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Argentina Argentina · buenos aires
Críticas de enjoyjessica
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Críticas 181
Críticas ordenadas por utilidad
9
14 de diciembre de 2016
87 de 134 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una película pequeña pero llena de emociones que viene generando un furor tal en su recorrido que algunos hablan de posibles nominaciones al Oscar. El tiempo lo sabrá, pero lo cierto es que estamos ante el retrato de un joven negro en el Sur de Florida a través de tres momentos claves y definitorios de su vida.

Barry Jenkins regresó al Festival de Mar del Plata con Moonlight, que rememora en su estructura mucho a Boyhood, pero si bien es también el retrato de un joven desde que es pequeño, dividido en tres episodios, se la percibe, además de estar interpretada por tres actores distintos, más cruda y dolorosa, aunque capaz de generar la misma dosis de emoción.

Pequeño, Chiron o simplemente Negro. Tres formas de llamar a un mismo personaje. Un niño callado que se escapa de su casa y en una situación de bullying (una constante en su vida) es rescatado por un traficante de drogas que se contradice con su propia profesión, dándole el refugio y el cariño que su madre drogadicta (una Naomie Harris alejadísima del glamour de las James Bond que rodó durante el corto rodaje de esta misma) no le da. Un adolescente que en pleno despertar sexual sigue siendo acosado y llevado hasta el extremo por sus propios compañeros, a la vez que sufre una pérdida muy dura. Un joven que se hizo fuerte porque no encontró otra salida y hoy es un traficante de drogas a la vez con un enorme vacío emocional esperando ser llenado.

Jenkins entrega una película dura y conmovedora al mismo tiempo, y esto sucede principalmente gracias a la construcción de un personaje muy complejo y con quien uno no tarda en simpatizar.

Algunas situaciones que retratan podrían haberse convertido de manera fácil y rápida en golpes bajos, Jenkins las narra con soltura y con cierta melancolía, como el azul con el que decide teñir algunos planos y, de una manera más metafórica, a su personaje principal. Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes son los tres actores que le imprimen cada uno su sello al mismo personaje.

Los temas que trata el film son a veces tan gastados en el cine, como la marginalización, las drogas, el abuso y la homosexualidad, pero lo que podría haber resultado en un empalagoso melodrama termina rompiendo toda expectativa (y para mejor, como no suele suceder) y haciendo de Moonlight una película con un corazón enorme. Una experiencia demoledora y conmovedora al mismo tiempo. Imperdible.

Publicada en visiondelcine.com
enjoyjessica
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10
26 de junio de 2013
42 de 49 usuarios han encontrado esta crítica útil
Supongo que hay personajes que terminan convirtiéndose en importantes en la vida de uno. Y sobre todo creo que el hecho de que pertenezcan a una saga ayuda, porque los vemos crecer, en definitiva, los vemos vivir. En la saga que dirige Richard Linklater y protagonizan Ethan Hawke y Julie Delpy, el tiempo es fundamental para la historia, o las historias que se quieren contar.

Me gusta la forma en que lo definió el propio Ethan: "La primer película es sobre lo que podría haber sido. La segunda, sobre lo que debería haber sido. Y Before Midnight, sobre lo que es".

Mientras en Before Sunrise ellos eran dos jóvenes, hacía no mucho que habían dejado la adolescencia, y juegan a ser adultos y racionales y así es que terminan separándose, en Before Sunset parecían lamentarlo, al fin y al cabo sus vidas separadas no habían salido del modo en que ellos lo esperaban, y, como dice Celine, todo lo romántica que podía ser se quedó en esa noche hacía nueve años.

Pero el final de esta segunda entrega, era una de las escenas más simples y memorables y perfectas del cine de estos últimos tiempos. Dos palabras, "I know", eran suficientes para saber, o al menos imaginar, qué podía pasar después.

Pero nueve años después ellos nos dan la sorpresa y tras haber filmado secretamente esta tercer entrega, vuelven con "Before Midnight". Ya desde el trailer (como pasó también con la segunda) nos adelantan imágenes que algunos podrían considerar spoilers, pero creo que en películas como estas, por lo menos a mí me sucede así, no me arruina nada el saber que sí, que finalmente decidieron darse una oportunidad juntos, sino, todo lo contrario, esto aumentó mis expectativas.

Con Grecia como escenario esta vez, Jesse y Celine ya no son jóvenes, y tienen dos hermosas niñas llamadas como Nina Simone y Ella Fitzgerald. Mientras Jesse lidia con la relación a distancia que tiene con su primer hijo y con su vida como escritor, Celine está más abocada a su papel de madre aunque intenta no dejar su lado como activista, aunque a veces no pueda evitar sentirse un poco frustrada.

Before Midnight es la menos romántica, la más graciosa pero también la más agridulce de las entregas. Escrita por sus protagonistas junto al director, se centra en el final de unas vacaciones en Grecia, que van a ser definitivas para la pareja. No hay un deadline, el tiempo ya corrió lo suficiente, pero se percibe que aquella noche en que se ven casi forzados a pasar la noche a solas en un hotel va a generar algo importante. Y es que todo lo que antes era una fantasía, ahora se tornó real. Y al tornarse real, imperfecto.

También se diferencia de las otras dos, en que acá aparecen unos personajes secundarios. No sólo sus hijos, sino la gente que los alojó en Grecia, un escritor veterano, una joven pareja... Y son precisamente estos últimos los que se van a encargar de marcar algo importante que jugó en contra de la pareja que no fue pareja hasta muchos años después: la tecnología.

Mientras antes, por no pasarse un número telefónico, no pudieron reencontrarse sino hasta nueve años después, y gracias al libro que Jesse escribió no sólo para no olvidarla, sino para poder encontrarla, hoy en día la parejita joven se comunica por Skype. Y es que otra hubiese sido la historia si ellos se hubiesen conocido en este siglo, pero no, por suerte, ellos se conocieron en los 90s.

Pero así como el tiempo, la época y la situación marca ciertas diferencias, también tiene similitudes. Y la principal es lo bien trabajado que están los diálogos. Más cínicos esta vez, pero la película tiene esas pequeñas líneas que te dicen todo en pocas palabras. Pero para que ustedes puedan descubrirlas en la sala, decido abstenerme de empezar a citar.

También los largos planos secuencia que siguen a sus protagonistas y son testigos de esas conversaciones que pueden ser tan superfluas como profundas. Y la química entre Delpy y Hawke se mantiene intacta, en ningún momento parecería que estuvieran actuando, y creo que eso también contribuyó a que los sintamos tan parte de nuestras vidas.

Resumiendo, no podría decir si es la mejor de las entregas, cada una funciona tanto por separado como unidad y tiene imágenes que quedan grabadas en nuestra retina, y líneas con las que nos podemos sentir muy identificados. Pero sí es diferente. Más agria. No obstante, necesaria. Para no quedarnos con la fantasía, y comprobar que Jesse y Celine se parecen a nosotros mucho más de lo que creíamos.
enjoyjessica
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Santoalla
Documental
Estados Unidos2016
7,0
2.257
Documental
7
30 de abril de 2017
35 de 35 usuarios han encontrado esta crítica útil
Margo y Martin llegan a Santoalla, un pequeño pueblo español, buscando una vida tranquila y alejada del capitalismo. Allí logran conectarse con la naturaleza, con el trabajo artesanal y con ellos mismos. Sus únicos vecinos son otra familia, una que radica allí desde siempre. Más allá de un primer acercamiento amistoso, ambas familias luego se encontrarán con muchas diferencias.

“El hacía lo que quería y en un pueblo tienes que hacer lo que hace todo el mundo”. Pero “todo el mundo” allí no eran más que esas dos familias. Cuando Martin quiere traer proyectos favorables al lugar, se encuentra rápidamente con el rechazo. Lo nuevo versus lo viejo.

El documental registra el lugar y a sus personajes, siguiendo especialmente los testimonios de Margo, una mujer que se terminó quedando sola. Cuando Martin desaparece de un día para el otro y sin previo aviso, son muchas las posibilidades que se le cruzaron por la cabeza, incluso que quizás se fue, se escapó, tal vez con alguien más. A medida que va relatando y repensando todo, esta increíble enemistad entre las dos únicas familias del pueblo comienza a tomar peso. ¿Sería posible que hayan sido los culpables? ¿Cómo tu lugar en el mundo de repente puede tornarse un lugar de miedo?.

A veces la realidad supera a la ficción. O la vida imita al arte. Lo cierto es que los realizadores van narrando a través de las voces de sus contados habitantes un relato que cada vez se vuelve más extraño y enigmático.

Además de contar una historia tan interesante como atrapante, Santoalla pone en el centro a un personaje femenino como lo es Margo que, además de enfrentar una dolorosa pérdida cuya respuestas le tomó años conseguir, se convirtió en una mujer capaz de llevar adelante la casa ella sola. Sola en el sentido más estricto de la palabra, pues familiares y amigos quedaron en esa vida que ambos decidieron dejar atrás al mudarse y de quedarse en ese lugar que es tanto un hogar como algo hostil.

Un documental modesto en su forma (con una bella fotografía y una banda sonora que intensifica su tono misterioso) y rico en contenido, porque a la larga la realidad no sólo brindó una historia tan propia de película, sino que los realizadores supieron cómo acercarnos a ella de un modo que siempre nos mantenga atentos, enganchados, queriendo saber más. Quizás la resolución se siente apresurada, pero lo cierto es que todo lo que sucede en el medio tomó unos largos y agonizantes años para su protagonista, hasta que obtuvo la respuesta que buscaba.

Publicada en visiondelcine.com
enjoyjessica
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9
11 de noviembre de 2015
27 de 31 usuarios han encontrado esta crítica útil
El punto de partida para esta curiosidad del cine de este año puede que sea tan simple que funcionara en un cortometraje. Michael Stone, un hombre casado, exitoso, con un hijo, pero que se siente solo y alienado. Ve a todos con las mismas caras, escucha a todos con las mismas voces. Es así que va dejando un rastro de personajes lastimadas en el camino, personas a la que abandonó, porque no puede evitarlo.

Pero en esos 90 minutos que dura la película, una de las pre seleccionadas para la categoría de Mejor Película Animada de los próximos premios Oscars, Kaufman, en co dirección junto a Duke Johnson, trata con profundidad temas como la monotonía, la rutina, la soledad. La búsqueda de algo que no sabemos qué es.

Recuerda un poco a Perdidos en Tokyo de Sofia Coppola (incluso algún plano a la ventana del hotel y el reflejo en ella parece inspirado en esa película) pero también tiene algo surrealista como en trabajos previos de guionista como Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos o ¿Quién quiere ser John Malkovich?.

Un relato tierno, dulce, conmovedor, triste. Todo junto, porque así son las cosas más reales y más allá del virtuosismo del stop motion (probablemente Duke Johnson haya colaborado más en ese aspecto, donde radica su experiencia) todo en este film se siente muy verídico. Por ejemplo, en un momento decide retratar una escena de sexo y lo hace de tal manera que, más allá de estar protagonizada por muñecos, se percibe muy real en esos minutos que le dedica a tal. Y es que, claro, no es una película para niños.

Sólo tres voces se escuchan a lo largo del film y cada una de ellas funciona. Jennifer Jason Leigh, la única voz de mujer en el film (aunque no la única mujer que aparece) llena con su voz de ternura y tristeza a su personaje, esa Lisa que sabe que es diferente, que no se considera linda ni inteligente, pero también por eso es especial, una Anomali(s)a.

“Algunos muchachos tienen a una chica hermosa y la esconden del resto del mundo. Yo quiero ser de las que caminan en el sol. Las chicas sólo quieren divertirse”, canta ella en una de las escenas más hermosas y desoladoras del film. Porque Lisa encandila a su protagonista por sonar diferente al resto del mundo, el problema es qué va a pasar cuando eso que parece diferente se va a tornar normal para él y todo vuelva a empezar.

Extraña, agridulce, Kaufman financió esta película gracias a Kickstarter, porque la gente no pudo dejar de confiar en él. Y es que la historia puede haber sido contada muchas veces, pero como dijo Jim Jarmusch alguna vez: “No hay nada original, todas las expresiones humanas son variaciones infinitas, hay un número limitado de historias que puedes contar, pero hay un número ilimitado de formas de contar la misma historia”.Kaufman sigue aportando cosas nuevas al cine.

Escrito para visiondelcine.com
enjoyjessica
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8
2 de octubre de 2014
31 de 43 usuarios han encontrado esta crítica útil
“¿En qué estás pensando, Amy?” La pregunta que más a menudo he repetido durante nuestro matrimonio, si bien nunca en voz alta, nunca a la única persona que habría podido responderla. Supongo que son preguntas que se ciernen como nubes de tormenta sobre todos los matrimonios: “¿Qué estás pensando? ¿Qué es lo que sientes? ¿Quién eres? ¿Qué nos hemos hecho el uno al otro? ¿Qué nos haremos?”.

De la cita tomada directamente del libro escrito por Gillian Flynn es que parte su versión cinematográfica. Nick se pregunta sobre lo que piensa su mujer, Amy, esa muchacha bonita y encantadora que supo enamorarla. Pero su matrimonio ya no se parece a aquel idilio que supieron vivir juntos. Se convierte en un matrimonio con problemas como los de todo el mundo, de dinero, de confianza, de hastío…

Nick abandona su casa el día de su quinto aniversario escapando de una rutina que ya no lo atrae. Pero cuando regresa no lo espera nada de lo que él había supuesto, juegos y mensajes crípticos de su mujer que repite cada aniversario. Lo que encuentra es la puerta abierta, una mesa de vidrio rota y que Amy no está. De este hecho parte la historia del matrimonio de los Dunne, que está contada tanto en la película como en el libro, a dos voces. Mientras desde el punto de vista de Nick vivimos el comienzo de una investigación policial en la cual aparecerán datos que no conocía de su mujer y una fuerte presencia e influencia de los medios que lo apuntan como sospechoso, es a través de flashbacks y un diario personal que Amy cuenta cómo comenzó esa relación que derivó en este matrimonio.

Perdida es muy fiel al libro en el cual está basado y seguramente gran parte de esa responsabilidad recae en quien se encarga del guión, la propia escritora de la novela. Pero es Fincher quien no simplemente plasma escenas tal cual las cuenta el libro, sino que las impregna de misterio o de humor, según sea el caso. Junto a la música infalible de Trent Reznor y Atticus Ross, Fincher dirige un thriller con una mirada ácida sobre el matrimonio como entidad.

Y para encarnar a este matrimonio elige a Ben Affleck y a Rosamund Pike. Él podrá gustar más o menos como actor, y si bien es cierto que no termina de entregarse por completo al personaje, el actor que será Batman próximamente acá interpreta a un hombre cuya no expresión ayuda a generar ese aire de misterio, esa sensación de no saber nunca qué está pensando. Y ella, Rosamund, podrá ser un rostro menos conocido ya que en general estuvo abocada a papeles secundarios aunque en su filmografía tiene algunos inolvidables (es la bella Jane de la que todos se enamoran en Orgullo y prejuicio e incluso protagonizó junto a Tom Cruise el blockbuster Jack Reacher) pero demuestra que Fincher no se equivocó al elegirla y que tiene muy buen ojo a la hora de elegir a esas mujeres tan misteriosas como seductoras (ya sucedió con Rooney Mara, a quien no le habían puesto muchas fichas cuando se la anunció como Lisbeth Salander para la primera entrega de la saga de Millennium). Si hay alguien que se destaca en esta película es sin duda Pike, quien a veces dice mucho más con una simple mirada.

Es poco recomendable continuar hablando del argumento de la película para aquel que no ha leído el libro ya que este se caracteriza por sus vueltas de tuerca que convierten a la novela en una historia retorcida y un cínico retrato sobre el matrimonio. Es una historia en la que nadie parece tan inocente ni tan culpable.

“Porque no se puede estar tan enamorados como lo estuvimos nosotros sin que ese amor te invada hasta el tuétano. Nuestro amor puede entrar en remisión, pero siempre sigue ahí, esperando para regresar. Como el cáncer más dulce del mundo”. En la casi hora y media que dura la película, Fincher nos plasma su versión cruda del matrimonio y de paso nos regala un thriller quizás menos cautivante que otros de sus trabajos pero igual de efectivo.

visiondelcine.com.ar
enjoyjessica
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