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Críticas de AMQE
Críticas ordenadas por:
Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo
Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo (2018)
  • 6,0
    1.002
  • Estados Unidos Felix Van Groeningen
  • Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney, Amy Ryan, ...
6
Luto por los vivos.
No es esta una película que destaque por ningún aspecto en concreto. Ni por el tema, ya tratado en el cine en múltiples ocasiones, ni por su aspecto formal, ni siquiera por unas interpretaciones extraordinarias, lo que, seguramente, le otorga muchos números para pasar desapercibida en la cartelera. No obstante, si algo no se le puede negar a su director, Felix Van Groeningen, es el cuidado y el respeto con que trata a cada uno de sus personajes, haciendo de la honestidad el principal valor del film. Con un Steve Carell, muy alejado de la imagen frívola a la que nos tiene acostumbrados, y un Timothée Chalamet que confirma el talento ya apuntado en “Call me by your name”, como sus principales puntales, “Beautiful boy. Siempre serás mi hijo” explora las causas y efectos de la drogadicción, más bajo el punto de vista, no de la víctima principal, si no de los que sufren los daños colaterales, en este caso el padre, y también el resto de la familia, que ve, impotente, el proceso de autodestrucción que asola a su hijo.

Se la podrá acusar, y con gran parte de razón, de no esforzarse demasiado en disimular su alma de telefilm, incluso de ofrecer una imagen un tanto edulcorada del infierno de las drogas, pero el camino por el que opta Van Groeningen se revela igual de efectivo en su labor de concienciación sobre los efectos de la drogadicción. Quizás no esquiva los elementos más melodramáticos en pos de una comercialidad que va en detrimento de la autenticidad de lo que nos cuenta, no obstante el director belga se las ingenia para encontrar un equilibrio que le permite facturar un producto más que decente.

Lo mejor: la solidez del dúo Carell - Chalamet.

Lo peor: se echa en falta algo de sello personal que de robustez al relato.
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Mula
Mula (2018)
  • 6,8
    5.098
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Clint Eastwood, Bradley Cooper, Dianne Wiest, Michael Peña, ...
6
Gracias, maestro.
Entendida por todos como testamento cinematográfico, al menos a nivel interpretativo, “Mula” es la crónica de un hombre que, en el ocaso de su vida, busca la redención mediante su propio sacrificio. Personalmente, siempre me pareció ejemplar la forma que tuvo Clint Eastwood de despedirse en “Gran Torino”, por lo que este epílogo se me antoja innecesario. Aún así, “Mula” ofrece suficientes virtudes para recomendar su visionado. Por encima de todo, la constatación de que el de San Francisco sigue conservando intacto su carisma, lo que permite hacer atractivo un relato que interpretado por otro actor hubiera resultado demasiado plano. No hay que obviar, en este sentido, que el guión es poco arriesgado, muy previsible y los personajes secundarios son meras caricaturas (malotes y tías buenas, no hay mucha cosa más). No obstante, como digo, Eastwood se las ingenia para que la historia avance sin perder interés, con ese clasicismo marca de la casa, sabiendo aprovechar como nadie un personaje que le viene como anillo al dedo.

Desconozco si la historia de Earl Stone guarda paralelismos con la propia del actor y director, pero no es difícil interpretar que en esas reflexiones sobre el equilibrio entre trabajo y familia haya un poco de los dos. La humanidad que desprende y el cariño con el que es dibujado, denotan que al director de “Sin perdón” el personaje no le es del todo ajeno. Evidentemente, “Mula” no figurará entre las mejores películas del Eastwood director, pero mantendrá para siempre el honor (ojo, si el tiempo no dice lo contrario) de ofrecer la última interpretación de uno de los más grandes.

Lo mejor: la dignidad que Eastwood aporta a su personaje.

Lo peor: la sensación de que se le podía haber sacado mucho más jugo a la historia.
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Feedback
Feedback (2019)
  • 5,4
    284
  • España Pedro C. Alonso
  • Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, ...
3
The radio star.
Siempre he considerado atractivas las historias con pocos personajes encerrados en un único escenario. De ahí suelen salir películas interesantes, en las que la tensión y el suspense acostumbran a ser elementos habituales. En el caso que nos ocupa todo indicaba que podía haber un caldo de cultivo que nos trajera otra pequeña joya que incorporar al subgénero. Pero, lamentablemente, no es así. “Feedback” parte de una premisa argumental interesante, pero se muestra excesivamente torpe narrativamente hablando, tanto en la presentación de personajes como en el desarrollo de la historia.

La película del debutante Pedro C. Alonso, se ve lastrada por dos aspectos fundamentales. Por un lado, ni el protagonista principal ni los secundarios adquieren durante el relato suficiente entidad. Se quedan en meros estereotipos (sobre todo esa pareja de enmascarados) y caricaturas, retales de otras películas, sin personalidad propia. Ello aleja la historia del espectador, que se ve afectada a la vez (y aquí entraríamos en la segunda losa que impide que el film alce el vuelo) por un guión sin pulir, lleno de incoherencias y que deja al espectador con más de una pregunta al salir de la sala. La sensación es que se trata de un debut fallido, cuyas buenas intenciones se ven diluidas por la falta de oficio.

Lo mejor: la contundencia de alguna de sus escenas.

Lo peor: ni las actuaciones ni el desenlace ayudan a hacerla mínimamente creíble.
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Destroyer. Una mujer herida
Destroyer. Una mujer herida (2018)
  • 6,0
    670
  • Estados Unidos Karyn Kusama
  • Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, ...
6
Erin, la sucia.
Esta es una película fruto del signo de los tiempos. Esto es, un argumento que no tiene nada de original, pasado por el filtro del nuevo feminismo, protagonizado y dirigido por mujeres. Aspecto importante si tenemos en cuenta el punto de vista diferente que esto ofrece, sobretodo al personaje principal, defendido con dignidad por una Nicole Kidman, muy lejos de la imagen glamurosa a las que nos tiene acostumbrados.

Karyn Kusama propone un thriller seco, sucio, de reminiscencias ochenteras, en el cual no falta ningún elemento de los que caracterizaron el género. Traficantes, atracos imperfectos, dinero marcado y policías de vuelta de todo, atrapados por un pasado, en busca de redención. Y en el centro de todo ello, una perdedora en pleno proceso de autodestrucción. Aspectos que conforman una película que avanza en paralelo mediante flashbacks, en un juego narrativo del que Kusama logra salir airosa. Un divertimento con sabor a nostalgia que gustará a quienes añoran aquellos thrillers de justicieros callejeros.

Lo mejor: Kidman, dándole entidad a su personaje.

Lo peor: unos secundarios demasiado estereotipados.
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El vicio del poder
El vicio del poder (2018)
  • 7,0
    5.916
  • Estados Unidos Adam McKay
  • Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, ...
6
¿En qué creemos?
Estamos ante una de esas películas difíciles de catalogar. En principio es un biopic, pero también puede ser una comedia, un drama, una película sobre política, y, aunque no contenga ninguno de los elementos que caracterizan al género, una película de terror. No, no hay ningún tipo acechando a jovencitas en un callejón oscuro, pero sí, un asesino en serie eliminando desde el sillón de su despacho a miles de personas sin que le tiemble el pulso. Con el añadido que esto no ha salido de la imaginación de ningún guionista, si no que es real como la vida misma. Causa pavor, está claro, el retrato, no solo de Dick Cheney, sino de la historia política reciente estadounidense, que nos brinda Adam McKay. Horroriza comprobar en manos de quien ha estado el orden mundial. En manos de quien hemos estado todos, en definitiva. Y se nos hiela la sonrisa al comprobar cómo gente tan mediocre como el que fuera vicepresidente de los Estados Unidos, llegó a acumular tanto poder de decisión.

“El vicio del poder”, película que se postula como un imán a la hora de atraer premios diversos en todas las categorías, se muestra como una sátira despiadada hacia una persona y su entorno, hacia una manera de entender la política y las relaciones internacionales, siempre al servicio de los intereses personales de quienes sustentan el poder. McKay juega con el espectador y parece sentirse como pez en el agua mostrándonos el patio trasero de la Casa Blanca, alumbrando la cara oculta de la alta política mientras nos eriza el vello con revelaciones que dinamitan cualquier sentido de la ética y la justicia.

Y no sería justo dejar de destacar el gran trabajo de caracterización de los diferentes personajes que aparecen a lo largo del film, a la altura de la labor interpretativa que nos regala todo el elenco. Christian Bale esta soberbio, pero sus compañeros no le desmerecen en absoluto.

Lo mejor: la contundencia de lo que se nos muestra.

Lo peor: algunos tramos resultan indigestos.
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Border
Border (2018)
  • 6,7
    1.844
  • Suecia Ali Abbasi
  • Eva Melander, Eero Milonoff, Viktor Åkerblom, Joakim Olsson
6
Amor y gusanitos.
Estamos ante la reivindicación de la diferencia. Tan diferentes son los protagonistas de este relato entre el resto de la gente, como la misma película lo es respecto a las que habitualmente llegan a nuestras carteleras. Entre sus encantos está esa mezcla de thriller (el aroma a noir nórdico envuelve la película desde la primera escena) y fantasía, tan sugestiva como inhabitual, sacudida por una historia de amor extraña, puro lirismo freak elevado a sus más altas cotas. Pero no es solo la celebración de la discordancia lo que impera en la película de Abbasi, sino también el reclamo de la naturaleza como símbolo de vida, la contraposición del bosque como refugio físico y espiritual frente a una casa que es de todo menos un hogar. Transgresora y gamberra, “Border”, no obstante, nos obsequia con retazos de poesía visual y, frente al repetitivo esquematismo formal y narrativo del cine actual, es capaz de dejarnos unas cuantas escenas para el recuerdo, que no es poca cosa.

Lo mejor: Tina y Vore, desde ya, una de las parejas cinematográficas más singulares de la historia del cine.

Lo peor: un cierto exceso con el mal gusto.
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10 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sobre ruedas
Sobre ruedas (2018)
  • 6,2
    574
  • Francia Franck Dubosc
  • Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein, Gérard Darmon, ...
6
El milagro del amor.
¿Podemos ya decir que las mejores películas de humor de los últimos años provienen del cine francés? Títulos como “La cena de los idiotas”,“Bienvenidos al norte”, “Intocable” o “C'est la vie” bebían de la misma fuente que esta “Sobre ruedas” que ahora nos ocupa y que confirma al país galo como un referente contemporáneo a la hora de hacer reír al personal. Con historias sencillas, sin aparentemente grandes pretensiones, pero dejando que crítica social y relaciones humanas se vayan intercalando entre gag y gag, la comedia francesa ha ido penetrando en las carteleras internacionales en un proceso de globalización sin perder el poso de su esencia.

“Sobre ruedas” no es una excepción en este sentido. Apuntalada por un guión tan previsible como efectivo, la película de Frank Dubosc se atreve a pisar terreno delicado, presenta a un personaje principal envuelto en el patetismo de la inmadurez, con el que, sin embargo, no es difícil empatizar, y se lanza sin rubor, a los brazos de la comedia romántica más clásica. Y acaba dando lo que de ella se espera. Sin sorpresas, pero con la honestidad del trabajo bien hecho y dejando por el camino un puñado de inspiradas escenas.

Lo mejor: Frank Dubosc, delante y detrás de la cámara.

Lo peor: le faltan dosis de mala leche.
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Lazzaro feliz
Lazzaro feliz (2018)
  • 7,4
    2.347
  • Italia Alice Rohrwacher
  • Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Agnese Graziani, Luca Chikovani, ...
3
Porca miseria.
Película de no fácil visionado, que de entrada uno no acierta a situar en su concreto espacio-tiempo, ni le es sencillo establecer las distintas relaciones que hay entre sus personajes. Alice Rohrwacher, su directora, apuesta por darle a la historia un toque de fábula, de cuento mágico, con el fin de hacer algo más digerible el drama que expone ante nuestros ojos. En realidad, los personajes no tienen entidad propia, no importa su pasado, pues son meros simbolismos que se mueven en grupo como si de uno solo se tratara. Explotados, explotadores, riqueza y pobreza, y en medio de ellos la bondad, personificada en ese Lazzaro que quiere representar la esperanza en el ser humano ante la corrupción a todos los niveles que asola el mundo. Buenas intenciones, sin duda, que sin embargo, se ven lastradas por un guión que no acaba de funcionar. La falta de peso de los personajes hace que sea difícil identificarse con ellos, sus acciones en ocasiones rozan lo absurdo, quedándose en burdas caricaturas de un cuento para mayores. Sin negar la evidente herencia que recoge del cine italiano de posguerra, con el espíritu de Fellini sobrevolando constantemente la narración, “Lazzaro feliz” deja, no obstante, la sensación, no solo de ser una película fuera de tiempo, si no de no haber sabido llegar a los mínimos objetivos que su apuesta pretendía.

Lo mejor: sus buenas intenciones.

Lo peor: la falta de entidad de sus personajes.
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2 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El veredicto (La ley del menor)
El veredicto (La ley del menor) (2017)
  • 6,1
    728
  • Reino Unido Richard Eyre
  • Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, ...
3
Juez y parte.
Estamos ante una película que descoloca si uno espera, como un servidor, el típico drama en que una persona (en este caso el personaje de Fiona, interpretado por una Emma Thompson en horas bajas, a pesar que este parece un producto diseñado para su exclusivo lucimiento) debe luchar contra el fanatismo y la sinrazón de un paciente que prefiere morir antes que someterse al tratamiento médico incompatible con sus creencias religiosas. De todo esto hay, pero no forma el núcleo central del relato. Es más, el director Richard Eyre, lo despacha relativamente pronto, y lo que sucede a continuación deviene el grueso de la película. Esta está estructurada en torno a dos grandes temas. Un matrimonio en descomposición y la relación jurídico-afectiva que se establece entre la juez y el joven paciente. En ninguno de los dos parece sentirse cómodo el director, ni tener la suficiente habilidad para que el relato no transite a la deriva, pisando en no pocos momentos la línea del absurdo. Queda, eso sí, el academicismo y la profesionalidad interpretativa inherente al cine británico, argumentos que en este caso se muestran insuficientes para equilibrar la balanza. Demasiada corrección y hermetismo para que el transcurrir de los acontecimientos logre desatar el caudal de emociones que sin duda la historia demandaba.

Lo mejor: la valentía al tratar un tema siempre incómodo.

Lo peor: la sensación de desorientación que transmite todo el film.
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El amor menos pensado
El amor menos pensado (2018)
  • 6,3
    920
  • Argentina Juan Vera
  • Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Andrea Pietra, ...
6
Orden y recuerdos.
Estamos ante una comedia amable, no exenta de carga dramática, en la que se pone el foco hacia una pareja madura, que al cabo de muchos años de relación, descubren que, aunque se siguen profesando cariño, no solo ya no están enamorados el uno del otro, si no que les faltan alicientes para seguir juntos. Diríase “la crisis del nido vacío” (su único hijo abandona la casa para ir a estudiar al extranjero al comenzar el relato) o simplemente el deseo de poner fin a un matrimonio al empezar a dar este síntomas de putrefacción.

Como la mayoría del cine argentino, al menos el que tenemos la suerte de que llegue a nuestras pantallas, la película es un ejemplo de buenas interpretaciones y diálogos ingeniosos. No faltan las situaciones divertidas que, como era de esperar, vienen facilitadas por el discurrir de los acontecimientos. La torpeza en el arte del ligue moderno por parte del personaje de Marcos, o la pasión renovada que experimenta Ana con sus múltiples amantes serían un perfecto ejemplo de ello. No obstante, a “El amor menos pensado” le sobra tiempo también para la reflexión y la melancolía por una relación amorosa que hace tiempo se fue por el desagüe. Es en la acertada mezcla de estabilidad y ansias de aventura (que, significativamente discurre en paralelo con la opción de vida que acaba eligiendo su hijo) con la que batallarán durante toda la película ambos personajes, donde el film del debutante Juan Vera encuentra su razón de ser. Un acertado análisis sobre las crisis de pareja que, al final, acaba filtrando un mensaje más conservador de lo esperado.

Lo mejor: Ana, Marcos y el atardecer dominical tras la ventana como perfecto marco de su inminente ruptura.

Lo peor: una duración, que se antoja excesiva.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ángel
El ángel (2018)
  • 6,7
    3.390
  • Argentina Luis Ortega
  • Lorenzo Ferro, Chino Darín, Cecilia Roth, Daniel Fanego, ...
6
Ángel y demonio.
Cualquier país suele tener un puñado de famosos delincuentes acompañados por un aura de leyenda, que no pocas veces, han visto sus fechorías trasladadas a la gran pantalla. Esta vez, el cine argentino se ha hecho cargo de las desventuras de Carlos Robledo, joven que a principios de los años setenta sembró el pánico en Buenos Aires. Estamos ante la crónica criminal, febril y rabiosa, de un demente, contada a ritmo de rock. La falta de cualquier atisbo de ética y moral del personaje principal, la hace fascinante y repugnante a partes iguales. La naturalidad con la que Carlitos perpetraba los atracos y asesinatos, se ve perfectamente reflejada en la pantalla, primero por la extraordinaria interpretación que de él hace el actor Lorenzo Ferro, y también, por la distancia que toma la cámara de Luis Ortega, quien no escatima salpicar tan cruel relato de unas gotas de humor negro. La relación con sus padres, su creciente fascinación por el delito y sobre todo, la ambigua complicidad que formó con su compañero de hurtos, forman un conjunto irregular que, no obstante, nos deja una cuantas escenas de las que quedan en el recuerdo.

Lo mejor: la potencia de su personaje principal.

Lo peor: el tono de la película es algo irregular.
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Dogman
Dogman (2018)
  • 7,0
    3.282
  • Italia Matteo Garrone
  • Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, ...
8
Animales enjaulados.
Película que se sustenta sobre dos valiosas columnas. Una de ellas la forma el marco en el que se desarrolla la trama. Tanto el local donde Marcello, su protagonista, ejerce su profesión como el barrio en el que se ubica, degradado, hostil, perdido en el medio de ninguna parte, le dan carácter al relato, manifestándose como un protagonista más de la historia. Por otro lado, Marcello, al que da vida un impecable Marcello Fonte, se erige en el alma del film. Es en su enjuto rostro donde percibimos las huellas, cicatrices y estados de ánimo por los que atraviesa la película.

Matteo Garrone, que demuestra buena mano al abordar una historia realista, en la que el in crescendo de la violencia parece desde el primer momento inevitable, centra el relato en él y en su entorno, como si fuese un aventurero perdido en medio de una selva en la que debiera sobrevivir. Hay pocos momentos de alivio, de respirar algo de paz para de inmediato volver a luchar contra el acoso y derribo al que es sometido y que le hará llegar al límite. Como el David Summer de “Perros de paja”, Marcello experimentará un proceso de transformación, de pacífico ciudadano a bestia sin escrúpulos, como un perro contagiado por la rabia. Todo presentado con ese aire neorealista que hace que a uno, si cabe, se le hiele más la sangre.

Lo mejor: Marcello, actor y protagonista, tanto monta, monta tanto.

Lo peor: el rescate del perro.
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Bohemian Rhapsody
Bohemian Rhapsody (2018)
  • 7,4
    30.143
  • Reino Unido Bryan Singer
  • Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, ...
8
Songs of my life.
Era cuestión de tiempo que la historia del grupo Queen tuviera su versión cinematográfica. Una historia marcada por la personalidad arrolladora de su carismático cantante Freddie Mercury, convertida en atractivo caramelo para cualquier productor con sagaz visión comercial. Solo era necesario un buen guionista que supiera condensar una época plagada de altibajos, un reparto que se ajustara a lo que pedían los personajes y todo lo demás vendría rodado. El nostálgico viaje a los orígenes de uno de los mejores grupos de rock de la historia estaba listo para el despegue. El resultado es el esperado. Es prácticamente imposible que “Bohemian Rhapsody” no emocione y entusiasme a cualquier fan de Queen que se precie. La eficacia de su narrativa (sí, convencional pero de un poderío cautivador a prueba de bomba) salpicada de gotas de humor y momentos emotivos, los excelentes temas musicales que ejercen de hilo conductor de la trama y el magnífico clímax en forma de actuación en el concierto Live Aid, forman una fiesta de los sentidos ante la que es inútil resistirse y que le devuelven a uno a unos años en los que la música envolvía los sueños más auténticos. ¿Esto quiere decir que “Bohemian Rhapsody” no puede gustar a quien no comulgue con la música de Queen? Quiero pensar que no. Pues la historia tiene el suficiente atractivo para que la banda sonora no resulte indispensable para su goce y disfrute. Al fin y al cabo, se trata del ascenso, caída y resurrección que tantas veces hemos visto en el cine en cualquiera de sus formatos. Lo extraordinario en esta ocasión, no es solo el punto de veracidad de lo que se nos narra, ni siquiera la excelente composición que los actores hacen de cada uno de los miembros del grupo (con especial mención a un Rami Malek que borda el papel de Mercury),si no la capacidad que muestra todo el equipo para convertir el conjunto en una experiencia que trasciende lo cinematográfico.

Lo mejor: la recreación final de la actuación en el Live Aid, que por sí sola justifica pagar el precio de la entrada.

Lo peor: que al final no se pueda reclamar “otra!, otra!”.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Quién te cantará
Quién te cantará (2018)
  • 6,9
    4.828
  • España Carlos Vermut
  • Najwa Nimri, Eva Llorach, Carme Elías, Natalia de Molina, ...
3
Karaoke cinematográfico.
El cine de Pedro Almodóvar podrá gustar más o menos, pero es innegable que tiene un estilo reconocible. Cuando alguien alcanza la categoría de autor es cuando sus obras son claramente identificables, como es el caso del director manchego. Ahora ya sabemos también, que después de tantos años de carrera, su cine ha empezado a crear escuela. En “Quien te cantará” Carlos Vermut se empapa del universo almodovariano para servir un drama en el que están presentes muchos de los elementos que caracterizan la obra del director de “Volver”. La fama, la soledad, las relaciones familiares o un pasado oscuro del que no se consigue escapar son algunos de los temas que, igual que en muchas de las películas de Almodovar, sobrevuelan el film de Vermut. El problema es que, sin la pizca de genio que desprende el maestro, Vermut solo ha heredado el buen gusto por la puesta en escena, y en cambio los personajes resultan fríos y distantes, sus diálogos falsos y todo el conjunto artificioso. La historia es difícilmente creíble, los simbolismos suenan a impostados, y realmente solo alcanza algo de interés cuando sus personajes bajan al barro, se hacen de carne y hueso y transmiten emociones reales. Da la sensación que Vermut ha priorizado la forma antes que el fondo. Ha cuidado demasiado la estética y se ha olvidado de un guión que solo funciona a trompicones, con un tramo final del mismo que es un cúmulo de despropósitos e incoherencias.

Lo mejor: la primera escena entre Violeta y Marta.

Lo peor: su desenlace.
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22 de 38 usuarios han encontrado esta crítica útil
Carmen y Lola
Carmen y Lola (2018)
  • 6,9
    5.570
  • España Arantxa Echevarria
  • Zaira Morales, Rosy Rodriguez, Moreno Borja, Carolina Yuste, ...
6
Las mujeres que no pueden soñar.
Hoy en día, afortunadamente, ya no hay nada de original en presentar en el cine una relación amorosa entre personas del mismo sexo. Lo novedoso, en este caso, es hacerlo dentro de una comunidad tan cerrada en si misma como la gitana. La directora Arantxa Echevarría sabe aprovechar perfectamente el entorno para tocar, con elegancia y sensibilidad, un tema que continúa siendo tabú en ciertos ambientes, dándole al género de los primeros amores adolescentes una pátina de denuncia añadida. No es que Echevarría sepa, pueda, o simplemente quiera, sortear los clichés típicos del drama romántico, pero la naturalidad que le ofrecen los actores no profesionales y un uso inteligente del humor ayuda a sortear los lugares comunes. La película, en este sentido, no se aleja del chico-conoce-a-chica (aquí transformado en el chica-conoce-a-chica) y si bien el personaje de Lola está trazado con coherencia, la evolución del de Carmen no acaba de resultar creíble, así como algunos aspectos del guión que chirrían más de la cuenta. Esto hace que la película vaya claramente de más a menos y mediado el ecuador de la misma, uno tema por el descalabro final. Por suerte, en su último tramo, el relato sube en intensidad y alcanza su mayor nivel, quedando como un digno documento pionero en terrenos no explorados.

Lo mejor: cuando estalla el conflicto.

Lo peor: el guión es muy mejorable.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cold War
Cold War (2018)
  • 7,3
    9.124
  • Polonia Pawel Pawlikowski
  • Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szyc, ...
3
Cold love.
Si hay algo primordial en las historias de amor es que la pareja protagonista desprenda aquello que llamamos química, y que ésta tenga el suficiente poder para hacer que la pasión traspase la pantalla. Hacer que el espectador se pueda sentir identificado con una de las dos partes y que llegue a sentir ese romance como algo propio. Nada peor pues, que unos personajes distantes, una fotografía fría y una historia que avanza a trompicones, sin que podamos llegar a degustar la esencia de la relación. Que es lo que, simple y llanamente, ofrece “Cold war”. El director Pawel Pawlikowski, parece más preocupado por la forma que por el fondo, y así, en lo que en el mundo del cine se conoce como “un ataque de autor”, opta por fragmentar el relato, abusando de la elipsis, en un montaje que a uno le deja la sensación de haber asistido a un resumen de los capítulos de una serie. Ni el tono ni el ritmo parecen los más adecuados para una historia de amor-fou. Pero si hay algo que hace descarrilar la película no es otra cosa que las interpretaciones de su pareja principal. No hay diálogo, ni gesto ni palabra en el trabajo de Tomasz Kot y Joanna Kulig que puedan hacernos creer que están locos el uno por el otro y el conjunto acaba sonando tan falso y artificial como la versión jazzística de una canción tradicional polaca.

Lo mejor: el momento rock and roll.

Lo peor: que parezca estar hecha con la peor de las desganas.
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140 de 219 usuarios han encontrado esta crítica útil
El escándalo Ted Kennedy
El escándalo Ted Kennedy (2017)
  • 5,7
    586
  • Estados Unidos John Curran
  • Jason Clarke, Kate Mara, Bruce Dern, Ed Helms, ...
6
La conquista del espacio (electoral).
Esta es una de esas películas que nos acercan a hechos que muchos desconocíamos. Pequeñas historias que alteraron el curso de la Historia. John Curran pone algo de luz al desafortunado accidente que sufrió el senador Ted Kennedy en 1969 y que acabó con la vida de la secretaria Mary Jo Kopechne. Todo lo que sucederá a continuación dejará a la vista lo peor de la alta política. Los esfuerzos de asesores y abogados para ocultar la realidad, la falta de ética y de humanidad para salvar la carrera política de uno de los miembros de una de las más importantes familias de los Estados Unidos irá tomando aires trágicos a medida que el relato se vaya “shakespeareizando”. Fantasmas del pasado que se hacen presentes y que obligan a tomar decisiones de dudosa moralidad. La Familia siempre como punto de referencia, magníficamente representada por ese patriarca al que da vida un Bruce Dern, entre patético y contundente. Y las ansias de poder, al precio que sea, por encima de todo. “El escándalo Ted Kennedy” no esconde su voluntad de denuncia, pero, aún así, se echa de menos algo más de valentía a la hora de esclarecer el triste episodio. Demasiadas preguntas quedan en el aire, dejando la sensación de no haber querido hurgar más en la herida.

Lo mejor: esos encuentros entre Ted y su padre.

Lo peor: que al final del film, sigan habiendo puntos negros sin aclarar.
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Capitán
El Capitán (2017)
  • 6,7
    2.202
  • Alemania Robert Schwentke
  • Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Bernd Hölscher, ...
6
Tu cara me suena.
Estamos ante una película difícil de ver. Diría que incluso desagradable. En esta guerra no hay héroes, no hay honor ni gloria, no hay épica ni victoria. Al contrario, el director Robert Schwentke nos muestra el lado más oscuro del ser humano. El hambre, la desolación, la mentira, la traición, la tortura, el dolor, la crueldad, la muerte como resultado de la miseria humana. No encontraremos en su argumento ni un solo aspecto positivo, nada que nos alivie, a excepción de algún recurso estilístico, deudor sin duda de esa “lista de Schindler”, que aunque sin pretenderlo, revoletea en la historia, impregnada en la fotografía en blanco y negro de Florian Ballhaus. “El capitán” es una película que no engaña a nadie, una continúa huída hacia adelante que pone en evidencia el poder de los símbolos (espectacular, en este aspecto, el cambio que sufre el soldado protagonista con su nuevo uniforme, definido en el inspirado plano del espejo retrovisor) y la sinrazón de un conflicto que convierte a los hombres en meras alimañas. Un relato áspero al que su condición de estar basado en la realidad lo hace si cabe más perverso. Si acaso se advierte una leve indefinición narrativa que puede descolocar al espectador en algunos momentos, pero con sus virtudes y sus defectos, nadie podrá negar, una vez vista, que ha asistido a una de aquellas sesiones cinematográficas de las que revuelven conciencias y estómagos.

Lo mejor: su absoluta falta de concesiones.

Lo peor: narrativamente hablando se muestra irregular.
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11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Dos mujeres
Dos mujeres (2017)
  • 6,0
    423
  • Francia Martin Provost
  • Catherine Frot, Catherine Deneuve, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire, ...
6
La vida y la muerte.
La vida y la muerte, como la Merceditas que cantaba Serrat, tiene bordada en la boca esta Beátrice interpretada por la incombustible Catherine Deneuve, co-protagonista junto a Catherine Frot de este drama en forma de duelo actoral que narra el reencuentro después de muchos años de dos personajes antagónicos condenados a entenderse. Martin Provost, que ya demostró buena mano a la hora de retratar personajes femeninos con la apreciable “Seraphin”, brinda a la Denueve un personaje incómodo, ante el que es difícil sentir empatía, pero al que las toneladas de magnetismo que le aporta la actriz francesa le acaban otorgando la complicidad del espectador. Ante ella, una no menos valiosa Frot, despliega todo su arte en el papel de una madre soltera que ve como de un día para otro su plácida vida empieza a tambalearse. Los encuentros entre las dos damas, condicionados por un pasado del que aun sangran heridas, marcarán el ritmo de una película que es todo una oda a la naturalidad y al oficio, entendido desde el punto de vista más artesanal, en frente de las nuevas tecnologías. Hay mucha vida en sus fotogramas, pero la idea de la muerte siempre está presente. Ya sea en forma de recuerdo amargo o como la consecuencia lógica y natural del fin de ciclo. “No me importa morir, pues he vivido la vida que he querido”, dice en un momento dado Beátrice, y en esa frase se resume el sentir de un personaje que al hacer balance de su existencia solo echa de menos la hija que nunca tuvo, mientras que en ella Claire, el personaje que interpreta Catherine Frot acaba encontrando aquella madre que la vida le ha negado. Y aunque el rio de la vida se acabe llevando a las barcas destartaladas, Provost nos deja claro que al final del túnel siempre hay una luz de esperanza.

Lo mejor: cuando la “joie de vivre” se apodera del relato.

Lo peor: su tendencia a caer en lugares comunes.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rodin
Rodin (2017)
  • 4,6
    206
  • Francia Jacques Doillon
  • Vincent Lindon, Izia Higelin, Séverine Caneele, Edward Akrout, ...
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El artista y sus modelos.
Siempre he pensado que en el caso de los biopics, sobre todo si se trata de algún personaje histórico del que apenas conoces detalles de su vida y de su obra, lo interesante es que te despierten las ganas y la curiosidad por adentrarte en la vida del retratado. A veces una buena película puede descubrir a un artista cuyos trabajos te pueden cambiar la vida o al menos proporcionarte buenos momentos de disfrute. No sé si esta era la intención de Jacques Doillon a la hora de sumergirse en el mundo de Auguste Rodin, pero en cualquier caso se queda lejos de conseguir que nazca el interés por el arte del padre de “El pensador”.

Centrada en dos de las obsesiones que lo persiguieron en un momento concreto de su vida, la creación de la estatua dedicada al escritor Honoré de Balzac y su relación amorosa, llena de subidas y bajadas, con la también escultora Camille Claudel, la película de Doillon avanza a trompicones, sin una clara línea de continuidad narrativa, disimulando a golpe de artificiosa puesta en escena, su falta de nervio y pasión. Y esa ausencia de garra, a pesar del esforzado trabajo interpretativo de Vincent Lindon, a la hora de transmitir los pedazos de vida que Rodin dejaba en sus obras y en sus encuentros con Claudel, condena la película a la mediocridad del simple relato de unos acontecimientos a los que se ha sido incapaz de sacar todo su jugo. Al esbozo de arcilla por moldear.

Lo mejor: su parte didáctica.

Lo peor: la dimensión del personaje queda muy por encima del de la película.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil