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Críticas de José Barriga
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Críticas 62
Críticas ordenadas por utilidad
10
12 de noviembre de 2011
110 de 137 usuarios han encontrado esta crítica útil
El caballo, símbolo de lo feroz y salvaje, del impulso vital de la vida, se encuentra enfermo, viejo y cansado, con ánimos de entregarse a la muerte, al igual que su dueño, el cochero, un hombre desgastado y sin fuerzas que únicamente soporta el peso del tiempo que cada vez se hace más insoportable. La hija, alegoría de la juventud sometida y domesticada por la severidad estoica, hacia la simbología de la firmeza o resistencia como punto final a lo ilógico de una humanidad en donde el acopio de bienes refleja el valor humano. La caligrafía visual y el lenguaje cinematográfico de Tarr me cautivan como lo hiciera con sus filmes anteriores. La casi ausencia de diálogos —y cuando suceden hipnotizan escalofriantemente—, la ingeniería del sonido recreado posteriormente a la filmación, la única pieza musical que define perfectamente al filme, la gloriosa fotografía —la mejor del año— de contrastes y sombras, de reflejos y oscuridades, y de polvos y tinieblas, y sobre todo, la sabia dirección de un realizador que consigue un dominio total de su película, hacen que esta rara y radical obra de arte, jamás abandone mi memoria. Creo que jamás poder olvidar el ultimo fotograma, esa última imagen que define el días seis, ese día que antecede al día siete de descanso, de inactividad, de muerte. Tarr nos dice en su película lo que nos decía Nietzsche en sus libros, que tanto el dolor como el caos son los protagonistas de la historia y que la vida debía destilar dionisismo y no nihilismo. Quizás el reconocer que la llama —representada por el caballo victorioso— que podría avivar el fuego de ese übermensch que Nietzsche propugnaba par un futuro, se estaba extinguiendo, fue lo que produjo aquel misterioso hecho en Turín y la posterior locura del filosofo. Pero esto es meramente una especulación, y de especulaciones e interpretaciones —y no de verdades— está conformada la historia, y esta interpretación de Bela Tarr sobre la humanidad me resulta increíblemente magnifica y altamente artística. Obra maestra que da fin a la carrera cinematográfica de un artista irrepetible.
José Barriga
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7
1 de octubre de 2011
19 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
Athina Rachel Tsangari, consigue un conjunto excepcional, tanto en su argumento como en su ornamenta. Con actuaciones brutalmente reales y escenas que no dan cabida a la ficción —especialmente las sexuales—. Una brillante banda sonora acompaña la minuciosa edición, el tema de Francoise Harde “Suicide” define originalmente este raro pero bello espécimen cinematográfico. “Attenberg” no es una película sobre un inicio, la llegada al climax y un desenlace. Es una película para visionar, discutir, analizar y profundizar. Una cinta que atiende más a factores filosóficos, vitalistas y antropológicos, que ha factores meramente cinematográficos o de entretenimiento. Una rara especie que a ratos resulta deslumbrante, provocadora y hasta conmovedora. Una película ingeniosa y de gran alcance analítico.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
José Barriga
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6
2 de diciembre de 2012
17 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Para un venezolano hablar sobre el cine venezolano resulta hoy en día algo penoso e intrascendente. Principalmente por la poca veracidad de la «calidad» cinematográfica que azota el panorama artístico nacional. Año tras año se han estrenado proyectos fílmicos que pretendían generar un punto de inflexión a tal panorama, cuyo insuficiente resultado lograría meramente acentuar los mismos huecos y fallas que padecía –y posiblemente aun padece– el cine patrio. Con la llegada de Azul y no tan rosa, se confirma la premisa de que necesitamos intervención extranjera para poder vislumbrar algo de eficacia cinematográfica en las salas de cine de nuestro país.
Siendo una coproducción Venezolana – Española y bajo el apoyo de Ibermedia, Azul y no tan rosa viene a plantear una nueva modalidad de narrar historias rompiendo viejos y cansinos estereotipos del cine nacional. La ópera prima de Miguel Ferrari es una ráfaga de aire fresco para el rostro y un indicio de esperanza para el cine venezolano.
Pese a todo lo dicho, la película no escapa de errores puntuales y de poseer ciertos defectos en su narrativa y su ejecución. El guión de Miguel Ferrari que nadea entre la comedia y el drama no logra equilibrar precisamente estos dos géneros. Momentos jocosos y una que otra secuencia dramática jamás logran conectarse adecuadamente dando como resultado un ritmo argumental algo irregular. Además, el exceso de referencias cinematográficas que emplea Ferrari, son tan precisas que por momentos se cree ver un film de Almodóvar de serie b.
Azul y no tan rosa, pretende contarnos la historia de este hombre que se reencuentra con su hijo y al mismo tiempo se despide del gran amor de su vida. Un discurso de tolerancia y buenos propósitos, que se ejecuta trastocando viejos tabúes de la sociedad venezolana. El problema radica en que la ambición del argumento es tan grande–pretendiendo abarcar tantos temas–, que finalmente termina por arrojar giros argumentales con carencia de veracidad y opta por concluir todo de la manera más fácil con un desenlace demasiado previsible y poco inteligente. Miguel Ferrari deleita la retina del espectador con una estética impresionante y deja de lado profundizar en un argumento que merecía ser explotado.
Azul y no tan rosa es la ópera prima de Miguel Ferrari, también es a su vez un punto de partida para el auge de historias diferentes en el cine patrio y la representación de un antes y un después en la cinematografía nacional. Gracias a su excéntrico argumento, sus personajes entrañables y su interesante diseño de producción, Azul y no tan rosa es una película simpática que merece ser visionada. Orgullo nacional.

José Barriga
http://academyawards2009.blogspot.com
José Barriga
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6
14 de octubre de 2014
13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Debut en la pantalla de Hong Khaou, cinta que él mismo ha escrito y que protagonizarán Ben Whishaw y Cheng Pei Pei. La película nos narrará la historia de una inmigrante china (Pei Pei) en el Reino Unido que se queda desamparada cuando muere su hijo (Leung). Whishaw encarnará al amante de este último, un joven que la mujer piensa que es el compañero de cuarto de su fallecido descendiente. Ambos se verán obligados a superar sus diferencias y a unirse en el dolor de la pérdida del ser querido, y ello a pesar de que hablan distintos idiomas. Una película que parece de temática gay pero que se mueve en otro terreno, el de la pérdida, el perdón, el choque cultural, la vejez y la redención. Hong Khaou ha creado una pequeña pieza meticulosa que se construye desde la anécdota. Todo me resulta minucioso, minimalista e impregnado de un aire de tristeza. Dirigido con una sensibilidad extrema, el film resulta entrañable en muchos aspectos. Absolutamente fascinante el trabajo actoral de Ben Whishaw. Muy interesante.
José Barriga
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6
23 de enero de 2012
12 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Artist, recurre a representar arquetípicamente y con sumo cuidado del detalle, toda la caracterización y la artesanía de las películas del cine mudo, para contarnos esta historia de cine dentro del cine, rememorando y celebrando —con cognición de la aflicción que puede generar— la cúspide de la genealogía del séptimo arte. Pero no todo es maravilla y encanto en The Artist. La cinta de Hazanavicius, que parte de un guión un tanto superficial, recae en la terrible modalidad del tributo engañoso. Aquel en dónde sólo se puntualizan —con artificio y algo de astucia— los brillos que proyecta la superficie (el envoltorio) de este mundo primitivo. La película se va por el camino más fácil y condescendiente al público por la que fue creada —que sigan lloviendo los premios y los aplausos— y obvia el adentrarse y profundizar en la directriz analítica que demanda el tema. Como por ejemplo, representar con más respeto por la realidad, las miserias del cine mudo hollywoodense (no todo era tan fácil en aquella época, la historia de Peppy Miller es tramposa y nada creíble); analizar y recalcar la caída de la calidad cinematográfica con la aparición del cine sonoro, ya que la calidad visual de las películas en los años 20 (cine mudo) era increíblemente alta, junto a otros factores argumentales que se perciben inconclusos (como la extraña y obsesiva relación entre los protagonistas). Cómo pretexto para enaltecer y copiar la formula grafica del cine mudo, The Artist, es meramente una historia de dos actores cuyas carreras cambia con el auge técnico de la industria. Una película en donde abunda el encanto, el asombro y la magia (aunque en este caso es el truco) y escasea la nostalgia y la melancolía por los años que se fueron. Un tributo con mucho melado y pocos suspiros. Un bonito homenaje visual, con un guión —y un montaje— deficiente y trivial, que debió encarar con valentía e inteligencia, la verdadera naturaleza de aquellos años y aquel remoto mundo artístico. Siempre llevare en mi mente la picardía platónica de lo que puso ser The Artist, y de ese modo me doy cuenta, que la película perdería más de la mitad de su atolondrada audiencia. The Artist es demasiado mansa para mi gusto. Brilla, o consigue brillar de la manera más fácil, gracias al homenaje que plantea. Una película con un argumento pobre y una dirección demasiado corriente y uniforme. Poseedora de buenas actuaciones y una factura técnica de primera. Una cinta muda que convence engañosamente, usando un mínimo porcentaje de la realidad y grandes cantidades de edulcorantes. Fácil de ver (aunque no lo parezca), pero no de olvidar (lamentablemente). Se deja ver. Mientras tanto, me sigo preguntando: ¿cómo sería el resultado si futuras generaciones y civilizaciones plantearan una expresión artística que homenajeara al cine hollywoodense del siglo XXI? ¿Tendría el mismo resultado mediático que The Artist?
José Barriga
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