Lars von Trier. Sinceramente busca una hazaña, retrata de una manera sin igual sus percepciones individuales y por tanto subjetivas de un pueblo, concretamente EEUU. Me considero especialmente fanático del cine, del estilo de Nietzsche tal vez para quién la representación coincidía con un sincero malestar, malestar que se manifestaba acudiendo a lo que socialmente se consideraría deprimente, enfermo. ¿Quién sino el o yo, se reiría a carcajadas de la escena ultra impactante en la que se dispara a quemarropa a un infante enfrente de los ojos de su madre? No es secreto quizá, que a pesar de que un esfuerzo inicial pretende encerrar únicamente inclinaciones de una comunidad especifica, encierra la generalidad de la especie humana, sus debilidades, pasiones, el famoso arte del engaño y la manipulación. Las aberraciones a las que llega una comunidad en pro de una moralidad menos infestada. Si bien es cierto, que el final del film es retratado de manera magistral, acudiendo a la respuesta de la víctima, aquel que nos hizo gritar de la manera silenciosa en que Nicole Kidman lo hizo, quien de manera improvista y con la sensualidad de un giro tamaño estadio, se a galana con el poder, tanto poder en sus manos, y justo allí; una nueva depravación. El escenario merece mención aparte, la división de la película que da la sensación de tener el texto en las manos, de tachar lo previsible, de rearmar la trama. Una verdadera joya en estos días de cine-basura, que da mucho de qué hablar, que parece ceñirse por fragmentos a la escuela dogma 95, que cumple definitivamente con todo lo que se espera de un titulo como este, ciudad de perros.
Muy Buena.

Juzgar de estética semi-documental una película. Aceptable, en los términos de la sana critica. Juzgar una película de proponer una posible realidad. Aceptable, en términos de prudencia colectiva. Proponer que una película que relata una realidad posible, sea amarillista, desprovista de toda realidad, tendiente a imponer conductas o a trazar una realidad colectiva. Inaceptable. El cine deja a discrecionalidad del director la elección de bajo que luz su película toma forma, parte de la permisión de esas libertades han procreado obras maestras en esta gran industria. Un pueblo nostálgico no debe tachar de inadmisible, en esta era, lo que no quiere ver. Como consecuencia, me imagino es la razón de que endilguen a una obra en todo su esplendor como KIDS, de infame, de degenerativa, de violenta. Los colores son todo lo que necesitamos ver, la noción de injusticia. Todo letargo moral, encuentra un ropaje idóneo en escenas que contengan tanto vigor y tanto aliento. Que indique que aun la temática de las drogas y el sexo, son juego de niños.

Que bárbaro. Sin duda la película juega al censurado juego de lo experimental. Todo en ella lo es, todo aquello que se presume, que se evidencia o se infiere a través de una mirada distraída de la misma. Vietnam no existe, o existe fuera de esa guerra y sin embargo no peca por desvirtuar las atrocidades que cometen a quienes Moore llamo mis tarados hombres blancos. Pregunto ¿alguien podría calificar de ética esta película?, ¿alguien observo mas allá de la imagen? a ¿alguien le interesa lo que digo?, como siempre son posiciones individuales. Es como tarea de preguntar qué percepción tiene la gente del común de la crisis energética, del asesinato de medio ambiente, del capitalismo salvaje, de la película de Coppola. Son ejercicios divertidos, pero solo ejercicios. Se me antoja que Coppola olvida por completo que la finalidad primera del cine es crear distracción, inventarla o formularla, no son siempre tareas que coincidan en muchos directores. Ahora frente a lo que relata Coppola de su propia película (“Mi película no es sobre la guerra de Vietnam, mi película es Vietnam). Un falso en la frente. Y creo que voy entendiendo cual fue la distracción de Coppola, carajo como habría de olvidarla, claro. Pero no es claro acaso (no es una pregunta, pero como decirlo de otra forma). Amo Apocalypse Now, pero cuento con la suerte de llegar a una sala de cine, siendo el espectador mas iniciado en el tema, me siento sin conocer el director, sin haber averiguado sobre él, sobre la película (en este caso, con director tan reconocido y artista) evitando casi observar los créditos, hasta tanto no me las halla ingeniado para hacerme una idea empírica, y por lo tanto inmediata y sobre todo por lógica, posterior a la observación de la película. Si no hubiera sido de otra forma quizá mi expectativa hubiera sido tan grande, que no alcanzarían las 5 horas que toma la película para saciarme.

No me malinterpretes, la película es excelente, es hermosa, es una obra épica del cine. La música a quien sino a The doors. Excéntrica, atrevida, mágica, vital, humana, extraña, experimental, hermosa. Todas las cualidades necesarias para que la ame, pero no es realista, no es Vietnam Coppola, fuera de ello “pónganme a Wagner”.

El cine es una forma alternativa de excitación que poco a poco se consolida y que detrás de toda una estructura burocrática, tiene a su servicio a los pensadores. Ellos son quienes más contribuyen con la expansión de este cuento que algunos llaman arte y otros simplemente desprecian. Siempre he pensado que ver una película es un ejercicio de fe, de entre esa maraña de experiencias que constituyen la rutina y de las que bien, podría salir cualquier película se abre un espacio para escuchar una historia o mejor, para ver una historia. En esta medida la industria concibe personajes memorables, héroes, villanos y un mar de situaciones con la única pretensión de explorar eso que cada quien vive en secreto. Desde esta perspectiva el cine es admirable, digno y sobre todo una gran experiencia. El secreto de sus ojos interactúa con los presupuestos aquí descritos y es que, no mas comienza la película, se adivina una historia humana, única y real; donde el escenario, en este caso las instituciones públicas y las entidades designadas para administrar justicia en la Argentina de los años 70, bien puede intercambiarse por la sala de una empresa en liquidación o por el senado romano sin que varié en gran medida el objeto y la fuerza que tiene. Lo que quiero decir es que tanto el lugar como las situaciones constituyen una fachada en la obra, un pretexto simple que busca forma y contenido en niveles opuestos al precepto de un vida dedicada al estudio jurídico.

La violación y el asesinato de una joven hermosa y una escena del crimen magistralmente propuesta se hundirá cual lanza en el fondo de la vida de Benjamín, quien en su afán de encontrar un feliz desenlace en esta trágica historia se hace en una carrera donde todos los aspectos de la vida en sociedad se describirán con lujo. La historia de amor es bellísima y bien se podría matizar como la aventura de un amor suspendido en el tiempo, un amor sin pretensiones ni afanes; La amistad ronda las paredes del Juzgado. Ya que me refiero al punto de la amistad, debe hacerse mención aparte de la escena en la que el perpetrador del delito, hallado en una fuga de genialidad salida de años dedicados a dirimir sobre el norte del brutal asesinato, opta por la muerte de Benjamín y para ello designa a unos sicarios que se encargaran por él, de pecar una segunda vez. Amigo de Benjamín tirado de borracho presiente su muerte cuando a la casa abordan los sicarios y solo esto basta para que su último aliento prefiera la protección no su protección, ¿dejar caer los cuadros, las fotografías tal vez? –No hombre que pasa, dame un minuto. –Ven acá viejo. –Pero decime que pasa. Una escena memorable y bella, que tiene tela moral. Para resumir, la historia es de las grandes que vi, es un cuento contado con cordura y seriedad y donde no se escatimo detalle para que el conjunto, resultara música para los oídos. Una obra de arte llamada a sobrevivir y a mantenerse viva en el tiempo.

Siento bastante admiración por el cine francés, allí han nacido las mejores escuelas de cine entre ellas una que merece todo nuestro respeto, hablo del NOUVELLE VAGUE e inicia con la película de Truffaut llamada “Les Quatre Cents Coups”, y es más sensato de lo que parece decir, que en el mundo del cine tuvo la influencia de lo que en Literatura se llamó el Boom latinoamericano. Ambos implicaron una revolución, no solamente en las tendencias de la industria; para el cine en las grandes productoras y para la literatura en las grandes editoriales, sino en los creadores y espectadores, un dialogo directo entre unos y otros sin la intermediación de la industria. Como toda revolución tuvo por objeto modificar paradigmas que en el cine de entonces sí que reinaban, no basta sino leer algún ejemplar de la revista "Cahiers du Cinéma" de aquellos años para entenderlo. De acuerdo con los pensadores pertenecientes al Nouvelle Vague, todos estrechamente relacionados con la cultura del cine, el capitalismo había marcado directrices erradas en el cine y como en DOGMA 95, se propuso aterrizar la maquinaria en historias cotidianas para las que no fuera necesario un gran despliegue de recursos, pero si una buena historia que contar. La historia establece paralelos DOGMA 95 y Nouvelle Vague, y a mi juicio si en algo se abrazaron fue en la calidad del cine que se pario, pues una no tuvo en sus filas más que al grandísimo Lars Von Trier mientras la otra al veterano Jean-Luca Godard. Así se impuso la cultura de la cámara al hombro, de escenas cuidadísimas y con tintes de interés social, de películas con norte político y con la sana idea de quebrantar la actitud apática hacia nuestras propias vanidades y prejuicios. Como ya todos sabemos el desenlace no fue el que se esperó, ya que películas como las que describo parecen extraídas de los albores del cine, de un amanecer olvidado pues ya no es lícito exigir un poco de buen gusto e inteligencia del cine, al menos no en muchos casos. Solo por eso me apena, la tímida excitación que generan perlas como esta, Welcome, cuenta una historia, contextualiza un conflicto, contempla la amistad como salida y precisa acudir a la disciplina para vivir los fines. Algo tan sencillo y admirable.

¡Que interpretación, que digo interpretación que papel el de Firat Ayverdi!