La animación en los años 90 estaba viviendo una nueva edad de oro gracias a Disney y a películas como 'El rey león', éxito de crítica y taquilla. Pero un animador llamado John Lasseter, que trabajó en sus estudios y posteriormente en la Industrial Light & Magic de George Lucas, quiso demostrar a todos que la animación por ordenador era el futuro.

En 1986 había fundado Pixar y nueve años después estrenó el primer largometraje animado de la historia hecho íntegramente por ordenador. El resultado fue asombroso y demoledor: 'Toy Story' entremezcla de manera formidable los elementos del cine de animación con los del de imagen real.

Técnicamente casi perfecta y dotada de un guión portentosamente ágil, su dinámica puesta en escena está repleta de personajes tan naturales que se asemejan increíblemente a la realidad. Pixar había hecho historia revolucionando este arte, como ya hiciera Disney décadas atrás.

Habían pasado 81 años desde que Gertie, el dinosaurio hambriento, se comiera un árbol. Eran unos dibujos en blanco y negro, dibujados con lápiz, que convirtieron a la animación en una forma de arte popular en todo el mundo. Una industria que sigue creciendo porque su poder imaginativo, como diría el mismísimo Buzz Lightyear, llega “hasta el infinito y más allá”.

Malick, uno de los mayores poetas y filósofos del séptimo arte y conocido por sus escasas apariciones públicas, hizo la obra cumbre del cine bélico en el mismo año que la premiada 'Salvar al soldado Ryan' –también ambientada en la Segunda Guerra Mundial–. Aunque su coetánea se llevara los galardones, fue 'La delgada línea roja' la que elevó al cine a los altares.

Con su habitual voz en off, y su desencantada y panteísta visión del mundo, Malick realiza, mediante una sinfonía de imágenes y sonidos místicos, una profunda reflexión sobre el amor y el odio. La bella descripción de la naturaleza contrasta con la crueldad que manifiesta el ser humano en una aterradora guerra.

Un conflicto bélico sin héroes ni villanos, sólo con perdedores que se preguntan sobre la muerte. Japoneses y estadounidenses se hallan perdidos física y moralmente en un entorno vegetal que les observa sigilosamente y que cobra personalidad hasta convertirse en el auténtico protagonista.

El pausadísimo ascenso a las tinieblas hará que sintamos añoranza por volver a flotar al son de un coro celestial y con despreocupación, en aquellas aguas cristalinas del Pacífico. De regresar a esa isla perdida y ser libres como ese cocodrilo que, imperiosamente, se introdujo en la marisma. Obra maestra absoluta.

El único largometraje de Vigo, un malogrado director francés que murió de tuberculosis a la edad de 29 años. Su escasa obra consta de este largometraje, un mediometraje y dos cortometrajes, todas ellas impregnadas de un sentimiento lírico desesperanzado. Una pequeña filmografía que tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del cine galo.

En su legado, podemos contemplar como supo combinar minuciosamente el lirismo y el surrealismo de Luis Buñuel, y el cine sonoro con el mudo. 'L'Atalante' se inscribe en la corriente cinematográfica conocida como realismo poético, el movimiento abanderado por Jean Renoir, desarrollado entre 1930 y 1945.

Siguiendo las pautas de este movimiento, el filme muestra un estado de ánimo y una manera íntima de observar la realidad. La historia de amor de los recién casados se cuenta con enorme sencillez, descubriéndonos la mirada de Vigo, un soñador vanguardista y sentimental, que halló en el cine, el medio de expresión de su aliento vital.

Repleta de innovadores planos para la época, tanto por la colocación de la cámara como por su duración, los inolvidables planos generales de L'Atalante, la barcaza que recorre los canales del río Sena, y la plasticidad de sus secuencias, constituyen uno de los más hermosos poemas visuales de la historia del cine.

Parábola acerca de la falta de fe del hombre moderno. Tarkovsky manifestó en sus tres últimas películas ('Stalker', 'Nostalgia' y 'Sacrificio'), una inquietud que a lo largo de los años se estaba volviendo más aguda: la muerte espiritual que estaba padeciendo la sociedad contemporánea.

En 'Stalker', tres viajeros que escenifican la representación metafórica de las vías del conocimiento –la fe, la científica y la artística–, se dirigen a La Zona, un lugar con inteligencia propia y repleto de ilusión, ya que otorga los deseos más íntimos de las personas.

Esta película, de solemne capacidad expresiva, supuso para el soviético la madurez definitiva de su lenguaje cinematográfico. Mediante lentos y largos planos secuencia, presenta la realidad del tiempo. Según él, el cine absorbe el tiempo de manera pasiva captando los acontecimientos; la imagen cinematográfica vive en el tiempo y el tiempo vive en ella.

'Stalker' es la exaltación de lo físico y lo metafísico. Donde las semillas de diente de león flotan y las almas van en busca de una felicidad y de una expectación que parecen muy lejanas. Un microcosmos en el cual la angustia y el sacrificio serán obligatorios para que los hombres logren su parte trascendental.

“Me llamo John Ford y hago wésterns”. Así solía presentarse el director de cine por excelencia de películas del Oeste. En 'Centauros del desierto', definió el carácter americano con una historia sencilla y con el tema del racismo como telón de fondo, el mayor drama de los años 50 en Estados Unidos.

Ethan Edwards (Wayne), es un desgarrado y oscuro soldado confederado que tiene fachada de héroe y actúa con justificados prejuicios racistas. La misión en la que se embarca, aparentemente épica, oculta en realidad una tarea inmoral llena de rencor y amargura.

El paisaje mitológico de Monument Valley será testigo de una paranoica persecución por parte de este obstinado individuo, que no muestra pudor en arrebatarle los ojos a un comanche muerto. La película aplaude la condición invulnerable del hombre blanco frente a la ineptitud indígena.

Ford traza de forma circular un viaje con dos puertas, una que se abre y otra que se cierra. Es el relato de un hombre que, en la persistente búsqueda de una niña secuestrada, intentó descubrirse a sí mismo en un medio que le era extraño, el hogar. Filme lírico y extremadamente violento.