En Madrid en agosto de 2007, Curro entra en prisión tras participar en el atraco de una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de empezar una nueva vida con su novia de toda la vida Ana y su hijo, pero se encuentra con una situación inesperada y un desconocido, José, que le lleva a hacer un extraño viaje para saldar cuentas pendientes del pasado. El notable actor Raúl Arévalo debuta en el largometraje con este proyecto que le ha costado levantar algunos años, sin previo paso por el cortometraje. El actor ha aprendido de trabajos anteriores como "La isla mínima" para realizar este filme estructurado en capítulos al principio titulados "El bar", La familia" o "Ana" para seguir con "La ira" que ocupa la mayor parte del metraje. En los últimos años el género del thriller ha dado muchas satisfacciones al cine español, desde "Celda 211" hasta la citada película de Alberto Rodríguez. Lo que tiene de especial "Tarde para la ira" es que mantiene la tensión antes de los estallidos de violencia en esta historia de una gestación lenta de la ira y una venganza tardía, está emparentada con los thrillers de los años setenta, tiene ecos del western, la realización es seca e intensa y tiene una ambientación y una fotografía sucia acorde con la historia de unos personajes bien diseñados y que no pueden salir de su desdichado destino. En este sentido, los actores realizan estupendas interpretaciones, encabezados por Antonio de la Torre en un papel que recuerda al que hizo en "Caníbal" y Luis Callejo, en un personaje que es el contrapunto del de Jose, un hombre visceral. El triángulo lo completa Ruth Díaz, como una mujer atrapada, que fue premiada como mejor actriz en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia. Entre los secundarios cabe destacar sobre todo a Manolo Solo, que monopoliza una secuencia con su carismático personaje y Raúl Giménez como el hermano de Ana. Las actuaciones de Luis Callejo, Ruth Díaz y Manolo Solo pueden hacer que consigan ser reconocidos en materia de premios. Este año el thriller español vive un auge con títulos como "Cien años de perdón", "El hombre de las mil caras" o "Que Dios nos perdone". El debut de Raúl Arévalo se alza como uno de los mejores que ha dado el cine español reciente, por cómo está realizado y sus personajes para el recuerdo, así como en su día destacó la ópera prima de Agustín Díaz Yanes "Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto".

Valoración: 9

Lo mejor: la tensión que ofrece y las actuaciones de los actores.
Lo peor: que pueda pasar desapercibida para el gran público.

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En este otoño en que hay estrenos potentes de cine español ha llegado a salas españolas el segundo largometraje coescrito y dirigido por Pilar Palomero tras el notable y premiado “Las niñas”. Carla tiene catorce años y es una joven desafiante y rebelde. Vive en un viejo restaurante de carretera en las afueras de un pueblo con su joven madre soltera mientras falta a clase y pasa las horas con su amigo Efraín. Cuando la trabajadora social se da cuenta de que está embarazada de cinco meses, Carla ingresa en 'La Maternal', un centro para madres menores de edad donde comparte su día a día con otras jóvenes como ella. Juntas con sus bebés, se enfrentarán a este nuevo mundo de adultos para el que no les ha dado tiempo a prepararse.
La película es una ficción con elementos de documental que trata un tema poco visto en el cine sobre las madres menores de edad. Presenta a unas actrices no profesionales que cuentan sus vivencias pero lejos de caer en lo tremendista, la directora aragonesa deja que el espectador reflexione sobre esta problemática. En el aspecto narrativo cuenta con dos elipsis importantes que evitan presentar lugares comunes, vemos cómo una chica adolescente se enfrenta a una responsabilidad que no le pertoca por edad, quiere pasárselo bien pero también su bebé necesita que le cuide. También es importante la relación difícil de Carla con su madre que también la crió siendo muy joven. Esta es una obra que respira mucha verosimilitud que se ve reflejada en el estilo de la realización y en las creíbles actrices: Carla Quílez es un hallazgo impresionante y está bien acompañada de Ángela Cervantes como su madre en la ficción cuya manera de expresarse me ha recordado a la actriz Nora Navas. Además, hay que mencionar el trabajo de los educadores del centro y de las compañeras de la protagonista. Cabe señalar la ausencia de banda sonora y la canción “Tu calorro” de Estopa en una escena emotiva entre madre e hija.
Así pues, “La maternal” es una propuesta coherente con la anterior “Las niñas” y me gustaría ver cómo P. Palomero dirige otro tipo de historia sin personajes tan jóvenes. El film ganó con merecimiento la Concha de plata a mejor interpretación protagonista ex aequo para C. Quílez, es una lástima que por edad no haya optado al Goya revelación aunque espero que la cinta esté presente en la temporada de premios.

Valoración: 7’5
Lo mejor: la prodigiosa C. Quílez y la escena del baile entre ella y Penélope en la fiesta.
Lo peor: quizás falta sintetizar en el tramo central.

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Al principio de esta película vemos que las mismas manos del protagonista que amasan pan, luego son las que cogen fuerzas para ir al otro lado del muro que le separa de su amor. Años después de "Paradise now" en la que contaba la historia de dos soldados en misión terrrorista, Hany Abu Assad vuelve a ganar prestigio en festivales y a ser finalista al Oscar en la categoría de película extranjera con este preciso retrato de un joven atrapado por sus convicciones y amigos por ser un palestino que ve cómo los israelíes se apoderan de su territorio, el chantaje al que la policía le somete y el amor inocente y puro que siente por Nadia, que se convertirá en una decepción. En este sentido, hay que destacar que, al contrario que en otros films, la historia de amor no redime o hace más fuerte a la lucha de los personajes, sino que no puede tener un buen desenlace en las condiciones duras en las que ha surgido. Y es que la descripción social del conflicto es muy creíble, pero además la intriga con la que el director desarrolla la película hace que en todo momento el espectador mantenga el interés por lo que sucede, no hay una escena de sobra. Cuenta con actores sin experiencia, que potencian la verosimilitud y naturalidad con la que se suceden los hechos, (además de si pueden verla en versión original), entre los que hay que destacar a Adam Bakri y a Leem Lubani, además del actor W. Zuiaiter que sí tenía experiencia que encarna al policía que confía en la colaboración del protagonista.Y es que el tema central del film es la confianza en las relaciones personales. Lo que empieza con algún chiste entre amigos y una bonita pareja que se ve a escondidas, acaba en desilusión y con el protagonista que en el último momento actúa y no podrá volver atrás. Produce esta propuesta en el espectador una fuerza e impacto pocas veces visto en el último cine. Muy recomendable, una de la mejores de lo que va de año.

Florian Zeller ha debutado en la dirección de largometraje con este guion coescrito con Christopher Hamtom (“Expiación”) que adapta la obra teatral del primero. Anthony, un hombre de ochenta años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Dado el ir y venir de sus recuerdos ¿cuánto de su propia identidad podrá recordar con el paso del tiempo? Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida que su mente se deteriora, pero ¿no tiene ella derecho a vivir también su propia vida?

Esta coproducción británica es un poderoso drama familiar sobre la relación entre un padre anciano y su hija preocupada por él y que le cuida. El cine ha tratado enfermedades mentales como el Alzheimer como en “Siempre Alice” (por la que que Julianne Moore ganó el Oscar) pero la que nos ocupa consigue introducir al espectador de manera sutil en el proceso de desconcierto, confusión, incertidumbre y desasosiego de un enfermo de Alzheimer que confunde a las personas de su vida, el lugar en el que vive e incluso su propio pasado. En este sentido, la labor de montaje en la película es significativa por cómo va mostrando la degradada situación del padre y cómo afecta a sus más allegados. Esta es una de esas películas cuyo tipo de historia no necesita de grandes alardes o piruetas técnicas en la realización: se sustenta en el guion y los actores. Anthony Hopkins está inmenso como el padre del título que sufre una enfermedad mental en quizás su mejor actuación desde la aclamada “El silencio de los corderos” y “Lo que queda del día”, muy bien acompañado por Olivia Colman como su hija cuidadora Anne, demostrando fragilidad y emoción en ciertos momentos. Ambos fueron premiados con el Oscar (viendo la actuación de Colman, corrobora la merecida estatuilla dorada que ganó por “La favorita”) y seguramente sean candidatos por estos papeles. Además, cuenta con los actores Imogen Poots, Rufus Sewell y Olivia Williams en personajes más breves pero importantes en el argumento.

El film tuvo su preestreno este año en el festival de Sundance, recibió merecidamente el premio del público en el festival de San Sebastián con la nota más alta de su historia y ha ganado el premio a meor largometraje en la sección Cine del mundo del certamen Visual art de Lleida. Seguramente “The father” estará presente en la temporada de premios en los apartados de mejor actor protagonista, actriz secundaria, guion y montaje. De momento, ha obtenido seis nomianciones a los premios BIFA incluyendo mejor película británica independiente, director, guion, actor y montaje. Cabe apuntar que está previsto su estreno en España a finales de este mismo mes.

Valoración: 8'5
Lo mejor: la gran interpretación de Hopkins y cómo se muestra su estado mental.
Lo peor: que no quede claro la verdadera identidad de algún personaje secundario.

Después de “Machan” y la interesante “Nunca es demasiado tarde” Uberto Pasolini ha escrito y dirigido esta curiosa coproducción italiana, rumana y británica de aspecto inglés. John, un limpiador de ventanas de 35 años, dedica su vida a criar a su hijo Michael, un niño de cuatro años a quien su madre abandonó justo después de nacer. Ambos llevan una vida simple, elaborada a través de rituales diarios, en una relación de amor sin fisuras. Por desgracia, a John sólo le quedan unos cuantos meses de vida. Dado que no tiene familia, decide invertir los días que le quedan en buscar una nueva familia que adopte a Michael con el fin de salvar a su hijo de descubrir la terrible realidad de la vida.
Este es un notable drama sobre la relación entre un padre enfermo y un niño sin madre que logra ser emotivo. La película está realizada de manera contenida, sutil, dejando que el espectador vaya descubriendo a medida que avanza el metraje la situación familiar: el motivo de la adopción y la ausencia de la madre de Michael. A la vez que los protagonistas, el espectador conoce a las posibles familias adoptivas y puede pensar cuál puede ser la mejor opción para el pequeño. Dos pilares fundamentales en que se sustenta el largometraje son las creíbles actuaciones del actor James Norton (“Mr. Jones”) como John y Daniel Lemont como Michael. Un intérprete adulto puede fingir el amor a un hijo pero el tipo de mirada del niño a su padre en la ficción, una mirada que tengo fija en el recuerdo, no se puede fingir. La película ha conseguido despertarme un instinto paternal que tenía aparcado a un lado, esa es la magia del cine.
El film se presentó este año en la Mostra de Venecia, recibió un lógico premio del público en la Seminci de Valladolid y tuve la oportunidad de verlo en el nuevo certamen Visual art de Lleida. Cabe apuntar que está previsto su estreno en España el próximo febrero.

Valoración: 8
Lo mejor: ver la realista relación paterno-filial y cómo el niño mira a su padre.
Lo peor: que pueda pasar desapercibida en el gran público.