiendo mientras tanto toda su violencia para impactar a todos con escenas que están basadas en hechos totalmente reales por fuerte que parezcan, finalizando un gran thriller dramático que cautivará a todos aquellos que se dispongan a conocerlo, sobre todo a los cinéfilos más exigentes ya que el film no se anda con paños calientes. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y sugerente para marcar la personalidad de cada personaje en un trabajo de lo más conspirador. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que exprime gran historia y se toma además su tiempo en exponerla.
Para finalizar, la considero una obra esencial en sus géneros que va de menos a más hasta alcanzar un incitador final que no dejará a nadie indiferente por su violencia y realidad de los hechos, machacando al público con una temática verosímil que ocurre día tras día en el mundo para dejar perplejo a todos. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, sonidos, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que vuelven a Sicario, un film demoledor y ácido para sacudir a toda clase de públicos con su realismo y crudeza.
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Insidious: Capítulo 3
Insidious: Capítulo 3 (2015)
  • 4,9
    6.859
  • Estados Unidos Leigh Whannell
  • Stefanie Scott, Dermot Mulroney, Lin Shaye, Hayley Kiyoko, ...
5
Sigue cayendo la saga en picado
Insidious: Capítulo 3 de Leigh Whannell es un film de terror basado en una joven adolescente que en un intento de convocar a su madre muerta, busca a la conocida médium de la saga para que la ayude, pero al final lo único que hace es despertar un ente que vive encima de su casa y se obsesiona con ella. Dirigida con un ritmo pausado en la trama y vertiginoso en la acción, es una obra decente con algunos momentos desconcertantes que inquietan y aterrorizan al público, aunque es de menos calidad que la primera y segunda parte pero al menos ofrece algunos detalles de sobresaltos que se alejan algo del terror más habitual, concluyendo un buen film que no brilla pero tampoco decepciona a nadie.
La fotografía hace gran uso de los claroscuros en un evocador y oscuro trabajo que estimula al público con sus portentosas imágenes que impactan por su violencia y enigma, logrando una labor recóndita y estéticamente sombría y siniestra. La música es intensa y penetrante por un lado e intrigante y misteriosa por otro, inquietando al público con sus arrolladores sonidos que hacen sentir la constante amenaza en un insidioso y penetrante trabajo que profundiza en el espectador. Los planos y movimientos de cámara consuman una decente labor técnica que busca atemorizar más aún al espectador mediante el uso de la cámara en mano constante en las escenas clave, avanti, retroceso, plano-contraplanos, subjetivos, reconocimiento, circulares, steadycam, primeros planos, detalles, voyeur y grúas bastante informales que aumentan la inquietud e inestabilidad. Cabe destacar también, los efectos visuales y de sonido sorprendentes y sobrecogedores que aumentan la violencia y la sangre.
Las actuaciones son competentes y acertadas pero sin brillo. Como protagonistas Stefanie Scott está bien en un doble y certero papel y Lin Shaye está irreprochable en su línea habitual, siendo acertados los acompañamientos de Dermot Mulroney, Hayley Kiyoko, Leigh Whannell y Angus Sampson. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones comunes y de diario por un lado y estremecedores en los entes demoníacos por el otro, en una labor que sirve para atemorizar más aún al espectador.
El guion, escrito por el director, va de menos a más con una trama tenebrosa y desconcertante que sacude al público con algunas escenas de terror sobrenatural que inquietan e intimidan al público en general, aunque los seguidores e incondicionales del género quizás la consideren algo floja y pretenciosa, finalizando un decente film de terror que baja algo el listón de sus primeros films. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y en ocasiones efusiva que marca la desesperanza y el misterio en una tarea llena de intriga. Cabe señalar también, el montaje lineal y rítmico que muestra buena historia en apenas 90 minutos.
En definitiva, la considero una obra meramente cumplidora que tiene algunos detalles recordables pero que en líneas generales no es imprescindible ni para los seguidores del género ni para el público en general, finalizando un film discreto que no defrauda pero no luce tampoco en ningún sentido. Algo recomendable por su dirección, guion, fotografía, música, montaje, efectos, movimientos de cámara y caracterizaciones que vuelven a Insidious: Capítulo 3, un film que pasa sin pena ni gloria por todos aquellos que quieran visionarlo.
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Sólo se vive dos veces
Sólo se vive dos veces (1967)
  • 6,3
    6.376
  • Reino Unido Lewis Gilbert
  • Sean Connery, Donald Pleasence, Akiko Wakabayashi, Tetsurô Tanba, ...
8
Junto con Goldfinger, las mejores de 007 de Sean Connery
Sólo se vive dos veces de Lewis Gilbert es un film de acción y aventuras basado en 007 que en esta ocasión investiga el secuestro de unas naves espaciales estadounidense y rusa antes de que el desconcierto lleve a la tercera guerra mundial a los dos países. Dirigida con un ritmo activo y con el estilo característico de la saga aunque mejor trabajado que la media, es una obra arrolladora de principio a fin y de las más recordables de la saga que acapara la total atención de los seguidores de James Bond, ya que su acción e intriga esta un peldaño por encima de la media de films de 007, concluyendo un magnífica película que sin duda está entre las 3 mejores del famoso espía inglés del MI6.
La fotografía es evocadora a cada lugar en un lumínico trabajo que muestra algunas imágenes impactantes y violentas y otras espléndidas y bien cuidadas al más mínimo detalle para estimular y apasionar al público en una excelente tarea. La música es intrigante y estimulante por un lado y melódica y atractiva por otro en uno de los mejores y más certeros acompañamientos musicales de la saga gracias a la inmejorable aportación de John Barry. Los planos y movimientos de cámara consuman una gran labor técnica mediante el uso de los subjetivos, plano-contraplanos, avanti, retroceso, generales, panorámicos, reconocimiento, aéreos, circulares, travellings, cámara en mano, rotación y detalles que exprimen lo mejor de la acción y las interpretaciones. Cabe destacar también, los efectos visuales sorprendentes y bien logrados para la época que añaden espectáculo al film.
Las actuaciones son auténticas y remarcables. Como protagonista absoluto Sean Connery vuelve a deslumbrar en su papel genuino y enérgico, siendo notables los acompañamientos de Donald Pleasense como primera cara conocida del número 1 de Spectra, Akiko Wakabayashi, Tetsuro Tamba, Mie Hama, Lois Maxwell y Bernard Lee entre muchos otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y distinguidos por un lado como es habitual en la saga y típicos de japoneses por otro en una magnífica labor que junto con los decorados y exteriores te transportan a cada lugar visitado en un extraordinario trabajo.
El guion, escrito por Harold Jack Bloom y Roald Dahl y basado en el personaje de Ian Fleming, es de los mejores de la saga y coloca a James Bond en Japón para investigar las extrañas desapariciones de cohetes rusos y americanos, logrando cautivar a todos aquellos que se propongan descubrirla y en especial a los seguidores de 007, finalizando una historia emocionante y con un trasfondo histórico de lo más acertado por coincidir en esa misma época con la lucha en la carrera espacial entre Usa y la Urss. Esto se lleva a cabo con una narrativa intrigante e insidiosa que de forma educada y sugerente gusta escuchar, gracias también a los diálogos sarcásticos habituales del protagonista. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que expone gran historia con 2 horas de duración que no se hacen pesados en absoluto.
En conclusión, la considero una obra inolvidable e insustituible en el género que cautivará a todos los seguidores con mucho oficio e intención para dejar gratas sensaciones tras su visionado, ya que es posiblemente el film que contiene más componentes esenciales para cumplir con lo que se espera de 007. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de Solo se vive dos veces, un film esencial entre las mejores cintas del famoso espía inglés del MI6.
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Operación Trueno
Operación Trueno (1965)
  • 6,3
    6.108
  • Reino Unido Terence Young
  • Sean Connery, Claudine Auger, Adolfo Celi, Luciana Paluzzi, ...
6
Buena pero, un escalón por debajo de la media
Operación Trueno de Terence Young es un film de aventuras y acción basado en el famoso espía del MI6 James Bond, que en esta ocasión se enfrenta a Spectra en una aventura submarina con bombas nucleares de por medio. Dirigida con un ritmo tranquilo en la trama y más vigoroso en el resto, es una obra entretenida y notable a ratos que sin embargo no brilla tanto como otros films de 007 interpretados por Sean Connery, ya que ni él está tan deslumbrante como en otras ni su trama parece estar tan tomada en serio, aunque por supuesto mantiene un digno nivel que no defraudará a los seguidores e incondicionales de la saga por mantener ciertos detalles característicos de las películas de James Bond.
La fotografía hace buen uso de los claroscuros y es evocadora en una buena labor bien cuidada al más mínimo detalle que la vuelven visualmente competente e idónea en lo que ofrece, llamando la atención del espectador. La música es melódica y alusiva de la trama en sus sonidos intrigantes y turbadores por un lado y alentadores y agradables por otro en un digno acompañamiento musical según la acción. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica a través del uso de los plano-contraplanos, generales, cámara en mano, avanti, retroceso, seguimiento, circulares, rotación, detalles, grúas, aéreos y acelerados que sacan lo mejor tanto de la acción como de las interpretaciones. Cabe señalar también, los efectos visuales y de sonidos admirables para la época en determinadas escenas.
Las actuaciones son acertadas y bien logradas aunque un peldaño por debajo de lo habitual. Como protagonista absoluto Sean Connery está meramente cumplidor aunque algo más bromista y menos serio de lo habitual, siendo apropiados los acompañamientos de Claudine Auger, Adolfo Celi, Luciana Paluzzi, Rik Van Nutter, Guy Doleman, Bernard Lee y Lois Maxwell entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y distinguidos que son sugerentes según la profesión en una correcta labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Richard Maibaum y John Hopkins y basado en el personaje de Ian Fleming, sigue la misma estela de la saga con un malo que pertenece a Spectra y que es seguido por James Bond, aunque en esta ocasión con menos brillo del habitual tanto en su historia como en las interpretaciones, finalizando un decente film que si satisface a todos sus seguidores aunque no deslumbra en ningún momento. Esto se lleva a cabo con una narrativa intrigante y enigmática que desde luego es expresiva y menos cuidada y ácida que en otros films de 007, pero vuelve a ser clásica e insinuante.
Concluyendo, la considero una obra decente dentro de la saga que gustará a sus seguidores e incondicionales aunque no los apasionará como en otros de sus films, ya que flaquea en el interés que produce el film, su historia e interpretaciones, dejando la sensación de haber dejado pasar la ocasión de realizar una cinta mejor y más apasionante. Recomendable por su dirección, fotografía, música, planos, movimientos de cámara, efectos y vestuarios que vuelven a Operación Trueno, el film posiblemente más flojo y menos interesante de los protagonizados por Sean Connery.
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Mentiroso compulsivo
Mentiroso compulsivo (1997)
  • 5,4
    40.562
  • Estados Unidos Tom Shadyac
  • Jim Carrey, Maura Tierney, Jennifer Tilly, Cary Elwes, ...
7
Una comedia tonta con la que no pararás de reir, gracias al incombustible Jim Carrey
Mentiroso compulsivo de Tom Shadyac es una comedia basada en un mentiroso abogado que debido al deseo de su hijo en el día de su cumpleaños, pierde la habilidad de mentir durante un día completo en el que además tiene un importante juicio. Dirigida con un ritmo vertiginoso y con un estilo totalmente cómico en el que no se da un respiro al espectador, es una obra divertida de principio a fin gracias al mejor Jim Carrey de los 90 que mueca tras mueca y comentario tras comentario deja al público extasiado de tanto reír, ya que tan solo él es capaz de sacar las risas a toda clase de públicos, de esos que tan solo buscan humor aunque su trama carezca de peso.
La fotografía es lumínica y evocadora en una labor estéticamente bien trabajada y vistosa que divierte al público gracias a sus portentosas imágenes estimulantes que agradan ver y cumplen ampliamente con su cometido. La música es melódica y rítmica en sus encantadoras canciones que estimulan o tranquilizan al público según el momento de la acción, cumpliendo con una simpática tarea sutil y notable que acompaña notablemente el film. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso de los detalles, subjetivos, seguimiento, travellings, avanti, retroceso, primeros y primerísimos planos, cámara en mano, tercera persona, steadycam, circulares, generales y plano-contraplanos bien elaborados que exprimen lo mejor de las interpretaciones y la acción de estos.
Las actuaciones son carismáticas y contundentes. Como protagonista absoluto Jim Carrey está genuino y auténtico en su línea habitual en uno de sus más cómicos papeles, siendo aceptables los acompañamientos de Maura Tierney, Jennifer Tilly, Cary Elwes, Swoosie Kurtz, Amanda Donohoe, Justin Cooper y Anne Haney. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes pero sin exagerar típicos de abogados y todo lo que rodea a los juicios en una correcta labor que junto con los decorados cumplen bien con su cometido.
El guion, escrito por Paul Guay y Stephen Mazur, no es que esté muy trabajado y se centra más bien en preparar un sketch tras otro y una burla tras otra con la excusa del juicio sobre un divorcio en el que el protagonista es el abogado defensor de una mujer infiel que pide la mitad de la fortuna de su ex marido, concluyendo con esa premisa un gracioso film que cumple notablemente con su cometido para hacer reír al público. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y desde luego efusiva que es de lo más sugerente y disparatada en sus diálogos espontáneas e ingeniosos al más puro estilo que sacará las risas de toda la familia. Cabe señalar también, el montaje rítmico y acompasado que mete buena historia en apenas 90 minutos y que pasa en un santiamén.
Para finalizar, la considero una obra divertida y esencial en las comedias de los 90 que gusta ver y que muestra al mejor Jim Carrey para hacer reír a toda clase de públicos con sus caras y comentarios afilados y sarcásticos que saca la risa a cualquiera aunque no se le puede pedir a la trama gran cosa. Recomendable por su dirección, actuaciones, fotografía, música, montaje, movimientos de cámara, vestuarios, narrativa y diálogos que hacen de Mentiroso compulsivo, un film jocoso que merece la pena ser visto por toda clase de públicos.
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Cuento de invierno
Cuento de invierno (1992)
  • 7,2
    2.108
  • Francia Éric Rohmer
  • Charlotte Véry, Frédéric van den Driessche, Michel Voletti, Hervé Furic, ...
7
Otro de los films notables y personales de Rohmer
Cuento de invierno de Éric Rohmer es un drama basado en una pareja de jóvenes que tienen un romance apasionado en vacaciones y pierden el contacto después por apuntar mal sus direcciones, naciendo 9 meses después una hija de ese encuentro. Dirigida con un ritmo tranquilo y con el estilo característico de relaciones humanas del director, es una obra bella e incitadora por exponer dentro de su temática habitual un detalle nuevo como un embarazo sin conocimiento por culpa de una dirección mal dada, manteniendo con esa premisa al espectador interesado y pendiente de su desenlace final, concluyendo lo que sin duda es uno de los films más vistosos y recomendables de su director entre sus últimos films.
La fotografía es alusiva y natural y está bien cuidada en detalles insinuantes y sensuales, logrando una labor agraciada y confortante que es idónea para lo que ofrece al estar estéticamente bien lograda. La música es melódica y dulce en sus bellas canciones que agradan escuchar al principio del film, siendo el resto escaso como es habitual en el director para no desviar la atención del espectador. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable y particular labor técnica mediante el uso de los detalles, cámara en mano, generales, reconocimiento, seguimiento, subjetivos, avanti y retroceso estéticamente trabajados al estilo habitual del director.
Las actuaciones son reales y están muy bien trabajadas. Como protagonista Charlotte Véry está natural y admirable en un personaje espontáneo, siendo buenos también los acompañamientos de Frédéric van den Driessche, Michel Voletti, Hervé Furic y Ava Loraschi. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones comunes y elegantes pero sin exagerar en una correcta labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director, gira en torno a una mujer perdida en sus propios sentimientos que se fuerza a que sean coherentes aunque su corazón no esté de acuerdo, logrando otro film notable el director que incita diversas reacciones de comprensión o crítica según la condición del espectador, concluyendo una de esas cintas personales que llegan al público sin ningún efectismo, sino solo con problemas terrenales. Esto se lleva a cabo con una narrativa natural e insinuante que es bastante sugerente en un equilibrado trabajo en el que luce la educación y la afabilidad.
En definitiva, la considero otra obra sincera y personal del director que gustará a los incondicionales del cineasta francés y seguidores de dramas reales que se basan en certeras interpretaciones y en largas y profundas conversaciones que van llegando al fondo de la cuestión y defectos terrenales de los protagonistas. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos y narrativa que convierten a Cuento de invierno, en otro film imprescindible para completar la filmografía de un director que no se propone hacer malabarismo, sino cautivar al público con problemas terrenales.
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Marte (The Martian)
Marte (The Martian) (2015)
  • 7,0
    60.453
  • Estados Unidos Ridley Scott
  • Matt Damon, Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, ...
5
Ridley Scott sigue sin volver a despegar
Marte (The Martian) de Ridley Scott es un drama de ciencia ficción y aventuras basado en un astronauta norteamericano que después de una tormenta de arena en Marte, es dado por muerto por sus compañeros y abandonado a su suerte en el planeta rojo. Dirigida con un ritmo a trompicones que es demasiado rápido en la acción y bastante más lento en la trama aunque esta transcurre demasiado deprisa, es una obra meramente entretenida a ratos y pretenciosa en lo que ofrece por querer abarcar más de lo que puede, además tiene una serie de fallos como querer mostrar el entramado demasiado rápido y no profundiza en ninguno de los aparentes problemas que le van surgiendo al protagonista, concluyendo un film que se salva más por los aspectos técnicos y visuales que por su floja historia.
La fotografía es alusiva del lugar y hace gran uso de los colores, logrando una labor que por momentos es espectacular y bien lograda en sus atractivas imágenes que cautivan a los amantes de la ciencia ficción. La música es hipnótica y turbadora en unas escenas y penetrante y llena de intriga en otras, pero se excede en las canciones disco de época en un acompañamiento musical que puede no gustar a todo el mundo por no cuadrar demasiado con la historia. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica notable a través del uso de la cámara en mano, steadycam, detalles, panorámicos, reconocimiento, primeros y primerísimos planos, circulares, tercera persona, travellings, plano-contraplanos, seguimiento y subjetivos que se centra más en la acción que en las interpretaciones. Cabe destacar también, los efectos visuales y de sonidos sensacionales que añaden algo de espectáculo a un film bastante escaso de emoción.
Las actuaciones son competentes pero sin deslumbrar en ningún momento. Como protagonista absoluto Matt Damon va de menos a más en una certera actuación, siendo aceptables los acompañamientos de Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, Kate Mara, Michael Peña y Sean Bean entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de astronautas por un lado y con ropas elegantes y formales por otro en una lúcida labor que junto con los extraordinarios decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Drew Goddard y basado en la novela de Andy Weir, va de menos a más pero cuando llega su mejora el espectador está ya algo desencantado, ya que la primera mitad del film no ha sido tomada muy en serio y tiene prisa por avanzar en una historia que no es capaz de sostenerse por sí sola y cae en su propia trampa, dejando pasar la oportunidad de mantener al público expectante con una historia de salvamento mejor labrada, finalizando con ello un film entretenido y suficiente pero que se excede en metraje. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off pensativa y explicativa que es algo desesperanzada y desde luego expresiva según el estado anímico y psicológico del protagonista. Cabe señalar también, que el montaje es demasiado rápido en montar la trama y no crea la atmósfera adecuada, sino que directamente salta al problema en cuestión y luego el ritmo e interés va cayendo.
En conclusión, la considero una obra pasable a ratos que sin embargo se ahoga por momentos en el desinterés que produce un film largo que no crea la expectación suficiente durante todo el rato para que el espectador no se relaje, desaprovechando una oportunidad única al no ser tomada en serio durante la primera mitad. Algo recomendable por su dirección, interpretaciones, fotografía, sonidos, efectos, movimientos de cámara, vestuarios y caracterizaciones que vuelven a Marte (The Martian), un film ameno a ratos e innecesariamente largo al dejar que el espectador se relaje.
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El amor después del mediodía
El amor después del mediodía (1972)
  • 7,6
    2.071
  • Francia Éric Rohmer
  • Bernard Verley, Zouzou, Françoise Verley, Daniel Ceccaldi, ...
8
Otro de los mejores films de Rohmer
El amor después del mediodía de Éric Rohmer es un drama romántico basado en un hombre casado que recibe en su trabajo la inesperada visita de una amiga de su juventud y empieza a tener con ella un trato de amistad que roza la infidelidad. Dirigida con un ritmo tranquilo y con el estilo más característico de Rohmer en su primera etapa, es una obra profunda y muy particular que exprime la personalidad de un hombre algo apático que piensa y actúa de diferente forma para añadir interés y realismo con una historia admirable y bien trabajada que cautivará a los cinéfilos más exigentes, ya que en esta ocasión Rohmer concluye uno de sus cintas más destacables por su profundidad y por dejar una gran sensación de inteligente film en el espectador más exigente.
La fotografía de Nestor Almendros es alusiva y está repleta de detalles naturales que añaden confort al film, logrando una labor lumínica y eficiente que es estéticamente hermosa. La música es escasa e hipnótica, además como es habitual en el director es usada en pocas ocasiones para no desviar la atención del espectador con sonidos innecesarios. Los planos y movimientos de cámara consuman una buena labor técnica particular del director mediante el uso del seguimiento, generales, cámara en mano, detalles, reconocimiento, avanti, retroceso, planos medios, primeros y primerísimos planos que sacan lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son creíbles y muy naturales. Como protagonistas Bernard Verley está determinante en su acertada labor y Zouzou está persuasiva y manipuladora en un personaje psicológicamente inestable, siendo cumplidores los acompañamientos de Françoise Verley, Daniel Ceccaldi, Malvina Penne, Babette Ferrier y Beatrice Romand entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes pero sin exagerar en una clásica y alusiva labor del lugar y la época que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director, es atractivo en los típicos triángulos de relaciones personales e insinuaciones bien trabajadas que penetran en el público por su profundo realismo y trama verosímil que no busca en ningún momento lo superficial, sino el morbo de lo prohibitivo que no aparece torpemente y de sopetón, sino que se va cociendo poco a poco y creando así una atmósfera provocadora que no deja indiferente a ningún espectador. Esto se lleva a cabo con una narrativa común y profunda que utiliza en ocasiones la voz en off clásica y desde luego impecable. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo en exponer sus personajes y trama, siendo además ideológico y está dividido en capítulos como otras veces ha hecho el director.
Concluyendo, la considero una obra indeleble e insustituible en la filmografía del director y en los dramas románticos profundos y reales que tocan la incitadora temática de la infidelidad envuelta en una supuesta amistad y el tonteo llevado a límites que satisfará a todos los cinéfilos exigentes. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos y narrativa que convierten a El amor después del mediodía, en una película provocadora y muy real que no pasa desapercibida por la calidad de su trama y verosímiles interpretaciones para satisfacer a toda clase de cinéfilos.
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James Bond contra Goldfinger
James Bond contra Goldfinger (1964)
  • 6,9
    12.590
  • Reino Unido Guy Hamilton
  • Sean Connery, Honor Blackman, Gert Fröbe, Shirley Eaton, ...
8
Uno de los mejores títulos de una saga incombustible
James Bond contra Goldfinger de Guy Hamilton es un film de aventuras y acción basado en el conocido espía James Bond, que en esta ocasión tiene que investigar a un joyero de renombre internacional sospechoso de querer desestabilizar la economía de occidente. Dirigida con un ritmo dinámico y con un estilo fresco e interesante que la sitúa como una de las mejores de la saga, es una obra magnífica y atractiva desde que empieza hasta que acaba por acaparar la total atención no solo de los seguidores de 007, sino también a todos los cinéfilos y seguidores del género en general, ya que tiene todos los componentes necesarios para ser recordada como una de las mejores, concluyendo un vibrante film que deja notables sensaciones tras su visionado y tiene además uno de los mejores antagonistas de James Bond.
La fotografía en color es lumínica y colorida en una labor cuidada al más mínimo detalle que llama la atención del público con imágenes portentosas por sus emocionantes escenas de acción estéticamente bien logradas. La música es sensual e insinuante por un lado en sus melodías y estimulante y arrolladora en las escenas clave, añadiendo ritmo e intriga según es requerido junto con la habitual banda sonora de la saga. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica a través del uso de los detalles, generales, seguimiento, panorámicos, reconocimiento, cámara en mano, primeros y primerísimos planos, avanti, retroceso, circulares y plano-contraplanos que sacan lo mejor de las interpretaciones y la acción. Cabe señalar también, los efectos visuales y de sonidos sensacionales y sobrecogedores para la época que marca un tanto positivo a su visionado.
Las actuaciones son admirables y relucientes. Como protagonistas Sean Connery está admirable y genuino en su línea habitual y remarcable Gert Fröbe como genial antagonista, siendo convincentes los acompañamientos de Honor Blackman, Shirley Eaton, Tania Mallet, Harold Sakata, Bernard Lee y Lois Maxwell entre otros. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y distinguidos que son característicos de la saga y variados según el resto de personajes en una gran labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Richard Maibaum y Paul Dehn y basado en la novela de Ian Fleming, es de los más trabajados de la saga y expone en esta ocasión al gran 007 para detener a un criminal y joyero internacional que intenta desestabilizar la economía mundial con el oro, logrando cautivar hasta al cinéfilo más exigente por tener un ritmo e interés superior a la media de films de James Bond, finalizando una gran obra que es recordada años después y que puedes ver sin miedo a cansarte por verla en más de una ocasión. Esto se lleva a cabo con una narrativa impecable y educada que varía de enigmática a insidiosa en un sugerente trabajo clásico que luce junto con los habituales diálogos ácidos e ingeniosos del protagonista. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que marca buen ritmo y exprime buena historia en algo más de 100 minutos.
Para finalizar, la considero una obra imprescindible y esencial en la filmografía de James Bond que cautivará a todos en su visionado por su calidad técnica y trama absorbente y dinámica que tendrá todo el film al espectador pegado al asiento con estilo y mucho oficio, rematando con ello un film que sin duda es uno de los mejores de la saga. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de James Bond contra Goldfinger, una película sensacional y atractiva para toda clase de públicos.
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Spectre
Spectre (2015)
  • 5,9
    22.774
  • Reino Unido Sam Mendes
  • Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, ...
7
Notable en la acción y meramente buena en la trama
Spectre de Sam Mendes es un thriller de acción e intriga basado en 007 cuando intenta por su cuenta averiguar todo sobre la asociación delictiva Spectra para poder desmantelarla, mientras que al mismo tiempo el MI6 intenta ser desmantelado por otra organización. Dirigida con un ritmo vertiginoso y con el estilo típico de la saga aunque con detalles estéticamente visuales característicos de su director, es una obra notable que vuelve a ser más fuerte en la acción que en la intriga o espionaje para satisfacer no solo a los incondicionales de 007, sino también al público más comercial, concluyendo un vibrante film que deja estupendas sensaciones tras su visionado.
La fotografía es impactante y está muy centrada en la acción y la violencia, haciendo gran uso de los claroscuros en una labor alusiva de cada lugar que está cuidada al más mínimo detalle estético como bien le gusta a su director. La música de Thomas Newman no se sale de su línea más habitual y vuelve a apasionar con las reconocibles melodías de la saga, añadiendo intriga y ritmo por un lado a un trabajo excitante que cumple con un magnífico acompañamiento musical durante todo el film. Los planos y movimientos de cámara consuman una tarea técnica magistral mediante el uso de las grúas, seguimiento, subjetivos, steadycam, cámara en mano, primeros planos, plano-contraplanos, avanti, retroceso, travellings y aéreos bien dinámicos que exprimen lo mejor de la acción y las interpretaciones. Cabe destacar también, los efectos visuales y de sonidos que añaden espectáculo y asombro al film, enardeciendo las explosiones y la violencia.
Las actuaciones son auténticas y genuinas cada una en su estilo. Como protagonista de nuevo Daniel Craig está sobrio pero brillante en su línea de Bond habitual y Christoph Waltz está lúcido en su papel más habitual, siendo además destacables los acompañamientos de Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Monica Bellucci, Naomie Harris y Ben Whishaw entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sobresalientes al utilizar disfraces al principio y ropas elegantes y distinguidas en una espléndida tarea que junto con los espléndidos decorados y exteriores te transportan a cada lugar visitado.
El guion, escrito por John Logan, Neal Purvis, Robert Wade y Jez Butterworth y basado en el personaje de Ian Fleming, es bastante activo en sus idas y venidas en diferentes países para dar dinamismo y atractivo al film, logrando cautivar a los amantes de la acción y los efectos visuales por sus constantes escenas violentas que acaparan el atractivo de la película, añadiendo además intriga e interés al poner forma a la archiconocido asociación criminal Spectra. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva e impoluta que contiene además unos diálogos burlones, ácidos o sarcásticos que dejan clara la forma de ser de cada personaje. Cabe señalar también, el montaje rítmico y acompasado que mete mucha historia en casi 150 minutos que no se hacen largos en absoluto por ser de lo más entretenidos.
En definitiva, la considero una obra atractiva y repleta de acción que gustará no solo a los seguidores de la saga, sino al público comercial en general, ya que su trama gusta ver y está rodeada de escenas emocionantes que mantendrán eficazmente al espectador pegado al asiento eficazmente durante todo el film. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones, decorados, narrativa y diálogos que convierten a Spectre, en un film ameno de principio a fin y llamativo en lo que expone para seguir manteniendo el buen nivel ofrecido por este director en la saga.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Desde Rusia con amor
Desde Rusia con amor (1963)
  • 6,6
    9.836
  • Reino Unido Terence Young
  • Sean Connery, Robert Shaw, Daniela Bianchi, Lotte Lenya, ...
7
Una digna continuación al comienzo de la saga
Desde Rusia con amor de Terence Young es un film de intriga, acción y aventuras basado en el famoso espía ficticio James Bond, que en esta ocasión es enviado a Estambul para intentar robar una máquina de cifrado. Dirigida con un ritmo a trompicones que varía de rápido en la acción y más pausado en el resto, es una obra notable dentro de la extensa filmografía de 007 aunque no llega al nivel de las mejores obras, ofreciendo un espectáculo llamativo a ratos que no defrauda y dejará buenas vibraciones tras su visionado, concluyendo uno de los mejores films de la saga protagonizada por el mejor de todos ellos Sean Connery.
La fotografía en color es impactante en ciertas escenas y alusiva al lugar en un trabajo cuidado en detalles estimulantes y alentadores que logran una labor visualmente portentosa, aunque algo oscura. La música es inconfundible de la magnífica saga y desde luego enardecedora, siendo el resto de canciones sugerentes que varían de intrigantes y turbadoras por un lado a melódicas y tranquilizadoras por otro. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable labor técnica a través del uso del seguimiento, grúas, detalles, generales, cámara en mano, avanti, retroceso, generales, voyeur, reconocimiento, panorámicos y circulares que sacan lo mejor de las interpretaciones y la acción. Cabe destacar también, los efectos visuales y de sonidos competentes en las explosiones y la violencia que mejoran en esta cuestión a su predecesora.
Las actuaciones son cumplidores e intachables. Como protagonista Sean Connery de nuevo vuelve a estar auténtico y genuino con su carisma habitual, siendo firme y sobria la interpretación de Robert Shaw, destacable la de Pedro Armendariz y sensual y sensible la de Baniela Bianchi, mencionando también los buenos acompañamientos de Lotte Lenya, Bernard Lee y Lois Maxwell. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes e impolutos típicos de la saga por un lado y evocadores a cada lugar en el resto de personajes según su condición, raza o procedencia en una buena labor que junto con los decorados y exteriores te transporta.
El guion, escrito por Richard Maibaum y basado en el personaje de Ian Fleming, vuelve a ser apasionante y entretenido en las escenas clave aunque es bastante lineal en el resto del film, logrando eso sí, amenizar y estimular en las escenas de lucha y acción de 007 con el resto de colaboradores y contra sus enemigos de Spectra, finalizando otro buen film que cautivará a los amantes de la fructífera saga. Esto se lleva a cabo con una narrativa impoluta que varía de insidiosa e intrigante por un lado a insinuante y clásica por otro, logrando un equilibrado trabajo fiel a la saga y sus personajes que gusta escuchar. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado que no marca un mal ritmo pero si se hace algo largo en ocasiones.
En conclusión, la considero otra obra necesaria e inmortal de la conocida saga que encandilará a todos sus seguidores con los juegos a tres bandas que expone y el trasfondo omnipresente de la guerra fría para dejar grata sensación tras su visionado. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de Desde Rusia con amor, otro notable film de James Bond interpretado por el genial Sean Connery.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Agente 007 contra el Dr. No
Agente 007 contra el Dr. No (1962)
  • 6,8
    29.977
  • Reino Unido Terence Young
  • Sean Connery, Ursula Andress, Jack Lord, Joseph Wiseman, ...
7
El buen comienzo de una saga inolvidable
Agente 007 contra el Dr. No de Terence Young es un film de acción e intriga basado en un agente secreto con licencia para matar del MI6 que es enviado a Jamaica para investigar la extraña muerte de un contacto. Dirigida con un ritmo dinámico y con el estilo arrojado y de espías de James Bond, es una obra auténtica que marca el comienzo cinematográfico del espía ficticio más famoso de la historia, que además está brillantemente interpretado por el mejor en mi opinión Sean Connery, logrando crear un ambiente de intriga y acción único en el séptimo arte que concluye un soberbio film que es de los títulos más recordables de la saga.
La fotografía en color es lumínica y evocadora de cada lugar en un trabajo llamativo y bien cuidado en detalles estimulantes y portentosos que desconciertan al público en las escenas clave, logrando una labor apasionante en la acción. La música es espectacular y reconocible de toda la saga, acompañando la acción en las escenas emocionantes al tener sonidos enardecedores y arrolladores. Los planos y movimientos de cámara consuman una estupenda labor técnica mediante el uso del avanti, retroceso, generales, plano-contraplanos, panorámicos, reconocimiento, seguimiento, cámara en mano, detalles y primeros planos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y la acción. Cabe destacar también, los efectos visuales y de sonidos competentes que enardecen la violencia y las explosiones.
Las actuaciones son verosímiles y convincentes. Como protagonistas Sean Connery está remarcable e íntegro como 007 y Ursula Andress está bella y sensual como pocas, obteniendo el honor de ser la primera chica Bond, siendo notables también los acompañamientos de Jack Lord, Joseph Wiseman, Anthony Dawson, Zena Marshall, John Kitzmiller y Bernard Lee. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones elegantes y estilosos por un lado y más informales por otro según lo requiere el momento y lugar en una buena labor que junto con los decorados te transportan in situ.
El guion, escrito por Richard Maibaum, Johanna Harwood y Berkely Mather y basado en el personaje de Ian Fleming, muestra una historia interesante y atractiva de espías que investigan y descubren al malo oculto para satisfacer a los seguidores del género y de la saga, ya que en esta ocasión James Bond viaja a Jamaica para investigar el desvío de misiles de cabo cañaveral, comenzando así la fructífera saga más larga en años y entregas de la historia del séptimo arte. Esto se lleva a cabo con una narrativa intrigante e impoluta que varía de insidiosa por un lado e insinuante por otro en una labor de lo más sugerente que cautiva a los seguidores del género. Cabe señalar también, el montaje lineal y acompasado que muestra gran historia y se toma su tiempo en exponer la trama.
Concluyendo, la considero una obra imperecedera y esencial en la historia del cine de espías que marcó el comienzo cinematográfico de 007 de un modo notable y acertado que cautivará a todos los seguidores del género, finalizando una de las destacables aunque no brillantes películas interpretadas por el mejor James Bond, Sean Connery. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de Agente 007 contra el Dr. No, un film necesario en la saga que dejará buenas sensaciones tras su visionado.
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Dejad paso al mañana
Dejad paso al mañana (1937)
  • 8,1
    2.183
  • Estados Unidos Leo McCarey
  • Victor Moore, Beulah Bondi, Fay Bainter, Thomas Mitchell, ...
8
Una bella pero triste realidad
Dejad paso al mañana de Leo McCarey es un drama basado en un matrimonio de ancianos que por problemas económicos pierden su casa y se van a vivir por separado con sus hijos. Dirigida con un ritmo paulatino y con un estilo sincero y conmovedor que llega directamente al corazón, es una obra hermosa que muestra la realidad de las personas ancianas cuando tienen problemas y sienten que son un estorbo para sus hijos, consiguiendo cautivar con ello a toda clase de cinéfilos con la naturalidad de lo que se ofrece y de cómo se ofrece, ya que no pretende dar lástima, sino mostrar la triste realidad a la que todos nos enfrentaremos algún día.
La fotografía en blanco y negro es alusiva y elegante en imágenes idóneas y bien cuidadas en detalles que dan belleza al film, logrando una labor agraciada y humilde que da confort en su visionado. La música es emotiva y melódica en sus hermosas canciones sugerentes que son tranquilizadoras y conmueven aunque sin excederse en las escenas oportunas, dando un sutil acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara consuman una buena labor técnica a través del uso del avanti, retroceso, generales, seguimiento, reconocimiento, americanos, planos medios y detalles bien elaborados que sacan lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son admirables y espléndidas. Como protagonistas Victor Moore está notable y creíble y Beulah Bondi irreprochable en su labor, ambos como matrimonio ya mayor que tienen que separarse e irse a vivir cada uno con un hijo distinto, siendo intachables también los acompañamientos de Fay Bainter, Thomas Mitchell, Porter Hall y Barbara Read. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones elegantes pero sin exagerar, que son alusivos a la clase social a la que pertenecen los protagonistas y al clasicismo de la época en una correcta labor que junto con los decorados te transporta.
El guion, escrito por Viña Delmar, Helen Leary y Noah Leary y basado en la novela de Josephine Lawrence, es bello y emotivo por plasmar la vejez de un matrimonio que tiene que separarse por problemas económicos e irse a vivir por separado con distintos hijos, dejando la hermosa y triste sensación tras su visionado de haber visto algo real y sincero que profundiza inevitablemente en el corazón incluso de los cinéfilos más exigentes, finalizando lo que sin duda es uno de los más destacables films del director y de la década. Esto se lleva a cabo con una narrativa clásica y desesperanzada que es expresiva y variada según el personaje, logrando una impecable labor que gusta por exponer la cordialidad y educación familiar de su momento. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que marca claramente la intención que tiene la historia desde el principio.
Para finalizar, la considero una obra indeleble e insustituible que llega directamente al corazón del espectador por ser bella y conmovedora en su trama, logrando quedarse por siempre en el público exigente de dramas clásicos sinceros que no pretenden impresionar, sino más bien mostrar algo sincero y puro. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios y narrativa que convierten a Dejad paso al mañana, en un film magnífico y hermoso para todo aquel que se disponga a descubrirlo y sentirlo.
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Los cazafantasmas
Los cazafantasmas (1984)
  • 6,5
    114.865
  • Estados Unidos Ivan Reitman
  • Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, Harold Ramis, ...
7
Sin duda, un clasico de los 80
Los cazafantasmas de Ivan Reitman es una comedia de terror fantástico basado en un grupo de amigos científicos que deciden montar una empresa para dar caza a los fantasmas que aparecen en Nueva York. Dirigida con un ritmo activo y con un estilo que mezcla con mucha habilidad la comedia con el terror, es una obra atractiva por tener en su interior todos los componentes necesarios para sobrevivir el paso de los años y ser descubierta por nuevas generaciones, ya que su humor ingenioso, sus efectos y cómicas interpretaciones, además por supuesto de su banda sonora, cautivan al público para ser recordada como una de las cintas de entretenimiento familiar imprescindible de los 80.
La fotografía es alusiva y fantástica gracias a unas imágenes llamativas y vistosas que estimulan con sus lumínicos efectos su visionado, apasionando a todos los seguidores de los géneros ya que logran un espléndido trabajo repleto de detalles. La música es rítmica y excitante por tener una de las bandas sonoras más reconocibles de la historia del séptimo arte, dando espectáculo y cautivando a todos con sus sonidos. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor estupenda mediante el uso de la cámara en mano, primeros y primerísimos planos, seguimiento, plano-contraplanos, panorámicos, reconocimiento, travellings, steadycam, detalles, avanti y retroceso que sacan lo mejor de las interpretaciones y la acción. Cabe señalar también, los efectos visuales y de sonidos competentes y asombrosos para su momento que añaden más atractivo al film si cabe.
Las actuaciones son carismáticas y auténticas. Como protagonistas Bill Murray está genuino y admirable en su línea habitual, Dan Aykroyd está irreprochable en su personaje inocente y Harold Ramis está adecuado añadiendo su toque peculiar al grupo, además son oportunos los acompañamientos de Sigourney Weaver, Ernie Hudson, Rick Moranis y William Atherton entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones estéticamente originales y bien trabajados en una espléndida labor que se recuerda y que junto con los magníficos decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Dan Aykroyd, Harold Ramis y Rick Moranis, fue de lo más original en su momento y supo calar en toda clase de públicos por ser de esa clase de films comerciales que cautivan y dejan estupendas vibraciones tras su visionado, finalizando una obra indeleble, apasionante e hilarante que después de tantos años sigue pegando al público al televisor cuando la echan por la tele. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y sugerente que gracias a unos comentarios disparatados y unos diálogos ingeniosos y ocurrentes sacaran las risas de toda clase de públicos. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado que mete buena historia y entretenimiento en algo más de 100 minutos que pasan en un santiamén.
En definitiva, la considero una obra inolvidable y esencial dentro de las comedias de terror y de los films comerciales de los 80 que supo cautivar a todos aquellos que visionaron el film y que lo han vuelto a ver en posteriores ocasiones, ya que entretiene y divierte, y además tiene la chispa necesaria para sobrevivir con estilo el paso de los años. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, efectos, planos, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones, decorados y diálogos que convierten a Los cazafantasmas, en un film genial y divertido como pocos que es de visión obligada para todos aquellos que aún no la hayan visionado.
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Un extraño en mi vida
Un extraño en mi vida (1960)
  • 7,6
    1.704
  • Estados Unidos Richard Quine
  • Kirk Douglas, Kim Novak, Ernie Kovacs, Barbara Rush, ...
8
Magnífico drama romántico, de los que dejan huella
Un extraño en mi vida de Richard Quine es un drama romántico basado en dos adultos infelizmente casados que se conocen en la puerta del colegio de sus hijos y comienzan una relación de infidelidad. Dirigida con un ritmo paulatino y con un estilo basado en la infidelidad y el sentimiento de culpa, es una obra notable que expone una trama incitadora para el momento por poner en entredicho la estabilidad matrimonial americana, ya que evidencia la necesidad en un hombre o en una mujer de la atención física y personal del afecto cuando su pareja la tiene abandonada en algún aspecto, concluyendo un provocador film que además tiene el aliciente de estar interpretado por dos protagonistas de lujo como Kirk Douglas y Kim Novak.
La fotografía en color es lumínica y atractiva de ver gracias a unas imágenes confortantes y otras llamativas que logran una labor inspiradora y competente que hace gran uso de los claroscuros. La música es melódica e insinuante en sus sonidos agradables que añaden encanto al film, siendo esta usada solo en los momentos oportunos ya sea para incrementar la sensualidad o belleza de la escena en una labor de lo más sugerente. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable tarea técnica mediante el uso de los circulares, plano-contraplanos, grúas, generales, reconocimiento, primeros planos, travellings, seguimiento, avanti, retroceso y cámara en mano que se centra en sacar lo mejor de las interpretaciones.
Las actuaciones son creíbles y remarcables. Como protagonistas Kirk Douglas está reluciente e irreprochable en su labor y Kim Novak está sensual y convincente en su tarea, siendo también magnífico el papel de Walter Matthau y buenos los acompañamientos de Ernie Kovacs, Barbara Rush y Virgina Bruce. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios elegantes e impolutos en una labor formal que marca la clase acomodada de los protagonistas en un certero trabajo que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por Evan Hunter y basado en su propia novela, tiene su mayor interés en el consumo de la infidelidad entre un hombre y una mujer casados que no reciben la atención que necesitan de sus respectivas parejas, manteniendo al público pegado al asiento con estilo y oficio. Además, sus interpretaciones son acertadas en su labor y también por ser interpretadas por dos actores de gran talla, finalizando con ello un hermoso e incitador film que gusta ver a todos los cinéfilos clásicos. Esto se lleva a cabo con una narrativa clásica e intachable que es insinuante y sensual por un lado y conspiradora o desesperanzada por otro. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo en ir mostrando su trama y sus personajes.
En conclusión, la considero una obra indispensable dentro de los dramas románticos que arriesgan por llevar a cabo una temática bastante provocadora para la época como la infidelidad en el matrimonio, manteniendo el estilo desde el principio hasta el final para satisfacción de cualquier cinéfilo exigente de buen cine. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara, vestuarios y narrativa que convierten a Un extraño en mi vida, en un film notable y llamativo en su trama que no dejará a nadie indiferente tras su visionado.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuento de verano
Cuento de verano (1996)
  • 7,4
    2.829
  • Francia Éric Rohmer
  • Melvil Poupaud, Amanda Langlet, Aurélia Nolin, Gwenaëlle Simon, ...
8
Otro de los films notables y mejor tallados
Cuento de verano de Éric Rohmer es un drama romántico basado en un joven que llega en vacaciones a la playa y espera allí a la que él considera su novia, y mientras espera conoce a una camarera con la que hace amistad y otra amiga de esta con la que pasa unos días. Dirigida con un ritmo tranquilo y con el estilo reconocible y particular del director, es una obra hermosa que como es habitual en Rohmer explora las relaciones humanas, en este caso entre un joven que espera a su pareja y una camarera extrovertida que ve la vida con optimismo, concluyendo otro bello film del director que cautivará a los incondicionales de este y seguidores de dramas sinceros basados en interpretaciones naturales y profundas conversaciones.
La fotografía es lumínica y evocadora al lugar gracias a unas imágenes naturales y bien cuidadas estéticamente al estilo del director, logrando una labor bella y agraciada que es idónea en lo que ofrece. La música es escasa y solo es usada en determinadas escenas como es habitual en los films del conocido cineasta francés, predominando en ocasiones los sonidos de guitarras compuestos por el protagonista. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor particular del director mediante el uso de los generales, seguimiento, subjetivos, steadycam, plano-contraplanos, avanti, retroceso y cámara en mano que sacan lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son naturales y creíbles. Como protagonistas Melvil Poupaud está irreprochable como joven inseguro e indeciso y Amanda Langlet está sensual y extrovertida en su labor, siendo acertados los acompañamientos de Aurélia Nolin, Gwenaëlle Simon y Aimé Lefévre entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos del personaje en su edad y forma de ser, predominando lo informal en una oportuna labor que junto con los exteriores te transportan al lugar.
El guion, escrito por el director, de nuevo habla a voces del estilo propio y reconocible de Éric Rohmer con su trama de relaciones humanas entre jóvenes, en esta ocasión para mostrar a uno que espera a su novia que llegue de viaje de España, conociendo mientras tanto en sus vacaciones de verano a una chica camarera con la que llega a tener una buena amistad y a una amiga de esta, finalizando así uno de los films más destacables del director. Esto se lleva a cabo con una narrativa profunda e insinuante que con tono sugerente y en ocasiones desesperanzado deja clara la intención de cada protagonista en una impoluta y equilibrada tarea que una vez más es de lo mejor del film. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que está dividido en capítulos por días que van pasando en las vacaciones.
Concluyendo, la considero una obra imperecedera e imprescindible en la filmografía de Éric Rohmer y de su estilo de cine inconfundible que cala en todos sus admiradores y en los que busquen dramas sencillos basados en las relaciones humanas y terrenales sin ningún tipo de añadidura artificial. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, montaje, planos y narrativa que vuelven a Cuentos de verano, en uno de los mejores films del director que gustará a todos sus seguidores e incondicionales.
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Paranormal Activity
Paranormal Activity (2007)
  • 5,3
    31.697
  • Estados Unidos Oren Peli
  • Katie Featherston, Micah Sloat, Amber Armstrong, Mark Fredrichs, ...
6
Interesante, y además ofrecer un terror nuevo y comedido
Paranormal activity es un film de terror basado en lo sobrenatural de cine independiente norteamericano que muestra la historia de una joven pareja en la que ella desde la edad de 8 años recibe la visita de un ente demoniaco y sobrenatural. Dirigida con un ritmo asfixiante y con un estilo basado en lo sobrenatural que va creando poco a poco una atmósfera tenebrosa, es una obra que ofrece algo nuevo en el cine de terror con un bajísimo presupuesto, poniendo los pelos de punta a todos con su visionado y finalizando con ello un film acertado que consigue lo que se propone con mucho acierto y determinación.
La fotografía hace gran uso de los claroscuros, variando su labor de lumínica a tenebrosa según el momento de la acción en un humilde y sugerente trabajo que estimula al público y lo desconcierta con imágenes estéticamente tétricas. La música no existe en el film, pero sin embargo los sonidos son inquietantes y mantienen al público pegado al asiento por su intensidad y por ser de lo más penetrantes y turbadores. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica esencial en la que predominan los detalles de metraje encontrado a través de la cámara en mano continua y cámara fija, subjetivos, seguimiento, generales, avanti y retroceso en lo que es una auténtica simulación de video casero. Cabe señalar también, los efectos visuales competentes y sobrecogedores que mantienen el corazón del público en un puño.
Las actuaciones son competentes y de caras no conocidas. Cuenta con las certeras interpretaciones de Katie Featherston y Micah Sloat como pareja atemorizada por lo demoniaco, contando también con las colaboraciones de Amber Armstrong, Mark Fredrichs, Randy McDowell, Ashley Palmer y Tim Piper. Emplea para estos ellos mismos unos vestuarios informales de andar por casa en una correcta labor que junto con la casa en la que se rueda te transporta in situ.
El guion, escrito por el director, va poco a poco creando tensión y una atmósfera turbadora que absorbe al público y lo machaca con lo sobrenatural y el supuesto metraje encontrado para añadir más inquietud al film., el cual además, demuestra cómo se puede crear un auténtico film de terror con un bajísimo presupuesto para lo que expone, finalizando una cinta que ofrece algo nuevo en el género y que es capaz de tener al espectador gran rato sin cerrar los ojos. Esto se lleva a cabo con una narrativa común e intrigante que está repleta de enigmas e insinuaciones a través de las expresiones y la desesperanza de la protagonista. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido con cortes para dar la sensación de video casero, creando más y más tensión a medida que avanza el film.
Para finalizar, la considero una obra esencial para los seguidores del género de terror y en especial de lo sobrenatural que mantiene con mucha atención al público pegado al asiento con una trama que sin ser nada del otro mundo, es lo suficientemente inquietante como para ser recordada por toda clase de públicos. Recomendable por su dirección, fotografía, sonidos, montaje, efectos y movimientos de cámara que convierten a Paranormal Activity, en un film repleto de un terror contenido que es soltado poco a poco por un director que ofrece algo nuevo al trillado mundo del cine de terror.
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Dos tontos muy tontos
Dos tontos muy tontos (1994)
  • 5,0
    130.327
  • Estados Unidos Peter Farrelly, Bobby Farrelly
  • Jim Carrey, Jeff Daniels, Lauren Holly, Mike Starr, ...
7
Siendo mala, te ríes a más no poder
Dos tontos muy tontos de Peter Farrelly y Bobby Farrelly es una comedia absurda basada en dos amigos con muy pocas luces que viven una vida de auténtico desastre, siendo el principal fuerte del film las insólitas situaciones que viven estos en un insólito viaje a Aspen. Dirigida con un ritmo trepidante y con un estilo puramente cómico en una trama sin apenas sentido, es una obra divertida de principio a fin gracias a las interpretaciones y diálogos de las protagonistas que serán del agrado de todos, ya que es un tipo de humor que no merma el paso de los años para ser comentado y recordada por todos, finalizando con ello lo que sin duda es una de las mejores comedias de la década de los 90 gracias al incombustible Jim Carrey.
La fotografía es lumínica y evocadora a cada lugar visitado, logrando una vistosa labor estimulante para ser de lo más hilarante y hacer reír al espectador con lo que se muestra. La música es divertida y variada según el momento de la acción, pasando de insidiosa e intrigante por un lado y arrolladora y rítmica por otro. Los planos y movimientos de cámara son acertados a través del uso de los subjetivos, generales, travellings, tercera persona, detalles, cámara en mano, seguimiento, primeros planos, avanti, circulares, grúas y aéreos que exprimen lo mejor de las insólitas interpretaciones.
Las actuaciones son genuinas y auténticas. Como protagonistas Jim Carrey está carismático e hilarante en su papel habitual y Jeff Daniels está señalado en su acompañamiento del principal, siendo adecuadas también las interpretaciones de Lauren Holly, Mike Starr, Charles Rocket, Victoria Rowell, Joe Baker, Hank Brandt y Teri Garr entre muchos otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos del personaje y su estilo informal en una jocosa labor que añade más humor si cabe al film por lo ridículo que es, marcando una buena labor que junto con los decorados y exteriores te transporta.
El guion, escrito por los directores junto con Bennett Yellin, es divertido de principio a fin más que por la trama por sus interpretaciones llenas de humor que quedan para el recuerdo para el público en general por sus innumerables Sketchs y situaciones absurdas que dejan al público pegado al asiento y con una sonrisa en la cara, finalizando así uno de los conocidos films del gran cómico Jim Carrey. Esto se lleva a cabo con una narrativa disparatada y cómica, además de absurda, que a base de expresiones hilarantes tiene unos diálogos ingeniosos y burlones dentro de la estupidez de los protagonistas que harán reír a todos los que se decidan verla. Cabe señalar también, el montaje seguido y acompasado que saca buena historia en algo más de 100 minutos que pasan en un santiamén por lo amena y divertida que es.
En conclusión, la considero una comedia inolvidable e indispensable en las películas cómicas de la década de los 90 que cautiva a los amantes de las cintas alocadas y sin mucho sentido que además, puedes ver perfectamente en más de una ocasión, ya que lo que ofrece es ameno y divertido para cualquier persona que no sea exigente en el humor. Recomendable por su dirección, actuaciones, fotografía, música, montaje, movimientos de cámara, vestuarios y diálogos que convierten a Dos tontos muy tontos, en un film hilarante y recordable para cualquiera tras su visionado.
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Cuento de otoño
Cuento de otoño (1998)
  • 7,4
    4.368
  • Francia Éric Rohmer
  • Béatrice Romand, Marie Rivière, Didier Sandre, Alain Libolt, ...
8
Dentro de la línea Rohmer, pero brilla más que la mayoría
Cuento de otoño de Éric Rohmer es un drama basado en dos amigas que trabajan en viñedos y una de ellas se propone encontrar pareja para la otra a través de anuncios en periódicos. Dirigida con un ritmo paulatino y con el estilo personal y reconocible de Rohmer, es una obra espléndida en sus relaciones humanas de varios personajes como es habitual en el director, aunque en esta ocasión suma los anuncios de buscar pareja en los periódicos para satisfacer a sus incondicionales con las largas charlas de sus protagonistas, concluyendo un hermoso film que es notable en resultado y otra obra necesaria más dentro de la personal e inconfundible filmografía del director.
La fotografía es natural en sus exteriores, logrando de nuevo una labor inspiradora que habla a voces de Rohmer al plasmar un trabajo estéticamente cuidado y personal en sus imágenes lumínicas y confortantes. La música es escasa y usada en pocas ocasiones como es habitual en el director para no desviar así la atención del espectador en sus interpretaciones, predominando los sonidos cotidianos. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor propia y usada en sus otros films mediante el uso del reconocimiento, plano-contraplanos, seguimiento, subjetivos, detalles, tercera persona y generales bien elaborados a su estilo propio que saca lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son naturales y apropiadas para el film. Como protagonistas cuenta con las estupendas colaboraciones de Marie Riviére que está notable en su labor como amiga que se preocupa en buscar pareja para Béatrice Romand, siendo estupendos y muy apropiados los acompañamientos de Didier Sandre, Alain Libolt, Alexia Portal, Stephane Darmon y Aurelia Alcais. La dirección artística emplea para estos unos vestuarios informales y comunes que son elegantes pero sin exagerar según el estilo del protagonista y la ocasión en una buena y discreta labor que junto con los exteriores te transporta in situ.
El guion, escrito por el director, vuelve a tomar como base las relaciones humanas entre varios personajes y en esta ocasión toma la cita a ciegas a través del periódico para redondear su temática más habitual, confeccionando un film atractivo que tiene algunos detalles que supera en interés al resto de sus films, finalizando sin duda uno de las mejores cintas de su filmografía para deleite de sus seguidores e incondicionales. Esto se lleva a cabo con una narrativa natural e impoluta que de forma educada y equilibrada, marca la intención de cada personaje a través de diálogos insinuantes y cordiales para dar profundidad a la película en lo que de nuevo es lo más destacable del film de Rohmer. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que saca buena historia en un ritmo tranquilo y apacible.
En definitiva, la considero una obra indeleble y esencial en la mejor filmografía del director que encantará a los incondicionales de este que les guste su estilo personal y basado en relaciones naturales entre personas que busquen conocer una pareja en su vida, logrando con ello una vez más mantener al cinéfilo exigente pegado al asiento. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, montaje, planos y narrativa que hacen de Cuentos de otoño, un film imprescindible en la filmografía del director por ser de las mejores por su trama atractiva y hermosa de ver.
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Al diablo con el diablo
Al diablo con el diablo (2000)
  • 4,4
    24.970
  • Estados Unidos Harold Ramis
  • Brendan Fraser, Elizabeth Hurley, Frances O'Connor, Orlando Jones, ...
5
Sin ser gran cosa tiene sus momentos hilarantes
Al diablo con el diablo de Harold Ramis es una comedia llena de fantasía en la que un hombre con poco éxito y amigos que pretende hacer amigos a toda costa, recibe la visita del demonio en forma de mujer para concederle siete deseos que este mismo se dedica a estropear. Dirigida con un ritmo vigoroso y con un estilo puramente cómico que se base en las ocurrencias del diablo, es una obra simpática que sin llegar a ser buena gusta ver por sus innumerables escenas divertidas y caracterizaciones del protagonista, concluyendo un gracioso film que no destaca ni por su trama ni por sus actuaciones, sino por las complicadas situaciones a la que es sometido Brendan Fraser en sus múltiples caracterizaciones.
La fotografía es evocadora a cada lugar mostrando, logrando una labor llamativa y vistosa que aumenta la jocosidad del film y estimula al público con sus imágenes estéticamente hilarantes. La música es variada y rítmica en unas sutiles melodías que acompañan el film según el momento, pasando de emotivas y armoniosas por un lado a arrolladoras y excitantes por otra, aunque tiene sus fallos en no acertar en ocasiones con la música que pertenece a algún lugar. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica bien trabajada a través del uso de los plano-contraplanos, primeros y primerísimos planos, generales, panorámicos, aéreos, travellings, steadycam, avanti, retroceso, cámara en mano y circulares que sacan lo mejor del film. Cabe destacar también, los efectos visuales competentes y confeccionados para aumentar el humor en las escenas claves.
Las actuaciones son genuinas y cumplidoras en humor. Cuenta con las carismáticas interpretaciones de Brendan Fraser que está sensible y apropiado en sus múltiples personalidades del protagonista y Elizabeth Hurley que está sensual y provocativa en su personaje manipulador de demonio, siendo buenos y divertidos los acompañamientos de Frances O´Connor, Orlando Jones y Paul Adelstein entre otros. Emplea para estos unos vestuarios y caracterizaciones asombrosos y muy bien trabajados para aumentar el humor en cada deseo formulado por el protagonista.
El guion, escrito por el director junto con Larry Gelbart y Peter Tolan, no es que esté muy trabajado pero si tiene detalles originales que agradan y divierten al público poco exigente en humor que busque comedias sencillas, ya que este se basa en los deseos que el protagonista pide al diablo a cambio de su alma para amenizar así el rato viendo como el demonio estropea cada deseo formulado por este. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y sencilla que de forma disparatada y en ocasiones efusiva agrada al espectador escuchar, ya que sus diálogos sarcásticos o inocentes se recordarán tras su visionado. Cabe señalar también, el montaje rítmico y acompasado que exprime mucha historia en menos de 90 minutos.
Para finalizar, la considero una comedia entretenida aunque no indispensable que sin llegar a ser una obra notable gusta ver por sus escenas llenas de un humor algo absurdo pero efectivo para hacer pasar un buen rato al público más comercial y menos exigente. Recomendable por su dirección, música, montaje, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y diálogos que convierten a Al diablo con el diablo, en una cinta jocosa por los deseos frustrados a los que someten al protagonista.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil