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Críticas de Gonso
Críticas ordenadas por:
Blackwood
Blackwood (2018)
  • 4,6
    3.108
  • Estados Unidos Rodrigo Cortés
  • AnnaSophia Robb, Uma Thurman, Isabelle Fuhrman, Noah Silver, ...
6
Demasiadas dudas sin repuesta
Con su cuarta película, el salmantino Rodrigo Cortés explora el suspense pausado, el ritmo hitchcockiano (niano niano) y el temple de Polansky.

No obstante, la ausencia de una mayor duración, evita que conozcamos más y mejor a los personajes, sus transformaciones a lo largo de la película y el porqué de algunas decisiones que toman (ver en zona spoiler).

La subexposición de la fotografía me encanta, así como las actuaciones, el tratamiento del sonido y algunas secuencias reseñables por las que me quito el sombrero ante el director, pero el sabor tras el visionado resulta insuficiente. Vale que el espectador debe reflexionar y sacar sus conclusiones, pero ante una película con un argumento tan marcado y definido, creo que no debería haber tantas dudas en los títulos de crédito.

Por tanto, para mi el mayor fallo está en los agujeros de guion. Recomiendo que, tras la película, se mire/escuche el programa Todopoderosos dedicado a esta (en el cual participa el propio Cortés), ya que aclara algunas de esas dudas y, sobre todo, sirve para saborear mejor algunos momentos.
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9 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
No soy un hombre fácil
No soy un hombre fácil (2018)
  • 5,5
    2.847
  • Francia Eleonore Pourriat
  • Vincent Elbaz, Marie-Sophie Ferdane, Pierre Bénézit, Blanche Gardin, ...
7
Si solo los hombres la critican, es que ha dado en el clavo
Resulta muy interesante que las críticas negativas que he leído tanto aquí como en el resto de webs provengan siempre de hombres, tachándola de machista o, mejor aún, que se sientan ofendidos porque “no todos somos así”. Solo les falta rematar con un “¿y para cuando el día del hombre?”.

Cuando una película como esta suscita opiniones de este tipo, significa que ha logrado su objetivo. Mi enhorabuena a la DIRECTORA.
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17 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
BoJack Horseman (Serie de TV)
BoJack Horseman (Serie de TV) (2014)
  • 7,9
    6.881
  • Estados Unidos Raphael Bob-Waksberg (Creator), JC Gonzalez, ...
  • Animation
8
La depresión existencial también se puede abordar desde la animación
BoJack Horseman, primera serie de animación para adultos de Netflix, en España todavía es desconocida para el gran público pese a sus cuatro temporadas. Bajo una capa de ácido humor negro, se sumerge en uno de los mejores tratamientos sobre la soledad y la depresión vistos en pantalla. Y sí, el protagonista es un caballo.
La depresión es una de las enfermedades mentales más extendidas del mundo y con un mayor crecimiento. Según la OMS (Organización Mundial de la Salud), en 2017 ya afecta a 322 millones de personas a nivel global y a casi 2,5 millones solo en España. Además, el número de personas que vive con esta patología ha aumentado casi un 20% en los últimos diez años. BoJack Horseman

Debido a la importancia de esta realidad, el cine a lo largo de su historia ha tratado de mostrar este trastorno del estado de ánimo mediante el lenguaje audiovisual. Así, obras como Las Horas (2002), Prozac Nation (2001), Helen (2009), Un hombre Soltero (2009) o la “trilogía de la depresión” de Lars Von Trier, conformada por Anticristo (2009), Melancolía (2011) y Nymphomaniac (2013), entre otras muchas, ahondan en la depresión y sus ramificaciones, como son la soledad, la tristeza, la disminución de la autoestima o, en última desesperada instancia, el suicidio.

Pero una de las grandes ventajas de una ficción seriada frente al largometraje es la posibilidad de profundizar sobre los personajes de una forma pausada, natural y evolutiva. Durante horas de visionado, el espectador puede ver cómo los protagonistas cambian en base a los acontecimientos que les van sucediendo, bien en presente, o bien mediante flashbacks. Y esto es lo que pasa en BoJack Horseman, una de las primeras series de animación que, en lugar de estar conformada por capítulos autoconclusivos, opta por desarrollar un hilo narrativo serializado.

BoJack Horseman cuenta la historia de un caballo antropomorfo (con la voz de Will Arnett, conocido por su papel de Gob en la maravillosa serie Arrested Development) que, tras triunfar como actor en una sitcom en los noventa (estilo Padres Forzosos), ve cómo su ser va decayendo conforme su fama se desvanece. Sumido en un mundo de drogas y alcohol, su vida se basa en añorar otros tiempos en los que los flashes y las fiestas de Hollywood eran su pan de cada día.

La escritora Diane Nguyen (Alison Brie, conocida por Mad Men y Community) propone a BoJack redactar su biografía para que, de esta forma, su nombre vuelva a estar en boca de todo el mundo. Otros personajes secundarios relevantes son la exnovia de BoJack, Princess Carolyne (Amy Sedaris), una gata agente de actores, su compañero de piso Todd Chávez (Aaron Paul, el gran Jesse Pinkman en Breaking Bad) y su amigo Mr. Peanutbutter (Paul F. Tomkins), un labrador, novio de Diane y también actor.

La serie comienza poniéndonos en situación desde un prisma cómico. El humor negro es el género imperante durante los primeros cinco capítulos (los más irregulares), pero a partir del sexto comienzan los mazazos a la psique del espectador, que no se espera un drama tan profundo en una serie de este tipo. Tengan paciencia, porque en esta obra lo mejor está siempre por llegar. BoJack es un personaje complejo, condicionado por el comportamiento de sus padres (reflejado magistralmente en el 4×11, uno de sus mejores episodios) y autodestructivo, con tendencia a minar cada oportunidad que surge para que salga adelante. Por otra parte, el Hollywood que nos retrata su creador, Raphael Bob-Waksberg, lleno de hipocresías, falsas esperanzas e intereses, tampoco ayuda a que nuestro protagonista logre progresar.

BoJack Horseman no es buena persona. De hecho, muchas de sus acciones provocan malestar en el espectador, que se esfuerza en crear una empatía hacia el personaje y este se resiste a dejarse querer. Pero, poco a poco, consigue que nos encariñemos con su imperfección, ya que, al fin y al cabo, el ser humano es eso, un complejo conjunto de buenas y malas acciones. Además, en su cuarta temporada hace aparición su hija, que él desconocía hasta ese momento, y se crea un paulatino vínculo que da un nuevo sentido al existencialismo de nuestro protagonista. BoJack ve reflejada parte de su personalidad en ella, y no le gusta. Empieza a darse cuenta de que la base para lograr la felicidad está en dar, no en recibir, en ayudar al prójimo para así encontrar su bienestar personal.

Aunque los premios que ha cosechado a lo largo de sus cuatro temporadas se pueden contar con los dedos de una mano (¿cuánta gente en la industria hollywoodiense se habrá sentido ofendida por verse tan sinceramente reflejada?), la crítica a estas alturas resulta unánime, siendo considerada por multitud de periodistas como la mejor serie del año durante varias temporadas consecutivas. El prestigioso portal Rotten Tomatoes, que aúna la opinión de cientos de críticos, valora la segunda y tercera temporada con un 100% de críticas positivas (la primera con un 60% y la cuarta con un 96%). Resumiendo, es una experiencia audiovisual que no deben perderse.

Más críticas en: https://eldebatedehoy.es/autor/gfuentes/
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Big Little Lies (Serie de TV)
Big Little Lies (Serie de TV) (2017)
  • 7,8
    14.214
  • Estados Unidos David E. Kelley (Creator), Jean-Marc Vallée
  • Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley, Alexander Skarsgård, ...
8
Cuando la mujer es tratada como superviviente y no como víctima
Los siete capítulos que componen la miniserie de HBO desglosan un fiel retrato de varias personalidades femeninas frente al machismo occidental del siglo XXI, con un asesinato (que no se desvela hasta el final) como nexo dramático. Big Little Lies ganó cinco premios Emmy en la última ceremonia, y bien merecidos.
Cuando uno se sienta a ver Big Little Lies y pasan los primeros minutos, parece que versa sobre un grupo de mujeres de clase alta, que viven en mansiones de lujo con vistas al mar y disfrutan de preciosos atardeceres, mientras beben copas de Romanée-Conti y se preocupan de los que parecen ser “problemas del primer mundo”. El universo opuesto de la vida en Sudán, Burundi o El Congo, donde la preocupación diaria es encontrar comida. Pero, precisamente, el valor de la trama creada por David E. Kelley (Ally McBeal, Boston Legal) y dirigida por Jean-Marc Vallée (Dallas Buyer Club, Alma Salvaje y ganador del Emmy por su labor en la serie), curiosamente dos hombres, es precisamente que nos importen, y mucho, el devenir de cada una de esas féminas, las entendamos y queramos que nos acompañen el mayor tiempo posible.

El test de Bechdel, de 1985, es un método para evaluar si una narración (sea película, serie, obra literaria…) evita la brecha de género. Y es que, pese a que las mujeres son la mitad de la población mundial, no están lo suficientemente representadas en la ficción. Para poder pasar dicho test, debe haber al menos dos personajes femeninos, que en algún momento hablen entre sí y que esa conversación no trate sobre un personaje masculino. Por sorprendente que parezca, muchísimas obras no pasan este sencillo test. Por ejemplo, de los 108 filmes nominados al Oscar a la Mejor Película entre 2000 y 2016, tan solo el 55% superó la prueba. Pero Big Little Lies la pasa con creces, y provoca una comprensión y empatía en el espectador con los personajes femeninos pocas veces vista en la pequeña o la gran pantalla.

La historia comienza con un flashfoward de un nocturno asesinato, luces de la Policía, caras sorprendidas y llantos desconsolados. Durante toda la narración, se intercalará un interrogatorio sobre el delito a diferentes personajes de la ciudad, con la historia de tres protagonistas: Jane, Celeste y Madeline. Jane (Shailene Woodley, conocida por su papel de Beatrice Prior en la trilogía Divergente) es una joven madre soltera que acaba de llegar a la ciudad huyendo de su pasado. Celeste (Nicole Kidman, en lo que a mi parecer es el mejor papel al que se ha enfrentado en su extensa carrera, de ahí su merecido Emmy) es la más elegante y comedida del grupo de amigas, una mujer con una vida familiar teóricamente perfecta y un esposo “ejemplar”. Finalmente, Madeline (Reese Witherspoon, que ha sabido exprimir óptimamente su eterno papel de pija metida en problemas, y aquí le va como anillo al dedo) es una líder nata, amante de la popularidad, pero que debe lidiar con su exmarido y la hija adolescente que comparten. Las tres formarán una alianza en una población llena de hipocresías, máscaras y formalidades sociales. Esta es Monterrey, en California, que casi se puede erigir como un cuarto personaje, con sus preciosos paseos, sus kilométricas playas y lujo, mucho lujo. El reparto lo completan Alexander Skarsgard, como marido de Celeste, y Laura Dern (ambos ganadores del Emmy como mejores actores secundarios), entre otros muchos personajes.

La miniserie está basada en la novela Pequeñas Mentiras, escrita en 2014 por la australiana Liane Moriarty, y tiene ciertas reminiscencias con la serie Mujeres Desesperadas (2004-2012), aunque tratando los temas con una mayor profundidad y madurez, desprendiéndose prácticamente del humor y abordando asuntos tan escabrosos como la violencia machista física y psicológica, en una sociedad de apariencias y falsedades en la cual la sonrisa de las féminas debe ser perenne. Además, es poco habitual encontrarse en Hollywood personajes femeninos de más de treinta años y aquí casi todas sobrepasan la cuarentena, ofreciendo un prisma más maduro y profundo de la mujer actual en la sociedad occidental.

Finalmente, otro de los grandes valores de Big Little Lies es que huye de la victimización, esa corriente que advierte a la mujer de los peligros del hombre (“no dejes que te maltraten”, “protégete contra el acosador”), en lugar de demonizar al agresor. Todo esto queda plasmado en la miniserie, pero no ahondo más para evitar spoilers. Y es que el problema no está en una falda corta o en un maquillaje exuberante, sino en la mirada irrespetuosa y lasciva del que se encuentra delante.

Más críticas en: https://eldebatedehoy.es/autor/gfuentes/
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cuento de la criada (Serie de TV)
El cuento de la criada (Serie de TV) (2017)
  • 7,9
    17.891
  • Estados Unidos Bruce Miller (Creator), Reed Morano, ...
  • Elisabeth Moss, Joseph Fiennes, Max Minghella, Yvonne Strahovski, ...
8
El drama del patriarcado extremo contado por una sirvienta
Estamos ante una de las mejores series de 2017. Con el aval de haber cosechado nada menos que ocho premios Emmy, The Handmaid’s Tale se ha convertido en el buque insignia de la plataforma Hulu, que en España se ha encargado de distribuir HBO.

La serie estadounidense The Handmaid’s Tale, creada por Bruce Miller, es una adaptación de la novela El cuento de la criada, escrita en 1985 por Margaret Atwood y publicada en España por la editorial Salamandra. Aunque el libro tenga ya 32 años, resulta asombroso que su trasfondo sea tan aplicable a la actualidad. Ambas obras se asientan sobre dos atractivos pilares: la distopía y el feminismo (que, como dice la RAE, defiende los mismos derechos entre hombres y mujeres, a estas alturas no confundan el término con ‘hembrismo’).

En un futuro incierto, la tasa de natalidad desciende de manera alarmante. Tras una guerra civil, Estados Unidos decide fundar un nuevo estado totalitario, la llamada República de Gilead, en el cual las mujeres pierden el derecho a tener dinero, trabajar o poseer propiedades. Aquellas que siguen siendo fértiles son llevadas a los hogares de los altos mandatarios, donde, además de ejercer de criadas privadas de su libertad, son violadas por sus amos para quedarse embarazadas y, así, ceder sus hijos a sus gobernantes y esposas.

Este terrible clima es mostrado a través de los ojos de su protagonista, Offred (magnífica Elisabeth Moss), sirvienta del comandante Fred Waterford (interpretado por Joseph Fiennes, en un rol más contenido que su ya clásica interpretación de Amon Goeth en La lista de Schindler, pero igualmente salvaje) y su esposa Serena Joy Waterford (Yvonne Strahovski). La acción se desarrolla con el sistema ya impuesto, pero mediante flashbacks se va narrando cómo se ha llegado a la situación actual. En la primera temporada acontece aquello que relata el libro original, con los cambios lógicos que impone la narrativa audiovisual. Hulu ha confirmado una segunda temporada en 2018, que ofrecerá un argumento inédito.

Cuando uno visiona la serie, las referencias que le vienen a la cabeza son múltiples. Desde las novelas 1984, de Orwell, o Fahrenheit 451, de Bradbury, hasta la magnífica película de Alfonso Cuarón Hijos de los Hombres, pasando por algunos de los capítulos más sombríos de Black Mirror. Todo amante de alguna de estas obras tiene la obligación de disfrutar de esta maravilla, aunque está abierta a todo tipo de público con cierto nivel de exigencia.

El drama y el thriller son los géneros que mejor encajan a lo largo de los diez capítulos que componen esta primera temporada. Y es que el ritmo, tras una pausada y profunda presentación de los personajes y su situación, consigue un in crescendo que acaba por dejar sin respiración al espectador, deseoso por seguir conociendo las desventuras de Offred y el resto de personajes (desde aquí, reivindico a Samira Wiley, conocida por interpretar a Poussey Washington en Orange is the new black).

Además, la colorimetría y lúgubre ambientación plasmada por el director de fotografía Colin Watkinson (que es responsable de la magnífica The Fall y tiene una cuenta en Instagram en la que incluye los planos de los que se siente más orgulloso) bailan perfectamente al son de la historia narrada, con un aprovechamiento máximo del encuadre y un contraste tonal que debe ser visto en la pantalla más grande de la que tengan la oportunidad de disponer (olvídense de verla a través del smartphone mientras viajan en autobús).

The Handmaid’s Tale es el producto audiovisual más original de la parrilla televisiva actual y lanza enigmáticos mensajes que promueven la reflexión y el debate, desechando así una visión epidérmica basada en impactos dramáticos (aunque también los haya, pero con sutileza e inteligencia). La violencia es más psicológica que física y los encuentros sexuales forzados son mostrados con pragmatismo, usando como fin la fecundación y no el deseo pasional.

Además, la historia de The Handmaid’s Tale plantea profundos dilemas morales acerca de la dignidad del ser humano, del hombre (en este caso, la mujer) como servicio de la sociedad, en lugar de como ser individual, del fundamentalismo más extremo y de hasta dónde puede llegar un país ante situaciones límite, como en este caso es la extinción de la fertilidad. Y es que, como bien dice la autora del libro original, “en determinadas circunstancias, puede pasar cualquier cosa en cualquier lugar”.

Más críticas mias en: https://eldebatedehoy.es/autor/gfuentes/
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La herida
La herida (2013)
  • 6,0
    7.387
  • España Fernando Franco
  • Marián Álvarez, Rosana Pastor, Manolo Solo, Ramón Barea, ...
3
Monotonía dramática
Entiendo que abordar un tema tan complejo como el trastorno límite de personalidad no es fácil, que levantar una ópera prima tampoco y que (imagino) la financiación no juegue a tu favor es otro impedimento, pero por favor.

La película podía haber optado por el desarrollo, nudo y desenlace, o bien por la espiral dramática para tornarse en tragedia griega. Sin embargo, el director opta por la peor salida, y es la monotonía dramática. Y es que un drama, cuando es monótono y sin justificación, deja de serlo. Aunque Marian Alvarez hace un trabajo impecable, en ningún momento se puede tener empatía con semejante personaje, del cual solo sabemos cuatro pinceladas.

De Fernando Franco puedo destacar la dirección actoral, pero en ningún momento su realización. Una cámara en mano pegada al cogote de la protagonista no es arte, quiero ver la ciudad en la que se desenvuelve, el camino que recorre y al menos un gran plano general que de constancia de su soledad. El abuso del primer plano hace que pierda su fuerza dramática al mismo ritmo al que crecen las risas y los despistes en la sala.

Será la crisis, pero este año el cine español está de capa caída.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Comic-Con Episode IV: A Fan's Hope
Comic-Con Episode IV: A Fan's Hope (2011)
  • 6,4
    349
  • Estados Unidos Morgan Spurlock
  • Documentary, Seth Rogen, Kevin Smith, Eli Roth, ...
7
Frikismo superlativo
Reportaje de hora y media que mete al espectador dentro de la Comic-Con de San Diego, LA convención anual sobre el mundo del cómic, los videojuegos y las películas más fantásticas, que reúne a frikis de todo el mundo para compartir aficiones durante cuatro días.

Morgan Spurlock (el director de Super Size Me) cuenta su documental a través de seis historias de gente que va a la Comic-Con con diferentes intenciones. Cada aventura personal identifica o sorprende al espectador, por lo que el metraje resulta entretenido y didáctico en el mundo 'nerd', con polémica incluida sobre si la Comic-Con ha perdido su esencia como expositorio de cómics (comenzó en los 70 con 500 personas) para convertirse en un espectáculo de ciencia ficción abierto a un público mayoritario, que busca más la imagen friki que la esencia del mismo. Y contando con los actores y directores del momento (desde Kevin Smith hasta Guillermo del Toro, pasando por Eli Roth o Seth Rogen.

Recomendable al que le gusten los universos de George Lucas, los zombies de Romero, ver a Stan Lee en su salsa (el Hugh Hefner del cómic) y todo lo relacionado con el mundo de los superhéroes, el anime y la ciencia ficción. Y los que, como servidor, nos gusta ver congregaciones sociales unidas apasionadamente por eso mismo, una pasión que sacrifica sin pensarlo tiempo y dinero por una fuerza mayor.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Buscando un amigo para el fin del mundo
Buscando un amigo para el fin del mundo (2012)
  • 6,0
    5.827
  • Estados Unidos Lorene Scafaria
  • Keira Knightley, Steve Carell, Adam Brody, William Petersen, ...
5
Visto demasiadas veces
La premisa de que el fin de el mundo esté cerca es otro macguffin más para presentar unos personajes y hacer que se relacionen entre sí. Lo mismo que con el Extraterrestre de Vigalondo.
El problema es que los dos protagonistas no esconden nada especial, y los problemas y situaciones que quieren arreglar antes de que se acabe el tiempo no interesan al espectador. El personaje de Ferrell es soso de principio a fin, y el de Knightley intenta mostrar una excentricidad y valentía que se esfuma en cuanto la conocemos un poco.
A pesar de esto, los americanos siguen sabiendo cómo entretener y, aunque la pelicula no deje poso, consiguen dejarnos un puñado de interesantes escenas en las retinas.
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10 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hotel Chevalier (C)
Hotel Chevalier (C) (2007)
  • 6,4
    5.184
  • Estados Unidos Wes Anderson
  • Jason Schwartzman, Natalie Portman
10
Mi corto favorito
Wes Anderson es un artesano del celuloide. Poquísimos autores contemporáneos consiguen un estilo narrativo y estético tan personal como este tejano nacido hace poco más de 40 años. Ya apuntó maneras con la sobrevalorada pero interesante Academia Rushmore, pero fue esa pequeña obra de arte llamada Los Tenembaums. la que le consolidó y ecumbró como uno de los realizadores y guionistas más prometedores (texto escrito, por cierto, conjuntamente con Owen Wilson, quien ha actuado en toda su obra) en el género de la comedia psicodélica.

Sus últimas dos obras, Life Acuatic y Viaje a Darjeeling, ya rozan peligrosamente el absurdo y la trama pasa a ser un elemento secundario para resaltar un colorismo y expresividad visual estudiada milimétricamente en cada plano. No se llega a comprender en su totalidad lo que Anderson trata de contarnos, pero nos sentimos hipnotizados por cómo mueve la cámara y dónde la coloca en todo momento.

Pero hoy les voy a hablar de su cortometraje Hotel Chevalier, que se proyectaba antes de Viaje a Darjeeling. Puede funcionar como prólogo de la película, como así reza una frase en su comienzo a modo de advertencia, pero también como una historia independiente sobre la enfermedad del amor y la pasión.

Personalmente, estos 13 perfectos minutos que conforman el proyecto me parecen lo mejor que ha escrito y realizado Anderson hasta la fecha, consiguiendo una estética y fotografía impecables, donde el amarillo es la pigmentación reinante de la obra, un color que, pese a ser de los que menos me gustan, consigue embriagar la pantalla con una belleza única.

El corto se hizo conocido entre medios de comunicación, especialmente digitales, por la razón más superficial y vulgar posible, como es el desnudo de Natalie Portman. Todos estamos de acuerdo y ansiábamos observar las curvas en movimiento de la ninfa israelí, pero tras un visionado del metraje, sus pechos y su torneado cuerpo pasan a un decimoctavo plano (por decir una cifra elevada, no se piensen que voy a nombrar los otros 17 restantes), como así ocurrió con Lucía y el sexo, donde las explícitas cópulas quedaban ensombrecidas ante la magnífica obra en su conjunto.
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21 de 32 usuarios han encontrado esta crítica útil
Donde viven los monstruos
Donde viven los monstruos (2009)
  • 6,2
    26.940
  • Estados Unidos Spike Jonze
  • Max Records, Catherine Keener, Pepita Emmerichs, Mark Ruffalo, ...
6
La ambigua conclusión de una belleza visual
Sinopsis: El pequeño Max se siente solo e incomprendido. Tras discutir acaloradamente con su madre, sale corriendo de casa y acaba en un misterioso bosque habitado por extraños y fascinantes monstruos.

A priori: La combinación de tener al gran Spike Jonze tras la cámara en su tercer trabajo tras las fascinantes cintas Cómo ser John Malkovich y Adaptation y la adaptación de uno de los cuentos infantiles más influyentes de Estados Unidos crearon en mi unas expectativas difícilmente cumplibles.

Opinión: Jonze ha sabido combinar hábilmente su etiqueta de director "rarito" con la inocencia de una narranción para infantes.

Conseguir alargar una historia original que sólo constaba de dos párrafos no es tarea fácil, y esto ha provocado altibajos en la adaptación cinematográfica. Conseguir la atención del espectador durante 101 minutos no es tarea fácil, y pensar que cada vez que aprietas el rec estás captando arte maestro en celuloide puede provocar lo que le ha pasado al director, que cae en la autocomplacencia y la reiteración.

Los personajes están definidos de una forma bastante ambigua, por lo que no entendemos muchas de las decisiones que toman o actitudes que toman ante las circunstancias. Quizá si hubiera "etiquetado" más a cada monstruo con un rasgo de personalidad la narración hubiera sido más coherente y por lo tanto interesante.

Tampoco la conclusión final o moraleja que toda fábula infantil debe tener queda clara, por lo que la forma acaba por ensombrecer un contenido vacuo entre tanta pirotecnia audiovisual.

Por otra parte la elección musical, que pendulea entre melodías infantiles y tonalidades misteriosas y hasta terroríficas, está integrada con maestría en cada plano y movimiento de cámara. Se nota que Jonze es todo un profesional curtido en el mundo del videoclip.

Lo mejor: La actuación del niño Max Records, que consigue transmitir la rabia, la pasión y la alegría con suma facilidad nata. La fotografía y su juego de contrastes y tonalidades, así como la integración de la banda sonora en la misma nos transportan a un mundo onírico en el cual volvemos a sentir la libertad y la inocencia de la infancia.

Lo peor: La irregularidad de la narración, con momentos de tedio, incomprensión e incluso contradicción de la interactuación entre los personajes. No se comprende bien qué aprende cada uno ni cómo se puede extrapolar a la vida cotidiana. Y eso en un cuento infantil es una falta que no se puede permitir ni el mismo Jonze (co-firmante del guión junto con Dave Eggers).

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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El primer día del resto de tu vida
El primer día del resto de tu vida (2008)
  • 7,2
    10.607
  • Francia Rémi Bezançon
  • Jacques Gamblin, Zabou Breitman, Déborah François, Marc-André Grondin, ...
7
Una familia reflejo de nuestra alma
Francia confirma por enésima que se encuentra a años luz de nuestra cinematografía con esta gran película llena de matices por explorar y debatir. Ganadora de tres César y vista por un millón de franceses, la obra de Rémi Bezançon versa sobre los integrantes de una familia a lo largo de 12 años. Y, sin ser ningún miembro yonki, prostituta, pobre o maltratador, consigue transmitir sus sentimientos al espectador y sirve de reflejo para éste (que lo anoten los productores/realizadores/guionistas españoles).

La evolución de los personajes, el tono tragicómico de la narración, la ambientación de cada época, los temas tan humanamente tratados y la interpretación de cada uno de los protagonistas (que crean una gran empatía con el espectador a pesar de o gracias a una complejidad de sus personalidades que no admite radicalizaciones ni de bondad ni de maldad, convirtiéndose así en gente más humana y realista) crean una propensa atmósfera para reír, llorar y querer más a los que te rodean.

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11 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Star Trek
Star Trek (2009)
  • 6,8
    44.845
  • Estados Unidos J.J. Abrams
  • Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Eric Bana, ...
7
Lo que debería ser siempre una película comercial veraniega
J.J. Abrams es el puto amo. No sólo ha renovado el mundo de la ficción televisiva (medio en el que se mueve como pez en el agua o genital en la boca de Paris Hilton) con series como Lost o Alias, sino que es capaz de coger las riendas de una saga tan veterana como Star Trek, llevarla a sus orígenes, dar fuerza a la personalidad de los personajes e introducir viajes en el tiempo y grandes dosis de humor, sin que los seguidores de Star Trek (llamados trekkies) sean capaces de encontrar algo que corrompa el tono general de la saga. Yo personalmente nunca he tenido interés en el universo comandado por Kirk y Spock, pero este film me entretuvo en todo momento. A pesar del toque "peterpanesco" para captar la atención de los teen, el metraje en su conjunto es una bomba de relojería con metrallas de humor, acción, ciencia ficción, tensión, amor e incluso mensaje (cada uno decide su destino y tal). En conclusión, lo que debería ser un producto cinematográfico comercial veraniego.

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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los mundos de Coraline
Los mundos de Coraline (2009)
  • 7,1
    49.516
  • Estados Unidos Henry Selick
  • Animation
7
La tenebrosidad estética más lograda
Sinopsis: La pequeña Coraline se muda con su familia a un caserón perdido en medio del campo. El pasotismo de unos padres eternamente ocupados harán que la protagonista busque y encuentre un mundo paralelo donde todo gira en torno a sus deseos y sueños...

A priori: Desconozco la novela de Neil Gaiman en la que está basada, pero me encanta la técnica del stop-motion en general, y la de Henry Selick en particular (contra lo que casi todos piensan, máximo responsable de esa obra maestra que es Pesadilla antes de Navidad, así como de la infravalorada James y el melocotón gigante).

Opinión: Estamos ante una obra mayúscula, un cine inédito a reivindicar. El "universo Disney", en el cual todo es maravilloso y colorido (aunque Pixar esté revolucionando al estudio, tanto técnica como narrativamente) no tiene nada que ver con el tenebrismo que emana de la filmografía de Selick.

La ambientación "burtoniana" que impregnaba cada fotograma de Pesadilla antes... influye en Coraline, aunque de un modo más embaucador si cabe, al no jugar el director con calaveras, tumbas y elementos de Halloween, sino con flores, animales, luces y siniestros botones...

La narración interesa de principio a fin, así como la personalidad de la niña protagonista (alejada del cánon de niña repipi), el desarrollo de los personajes y la fantástica resolución. Ahora sólo falta esperar a verla en tecnología 3D (para que vea la señora ministra que los "piratas" también acudimos a las salas, pero antes la vemos en casa en calidad dvd y subtitulada, para ahorrarnos 10 euros en caso de decepción) y así disfrutar de ella en todo su esplendor.

Lo mejor: Sin duda alguna, la estética visual que impregna todo el film: desde los contrastes cromáticos hasta los escenarios, tratamiento de la luz y la fantástica maestría para, mediante la imagen, saber mezclar lo grotesco con lo tenebroso.

Lo peor: Quizá el último giro narrativo (esa vuelta de tuerca con mano mecánica incluida no aporta nada nuevo y el terror tampoco creo que vaya in crescendo) y las estereotipadas personalidades de los padres de Caroline, que también hubieran funcionado, y con mayor realismo, con un tratamiento más sutil. Ah, y que la campaña promocional vaya dirigida a los más pequeños que, de asistir, van a huir despavoridos de la sala o a tener traumáticas y pesadillescas consecuencias.

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8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Volando voy
Volando voy (2006)
  • 5,7
    4.398
  • España Miguel Albaladejo
  • Borja Navas, Àlex Casanovas, Mariola Fuentes, Fernando Tejero, ...
5
Volando se fue el guión
Sinopsis: Juan Carlos Delgado Caballero, más conocido como "El Pera", es criado en el seno de una familia pobre en los suburbios del Getafe de los 70. Con sólo ocho años ya comienza a robar coches, bolsos y establecimientos. Él se convertirá con su 1,50 de estatura en el conductor de una banda de gamberros que están más tiempo en comisaría que en sus hogares.

A priori: La vida real de "El Pera" resulta muy interesante en una España que, atenta a la Transición, olvida a lo barrios más marginales. El chaval en la realidad con seis años llevó a cabo sus primeros robos en un campamento juvenil de Buitrago de Lozoya. A los siete, mangaba en el 'super' de la época, el Simago. A los ocho, amedrentaba al barrio y los alrededores en busca de 'chupas' y bicicletas. Las tiendas y los coches eran su objetivo a los nueve. A los diez se atrevió con los bancos. Todo un todoterreno delictivo que merecía ser contado en 35 mm.

Opinión: A pesar de que hay un puñado de elementos destacables, el metraje en su conjunto se resiente por culpa de la reincidencia de las situaciones. La dirección, más plana que Keira Knightley, tampoco ayuda a que la narración aguante el interés del espectador a lo largo de los 105 minutos de duración.

Lo mejor: La ambientación de la época, así como los vestuarios y la fotografía están logrados (algo habitual, es muy raro encontrar una película que peque en este aspecto). La interpretación del protagonista, aunque irregular, es notoria, así como un sorprendente Tejero que, aunque no haga una gran interpretación, por lo menos se aleja de su eterno cliché de portero de Aquí no hay quien viva. También algunas escenas de acción (especialmente la persecución automovilística en la noche toledana) están bastante elaboradas.

Lo peor: El metraje se alarga sin sentido ni objetivo, la reiteración de las situaciones (persecución - comisaría - paliza - familia...) lleva irremediablemente al hastío, la profundidad de los personajes es nula, basada en manidos arquetipos que no evolucionan y por último, tampoco tiene justificación narrativa el flashforward que abre el film.
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Monstruos contra Alienígenas
Monstruos contra Alienígenas (2009)
  • 5,8
    12.088
  • Estados Unidos Rob Letterman, Conrad Vernon
  • Animation
6
Flipante 3D, manido guión
Sinopsis: Susan está a punto de casarse cuando un meteorito cae encima de ella, haciéndola crecer de forma desmesurada frente a todos los invitados de su boda. Los militares se la llevan a una base donde otros seres extraños y mutados conviven aislados de la sociedad. Cuando una nave extraterrestre aterriza y comienza a atacar al Ejército, sólo estos "monstruos" podrán ser capaces de hacer frente a la invasión.

A priori: Dreamworks en su apartado de animación se ha comportado de forma irregular frente a la gran Pixar que convierte en oro (tridimensional) todo lo que toca, pero siempre ha mantenido un cierto nivel, al menos visual. El hecho de ser la primera película ya prevista para ser estrenada en la nueva tecnología 3D despierta la curiosidad, así como el homenaje a las películas de ciencia-ficción de los años 50.

Opinión: Sin llegar al nivel de ninguna producción Pixar o suyas propias como las simpáticas Shrek o Kung Fu Panda, consigue su objetivo de entretener a la platea, especialmente en los cines equipados con 3D. Su humor es demasiado infantil y la historia simple como una cuchara, pero los más pequeños se lo pasarán en grande.

Lo mejor: Sin ninguna duda, su estilo, calidad y efectos visuales. Si no es para verla en 3D, no es demasiado recomendable, pero sin duda es una gran oportunidad para estrenarse en esta nueva tecnología que, supuestamente, se convertirá en el futuro del cine. Y ya, a título personal, el personaje del "gusanosaurio", todo un enorme tontorrón enfadado que resulta de lo más simpático. Ah, y el intento de diálogo del presidente de Estados Unidos con los alienígenas.

Lo peor: La simpleza de un guión que no da de sí (a pesar de durar 94 minutos), que todos y cada uno de los personajes sea un catálogo de estereotipos y que esté enfocado exclusivamente a los niños, cuando los adultos también tenemos derecho a disfrutar, que para eso hemos pagado 10 euros (es lo que cuesta la entrada en 3D).

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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Déjame entrar
Déjame entrar (2008)
  • 7,3
    56.182
  • Suecia Tomas Alfredson
  • Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, ...
8
Poesía romántico-vampírica
Sinopsis: Oskar, un niño de 12 años está retraído por culpa del acoso continuo de unos compañeros de clase. Se hace amigo de Eli, una nueva vecina de su edad, que parece estar enferma y actúa de forma extraña...

A priori: Ganadora en el Festival de Tribeca y de Göteborg, sobre temática vampírica y siendo una producción sueca que consigue excepcionalmente estrenarse en España son aspectos que invitan a su visionado (además de la recomendación de cierta persona que suele casi los mismos gustos fílmicos que yo).

Opinión: Una maravillosa y gélida historia, cercana al realismo fantástico, con una fotografía sobresaliente y unos actores que lo dan todo (en especial esa niña de rostro enigmático, enfermo y viejuno a partes iguales), hacen de esta una de las mejores producciones del año. El ritmo pausado, poético y oscuro introducen al espectador en una espiral hipnótica de la que es imposible salir.

Lo mejor: La magistralidad para fusionar géneros tan dispares como el drama social, el terror y el romanticismo sin que chirríe, un buen puñado de secuencias memorables (como cuando ella expulsa sangre de sus cavidades corporales y el deslumbrante final), su angustiante atmósfera nevada y el hecho de que cada plano es enmarcable.

Lo peor: Nada, si acaso que no nos expliquen (como sí hacen en la novela original de John Ajvide Lindqvist y espero que en el DVD) cómo se convirtió ella en vampiro, la castración a la que fue sometida (porque al nacer era un chico) y la relación de pederastia que tenía con el señor que vive con ella. De todas formas, si decidieron omitir estos aspectos sería porque rompían con la atmósfera creada, por lo que una crítica tampoco es...
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3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Crepúsculo (Twilight)
Crepúsculo (Twilight) (2008)
  • 4,8
    67.797
  • Estados Unidos Catherine Hardwicke
  • Kristen Stewart, Robert Pattinson, Billy Burke, Peter Facinelli, ...
4
Sangre edulcorada
Sinopsis: La joven Bella Swan se traslada al pueblo de su padre. Allí conocerá a un misterioso compañero de clase, del cual se enamorará a pesar de su condición de vampiro.

A priori: La novela ha vendido 17 millones de ejemplares desde que se publicara en 2005 y la adaptación cinematográfica ha cosechado un notable éxito, pero la crítica vapuleó la cinta. No obstante, su directora es Catherine Hardwicke, responsable de esa interesantísima obra llamada Thirteen.

Opinión: Un mediocre film de amor que no llega a nuestros corazones, ni si quiera a la epidermis. Los vampiros no dan miedo, no se profundiza en ningún personaje salvo en los dos protagonistas (de forma tópica y vulgar) y la trama avanza muy lentamente. Dos horas que podían contarse en 20 minutos, y sin reincidir continuamente en los mismos temas supuestamente misteriosos, cuando todos sabemos ya que son vampiros. Con un argumento similar, pero mayor carga dramática, acción y madurez, les recomiendo la serie True blood.

Lo mejor: El físico de los protagonistas y alguna secundaria (la vampira del pelo corto está para morderla) y el partido de béisbol vampírico aderezado con una canción de Muse.

Lo peor: el ritmo, las interpretaciones, la falta de sorpresas, los aberrantes efectos especiales, que parecen televisivos y la duración del metraje. Bueno, y el irritante personaje del japonés adolescente.

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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Man on Wire
Man on Wire (2008)
  • 7,4
    11.263
  • Reino Unido James Marsh
  • Documentary, Philippe Petit
7
Paseando por el techo del mundo
Sinopsis: Documental que relata los pasos que siguió el funambulista francés Philippe Petit hasta conseguir caminar pendido de un cable entre las Torres Gemelas de Nueva York.

A priori: ¿94 minutos para contarnos que un hombre camino entre los edificios más conocidos del mundo? Había curiosidad por cómo iba a lograr su director James Marsh mantener la atención de la platea. Además, el Oscar que se llevó al Mejor documental y el BAFTA a la Mejor película británica también ayudaron a levantar los ánimos para su visionado.

Opinión: El realizador de The King consigue enganchar a un espectador ansioso por llegar a ver la proeza final. La estrafalaria personalidad del protagonista y sus compañeros de faena, así como la estética de thriller de ficción que recrea, combinada con imágenes originales y una envolvente música consiguen mantener una historia que, a priori, daría para un corto.

Lo mejor: Los planos cortos en blanco y negro emulando las burlas a las autoridades (aunque pequen en ocasiones de reiterativos), el espíritu rebelde de sus protagonistas y una banda sonora muy oportuna.

Lo peor: Que pese a que se estrenó el uno de agosto del pasado año en Reino Unido, todavía no tenga fecha de salida en España, a pesar de los éxitos cosechados. Eso, y que quizá redunda demasiado en el desarrollo y no tanto en los sentimientos provocados con la resolución de la proeza.

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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Revolutionary Road
Revolutionary Road (2008)
  • 6,9
    42.962
  • Estados Unidos Sam Mendes
  • Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, ...
7
La amarga familia
La adolescencia y los primeros años de la juventud es una etapa repleta de sueños, esperanzas e idealismos. Nos creemos especiales y pensamos que nuestro papel será fundamental para la Humanidad, que encontraremos la cura para una enfermedad mortal, la clave para erradicar el hambre o que seremos ricos y famosos.

Conforme pasan los años, la ilusión se va desvaneciendo a golpes de realidad: un monótono y poco gratificante trabajo, una hipoteca que nos aprisiona en nuestro propio hogar y unos hijos que, aún dándonos alegrías, coartan gran parte de nuestra libertad.

Con su cuarta película, el inglés Sam Mendes, marido de la protagonista Kate Winslet, ha vuelto a sus raíces cinematográficas (su ópera prima American Beauty, que consiguió cinco Oscars, entre ellos el de Mejor Película y Mejor Director) para trasladarlas a los años 50 y quitarles todo el cinismo y humor negro que emanaban del film protagonizado por Kevin Spacey.

Frank y April Wheeler (Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, respectivamente) son un joven matrimonio asentado en un barrio residencial de Connecticut, concretamente en la calle Revolution (queda nombre al título del largometraje). Tienen dos hijos (que erróneamente apenas salen en el metraje, algo que resulta bastante artificial) y un chalet adosado con jardín. Además quedan periódicamente con unos vecinos (David Harbour y Kathryn Hahn) para salir a bailar y la señora que les vendió la casa (Kathy Bates) se hace amiga y les va a visitar con un su marido y su hijo esquizofrénico. Pero se sienten vacíos. Ven cómo sus sueños y aspiraciones se esfuman en la monotonía del día a día. Y ella, ama de casa y actriz ocasional, se lleva la peor parte.

En April recae el protagonismo de la obra, ya que lleva el peso del drama y de la angustia existencial. Ella se ve ahogada ante la situación, impotente ante una vida que nunca quiso y que la tiene apresada. Pero su cárcel es interior y lo sabe. Es una prisión con las puertas abiertas con vistas a París, el lugar donde April piensa que si se mudan todo cambiará, a pesar de que su infierno está bajo los poros de su piel. Frank parece estar de acuerdo, pero antes tendrán que resolver varios peliagudos asuntos...

(continúa en el spoiler porque no entra, pero no revelo nada)
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bee Movie
Bee Movie (2007)
  • 5,5
    10.622
  • Estados Unidos Steve Hickner, Simon J. Smith
  • Animation
6
El "abejuno" Seinfeld
El cómico neoyorquino Jerry Seinfeld (quien, por curiosidad para el lector, posee una colección automovilística de 20 diferentes tipos de Porsche) estuvo casi diez años al frente, narrativa e interpretativamente, de una serie de gran prestigio que le dio el dinero y la notoriedad necesarias para vivir dignísimamente durante el resto de su vida. Pero decidió aparcar su prematura jubilación para escribir, junto a su amigo Spike Feresten, el guión de la interesante película de animación en 3D Bee Movie.

Ésta narra la juventud de Barry B. Benson, una abeja recién graduada que debe enfrentarse al monótono mundo laboral durante el resto de su vida. Pero él quiere otros planes, busca otros objetivos como conocer qué hay tras las paredes del panal donde viven.

Aún siendo un producto infantil, los guiños hacia los mayores son continuos, y la moraleja final es útil para cualquier edad. Seinfeld ejerce como guionista, productor y hasta le pone voz al protagonista del film (que en España corre a cargo de Arturo Valls). También participan René Zellweger, Matthew Broderick, John Goodman o Ray Liotta haciendo de un egocéntrico y autoglorificado... Ray Liotta.

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8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil