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Críticas de ELZIETE
Críticas ordenadas por:
Siempre juntos (Benzinho)
Siempre juntos (Benzinho) (2018)
  • 6,0
    557
  • Brasil Gustavo Pizzi
  • Karine Teles, Otávio Muller, Adriana Esteves, Konstantinos Sarris, ...
8
YEMAYÁ
La épica de lo cotidiano. Gustavo Pizzi, director y su ex mujer la actriz y coguionista Karine Teles narran con brillantez la particular odisea de una familia obrera con la que se puede identificar el común de los mortales. Los anhelos, esperanzas, frustraciones y todo el rosario de sentimientos que día a día arriban al alma de cada uno de nosotros y que nunca son noticia en los medios brotan con una naturalidad pasmosa heredera del neorealismo, con colores tropicales en el seno de esta familia donde la madre es el epicentro, la gran Yemayá que cuida y teje cada día todos los hilos para que nada se desmorone en una labor titánica que la mayoría de las veces no recibe reconocimiento. Amor que se desborda, que amamanta a toda la prole, hermana y marido incluido y que siempre queda en segundo plano en este mundo patriarcal, donde el hombre soporta como puede la fama mientras la mujer carda la lana y donde el machismo sigue campando a sus anchas, medrando con mayor impunidad entre las clases más desfavorecidas, con un Brasil que además afronta en la actualidad un retroceso ultraconservador y una brecha de igualdad social ingente. 

Karine Teles, actriz, se lo hecha todo a la espalda, bien secundada por el resto del elenco y sale triunfante entre risas y lágrimas porque la vida pasa y la felicidad son instantes cotidianos, pequeñas cosas que flotan (parafraseando a Machado) "ingrávidas y gentiles como pompas de jabón".

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Nico, 1988
Nico, 1988 (2017)
  • 6,2
    155
  • Italia Susanna Nicchiarelli
  • Trine Dyrholm, John Gordon Sinclair, Anamaria Marinca, Sandor Funtek, ...
8
"WALK ON THE WILD SIDE" (Lou Reed)
"Walk on the Wild Side" (Paseando por el lado salvaje). Eso parece, parafraseando la canción del 72 de Lou Reed, lo que hizo la cantautora, modelo y actriz alemana Christa Päffgen, "Nico" ( Colonia, 1938-88 o Budapest 1943 según las fuentes) por imposición de Andy Warhol con el propio Lou Reed y la mítica banda neoyorquina que nunca la quiso "The Velvet Underground". Servidor tuvo en su adolescencia uno de sus, con perdón, insufribles y desasosegantes discos, no sé si con Nico o sin ella. Lo utilicé eso sí en un montaje teatral. Nico inició carrera musical en solitario y coqueteó con el cine como actriz ya fuera con Fellini o con el cineasta underground Philippe Garret en París, su segundo hogar junto a Nueva York.

La directora italiana Susanna Nicchiarelli se suma a la tendencia actual de los biopic que no parecen biopic. Toman una parte por el todo y profundizan en mayor o menor medida en el personaje correspondiente haciendo una cata de un momento determinado de su biografía. En este caso de su último año. Y lo hace con un resultado notable con un guión excelente de la propia directora donde todo lo comentado en el primer párrafo solo se intuye a través del rostro ajado, desilusionado, cansado y machacado por las drogas de una Nico que en sus propias palabras ha visto el vacío que se esconde tanto en el éxito como en el fracaso en permanente búsqueda del "sonido de la derrota" del Berlín de su infancia y que se agarra a la ultima tabla de salvación de un hijo sin padre (probablemente de Alain Delón) que está apunto de hundirse con los restos del naufragio de su madre, Nicchiarelli nunca pierde el rumbo, sabe lo que quiere contar y lo hace con solvencia tras la cámara apoyada en la actriz, cantante y compositora danesa Tryni Dyrholm entregada a su personaje. Sin apartar la vista de Nico, Nicchiarelli es capaz de ocuparse con acierto de la galería de personajes que la acompañan por esa gira caótica y cutre que vive de las rentas de un pasado en unos países del este que están ávidos por el futuro.

Nico falleció en el 88 en Ibiza por un accidente del que fue mal atendida y peor diagnosticada. A Nicchiarelli hay que seguirle la pista. 

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Bob el jugador
Bob el jugador (1956)
  • 7,2
    1.419
  • Francia Jean-Pierre Melville
  • Roger Duchesne, Isabelle Corey, Daniel Cauchy, Guy Decomble, ...
8
LA JUNGLE DE L´ASPHALTE
Quizás hace treinta años se podría decir que Jean-Pierre Melville (París, 1917-73) era uno de los grandes directores olvidados si uno no era muy cinéfilo. Hoy día nombres como John Ford o Billy Wilder tampoco es que digan mucho a los que nacieron hace tres décadas. El Cine, con mayúsculas, ha dejado de ser el vehículo principal para enseñar divirtiendo a las clases populares. El Arte y el entretenimiento visual tienen hoy día para bien y para mal infinidad de rostros, que han acabado por destronar a la gran pantalla. Eso no quita para que su esencia siga ahí para que se haya transmutado y evolucionado, para que siga más vivo que nunca en cuanto a contenidos y distribución por mucho que las salas, los grandes templos oscuros de los sueños vayan caminando más rápido que lentamente por la senda de los elefantes hacía su mítico cementerio, donde su legado de millones de colmillos de celuloide se acumulan como el mayor de los tesoros.

A Melville, apellidado Grumbach, le encantaba el cine de John Huston, el noir estadounidense y decidió versionarlo en Francia. Obviamente no solo hizo noir. Empezó a los treinta años como Juan Palomo y llegó a crear su propia productora y sus propios estudios (Jenner). Esto, sumado a la buena aceptación de sus films le otorgó la libertad creativa para tener una mirada y un lenguaje propio y conseguir trabajar con los actores y actrices más cotizados. Los apóstoles de "Cahiers du Cinéma" le ensalzaron y reconocieron la influencia de su semilla en la "Nouvelle vague". Con todo y con ello, quizás por su amor por el cine USA, el cine Francés le fue enterrando entre nombres de directores más apegados al país en un actor de chauvinismo injusto con su obra.

Con "Bob, el jugador" comienza su serie noir. En blanco y negro como mandan los cánones, con gabardina bogartiana y Plymouth Belvedere convertible del 55, Bob, (no pudo contratar a un caro Jean Gabin y le dio el papel de su vida a Roger Duchesne)  un viejo zorro plateado, ludopata y buen ladrón como Dimas, se pasea por Pigalle (al que Henri Decae fotografía maravillosamente) y Montmartre como si fuera el Bronx, siempre tentando a la suerte, siempre jugándosela al todo o nada. Bob, tiene buen corazón, es generoso, ayuda a sus amigos (incluida la policia) y amigas para salir adelante en la jungla de la calle. Bob, sabe que se acercan su últimas apuestas en la vida y ejerce de Pigmalión con una adolescente Galatea (quince añitos tenía entonces Isabel Corey que se come la pantalla). Bob, vive en un mundo de hombres donde la camaradería es santo y seña, como lo fue en la vida del propio director durante la IIGM.  Se habla poco, se fuma y se bebe mucho, se planea un robo y Melville se acerca al alma de sus personajes a través de sus rostros, de las elipses, de los fueras de campo, de unos primeros planos que se mezclan con las calles regadas de un París vespertino y los neones de las noches interminables. Todo un derroche de estilo. Al final Bob como Dimas pagará por sus pecados pero la suerte le sonríe para entrar bien surtido en el reino de los cielos.

Neil Jordan realizó una versión notable en el 2002 con Nick Nolte a la cabeza y directores como Paul Thomas Anderson, Jin Jarmusch o Tarantino tienen la película de Melville como uno de sus referentes. Dicho queda.

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Los Increíbles 2
Los Increíbles 2 (2018)
  • 6,9
    17.527
  • Estados Unidos Brad Bird
  • Animation
9
SUPER
"Los cuatro fantásticos", más uno, siguen en plena forma después de 14 años en que las pantallas se han inundado de superhéroes de carne y hueso. Tan en buena forma que podríamos decir que su creador Brad Bird los ha superado dando un recital de lo que debería ser una película de superhéroes, sobre todo en su vertiente de acción. Solo Disney ha podido arrebatarle el Oscar a Disney. Y Pixar ha tenido que ceder ante Marvel. Spiderman y su nuevo universo, supongo que más hábil tejiendo redes les han arrebatado la estatuilla. Todo queda en casa en definitiva que dirá Disney.

Aporta esta entrega su granito de arena feminista tan del momento (no hay que olvidar que solo 4 de las 20 películas de Pixar tiene protagonista femenino) con el que aprendemos que los roles que ancestralmente vienen desempeñando las mujeres en la sociedad patriarcal no necesitan trajes vistosos de licra o de lo que sean,  para ejercer de superheroínas y conjugar dichos roles con su profesión, si es que les dejan, o sus inquietudes personales. Pero no nos engañemos, por encima de tan loable mensaje, se impone una película de acción ejemplar, con un ritmo trepidante y un guión que ya lo quisieran para si la familia Richard / Storm y compañía. Encuentra hueco Bird para lanzar su pulla contra la idiotización global y esclavitud mental a las que nos someten desde todo tipo de pantallas, grandes y pequeñas. Sazonado con buen humor y todo tipo de parafernalia superheroíca (el diseño de producción es espectacular), "Los Increíbles " siguen protegiendo a los de su especie ante tanta cinta mediocre. Volverán. Seguro.

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Blackwood
Blackwood (2018)
  • 4,6
    3.010
  • Estados Unidos Rodrigo Cortés
  • AnnaSophia Robb, Uma Thurman, Isabelle Fuhrman, Noah Silver, ...
6
TODO POR EL ARTE
Las habilidades cinematográficas de Cortés, que no son pocas, se ponen al servicio de la novela homónima del título original publicada en el 74 de la escritora de Filadelfia Lois Duncan (1934-2016). Duncan y sus novelas de terror y suspense para adolescentes han sido ampliamente adaptadas a la pantalla, sobre todo la trilogía que se creo a raíz de "Se lo que hiciste el último verano" (1973) que nutrió las taquillas a pesar de su escaso valor artístico. Cortés está muy por encima a ese nivel y saca partido a los clichés del género sin caer en los excesos típicos del mismo.

La historia promete mucho más de lo que acaba dando y el ritmo pausado que imprime el director explota la atmósfera todo lo que puede hasta que cede a mitad de metraje derrumbándose ante un guión que no es capaz de apuntalar con solvencia la esperanzadora trama gótica. Uma Thurman da brillo al cartel promocional y poco más, mientras que la joven Anasophie Robb aguanta el tirón protagónico y da un pasito más en su carrera apoyada por una sugerente Victoria Moroles.

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Hotel Artemis
Hotel Artemis (2018)
  • 5,2
    446
  • Reino Unido Drew Pearce
  • Jodie Foster, Sterling K. Brown, Sofia Boutella, Jeff Goldblum, ...
7
DIQUE SECO
Ya no es ninguna novedad el hecho de que un guionista de éxito de el salto a la dirección. Ha llovido mucho desde que Preston Sturges en el 39 abriera camino. La idea de base es buena y sugerente en este guión del propio Pearce y nos pone a "salivar" esperando que la cosa cuaje de otra manera a como al final lo hace. Una avejentada Jodie Foster toma las riendas del asunto con el oficio y la maestría que atesora como actriz. Su personaje como cada uno de los que la acompañan en este Hotel de nombre mitológico tienen potencial y hubieran merecido un mejor desarrollo. La escala de logros entre ellos se reparte donde la Foster se lleva la mejor parte del pastel. Goldblum y Zachary Quinto las migajas.

Estamos en un futuro muy cercano y la medicina punto cero o el número que corresponda asoma la patita en este Hotel de atmósfera tan vintage como futurista donde la fotografía de Chun Chun-hoom y el diseño de producción se nota que se han visto unas cuantas veces "Blade Runner". Drew Pearce se las apaña para que la cosa se mantenga lo suficientemente a flote para sostener nuestra atención. Algunos personajes como la asesina interpretada con acierto por Sofia Boutella o el entrañable "Everest" (David Bautista) contribuyen a ello.

Según va avanzando el metraje el guión se va desinflando y se vuelve convencional. Afortunadamente Pearce corta a tiempo y deja en el aire el deseo de más y mejor. Sobre todo mejor.

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Misión imposible: Fallout
Misión imposible: Fallout (2018)
  • 6,7
    12.966
  • Estados Unidos Christopher McQuarrie
  • Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, ...
6
" TIRORÍ, TIRORÍ" VI
Veintidós añitos ya de "tirori, tirori..." (Misión Imposible), una de las franquicias más longevas que adaptó a la gran pantalla la serie televisiva de éxito emitida del 66 al 73. Seis entregas en las que parece que no pasan los años por Tom Cruise que aúna en ellas el negocio (produce) con su pasión particular por las actividades de alto riesgo. Sabido es que no utiliza dobles y que se la juega con las distintas acrobacias, utilizando al mínimo los efectos CGI. Claro que tanto riesgo y tanta preparación de años para abordar escenas espectaculares no se yo hasta que punto solo le compensan a él. Hoy en día pueden igualarse sin tanto tiempo ni riesgo. O quizás ese sea uno de los alicientes por los cuales la franquicia tiene tanto éxito.

Uno ya se pierde en comparativas si esta o aquella entrega son mejores (todas son prácticamente clónicas)  pero lo que si es cierto que el binomio que han formado con esta y otras cintas anteriores Cruise y el director McQuarrie funciona notablemente, sobre todo en el campo del espectáculo de acción. Porque en definitiva la saga no es otra cosa que un rosario de "set pieces" al respecto sobre las que se articula una trama más o menos elaborada (más bien menos) y donde la adrenalina es la auténtica protagonista. Si uno ya acumula años como espectador toda esta parafernalia le produce un "deja vu", generalizado. En esta última entrega Cruise monopoliza más que nunca el reparto. Ya se ha encargado de que Rebecca Ferguson, le haga menos sombra que en la anterior y ata en corto a Vanessa Kirby otra peligrosa roba escenas. Henry Cavill por mucho que "sea" Superman y aspire a ser James Bond, no es rival hoy por hoy para un Cruise que se las sabe todas y domina el personaje. La credibilidad obviamente brilla por su ausencia en este tipo de films y si uno entra en el juego puede pasar un rato (no dos horas y media) entretenido.¿ Hasta cuando seguirá sonando la flauta mágica del "tirori, tirorí?. Hasta que el cuerpo (de Tom) aguante.

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Llenos de vida
Llenos de vida (2018)
  • 5,7
    203
  • Francia Agnès Jaoui
  • Agnès Jaoui, Jean-Pierre Bacri, Léa Drucker, Kévin Azaïs, ...
7
FERIA DE VANIDADES
Obviamente Agnés Joui no es Renoir, pero el espíritu de "La regla del juego" (1939) revolotea por esta ácida comedia con una estructura narrativa similar a "La fiesta de la vida" (Olivier Nakache / Éric Toledano) estrenada un año antes y también conducida con acierto al frente de un protagonismo coral  por Jean-Pierre Bacri. La directora, actriz, guionista y cantante Joui, viene formando tandem artístico compartiendo actuación y guiones con su pareja Bacri en toda su filmografía como directora con notables resultados. 

El asunto posee un arranque potente, los diálogos son divertidos e inteligentes y el casting del elenco no defrauda en absoluto, pero a menudo que transcurren los minutos la dispersión, el "picoteo", de los temas que aborda, si bien muestran un fresco generalizado de la "fauna" social, de sus traumas y miserias, se va diluyendo y aflora el dicho de: quien mucho abarca poco aprieta. "Place Publique" título original mucho más adecuado consigue hacerme reír y dejarme un poso agridulce al mismo tiempo. La diferencia de clases se deja notar pero es sobre todo una reflexión sobre como el paso del tiempo lo moldea todo, todo lo cambia y transforma convirtiendo en banal y efímero todas nuestras certezas y vanidades, nuestros egoísmos y miedos. Todo se airea en esta plaza publica al ritmo de hermosas y nostálgicas canciones.

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Mamma Mia: Una y otra vez
Mamma Mia: Una y otra vez (2018)
  • 5,8
    5.005
  • Reino Unido Ol Parker
  • Amanda Seyfried, Lily James, Christine Baranski, Julie Walters, ...
5
! MADRE MÍA !
Un cuarto de servilleta le habrá sobrado a Ol Parker para escribir el guión de esta segunda parte que se estrena diez años después del notable éxito de la primera. La pregunta es: ¿qué necesidad había?. Hombre, convocar a toda la tropa como en las viejas reuniones escolares, tiene su gracia. "Que bien te conservas", "estás más gordo", "¿ qué fue de lo tuyo?", "¿Te volviste a casar?", pero ni por esas. Este rosario de caras B apañadas de los ABBA, enhebra canciones coreografiadas para gozo de nostálgicos del grupo y divertimento de un público entregado a la fiesta ibicenca, o griega, o lo que sea. Mediterránea vamos. Para mayor gloria de estilismos "Camp" y Hippies de "Desigual". Mejor ellas que ellos siempre, tanto en sus versiones del pasado como del presente. El voluntarioso Pierce Brosnan supongo que volverá a optar al premio "Razzie" al peor actor. Debería haber hecho como la Streep que se pasa al final a saludar. Un final donde una Cher cuasi cyborg pone la guinda sin menearse demasiado no sea que se le salten las costuras.

La energía y vitalidad que ofrece la treintañera Lily James, se agradece. Y a otra cosa mariposa.

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La revolución silenciosa
La revolución silenciosa (2018)
  • 6,8
    1.102
  • Alemania Lars Kraume
  • Leonard Scheicher, Tom Gramenz, Lena Klenke, Isaiah Michalski, ...
9
MUROS
Afrontar el futuro cuando tu país ha quedado devastado por una guerra que él mismo ha iniciado, que has perdido, que cargas con la culpa por acción u omisión de un horror sistematizado, nuevo hasta la fecha, de un genocidio que quedará prendido para siempre como un estigma indeleble al pueblo que perteneces, se constituye una tarea titánica que solo la amnesia forzada espiritual y moral o el más férreo fanatismo pueden intentar superar.

Alemania dividida en dos, Este y Oeste lo consiguió a dos velocidades. Los del Oeste apoyados por la liquidez monetaria (Plan Marshall) de un "amigo" americano que no podía dejar una Europa caída a los pies del comunismo stalinista. Los del Oeste cambiaron un brutal dictador por otro que los tutelaba a distancia y añadía la sal de la ausencia de libertad a la herida bajo proclamas de un socialismo de trampantojo. En cualquier caso la recuperación fue antes económica que moral y ambas tuvieron que asumir un purgatorio de transición, de lucha interior, de sacrificio  de cada cual para seguir adelante. Durante años de todo esto no se habla o se habla poco.

Los cineastas alemanes contemporáneos desde Wolfgang Becker (Good bye Lenin / 2003), Dennis Gansel (La Ola / 2008) o Florian Henckel (La vida de los otros / 2006), hasta Christian Petzold (Barbara / 2012) o el italo alemán Giulio Ricciarelli (La conspiración de silencio / 2014) pasando por el propio Lars Kraume (El caso Fritz Bauer), tratan de conjurar todos esos demonios de su pueblo. De alzar la voz y la imagen, para asumir y soltar el lastre de su historia.

Con la cinta que nos ocupa fiel a su estilo de apoyarse en hechos reales, Kraume ha conseguido, a mi juicio, un cocktel poderoso, de fuerte sabor amargo pero con las gotas justas de comercialidad, apelando al melodrama y subtramas propias de adolescentes, para destilar empatia y emotividad. Los ingredientes a parte de los hechos narrados se basan en una sobresaliente elección de todo el casting donde tres de sus protagonistas y sus roles no dejan de evocarme, con todas las infinitas distancias, a De Niro, Newman y Redford antes de cumplir los 20. Tres jóvenes actores que seguro darán mucho que hablar si nada se tuerce, magníficamente secundados por el resto del elenco. Notable puesta en escena (siempre me maravilla el parque automovilístico de la época que utiliza el director) para un drama a pie de página de la historia que nos conmueve y nos transporta a tan solo unas décadas atrás donde los muros entre padres/ madres e hijos/as eran habituales, agrandando la brecha generacional innata, donde nuestros padres tenían una vida y un pasado que apenas nos llegaba en viejas fotos. Sus secretos más íntimos, siempre estaban bajo una llave que nos estaba vedada. Y más en este caso donde el pasado puede cercenar el futuro. Gran película.

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Happy End
Happy End (2017)
  • 6,1
    2.689
  • Austria Michael Haneke
  • Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Harduin, ...
7
! MUÉRASE QUIEN PUEDA !
Dicen que los grandes directores siempre hacen la misma película. Pudiera ser el caso de Haneke, siempre a vueltas con la decadencia de la alta burguesía occidental. Y más cuanto más viejo (77 años) y más sabio se hace. El imperio romano que cimienta toda nuestra cultura de este lado del mundo cayó. El Sacro Imperio Romano Germánico, quiso ser su sustituto y también se fue al traste. El tiempo y la decadencia funciona con todo. Y después de ya hartos de matarnos entre nosotros la UE quiso y quiere reverdecer laureles mientras que nos ha tocado presenciar como unos y otros intentan desmembrarla. Y como siempre, la decadencia de sus hombres y mujeres acomodados es la que conlleva el inevitable batacazo y vuelta a empezar.

Haneke va a degüello con un pilar tradicional: la familia. Esta familia tipo que tiene más que cubiertas sus necesidades básicas indiferente ante quienes no las tienen y que zozobra en un mundo globalizado y tecnológico generador de nuevos autistas punto cero. "Todos somos egocéntricos, falsos e hipócritas. Y a la vez, unos resentidos, tristes y solitarios", declara el autor y director austriaco. Hombre, uno piensa que en mayor o menor medida y ahí, como decía Cantinflas, está el detalle. En cualquier caso con tales presupuestos Haneke no deja títere con cabeza pasando por todas las generaciones. Los personajes son ambiguos e indefinidos a propósito reforzando el lado oculto, sea oscuro o no de cada ser humano sin respetar generaciones. Y lo hace con retranca, con humor, negro eso sí. Después de 6 años de ausencia y de su hiper premiada "Amor", a mi juicio sobrevalorada, y tras abandonar el proyecto de rodar"Flashmob", se le esperaba con ansia. A mi personalmente no me ha defraudado y empatizo más con este destripe socarrón y jocoso si es que ambos términos se pueden aplicar a un austriaco como Haneke, que con otros frescos de las miserias humanas a las que nos tiene acostumbrados en su docena de películas desde el 89. Con un reparto coral disciplinado y una escena final memorable, ante tanto hastío existencial parece que solo queda gritar: "Muérase quien pueda!

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Opus Dei, una cruzada silenciosa
Opus Dei, una cruzada silenciosa (2006)
  • 6,2
    132
  • Chile Marcela Said, Jean de Certeau
  • Documentary
6
!PELIGRO OBRA! ESTAMOS TRABAJANDO
El uso y abuso que el ser humano viene  realizando desde tiempo inmemorial con sus dioses es proverbial. El miedo a dejar de existir hace que las promesas de una inmortalidad paradisíaca sean ofertas muy tentadoras para prácticamente la totalidad de los mortales (mortales: o sea que la vamos a palmar si o si). Lo que podría ser un bálsamo reconfortante en nuestro paso por este "valle de lágrimas" en seguida se convirtió en una herramienta muy útil, probablemente la mejor de todas para que una minoría avispada se hiciera con las riendas de todos los demás agarrándoles por donde más duele: el espíritu. Siempre bien secundados por la Culpa y el Pecado, indisolubles como una pareja de la benemérita.

La religión católica, apostólica y romana como otras tantas a elegir a lo largo y ancho del planeta no podía ser ajena a este uso y abuso citado. Uno de sus ejemplares más destacados fue el creador del Opus Dei Josemaria Escrivá de Balaguer (Barbastro, Huesca, 1902-75), canonizado por la Iglesia Católica como Dios manda. Y al parecer, concretamente el 2 de Octubre de 1928, Dios le mandó que abriera un nuevo "camino" en la Iglesia y a lo mejor preveyendo los pingües beneficios que la obra publica y privada siempre ha dado al capitalismo lo llamó "Opus Dei" (la Obra de Dios).  Y hasta hoy, o hasta que Dios quiera.

Son listos. Les ha ido bien. Han sido capaces de funcionar como una autentico poder en la sombra y a la sombra de dictaduras como fueron la española o la chilena, las que están y las que vendrán y cualquier democracia que les de suficiente margen y han conseguido "colocar/ infiltrar", crear un entramado mundial con  sus pupilos más espabilados, de clase alta por supuesto y generalmente hombres. (Dios se olvidó de decirle en los primeros años a Escrivá que podía incorporar a mujeres. Lo hizo unos años después). Hombres y mujeres, que curiosamente se denominan números o numerarios, de misa diaria que se esfuerzan por ser los mejores en sus profesiones para acceder a los puestos de poder y control y así conseguir un mundo mejor (para ellos y la Orden por supuesto) siempre bajo el férreo control sectario de la Obra. Como en la Edad Media el que nace rico, rico para toda la vida y el pobre, pobre para toda la vida. Eso sí, debe aceptar su pobreza como servicio a Dios y de paso a los numerarios. El régimen de esclavitud y lavado de cerebro de las adolescentes de clases humildes que entran a servir literalmente en sus centros da para un volumen bien gordo.

Marcela Said y Jean de Certau apenas consiguen un corto esbozo, una tímida aproximación a las puertas cerradas a cal y canto de esta organización que vive de sus rentas, que son muchas y que en la medida de su posibilidades, que son también muchas mueven hilos que dan mucho miedo. Dios nos guarde.

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Marty
Marty (1955)
  • 7,5
    4.423
  • Estados Unidos Delbert Mann
  • Ernest Borgnine, Betsy Blair, Esther Minciotti, Joe Mantell, ...
8
EL MALO, EL FEO Y EL BUENO
Esta sencilla y entrañable comedia dramática marcó varios hitos en la historia de la cinematografía. La primera que consiguió premios de la Academia con un director debutante. La segunda que consiguió el doblete de Cannes y la Academia. La primera que gastó más en promoción que en producción. La más rentable en proporción a su coste de producción. Y sobre todo cambió la mentalidad de los grande estudios que descubrieron que películas de bajo presupuesto y con actores que no fueran cabeza de cartel podían cosechar pingües réditos artísticos y sobre todo económicos como cualquier otra producción.

Se dice que la productora de Burt Lancaster y Harold Hecht la concibió para conseguir desgravaciones fiscales preveyendo  que daría perdidas. Les salió el tiro por la culata, fue la que les dio mayores beneficios (3 millones sobre un costo de 340 mil dólares) Lancaster se mojó con su imagen en los trailers de promoción pero se escaqueo de figurar como productor en los créditos.  La cinta obtuvo el beneplácito de la crítica triunfando en Cannes con la Palma de Oro y el público USA lo refrendó. El guión no era otra cosa que una adaptación de una película de televisión del 53 para la prestigiosa serie televisiva "Philco tv Playhouse" que emitió la NBC, del propio autor de la misma Paddy Chayefsky y que había sido protagonizada por Rod Steiger y Nancy Marchand. Por unas u otras razones ambos protagonistas no repitieron y fueron reemplazados. Por un lado Borgnine con el que ya había trabajo Lancaster en "De aquí a la eternidad", pero Delbert Mann dado que Borgnine venia jugando roles de tipo duro, bravucón y malvado en clásicos inolvidables tenía dudas y fue el director Robert Aldrich quien le recomendó  e insistió para que le hiciera una prueba. El "malo y feo" Borgnine demostró que le sobraban dotes actorales para hacer también "el bueno" de esta y cualquier otra de las muchas películas que vendrían después, consagrándose  como uno de los grandes. Se llevó su único Oscar de los muchos que hubiera merecido. Y por el lado femenino Betsy Blair, que está perfecta en su replica a Borgnine y que tuvo que "conformarse" con la nominación al Oscar. Probablemente la Academia no se atrevió a dárselo a parte de los méritos de Jo van Fleet en "Al Este del Edén" que fue quien lo ganó, por la ideología marxista de Blair que por la misma razón a punto estuvo de perder el papel aún en tiempos de "caza de brujas" si no fuera por el empeño y la presión que ejerció Gene Kelly, entonces su marido, para que no fuera discriminada. La película también estuvo a punto de ser relegada a una exhibición en salas B e incluso a punto de ser cancelada por problemas fiscales de la United Artis con la productora. 

La primera imagen bajo los créditos iniciales de la abigarrada Arthur Avenue en el Bronx de Nueva York ya prefigura que la historia va de gente corriente, de origen latino e hispano, apegadas a sus costumbres y religión, católica en este caso. La presión social a la que el buen y noble carnicero Marty se ve sometido (casarse, formar una familia, cuidar de su madre...) y comportarse como se espera con sus amigotes del barrio, le causa dolor y abotargamiento existencial; está a punto de tirar la toalla, hasta que descubre a un alma gemela en un salón de baile. Marty tendrá que decidirse a romper muchas barrera externas e internas para poder ser él mismo y elegir su camino a la felicidad. Las subtramas familiares funcionan como un reflejo de los condicionantes sociales y religiosos de una época y una comunidad determinada al que se suma el protagonismo de las calles del barrio y sus gentes que Mann incorpora con acierto. Es imposible no sentirse identificado con esta pareja. En el fondo Marty y Claire somos todos. 

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Mary Shelley
Mary Shelley (2017)
  • 6,2
    2.469
  • Reino Unido Haifaa Al-Mansour
  • Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Maisie Williams, ...
6
ENTRE MONSTRUOS
Cuesta reconocer las virtudes cinematográficas de las que hizo gala la directora saudí en su notable opera prima "La bicicleta verde" (2012) más allá de seguir rompiendo moldes, ahora como primera directora de su país en Hollywood con "Desmelenada" (2018). Y aunque su salto a la industria occidental después de un lustro sigue conservando su impronta feminista, parece que los condicionantes de comercialidad de sus dos últimas entregas lastran bastante su frescura y libertad creativa.

Con este bien presentado (factura británica habitual) sucedáneo de parte de la tormentosa vida de la autora que en torno a sus diecinueve años dio a luz para la historia de la literatura a su"Frankenstein o el moderno Prometeo" (1818), Al-Mansour se mete en un jardín muy complicado del que no sale muy airosa. El guión, carne de cañón para la columna "Reel history" que publica semanalmente en "The Guardiam" la británica de ascendencia alemana Alex von Tunzelmann, se permite las licencias históricas más o menos graves que le interesan para condensar el periodo que va desde que conoce al poeta Percy Shelley con quien acabará casándose hasta la publicación de su obra cumbre. Es cierto que consigue esbozar las lineas maestras de la compleja psicología de la autora hasta esos momentos pero escamotea datos y profundiza poco en ellos. Quizás una serie de televisión con mas horas de metraje hubiera hecho más justicia a ese periodo de la vida de esta jovencita de educación liberal ilustrada, traumatizada por la muerte de su madre durante su parto, una madrastra castradora, mucha imaginación disparada por las nuevas corrientes científicas que abrían un futuro nuevo por explorar y una relación tortuosa con su marido, donde la teoría y las prácticas liberales se ponen a prueba.

Omite el guión en el que participa la propia directora el viaje por Europa de la pareja junto con la hermanastra de Mary, Claire Claimont nada más abandonar su casa paterna y en el que probablemente quedó embarazada, la negativa de su padre a ayudarla ante sus dificultades económicas. No se moja  en cuanto tuvo que ver el rechazo de su padre a su unión con Percy Shelley, en tanto este último dejó de aportarle ingresos como su pupilo y lo que es más grave nada dice de que  el original de Mary no iba más allá de un cuento corto (genial eso sí) y que fue con la colaboración de Percy como coautor que se convirtió en novela. Mary la reescribió entera en 1831, quizás nunca contenta con las aportaciones de Percy. También se da a entender que fue su primera obra publicada. Un año antes ya había publicado junto con Percy el libro de extenso título que narraba sus viajes por diversos países europeos.  Su compleja relación con "mi querido Hogg", en palabras de la autora, (el biógrafo  británico Thomas Jefferson Hogg), se desvirtúa y se reduce prácticamente a la nada. Su segundo hijo, con el que acudió a la reunión en Ginebra con Byron también brilla por su ausencia. Y todo en definitiva se reduce a una compleja decepción Romántica (con mayúsculas) ante su marido con el que se casó con 16 años, dándole el honor de ser el auténtico leitmotiv de su obra capital, cuando en realidad la propia Mary escribió en la introducción a su versión del 31 que fue durante su estancia en Escocia donde: "imaginé este libro". Probablemente antes de conocer a Percy y seguro que antes de tener diferencias con él.

A la postre el gran trabajo de Elle Fanning con apenas 19 años bien secundada por Bel Powley como su hermanastra son suficientes como para hacer interesante este esbozo desdibujado de un personaje muy complejo que merecía y merece otra película. O dos.

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Las grietas de Jara
Las grietas de Jara (2017)
  • 5,5
    295
  • Argentina Nicolás Gil Lavedra
  • Oscar Martínez, Joaquín Furriel, Soledad Villamil, Sara Sálamo, ...
5
REVOQUE
No acaba Gil Lavedra de alzar el vuelo en este su segundo film sobre la adaptación de la novela de su compatriota Claudia Piñeiro, un thriller que bajo el macguffin de su misterio, por otro lado muy predecible, no esconde otra cosa que un retrato psicológico que en mayor o menor medida refleja la crisis de los 40 de su protagonista. A Pablo Simó, arquitecto, no le gusta su vida. Ni profesional ni familiar. Tampoco le gusta el engranaje de corrupción, grande o pequeña en el que se mueve el mundo. La extorsión del Sr. Jara y su posterior desaparición, removerán sus cimientos (nunca mejor dicho). Claro que uno se pregunta que hubiera pasado si también en su vida no hubiera aparecido una joven tan atractiva como el personaje que interpreta Sara Sálamo. 

El caso es que gracias a las dos o tres intervenciones de Oscar Martinez, que marcan la diferencia (patético  Santiago Segura, que además produce) la tensión se sostiene en su primera mitad. Luego todo va rodando cuesta abajo. Lavedra juega con el tiempo intercalando flashback en un esfuerzo de dotar a la cinta de cierto ritmo narrativo que acaba siendo irregular en busca de una coda final que llega demasiado tarde para levantar el asunto.

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La cámara de Claire
La cámara de Claire (2017)
  • 6,3
    704
  • Corea del Sur Hong Sang-soo
  • Isabelle Huppert, Kim Min-hee, Shahira Fahmy, Jang Mi-Hee, ...
6
CANNES EN CANNES
Este director surcoreano al que se le compara con el parisino Éric Rohmer (1920-2010) no ha perdido el tiempo desde que empezó a dirigir cine a los 35 años en el 96. Supongo que sus films de escaso presupuesto y prácticamente nula puesta en escena le facilitan la labor de producción. El resultado son 27 películas en 23 años. La que nos ocupa es solo la tercera que veo desde que me "enganchó" con "En otro país" (2012). Desgraciadamente ni esta, ni "Ahora sí, antes no" (2015) me han provocado las mismas sensaciones.

Es innegable que posee un universo propio indisoluble de su propia experiencia como cineasta que incorpora a sus cintas con un lenguaje de metaficción y es capaz de extraer de lo cotidiano un puñado de reflexiones sobre aquello que desee plantear en cada momento. Su narrativa aparentemente simple funciona como síntesis o destilación de lo superfluo y no necesita prolongar el metraje (69 m. en esta ocasión).  Sus películas son carne de festival y sus vitrinas rebosan de variopintos premios.

Rodada en 12 días aprovechando su estancia en el Festival de Cannes, improvisa una situación a tres bandas entre un cineasta alcohólico y machista, su asistente y pareja y una empleada de ventas y distribución de sus films. Sus dramas afloran con la irrupción del personaje encarnado por la siempre sólida Huppert que cámara en mano va inmortalizando a cada uno de ellos con la convicción de que una vez atrapados en ese instante ya nunca serán iguales. El elenco, habituales de Sang-soo, sobre todo Kim Mihee parecen nadar agusto en el caldo de cultivo de su director y la cosa, al menos en mi caso no me produce ni frío ni calor. Sin embargo algo en el cine de este director sigue haciendo que no me desenganche de sus futuras o pasadas propuestas. A lo mejor en eso consiste su éxito.

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Spring
Spring (2014)
  • 5,6
    1.715
  • Estados Unidos Justin Benson, Aaron Moorhead
  • Lou Taylor Pucci, Nadia Hilker, Francesco Carnelutti, Shane Brady, ...
7
LA BELLA Y LA BESTIA
Me declaro fan de esta pareja, de este dúo indisoluble de cineastas estadounidenses que saben mezclar en su particular y original coctelera del fantástico diversos géneros donde el "sabor" a ciencia ficción y terror está impregnado con acierto de otros aromas, de otras texturas que lo potencian y enriquecen. Haciendo del escaso presupuesto virtud, colocan sus notables efectos especiales con mesura y precisión y activan la imaginación del espectador. 

La primavera (Spring) es un cambio de ciclo, de renovación de paso de la muerte invernal a la vida. Sobre este supuesto se entremezclan la vida de dos seres que necesitan de esa primavera para seguir adelante. "Spring" básicamente es una película de amor. Estoy muy de acuerdo con la cita de Joe Leydon en "Variety": "Si Richard Linklater intentase hacer un remake de ´La mujer pantera´, el resultado podría parecerse a ´Spring´."

Se habla mucho y bien, el dialogo es tan protagonista como el entorno de esa villa italiana generadora de una belleza inmortal que esconde, que ha sido testigo de secretos de igual calibre. La pareja protagonista posee la química necesaria requerida. Benson y Moorhead perfilan y dan volumen al personaje masculino con un preámbulo de tono muy diferente a lo que luego vendrá. Abundan, quizás en exceso en explicaciones sobre la naturaleza de ella. Fantasía, terror y mitología van de la mano según pasan los minutos, en una historia donde la bella y la bestia son un solo ser que se redime y sacrifica por amor. Como en los cuentos clásicos.

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La bruma
La bruma (2018)
  • 5,2
    743
  • Francia Daniel Roby
  • Romain Duris, Olga Kurylenko, Fantine Harduin, Michel Robin, ...
6
ENTRE TINIEBLAS
El canadiense Daniel Roby en su cuarto o quinto film (en 2018 estrenó otro proyecto) pasa de la millonaria serie "Versalles" a manejar unos pocos mimbres, bien dispuestos eso sí, para sacarse de la manga una película de género que funciona razonablemente bien como thriller donde la ciudad de París, cubierta por una espesa niebla o bruma se torna en un protagonista más.

Ante el desconcierto inicial de sus protagonistas frente a este supuesto fenómeno natural con connotaciones de plaga bíblica, sus prioridades básicas en un corto periodo de tiempo son todo el argumento, capaz de mantener la tensión. Es cierto que los personajes son esquemáticos y previsibles en beneficio de la acción y que la metáfora final está muy traída por los pelos, pero "La Bruma" posee atmósfera y entretiene que no es poco.

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Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas
Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas (2018)
  • 5,3
    3.380
  • Estados Unidos Genndy Tartakovsky
  • Animation
6
ZING
No hay dos sin tres. Repite Tartakovsky con su saga familiar monstruosa. El cambio de coguionista mejora la segunda entrega de unas secuelas que viven del rédito de la primera, conscientes de que en la liga de la animación no juegan por los puestos de cabeza, pero se mantienen que no es poco. Nuestros variopintos protagonistas se van de vacaciones, amor, humor y aventura para los más peques acompañados de papás y mamás y un cierto mensaje sobre el perdón, el respeto a las diferencias y el derecho paterno o materno a rehacer su vida con otras personas cuando por unas u otras causas la pareja se ha roto, sin que ello suponga menoscabo para el afecto primordial de los hijos en común. Dado que los monstruos son inmortales, seguro que la cosa continuará.

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El mejor verano de mi vida
El mejor verano de mi vida (2018)
  • 5,4
    4.006
  • España Dani de la Orden
  • Leo Harlem, Alejandro Serrano, Toni Acosta, Maggie Civantos, ...
4
NAFTALINA
De la Orden repite comedia costumbrista. Decir que "El pregón" (2016) me gustó más no es hacerle ningún favor a ninguna de las dos. Al menos la segunda terminé de verla, quizás porque el humor pausado de Buenafuente me gusta más que la verborrea espídica de un Leo Harlem, entregado eso sí, a su personaje, con un guión que parece un monologo ininterrumpido de los suyos a los que el director añade una estética de anuncio de Campofrio o Casa Tarradellas (con perdón de ambos). Revisitar subgéneros casi monopolios de otras épocas y de ilustres cómicos como Martinez Soria, no parece muy acertado hoy día o en cualquier caso una tarea más complicada y sutil que lo que proponen los cuatro guionistas de este "verano maravilloso" remake de la italiana "Sole a catinelle" (2013). Servidor no resistió ni una quincena. 

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