Como se recoge en la mitología griega, el sol fue lo que mató a Ícaro. Un faro de una atracción irresistible que le invitaba a volar cada vez más alto, hasta fundirle súbitamente las alas y precipitarlo mortalmente al vacío.

En “El faro” no encontramos ni rastro de la calidez ni de los colores pastel de las representaciones renacentistas de Ícaro y Dédalo. Sus protagonistas son más bien como dos polillas ennegrecidas en una oscuridad hostil y asfixiante. Un insalubre y húmedo ambiente del cual solo se salva una luz inalcanzable. Una luz plena, divina, pura, hasta orgásmica, que representa como ninguna otra el deseo, el máximo anhelo posible.

Robert Eggers busca esta vez sumergir al espectador de lleno en el pesado mundo de la farolería. Es por ello que ya desde los instantes iniciales, mucho antes de cualquier explicación o historia introductoria, se toma su tiempo para cargar nuestros hombros con todas las penas de la profesión sin apenas una línea de diálogo.

Tan solo cuando tengáis las manos entumecidas de cargar carbón, la espalda dolorida de las mil y una reparaciones o los pies destrozados por la constante humedad, entonces y solo entonces se va a desencadenar la tormenta cinematográfica real: ásperos diálogos marinos, inquietantes visiones y tensión en constante ascenso.

Este es el momento en el que un duelo interpretativo como se ven pocos va a acapararlo todo. Entraremos en una nueva dimensión en la que no podremos apartar la mirada de los dos solitarios protagonistas: el huraño y enigmático Ephraim Winslow y el deslenguado lobo de mar Thomas Wake.

Robert Pattinson vuelve a demostrar (ahora más que nunca) el actor que es, y Willem Dafoe…, lo que hace Willem Dafoe esta vez no tiene calificativos. El actor nos regala no solo una de sus mejores interpretaciones (que ya es decir), sino muy probablemente uno de los marineros más antológicos que nunca se hayan visto en la ficción. El viejo Wake tiene lo mejor de John Silver el Largo, Archibald Haddock o el capitán Ahab. Más crudo que todos ellos, más ingenioso que nadie. Un mordaz farolero con un mar de ron recorriéndole las venas y una furia inaplacable que destila sal en cada blasfemia.

El formato televisivo (4:3), el imponente blanco y negro o el aura de atemporalidad del conjunto pueden engañar nuestros sentidos creándonos la sensación de estar viendo una película clásica, pero “El faro” es actual, y con ella Eggers no hace sino confirmarnos que es un director con un futuro de lo más ilusionante.


Tiene un aire de…

El lobo de mar (1941) + La bruja (2015) + Keepers, el misterio del faro (2018)

CQN.cat

Aviso para navegantes: evitad tráileres y sinopsis; esta es una de aquellas películas que se disfrutan mucho más sin saber nada de ella (como la mayoría de películas, de hecho, y especialmente de las de Sitges). Ahora bien, si pese a ello no os sentís preparados para saltar al vacío (¡cuánta impaciencia!), espero que esta crítica os sirva para saber el máximo con la mínima concreción…

En una idílica casa de campo familiar, Nell, Simon y sus tres hijos ultiman los preparativos para recibir a sus amigos y celebrar una Navidad especial. Los amigos van llegando y todo parece normal…, o no del todo. Nervios, conversaciones raras y actitudes poco naturales. Una extraña e inquietante atmósfera se hace cada vez más evidente, sin que nosotros, los espectadores, podamos dar con el quid de la cuestión.

Y a media película, de repente surge la epifanía, manifestada a partir de la incredulidad de uno de los niños. Del más despierto, el más temeroso. La visión y las dudas de Art (interpretado por Roman Griffin Davis, hijo de la directora) nos llevan a entenderlo todo, a atar cabos y a encontrar al fin la explicación a las actitudes y conversaciones anteriores.

El histerismo, el perfeccionismo, el vandalismo…, la pieza del puzle que nos faltaba nos es revelada no por parte de los resignados adultos, sino por la rebeldía de un niño que parece más despierto que todos ellos. Los espectadores somos partícipes de su mirada, la hacemos nuestra, y a partir de ahí ya estamos preparados para comprender la dimensión de la situación.

Con un buen elenco, esta es una cinta que rehúye los encorsetados tópicos del cine navideño (hasta el punto de que la fiesta en sí acaba siendo lo de menos) y abraza una muy suave ciencia ficción.

El primer largometraje de Camille Griffin como directora y también como guionista resulta ser una carta de presentación bien interesante, ¡y además se ha llevado el premio a mejor guion del Festival de Sitges 2021! Sin duda, vamos a seguir la pista a sus próximos proyectos.


Tiene un aire de…
Los amigos de Peter (1992) + La invitación (2015) + Calle Cloverfield 10 (2016)


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¿Os habéis quedado alguna vez encerrados fuera de casa?

Es una de mis especialidades. A veces por salir sin llaves y otras por cerrar y dejármelas puestas al otro lado de la cerradura. ¡Soy un desastre! He acabado pensando que cuando me pasa es porque mi subconsciente me obliga a pararme un momento, a hacer un break al estrés del día a día, aunque solo sea el momento de que dispongo hasta que mi pareja vuelva a casa o, en los casos más extremos, a que llegue el cerrajero. Es un momento curioso de extraña soledad, ya que realmente en la calle hay más gente.

Esta sensación es muy parecida a la que transmiten los personajes de la peli Castaway to the Moon, una producción surcoreana que narra la historia de dos protagonistas que viven dos realidades distintas pero a la vez paralelas. Uno es un náufrago en una isla desierta que, cuando acepta su condición, no quiere ser encontrado, y el otro es una agorafóbica que se crea todo un modus vivendi sin salir jamás de su habitación. Ambos tienen como nexo común que viven estas situaciones de aislamiento en medio de una gran metrópoli.

Se trata de un film cargado de simbolismo que salta del drama a la comedia y de la comedia al drama con mucha facilidad y cautiva constantemente al espectador con giros argumentales muy conseguidos.

El director y guionista Hey-Jun Lee nos invita, con una estética muy bien cuidada, a dejar el vacío y los artificios del consumismo de una sociedad a veces muy hostil e iniciar un viaje interior de descubrimiento de las necesidades reales de uno mismo.

Seguramente se trata de la peli coreana menos violenta y sanguinaria que he visto; pese a ello, demuestra una gran originalidad. Y, de hecho, quizá esa originalidad extrema en algunos momentos concretos pude llegar a parecer excesiva (algo bastante habitual en el cine asiático), pero creo que la calidad argumental y la estética general son sencillamente brillantes.

Seguramente, sin desmerecer ni a Tom Hanks en Cast Away ni a Matt Damon en The Martian, creo que el impronunciable Jung Jae-Young es, sin la menor duda, el náufrago más entrañable que he visto jamás.

Volviendo al tema de encontrarse encerrado fuera de casa, me han aconsejado más de una vez que esconda una copia de la llave cerca de la puerta. No les falta razón, pero entonces ¿cuándo encontraría un momento para autoaislarme?


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Vaya por delante que me gustan el gore y la serie B. También soy consciente de que de un director que se hace llamar Rob Zombie no pueden esperarse pelis del estilo de Woody Allen (incluso creo que Seagal es demasiado “soft” para él). Pero su última peli no me gustó.

A riesgo de ser linchado por sus incondicionales, voy a explayarme un poquitín más. La cinta realmente da lo que promete: payasos, motosierras, un enano hispano vestido de nazi… y sangre, mucha sangre.

Rob Zombie vuelve a sus inicios y abandona la experimentación hecha con “Lords of Salem” (2012) para retomar un tono más cercano a los slashers clásicos y a la serie B. Dicho de otro modo, el film mira de ser como “La casa de los 1000 cadáveres” (2003) o su secuela “Los renegados del diablo” (2005). Ahora bien, aunque esas primeras cintas tenían un guion lleno de clichés del género (creo que les llaman «homenajes»), te metían en una ambientación enfermiza, con un incremento de tensión y un humor negro muy adecuados, que las hacía muy disfrutables.

En el caso que nos ocupa, la ambientación enfermiza y la estética se mantienen…, pero todo lo demás falla. La cada vez más esquelética señora Zombie (Sheri Moon, la esposa del director) pulula con sus compañeros en un juego macabro y no demasiado entendible, perseguidos por psicópatas igual de tristes y desaprovechados, sin despertar interés de ningún tipo ni aportar nada de nuevo al género. Hasta el humor negro brilla por su ausencia.

Podría decirse que el film no tiene alma. Es un producto más que sus fans comprarán igualmente. Así lo demuestra, por ejemplo, su desenlace, que mira de ser tan salvaje como el de “Los renegados del diablo” y que finalmente parece más una mala parodia de esta.

Pese a mantener su estética e incluso una buena banda sonora, como es habitual en él, Rob Zombie se ha vuelto un mal imitador de sí mismo. Supongo que un mal día lo puede tener cualquiera.

Como pasaba en el Imperio Romano, mientras haya sangre, en Sitges gustará igualmente.

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De niños, todos hemos jugado con muñecos. Robots, dinosaurios, monstruos… Nuestra imaginación creaba un mundo con luchas épicas y aventuras espectaculares que solo nosotros éramos capaces de ver.

Pues bien, Nacho Vigalondo, en el que seguramente es su mejor largometraje, nos transporta de nuevo a la infancia y nos rememora aquellos combates, pero esta vez desde el punto de vista de unos adultos con traumas no resueltos y con ciertos problemas de alcoholismo.

Aunque por el argumento pueda parecer la típica peli de acción alocada, la cinta se aparta completamente de este género y centra su trama principal en la relación entre dos viejos amigos de infancia que se reencuentran después de varios años, ahora convertidos en una entrañable ni-ni (Anne Hathaway) y el regente de un bar (Jason Sudeikis). A partir de los problemas personales que ambos tienen, vamos adentrándonos poco a poco en un mundo histriónico y surrealista con el sello inconfundible de Vigalondo.

Actores entregados, guion fresco y original, monstruos espectaculares… El film, que se presentaba en el Festival de Sitges 2016 como sesión especial, no solo ha cumplido las expectativas creadas, sino que las ha superado ampliamente, demostrando por enésima vez la imaginación y espontaneidad de su director.

Os recomiendo, pues, que todos liberéis al monstruo que lleváis dentro y no dudéis en ir a verla tan pronto como llegue a las salas de cine. Vais a tener una experiencia, sin lugar a dudas, colosal.

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